현대미술 작품의 보존 방안에 관한 연구

허보람(Heo, Bo ram),한경순(Han, Kyeong soon) 한국전시산업융합연구원 2013 한국과학예술융합학회 Vol.14 No.-

Marcel Duchamp의 레디메이드(Ready-made)이후, 현대미술은 ‘다시 만들어 낼 수 없는 유일무이한 물질’이라는 기존의 예술 작품에 대한 개념에서 탈피하여 작가의 아이디어, 구상 자체를 예술 작품으로 인정하기 시작하였다. 최근 국내에서도 이러한 예술 개념을 바탕으로 많은 작가들이 활발한 작품 활동을 펼치고 있으며 수많은 작품들이 끊임없이 창작되고 있다. 국내의 현대미술은 여러 국제미술전에서 좋은 평가를 받으며 그 위상이 날로 높아져가고 있다. 그럼에도 현대미술 작품의 보존처리 결정에 대한 적절한 기준은 미흡한 실정이다. 달라진 예술의 개념에 따라 현대미술에서의 보존가의 역할 또한 새롭게 요구되고 있다. 다양하고 복잡한 현대미술의 특성으로 인해 과거에 비하여 보존가의 역할 범위가 훨씬 넓어지게 되었으며, 보존처리에 있어 합리적인 판단에 많은 어려움이 따른다. 기존에는 재료의 수명연장에 중점을 두어 실질적인 처리가 매우 중요하였으나, 현대미술의 보존은 이에 앞서 작가의 의도와 관련한 개념적인 문제를 해결해야 한다. 따라서 현대미술에 적합한 보존 이론을 바탕으로 보존처리 결정 기준의 확립이 시급하다. 본 연구의 내용을 요약하자면 다음과 같다. 본 연구에서는 현대미술 보존의 여러 문제점을 고찰하고 이를 보존윤리적인 차원에서 현대 보존 이론을 바탕으로 대안을 모색해 보고자 한다. 이를 위해 현대미술의 보존 이론과 주요 논점을 살펴보고 국내ㆍ외 사례연구를 통해 현재 활발하게 논의되고 있는 현대 보존 이론이 현대미술에 어떤 방법으로 적용되었는지 알아보았다. 현대미술 작품의 보존에 대해 결정을 내린다는 특별한 목적을 위해 만들어진 새로운 모델인 ‘모던아트와 컨템퍼러리 아트의 보존 복원에 관한 의사결정모델’을 연구하고 한계점을 지적한 뒤 수정안을 제시하였다. 이와 같이 본 연구는 현대미술 보존 방안의 최근 동향에 대한 기초 자료로서의 역할을 하고 현대미술 작품에 대한 보존 방안에 대해 재조명하는 계기를 마련해 줄 수 있을 것이다. 또한 본 연구의 의사결정모델 수정안은 현대미술의 보존에 있어서 실질적인 기준이 될 수 있을 것으로 기대한다. After the Ready-Made of Marcel Duchamp (1887-1968), break from the traditional concept of modern art “the unrepeatable and unique object” the artist’s idea, design itself can be recognized as art work. Such this concept is the basis of many contemporary arts such as minimalism, conceptual, installation art. Today in Korea, many artists are working based on this concept briskly and continually. Recently modern art in Korea conceded in various international art fairs and status increased greatly. Therefore a criterion of decision-making for conservation of contemporary art is needed. In addition, a new role of conservator is needed as appearing the new concept of art. Due to diverse and complicated characteristics of contemporary art, the range of influence of the role is widened and there are too many difficulties in a decision making of conservation methods in contemporary art. That is something existing, the practical treatment was very important focusing on prolongation of material life however prior to this, the conservation of contemporary art has to resolve conceptual problem related the artist’s intention so that conservation theory has emphasized. In this study, the summary of result is as follows; In this study, review the various problems of conservation of contemporary art in the respect of the concept and seek an alternative based on theory of preservation of contemporary art in terms of ethical scale. For this study, investigate the trends of characteristics of contemporary art and theory of conservation through domestic and abroad case studies including how theory of conservation applied for contemporary art. In addition, investigate the decision-making model for the conservation and restoration of modern and contemporary art, indicate the critical point and present the revised decision-making model. Likewise, this study can be a valuable part of the basic information providing recent trends of conservation treatment of contemporary art and through this study, it can be provided opportunities to refocus conservator’s role and direction in contemporary art. Besides, the revised decision-making model of this study as a concrete criterion in conservation of contemporary art can be expected.

Study on the Influence of Contemporary Art on Furniture Design -Based on the Analysis on <Stool with Partitions 1,2,3> with Key Features of Contemporary Art and Furniture Design –

김진우 한국가구학회 2009 한국가구학회지 Vol.20 No.6

The history repeatedly shows that designers have sought their creative inspiration from fine arts. <Stool with Partitions 1,2,3> was also influenced by contemporary art such as surrealism or installment works. This thesis aims to examine the inter-relationship between contemporary art and contemporary furniture design with examples of organic modernism and minimalism furniture design. Also, <Stool with Partitions 1,2,3> will be analyzed in light of such interdisciplinary relationship, explaining the significances of <Stool with Partitions 1,2,3> in scholastic perspective. The previous research analysis of finding out examples of how fine art and design sought mutual exchanges to develop will help to examine the significance of <Stool with Partitions 1,2,3> in the context of art history. This analysis could be used as an important academic material to understand the origin and characteristics of modern design furniture. The features of surrealism and minimalism will be discussed in light of their influences on and interactive relationship with organic modernism furniture design. This provides important basic material to further analyze <Stool with Partitions 1,2,3>. Furthermore, the artistic language and plastic features of contemporary sculptors and installment artists such as Jean Arp, Richard Serra and Anish Kapoor will be examined to show how <Stool with Partitions 1,2,3> integrated and combined main features of those artists. <Stool with Partitions 1,2,3> extracted cognitive and phenomenological aspects from Serra’s works that overwhelm viewers with their massive scales. Somewhat abstract yet somewhat primitive and dynamic features of Arp’s works was also referred to <Stool with Partitions 1,2,3>. <Stool with Partitions 1,2,3> are made of FRP, composed of three partitions and six stools. This work was analyzed in aspect of form, composition and function. They have organic and flexible formations with free composition availability which endow free disassemble and arrangement. Also, they have cognitive features as of small elements are freely dispersed upon spaces to bestow certain presences. Based on this, this thesis could develop scholastic researches that examine the mutual and interactive relationship between contemporary art and furniture design with much more detailed discussions and examples. The history repeatedly shows that designers have sought their creative inspiration from fine arts. <Stool with Partitions 1,2,3> was also influenced by contemporary art such as surrealism or installment works. This thesis aims to examine the inter-relationship between contemporary art and contemporary furniture design with examples of organic modernism and minimalism furniture design. Also, <Stool with Partitions 1,2,3> will be analyzed in light of such interdisciplinary relationship, explaining the significances of <Stool with Partitions 1,2,3> in scholastic perspective. The previous research analysis of finding out examples of how fine art and design sought mutual exchanges to develop will help to examine the significance of <Stool with Partitions 1,2,3> in the context of art history. This analysis could be used as an important academic material to understand the origin and characteristics of modern design furniture. The features of surrealism and minimalism will be discussed in light of their influences on and interactive relationship with organic modernism furniture design. This provides important basic material to further analyze <Stool with Partitions 1,2,3>. Furthermore, the artistic language and plastic features of contemporary sculptors and installment artists such as Jean Arp, Richard Serra and Anish Kapoor will be examined to show how <Stool with Partitions 1,2,3> integrated and combined main features of those artists. <Stool with Partitions 1,2,3> extracted cognitive and phenomenological aspects from Serra’s works that overwhelm viewers with their massive scales. Somewhat abstract yet somewhat primitive and dynamic features of Arp’s works was also referred to <Stool with Partitions 1,2,3>. <Stool with Partitions 1,2,3> are made of FRP, composed of three partitions and six stools. This work was analyzed in aspect of form, composition and function. They have organic and flexible formations with free composition availability which endow free disassemble and arrangement. Also, they have cognitive features as of small elements are freely dispersed upon spaces to bestow certain presences. Based on this, this thesis could develop scholastic researches that examine the mutual and interactive relationship between contemporary art and furniture design with much more detailed discussions and examples.

일본현대미술을 논하는 두 가지 길: 일본의 현대미술 혹은 현대일본의 미술

오윤정 한국근현대미술사학회(구 한국근대미술사학회) 2023 한국근현대미술사학 Vol.46 No.-

일본에서 1945년 이후 생산된 미술은 긴 시간 미술사보다는 미술비평에서 논의되어 왔다. 마치 영토를 나누듯 미술사와 미술비평이 1945년을 경계로 연구의 영역을 분담했다. 따라서 1945년 이후의 일본미술이 어떻게 역사화되는가를 이해하는 데에 비평가들의 글과 책이 중요한 텍스트가 된다. 실제로 비평가들은 개별 작가나 전시에 대한 평론 외에도 전후일본에 있어서 미술이 무엇인가를 묻거나, 전후미술의 사적 전개에 주목하는 등 전후미술 혹은 미술비평을 사후적으로 조망하는 저술 작업도 해왔다. 본 논문에서는 1986년 출판된 지바 시게오(千葉成夫)의 『현대미술일탈사: 1945~1985』 와 1998년 출판된 사와라기 노이(椹木野衣)의 『일본·현대·미술』의 검토를 통해 일본현대미술을 논하는 두 가지 접근을 비교하고자 한다. 두 책은 전후 미술비평서 가운데에서도 일본현대미술의 상을 만들어 내는 데에 중요한 역할을 한 저작으로 꼽힌다. 두 책 모두 미술의 전 장르를 고루고루 시대적 변천에 따라 추적하는 기술 방식을 취하지는 않는다. 구색 맞추기 하지 않고 편파적으로 서술한 덕분에 일본현대미술을 어떻게 정의하고 가치 매기고 있는지가 선명하게 드러난다. 12년의 시차를 두고 등장한 지바와 사와라기의 일본현대미술론은 후자가 전자를 “뒤집어 읽기” 위한 시도로 이해되기도 할 만큼 긴장 관계에 서 있다. 전자가 미술의 내적 논리에 초점을 두고 일본에서의 ‘현대미술’의 역사적 전개를 구조화한다면, 후자는 ‘현대일본’에 대한 비판적 성찰을 토대로 이곳에서 ‘미술’의 역사적 전개가 불가능함을 주장한다. 두 저자의 세대와 배경만큼이나 각 저서가 쓰인 시점의 차이도 둘의 일본현대미술론을 비교하는 데 중요하게 고려되어야 한다. “역사화는 역사화되는 측의 시대이념이 아니라 역사화하는 시대의 이념을 축으로 이루어진다”는 사토 도신의 지적처럼, 지바와 사와라기의 일본현대미술에 대한 인식의 차이는 1980년대 중반 일본과 1990년대 후반 일본의 시대 상황의 차이와 무관하지 않다. 본 논문은 일본 현대사의 맥락으로부터 두 비평가의 일본현대미술론을 읽어내려는 시도이다. In Japan, art since 1945 has long been a subject deliberated in the realm of art criticism rather than within the domain of art history. As if demarcating territories, art history and art criticism have divided their research areas along the boundary of 1945. Consequently, articles and books authored by art critics become crucial for understanding how Japanese art after 1945 has been historicized. Beyond reviewing individual artists and exhibitions, these critics have delved into comprehensive retrospectives, probing the essence of postwar art in Japan and charting its historical trajectory. This essay undertakes a comparative analysis of two distinct approaches to the discussion of Japanese contemporary art, spotlighting Chiba Shigeo’s Gendai Bijutsu Itsudatsushi, 1945-1985(The Deviant History of Contemporary Art, 1945-1985), published in 1986, and Sawaragi Noi’s Nihon·Gendai·Bijutsu (Japan·Contemporary·Art), released in 1998. Both volumes stand as seminal contributions to postwar art criticism, wielding significant influence in shaping the perception of Japanese contemporary art. Notably, neither work adheres to the conventional historical methodology of uniformly tracing all genres of art over time. Instead, their biased narratives explicitly reveal how they define and evaluate Japanese contemporary art. Written twelve years apart, Chiba’s and Sawaragi’s theories on Japanese contemporary art exist in a tension, with the latter seemingly endeavoring to “read backward” the former. Chiba delineates the historical development of “contemporary art” in Japan by focusing on the internal logic of art, while Sawaragi argues against the possibility of a historical progression of “art” within “contemporary Japan” through his critical analysis of its contradictions. The temporal divergence between the two books, along with the difference in generation and background between the authors, necessitates thoughtful consideration in the comparative analysis of their perspectives on Japanese contemporary art. As Satō Dōshin astutely observes, “historicization is not anchored in the ideology of the era being historicized but rather in the ideology of the period in which the historicization occurs.” The variance in Chiba’s and Sawaragi’s perceptions of Japanese contemporary art resonates with the temporal shift from mid-1980s Japan to late 1990s Japan. This paper endeavors to interpret the theories of these two critics within the contextual framework of contemporary Japanese history.

현대미술의 관점에서 본 현대자수의 표현양상 - 작가 연구 및 작품 분석을 중심으로 -

조원아 사단법인 한국조형디자인협회 2019 조형디자인연구 Vol.22 No.1

When entering the 20th century, each area of art underwent huge changes in the boundaries between genres. It was the same in contemporary fiber art. From Bauhaus (1919-1933) to Anni Albers (1899-1994), people proposed the artistic possibilities of textiles and grew out of the traditional methods in search of harmony with pure art. Starting at the "International Tapestry Biennial of Lausanne" held in 1962, works of fiber art distanced themselves from the old fixed common notions and began to pursue pure formativeness. Since the 1970s, fiber art was established as an area of formative art as artists changed their ideas of art in new ways. These changes of the times naturally brought changes to the expressive methods of fiber art as well. Contemporary embroidery also began to settle down as an independent genre with artistic values by growing out of old fixed ideas inclined toward technique. Early modern embroidery, which used to be made with a focus on decorative effects, had its expressive patterns expanded in diverse and complex ways according to the passing of time. This study set out to examine the expressive patterns of embroidery, which used to be considered as women's pastime in the field of traditional crafts, within the framework of contemporary art under the name of "contemporary embroidery" in relation to the characteristics of contemporary art. Art has changed according to the periodic and social changes with each of its genres organically connected to one another, which means that there might be limitations with the analysis of contemporary embroidery within an independent framework. The investigator recognized that the expressive patterns of contemporary embroidery could be understood from the four following perspectives of contemporary art: first, contemporary embroidery employed a method of subjective reproduction with an artist's formative language intervened in it rather than imitative reproduction to express an object; second, contemporary embroidery maximized the unique formativeness of embroidery and overcame its physical limitations by fusing together with an array of media; third, contemporary embroidery sought after the visualization of something invisible and immaterial beyond the expression of concreteness that was dominant in traditional and early modern embroidery; and finally, artists of contemporary embroidery were no longer subordinate to materials or techniques when expressing their ideas and internal messages. The present study investigated the expressive patterns of contemporary embroidery in four areas, which include artistic reproduction through formative language, fusion with various media, diversification of objects of expression, and conceptualization of creative intention, shedding light on the formative possibilities and unique potential values of contemporary embroidery. 20세기에 이르러 예술의 각 분야는 장르간의 경계가 허물어지는 큰 변화가 이루어졌고 이에 현대 섬유예술 역시 바우하우스(Bauhaus, 1919-1933)에 이르러 아니 알베르스(Anni Albers, 1899-1994)가 직물의 예술적 가능성을 제시하며 전통적인 방식으로부터 벗어나 순수예술과의 조화를 모색하게 되었다. 1962년에 개최된 ‘로잔느 국제 타피스트리 비엔날레(International Tapestry Biennial of Lausanne)’를 기점으로 섬유예술 작품들은 기존의 고정화된 통념(通念)에서 벗어나 순수한 조형성을 추구하기 시작하였다. 1970년대 이후 섬유예술은 작가들의 예술개념에 대한 새로운 의식변화로 인해 조형예술의 한 분야로 자리매김하게 되었다. 그러한 시대적 변화는 자연스럽게 섬유예술의 표현방식에도 변화를 가져왔으며 현대자수 역시 기존의 기법위주의 고정적인 관념에서 탈피해 예술성을 지닌 독자적 장르로 자리 잡기 시작하였다. 이처럼 제한된 틀 안에서 제작되어 온 근대자수는 시대적 흐름과 맞물려 그 표현양상이 다양하고 복합적으로 확대된 것이다. 본 연구는 전통적인 공예의 분야에서 여성들의 소일거리로 인식되어 왔던 자수가 ‘현대자수’라는 명칭 하에 현대미술의 틀 속에서 어떠한 표형양상을 나타내고 있는지 현대미술의 특징과 관련해 고찰해 보고자 본다. 예술은 시대적, 사회적 흐름에 따라 변모해왔고 각 장르마다 유기적으로 연결되어 있기 때문에 현대자수를 독립적인 틀에서 분석한다는 것은 한계가 있다고 보기 때문이다. 본 연구자는 현대미술의 관점에서 본 현대자수가 다음 네 가지의 표현양상을 띠고 있다고 인지하였다. 첫째, 현대자수는 어떤 대상을 표현함에 있어 모방적 재현이 아닌 작가의 조형언어가 개입된 주관적 재현의 방법을 띠고 있다. 둘째, 현대자수는 다양한 매체와의 융합(融合)을 통해 자수가 지닌 독특한 조형성을 극대화시키고 있으며 자수가 지닌 물리적 한계를 극복하고 있다. 셋째, 전통자수와 근대자수의 주를 이뤘던 구상성의 표현을 넘어서 현대자수는 비(非)가시적이고 비물질적인 것의 가시화를 추구하고 있다. 넷째, 현대자수 작가들은 더 이상 재료나 기법에 종속되지 않고 자신의 개념과 내적 메시지를 표출하고자 한다. 이처럼 본 연구에서는 현대자수의 표현양상을 ‘조형언어를 적용한 재현방식, 다양한 매체와의 융합, 표현 대상의 다양화, 작업의도의 개념화‘의 네 가지 영역으로 분류하여 고찰해봄으로써 현대자수가 가진 조형적 가능성과 고유의 잠재적 가치를 조명(照明)하고자 한다.

글로벌리즘과 한국현대미술의 동시대성

이숙경 미술사학연구회 2013 美術史學報 Vol.- No.40

The impact of globalisation and the evolvement of post-colonial theory have created an urgent need to acknowledge and address art produced in the areas beyond North America and Western Europe. The socio-political conditions of the present in these areas vary widely, which result diverse and plural art practice that requires anapproach contextualised and specific, rather than formalist or universal. These formerly marginalised yet emerging centres of contemporary art often have complex and disrupted relationship to the history of modernity, which poses a challenge and ambiguity in understanding their present. It is necessary to integrate the contempornaneity of histories from around the world with a temporal encasing of historical narratives, in order to develop a lateral trajectory that is capable of incorporating the spatial dimension of the contemporary. Ruptures and discordances are inherent in such a trajectory and the very notion of linear history is questioned, envisioning time as a multiplicity. In this sense, ‘the contemporary’ itself can be understood as a rupture in periodisation, being a period its distinctive nature undermines the notion of coherent history. The art of the new era, what we call contemporary art, embraces not only the perceptual modes required by art of the previous decades but also socio-political reformation of hegemonic orders. Not merely the art contemporaneous to our time, contemporary art involves new modes of understanding temporal and spatial conditions of the contemporary. Perceived as a critical site of multiplicity of geographical expansiveness and historical depth, global contemporary art can promote cultural differentiation and heterogeneity, which were largely absent from modernist discourse. Key shifts include the emergence of new forms of political power and modes of subjectivity that encourages a radical reconsideration of a paradigmatic change without recourse to dominant and pervading discursive models. Cultural difference and inclusivity provide the legitimate potential for global contemporary art, which is carefully distant from a residing sense of neo-colonialism or marginalisation but in anticipation for an alternative system that could realise a more just visibility of the former peripheries of modern art. I aim to understand the present not as the end of history but as representation, which bears the contradictions of contemporary experience as well as the ambivalence and unpredictability of the present. My approach is bound with the specific place of Korea and the specific time of the present, but it is not in tended to view contemporary art as a mere reflection of a specific moment. Rather, I am interested in identifying multiple points of historical connection that question linearity and didactic contextualisation. Addressing temporal and spatial paradigms of contemporaneity is particularly crucial in understanding contemporary Korean art, for its trajectory is intertwined and interconnected with the history of art beyond Korea whiles pecific to its own local history. 한국의 동시대 미술을 이해하는 데 있어서 중요하게 고려해야 할 점은 미술이 역사적, 정치적, 경제적, 사회적, 문화적 맥락 같은 다양한 분야의 특정한 전개와 연관되어 있다는 것이다. 한국의 근현대사가 한편으로는 세계의 역사와 밀접하게 연관되어 있지만, 다른 한편으로는 한국만의 특수한 미적, 문화적 성장의 배경에 바탕을 두고 있다는 점을 이해할 필요가 있다. 특히 한국 동시대 미술은 신자유주의(neo-liberalism)와 글로벌화(globalisation)라는 광범위한 범주, 세계 전체를 엄청나게 빠른 속도와 범위로 재구성하고 있는 역사적 맥락을 고려할 때 비로소 완전히 이해될 수 있다. 이런 점에서 이 글은 비확정적인(indeterminate) 동시에 특정적인(specific), 또한 세계 전체에 대한 것이면서도(global) 동시에 특정 지역에 대한 것인(local), ‘동시대성’의 맥락 속에서 한국의 동시대 미술을 이해하고자 하는 시도라고 할 수 있겠다. 글로벌리즘 속의 동시대 미술이 지리적 확장과 역사적 깊이가 지닌 ‘다중성의 비평적 공간(critical site of multiplicity)’이 되면서, 이는 모더니즘의 담론에 부재했던 문화적 차이와 이질성 개념을 강조할 수 있는 대안으로 인식되기도 한다. 중요한 변화의 요소로는 새로운 형태의 정치적 권력의 등장, 새로운 주체성(subjectivity)의 모델 등을 들 수 있고, 이런 요소들은 지배적인 기존 담론 체계에 의존하지 않는 패러다임의 변화 같은 혁신적인 사고를 가능하게 한다. 문화적 차이와 포용성은 신자유주의 감수성 및 주변화로부터 조심스럽게 거리를 유지하는 반면 근대 미술의 주변지였던 영역들이 더욱 정당하게 가시성을 확보할 수 있는 대안적 시스템을 기대할 수 있게 한다. 한국의 동시대 미술에 대한 담론은 새로운 역사를 창조한다는 문제에 관련되기보다는 ‘역사가 되어 가고 있는(history in becoming)’ 현재에 대한 이해와 결부되어 있다. 이 글을 통해 한국 미술의 특정한 장소성과 현재라는 시간의 특수성을 이해하고, 이런 특수성의 이해가 특정 순간의 단순한 투영(reflection)이 아닌, 단선적이고 교조적인 맥락화를 의문시할 수 있는 다중적인 역사적 연결점(counterpoints)들과 연관된 것임을 밝히고자 한다.

현대도자에 나타난 연극성 (theatricality) 연구

이윤희 이화여자대학교 도예연구소 2023 陶藝硏究 Vol.- No.32

최근 여러 예술이 통합되고 설치, 미디어등 표현의 방식이 전례 없이 다양해지고 있다. 현대 미술이다양해지고 각 장르들의 통합으로 발전하는 양상은 시대적 현상이라고 할 수 있다. 예술사에서 미술이분리되기 시작한 것은 얼마 되지 않았다. 18-19세기를 지나며 미술은 공간예술로 정의되며 시간예술인문학이나 연극과 엄격히 구분되었다. 그러나 20세기 중반 이후 각 매체가 서로 긴밀한 관계를 가지며 점점 구분이 모호해졌고 모더니스트들로부터 배격 당해 온 연극성이 포스트모더니즘 시기에는 강조되었다. 이는 미술에 대한 지각을 정적이고 시각적인 것에서 유동적이고 체험적인 것으로 나아가게 하였다.본 연구는 현대미술 안에서 연극성의 개념을 살펴보고 현대도자 안에서 발견되는 연극성에 대해 연구하여, 현대도자의 표현의 다양성을 모색해보고자 한다. 이를 위해 본 연구는 Ⅱ장 1절에서 미술사적맥락에서 미술과 연극성의 개념이 역사적으로 어떻게 변천되었는지 고대 그리스, 르네상스, 바로크, 모더니즘을 거처 동시대에 이르기까지 연극성을 고찰한다. 2절에서 현대의 작가들은 어떠한 방법으로 연극성에 대해 전개해나가는지 알아보았다. Ⅲ장에서 연극성을 통한 주요 도예가들의 표현을 분석함으로써 오늘날 현대도자에서 어떻게 작가들이 연극성을 이해하고 있으며 그를 통해 어떤 의미를 창출하고 있는지를 살펴보았다. 이상의 연구 과정을 통해 고대부터 지금까지 연극성의 개념은 연극과 미술 속에서 서로 영향을 주고 받으며 의미가 변하고 또한 다양화되었다는 것을 확인하였다. 17세기 바로크 미술에 나타났던 연극성은환영적인 면모를 뜻하였으나 현대 미술에서의 연극성은 실제 시・공간을 인지하는 것을 뜻하는 것에 가까워졌다.조각과 연극의 관계는 점점 통합적으로 변하고 있다. 조각이 연극의 배우들처럼 연출되기도 하고 연극의 배우들이 조각처럼 연출되기도 하는 등 밀접한 관계성을 찾을 수 있었다. 또한 과거의 연극과 미술의 시・공간은 뚜렷이 구분이 되었지만 포스트모더니즘의 영향으로 미술과 연극의 구분이 모호해지면서 예술장르가 점차 통합되고 있는 것을 볼 수 있다. 공간 안에서 구성되는 조각은 관람자에게 시간적, 신체적 경험을 부여함으로써 조각의 영역을 확장시킨다. 도자예술로 재해석된 연극성은 현대에 맞게 연출방식을 표현하여 새로운 연극성을 완성하는 것을 볼 수 있다. 현대조각에서의 연극성을 적용한다면 현대도자의 의미와 표현방법은 더욱 다양해지고 확장될 것이라고 기대한다. 그리고 현대미술은 점점 관람자와의 심미적이고 관계적인 시・공간이 중요해지고있다. 앞으로 전시연출에 있어 기존의 형식에 벗어나 작품과 관람자 사이의 시・공간에 대해 생각해보아야할 것이다. Recently, various forms of art have been converging and diversifying in unprecedented ways, incorporating installation, media, and other modes of expression. The trend of contemporary art diversifying and evolving through the integration of various genres can be considered a reflection of the spirit of the times. The separation of art from other forms of expression is a relatively recent development in art history. It was not until the 18th and 19th centuries that art began to be defined primarily as a spatial medium, distinct from the temporal arts such as literature and theater, marking a clear distinction between them. However, starting from the mid-20th century, various artistic mediums began to establish close relationships with each other, and the boundaries between them gradually became more ambiguous. The theatricality that had been marginalized by modernists gained prominence during the postmodernist era. This shift transformed the perception of art from something static and visual to something dynamic and experiential. Therefore, it is considered meaningful to examine the theatrical tendencies that arise during the process of breaking down boundaries between genres and integration. By exploring the artistic concept of "theatricality" and researching the presence of theatricality within contemporary ceramics it becomes possible to look at contemporary ceramics from a new perspective. For this purpose, this study is structured as follows. In Section 1 of Chapter Ⅱ, the historical evolution of the concepts of art and theatricality within the art historical context is examined, tracing their development from ancient Greece through the Renaissance, Baroque period, and Modernism, ultimately reaching the contemporary era. In Section 2, an investigation was conducted into the methods contemporary arts employ to develop and expand upon the concept of theatricality. In Chapter Ⅲ, an analysis of the expressions of theatricality by prominent ceramic artists was conducted. The goal was to understand how contemporary ceramic artists comprehend theatricality in the current context and to examine the meanings generated through their artistic expressions within the realm of modern ceramics. Through the research procedures outlined above, it has been confirmed that the concept of theatricality, from ancient times to the present, has undergone a transformation and diversification, influenced by and influencing both theater and visual arts. The theatricality evident in Baroque art of the 17th century, for instance, conveyed a welcoming aspect, whereas in contemporary art, theatricality has become closer to signifying the perception of actual time and space.The relationship between sculpture and theater is progressively evolving towards greater integration. Sculpture is sometimes directed like actors in a play, and actors in theater productions are also directed in ways akin to sculpture, highlighting a close and interrelated dynamic. Furthermore, while in the past, the realms of time and space between theater and visual art were distinctly separated, the influence of postmodernism has blurred the boundaries between them, leading to the gradual integration of artistic genres. Sculptures constructed within a given space extend the realm of sculpture by endowing viewers with temporal and physical experiences within that space.Reinterpreted theatricality through ceramic art can be seen as a way to express contemporary directing methods, thereby creating a new form of theatricality. Applying theatricality from contemporary sculpture to ceramics is expected to diversify and expand the meaning and expression methods within contemporary ceramics. Furthermore, in contemporary art, the aesthetic and relational aspects of time and space with the audience are becoming increasingly important. In the future, when curating exhibitions, it will be necessary to think beyond traditional formats and consider the temporal and spatial relationship between the artwork and the viewer.

한국 미술에서 동시대 미술(컨템포러리 아트)이란 무엇인가: 비평적 담론에 대한 논고

정연심 한국근현대미술사학회(구 한국근대미술사학회) 2023 한국근현대미술사학 Vol.46 No.-

2015년 안팎을 기점으로 한국 미술에서는 ‘동시대(컨템포러리, contemporary)’라는 용어가 빈번하게 등장했다. 학계와 현장에서는 지금의 미술을 지칭하기 위해 현대 미술이라는 용어보다는 동시대 미술을 사용하여 ‘지금, 여기’를 더욱 면밀하게 다루는 동향들이 나타나기 시작했다. 이에 본 논문은 첫째, ‘동시대’라는 용어가 시간을 의미하는 정의로 한국 미술에서 비평적으로 나타나기 시작한 시점을 살펴보며, 언제부터 한국 미술의 ‘동시대’가 출발했는지 비평가들의 텍스트를 분석하고 이에 대해 비평한다. 동시대 미술이 모던 아트와 어떤 관계성 속에서 지속되고 또 단절되었는지, 동시대 미술의 태동을 시간 개념으로 접근하는 것이다. 둘째, 한국 비평가들의 시각과 글을 통해 우리는 동시대라는 용어가 시간성의 개념에 머물지 않고 점차 공간 개념으로 새로운 관계를 맺으며 확장하는 것을 살펴본다. 동시대 미술의 기원을 알려주는 전지구적, 아시아적 문맥과 전지구화, 비엔날레의 확산 등으로 인한 포스트콜로니얼 담론의 확장, 네트워크의 변화, 무엇보다도 한국에 들어선 새로운 제도적 장치와 다양한 전시 담론의 대두를 동시대적 변화의 조건으로 생각해볼 수 있다. 이러한 분석을 통해, 동시대는 시대착오적이며, 비선형적이고 비역사적인 혼종적 공간이자 관계적 네트워크를 형성한다는 점을 알 수 있다. 셋째, 현장과 뮤지엄, 큐레토리얼 실천에서 한국 컨템포러리 아트는 사전적 의미를 넘어 비평적 담론으로 자리를 잡아가는데, 동시대성이 글로벌 아트의 대두와 연관되어 있다는 점을 고려한다. 본 논문은 한국 컨템포러리 아트는 이제 세계 미술사를 재구조화할 수 있는 담론적 위치에서 새로운 의의를 찾아야 할 필요성이 있음을 제기한다. Commencing in the approximate year of 2015, the term “contemporary” embarked on a notable ascent in the realm of Korean art. Within academic, professional discourse, and critical examination, the expression “here and now” progressively emerged as a means to delineate art relevant to the contemporary era, in contrast to the established terminology of “modern art.” This shift in nomenclature signifies an emerging tendency towards a more intricate consideration of temporal dimensions in the realm of art. Consequently, this paper initiates an inquiry into the precise juncture in history when the term “contemporary” assumed a pivotal role in the context of Korean art, principally connoting a temporal concept. The analysis entails a comprehensive exploration of critical texts authored by esteemed experts in the field, aiming to pinpoint the moment at which the term “contemporary” garnered significance within the twenty-first-century Korean art landscape. The primary aim of this investigation is to expound upon the genesis of contemporary art within the Korean art milieu and scrutinize its evolving interplay with modern art, discerning instances of continuity, disjunction, and negation. Furthermore, by looking into the perspectives and writings of critics, we can assess whether the concept of “contemporary” transcends its temporal confines and gradually extends to forge novel associations with the concept of space. This expansion is influenced by the global and Asian context that underpins the genesis of contemporary art. Factors such as globalization, the proliferation of postcolonial discourse through the propagation of biennales, shifts in networks, and, most notably, the emergence of diverse exhibition discourses all contribute to this transformative terrain. Through this analysis, it becomes evident that the contemporary manifest as anachronistic, non-linear, and non-historical hybrid spaces, establishing intricate relational networks. Moreover, in the realms of museums and curatorial practice, Korean contemporary art surpasses the constraints of its dictionary definition and assumes a position of critical discourse. This recognition acknowledges that contemporaneity is intricately intertwined with the ascent of global art. Consequently, this paper underscores the necessity for Korean contemporary art to unearth fresh significance within a discursive framework capable of reshaping the landscape of world art history.

비서구권 동시대 미술의 동시대성과 샤르자비엔날레(2023): ‘현재에 대한 역사적 사유’ 혹은 ‘역사에 대한 현재의 재 정치화’

장선희 한국근현대미술사학회(구 한국근대미술사학회) 2023 한국근현대미술사학 Vol.46 No.-

2008년부터 2013년 무렵, 서구 학계에서는 ‘동시대 미술’과 ‘동시대성’에 대한 논의가 활발하게 진행됐다. 이는 동구권이 붕괴되고 세계화가 가속화한 후 약 10년이 지난 때이다. 테리 스미스를 필두로 리차드 메이어, 알렉산더 둠바제와 수잔 허드슨 등의 미술사학자는 동시대 미술의 붐으로 인한 현장과 학계의 변화를 다루는 연구서를 발간했다. 2011년 『뉴욕타임즈』는 미국의 미술사학과 대학원생 중 약 80퍼센트가 동시대 미술을 전공한다는 기사를 발표했고, 『옥토버』와 『이플럭스』 편집부도 이러한 현상을 특집으로 다루었다. 그렇다면 서구 학계에서는 동시대 미술을 어떻게 정의하였는가? 스미스와 메이어는 ‘다중적 시간성의 공존’을 동시대 미술의 핵심적 속성으로 바라보았고, 철학자 보리스 그로이스와 안토니오 네그리는 모던 아트와 포스트모던 아트, 또 모더니티와 포스트모더니티를 재고하며 동시대 미술을 재 정치화할 희망을 찾았다. 이러한 다양한 논의는 1990년대에 확산한 후기 식민주의 이론과 함께 비서구권 미술과 토착 미술로까지 이어졌다. 이에 오쿠이 엔위저는 지정학적 특수성과 서구 모더니즘의 유산을 고려하며 ‘후기식민적 성좌’ 개념을 바탕으로 비서구권 동시대 미술 비평과 전시기획에 앞장섰다. 비서구권 미술에 대표성을 갖고 발언했던 엔위저의 활동은 약 15년이 지난 지금까지 비서구권 여러 지역 미술의 이론과 실천에 영향을 주고 있는데, 올해 2023년 열린 샤르자비엔날레가 그 예이다. 따라서 본 연구는 서구 학계에서 동시대 미술과 동시대성이 활발하게 논의되었던 당시 상황을 살펴보고, ‘다중적 시간성의 공존’이 비서구권 미술과 교차하는 지점을 ‘후기식민적 성좌’ 개념을 중심으로 논의한다. 이후, 이 개념이 올해 샤르자비엔날레에서 어떻게 실현되었는지 전시기획 방식과 작품을 중심으로 검토한다. 본 연구는 동시대 미술을 당대의 세계화된 미술이라고 할 때, 이에 대한 지식을 생산하고 전달하는 것의 의미, 또 동시대 미술의 이질적인 풍요로움을 불모의 동질성으로 축소시키지 않을 연구방법론과 교수법의 고찰을 제안한다. From 2008 to 2013, the Western academic society actively discussed ‘contemporary art’ and ‘contemporaneity.’ It was 10 years after the Berlin Wall and the former Soviet Union were dispersed and globalization was expanded. Art historians such as Terry Smith, Richard Meyer, and Alexander Dumbadze and Suzanne Hudson published the books that dealt with transformations of art and academia influenced by boom of contemporary art. In 2011, New York Times reported around eighty percent of graduate students in art history were selecting contemporary art for their major in the US. In addition, academic journal October and art magazine e-flux featured such a trend and change in art history. Then, how did the Western academic society define and characterize contemporary art? Smith and Meyer focused on the ‘co-existence of multiple temporalities’ as a core of contemporary art. Philosophers Boris Groys and Antonio Negri sought for a hope to re-politicize contemporary art reflecting modern and postmodern discourses. Their discussions on contemporary art were extended into art of Asia, Africa, the Middle East, and indigenous communities with the aid of postcolonial theories. Okwui Enwezor, a representative art critic and curator for Non-Western art, coined the term ‘postcolonial constellation’ to explain how contemporary art of Non-Western regions were refracted by geopolitical configuration and the legacy of European modernism. His criticism and exhibitions have influenced on art practices and theories until now, and the 15th Sharjah Biennial(2023) is one of the cases. Thus, this research examines the situation at the time when the Western academic society began discussing contemporaneity of contemporary art. Then this research demonstrates how two concepts, ‘co-existence of multiple temporalities’ and ‘postcolonial constellation’ are intersected in the 15th Sharjah Biennial by analyzing curatorial strategies and presented works. In doing so, this research suggests the following agendas to consider art history: (1) If we call contemporary art as globalized art of the day, what does it mean to produce and deliver knowledge of such art? (2) What is the research and teaching methodology, which does not reduce fertile heterogeneity of contemporary art into barren homogeneity?

미국에서의 한국 현대미술 전시와 평가 : 1950년대부터 현재까지

박선양(朴仙良) 한국미술연구소 2020 美術史論壇 Vol.- No.50

This essay examines the reception of Korean contemporary art in America from the 1950s to the present, researching on the pivotal exhibitions held in the U.S., catalog essays, criticisms, and art historical scholarships which are written and published in English. In art, the meaning of reception indicates not only audiences’ accessibility to introduced artists’ works and exhibitions but also encompasses pertinent writings and publications that engender critiques and discourses regarding the artworks and their shows. It further embraces scholarly discussions, researches, and symposiums tracing art historically. In this vein, the paper explores significant Korean contemporary art exhibitions, artists, artistic tendencies, and movement that brought about an impact on and crucial debates in the terrain of the American contemporary art world: Contemporary Korean Paintings exhibition, Dansaekhwa, Nam June Paik, Minjoong art, Korean American art, Your Bright Future: 12 Contemporary Artists from Korea exhibition, Do Ho Suh, Haegue, Yang, and Bul Lee. Accordingly, it proceeds to recapitulate their characteristics and investigate American receptive modes of those, by dividing them into approximately two decades. Through the exhibition, Minjoong Art: A New Cultural Movement from Korea held in 1988, Minjoong art was recognized and understood as an authentic form of Korean contemporary art in American art world. What this study has also found is that unlike the chronologically ordered Korean scholarships on Korean contemporary art, American scholarships as such are “discursive,” “disconnected,” “imbalanced,” and “ahistorical.” It has observed that the history of the unfolding of Korean contemporary art does not correspond to that of the reception of Korean contemporary art. There is quite a considerable temporal discrepancy between the two. Filling in the gap enables Korean contemporary art to be evaluated and accepted quantitatively and qualitatively. Today, the growth of comprehensive surveys and reliable scholarships that will prove and enhance the value of Korean contemporary art is beyond necessity but rather urgent. There still remains the responsibility that art historians and scholars should generate continuous and extensive scholarships to properly locate Korean contemporary art in the context of global art history.

동시대 예술의 미학적 담론 이해를 바탕으로 하는 현대 패션 연구

배정민 ( Bae Jung-min ) 커뮤니케이션디자인학회(구 시각디자인학회) 2021 커뮤니케이션 디자인학연구 Vol.75 No.-

본 연구는 동시대 예술에서의 미적 담론과 동시대 패션의 주요 코드를 매개할 분석도구의 필요성을 인식하고, 포스트모더니즘 ‘이후’ 현대미술에서 논의되고 있는 ‘동시대성’에 대한 논의의 주요 개념을 패션 영역에 적용하여 불확정적인 현대패션을 새로운 관점으로 분석해보고자 하는 의도에서 비롯되었다. 동시대성에 대한 논의는 예술비평의 분야에서 이질적이면서도 중첩적인 용어로 등장하였으며, 본 연구는 이브 미쇼(Yves Michaud)의 포스트-포스트모더니즘(post-postmodernism)시대의 동시대미술, 니콜라 부리오(Nicolas Bourriaud)의 얼터모던 (altermodern), 포스트프로덕션(postproduction), 래디컨트(redicant), 관계미학, 오쿠이 엔위저(Okwei Enwezor)가 제시한 4개의 서로 다른 지역적 모더니티 모델, 포스트-미디엄(post-medium)의 후기 매체 담론을 제시한 로잘린드 크라우스(Rosalind Krauss)의 논의를 바탕으로 동시대 예술의 개념을 이해하고 분석하였다. 본 연구는 동시대 예술의 주된 비평담론을 4가지로 추출하여 시공간의 동시적 표현, 매체의 확장과 혼합, 비서구권의 지역화된 모더니티, 참여의 관계성으로 분류하여 새로운 유형의 동시대 예술작품을 해석할 수 있는 담론을 제시하였다. 패션은 자기표현의 형태로 현대 사회문화의 표상이며 현재를 규명하는 도구라는 점에서 학술적 연구로 이어지고 있다. 이러한 근거를 바탕으로 앞서 추출한 동시대 담론을 패션 영역에 적용하여 사례고찰을 통해 동시대 담론의 표현적 특성을 분석하고 동시대 담론의 해석을 진행하였다. 패션 사례 고찰을 통해 구체화할 수 있는 표현적 특성은 시공 간의 동시적 표현, 매체의 혼합을 통한 공감각적 표현, 다양성과 장소와 시간의 특수성 표현, 관계형 예술의 표현으로 특성을 분석할 수 있었다. The purpose of this study is to identify artistic discourse and aesthetic reason inherent in contemporary fashion from the viewpoint of discourse of contemporary art after post - modernism. In addition, the new paradigm of fashion is embodied in an integrated view of contemporary art discourse, and its expression method and characteristics are examined. This will be a test of hypotheses for communication between contemporary art and fashion, and will provide opportunities for exploring and understanding new analytical tools to understand the aesthetic phenomena of fashion in the future. Discussions about contemporary have emerged in heterogeneous and overlapping terms in the field of art criticism. This research is based on Yves Michaud's contemporary art in the post-postmodern era, Nicolas Bourriaud's altermodern, postproduction, redicant, Based on the discussion of relationship aesthetics, four different regional modernity models proposed by Okwei Enwezor and Rosalind Krauss's post-medium later discourse on media, the concept of contemporary art Understanding and analyzing. This study extracts the main critical discourses of contemporary art into four categories and analyzes new types of contemporary art works by classifying them into simultaneous expression of time and space, expansion and mixing of media, localized modernity in the non-Western region, and relationship of participation. Fashion is a form of self-expression, a representation of contemporary social culture and a tool to identify the present, leading to academic research. Based on this basis, the contemporary discourse extracted earlier was applied to the fashion domain, analyzed the expressive characteristics of the contemporary discourse through case study, and proceeded with the interpretation of the contemporary discourse. Based on this basis, the contemporary discourse extracted earlier was applied to the fashion domain, analyzed the expressive characteristics of the contemporary discourse through case study, and proceeded to interpret the contemporary discourse. The expressive characteristics that can be seen through the study of fashion cases can be analyzed as simultaneous expression between time and space, synesthesia through mixing of media, expression of diversity and specificity of place and time, and expression of relational art.