한국현대도예의 회화적 표현에 관한 연구

이영미,정희승 사단법인 한국조형디자인협회 2022 조형디자인연구 Vol.25 No.3

Today, the pictorial expression of modern ceramics plays a role as a major expression method to secure the uniqueness of ceramics and to express the artist's formative language. Ceramic paintings developed in the history of decorations and patterns contributed to the development of ceramics as pure art by revealing various themes due to the 1880s art movement, artists' participation in ceramic works, and the influence of modern ceramics in the 1950s. On the other hand, the pictorial expression of Korean modern ceramics has a difference that it began in the direction of inheriting traditional techniques and reinterpreting them in a modern way. The purpose of this study is to examine the development of pictorial expressions of Korean ceramics today, starting with the beginning of modern Korean ceramics. Korean ceramics, which had a weak history of colored porcelain, have attempted to use various color glazes since the 1970s, and were first fascinated by the free expression of the Buncheong techniques. Since sculptural ceramic of contemporary American ceramics have become popular, the three-dimensional ceramics, in which three-dimensional and flat surfaces are harmonized, have emerged strongly after the 1990s. After the 2000s, with the rise of European modern art, ceramic painting that contained messages of the times in the style of traditional ceramics, an oriental medium, developed into a style. At the same time, it reflects the critical recognition of nature and life faced by the present era, and is paying attention to the essence of ceramics such as soil, glaze combination, and firing temperature. Likewise, the pictorial expression of Korean contemporary ceramics rapidly reflects the needs of modern art and the era, and is steadily changing based on the material and historical specificity of ceramics. 오늘날 현대도예의 회화적 표현은 도자가 지닌 고유성을 확보하고, 작가의 조형언어를 표출하기 위한 주요한 표현 방법으로 그 역할을 수행하고 있다. 장식과 문양의 역사 안에서 발전해온 도자회화는 1880년대 미술공예운동, 예술가들의 도자작품 참여, 1950년대 미국현대도예의 탈공예적, 표현주의적 도자의 영향으로 다양한 주제를 드러내며 도자가 순수 예술로서 발전하는 데 이바지하였다. 한편 한국현대도예의 회화적 표현은 전통기법을 계승하고 이를 현대적 재해석하는 방향에서 시작되었다는 차이점을 지닌다. 본 연구는 한국현대도예의 태동을 시작으로 오늘날 한국도예의 회화적 표현 전개양상을 고찰하는 것에 목적을 둔다. 채색자기 역사가 미약했던 한국도자는 1970년대부터 다양한 색유 도자회화에 대한 시도를 하였으며, 분청기법의 자유로운 회화성에 먼저 매료되었다. 이후 미국현대도예의 도자조형이 유행하며 입체와 평면이 조화를 이루는 입체도자회화가 1990년대부터 강하게 나타난다. 2000년 이후에는 유럽 현대미술의 부상으로 동양적 매체인 전통도자의 양식에 시대적 메시지를 담는 도자회화가 하나의 양식으로 발전하게 되었다. 동시에 현시대가 직면한 자연과 생명의 문제의식을 반영하며 흙, 유약의 배합, 소성 온도 등 도자의 본질성에 주목하고 있다. 이와 같이 한국현대도예의 회화적 표현은 현대미술과 시대의 요구를 빠르게 반영하며 도자의 재료적, 역사적 특수성을 토대로 꾸준히 변화하고 있다.

생태미학적 바이오필릭 텍스타일 디자인의 개념과 사례 연구

한왕모 사단법인 한국조형디자인협회 2025 조형디자인연구 Vol.28 No.1

본 연구는 바이오필리아 개념을 텍스타일 디자인에 적용하여 지속가능성과 생태미학적 관점을 강화하는 방안을 탐구하는 것을 목표로 한다. 이를 위해 바이오필릭 텍스타일 디자인의 유형과 생태미학적 디자인 접근법을 통합하여, ① 자연의 형태와 질감 활용, ② 생태적 순환 반영, ③ 자연의 변화 과정 반영, ④ 자연과 인간의 상호작용 강화, ⑤ 문화적 자연과의 연결 반영이라는 다섯 가지 접근법을 도출하였다. 또한, 사례 연구를 통해 이러한 접근법이 실제 디자인에 어떻게 적용될 수 있는지를 검토하였다. 이를 통해 바이오필릭 텍스타일 디자인이 단순히 자연의 이미지를 차용하거나 장식적으로 활용하는 것을 넘어, 자연과 인간의 관계를 새롭게 정의하는 방식으로 바이오필리아를 촉진하는 역할을 수행한다는 것을 확인하였다. 결과적으로, 바이오필릭 텍스타일 디자인이 생태미학적 접근을 수용함으로써 기존의 한계를 보완하고, 더욱 지속가능한 방향으로 발전할 가능성이 크다는 것을 시사한다. This study explores the application of the biophilia concept in textile design to enhance sustainability and integrate an ecological aesthetics perspective. While biophilic design has been widely utilized in architecture and spatial design, research in the field of textile design remains insufficient. Therefore, this study aims to establish a framework that integrates biophilic textile design with ecological aesthetics principles to provide a deeper examination of the relationship between nature and humanity in textile design. To achieve this, five key approaches were identified: ① Utilization of natural forms and textures, ② Reflection of ecological cycles, ③ Representation of natural transformation processes, ④ Enhancement of human-nature interaction, ⑤ Integration of cultural and natural connections. Through a case study analysis, this study examines how these approaches can be implemented in textile design. The findings indicate that biophilic textile design extends beyond merely adopting natural imagery or using decorative elements. Instead, it redefines the human-nature relationship and contributes to a greater awareness of ecological values. Furthermore, incorporating an ecological aesthetics perspective allows textile design to transcend its traditional decorative role and function as a medium for conveying environmental messages, promoting sustainability awareness, and enhancing sensory experiences. This study suggests that biophilic textile design has the potential to move beyond conventional aesthetic applications, address sustainability challenges, and foster ecological awareness through design.

현대 그래픽디자인에서 현지화와 국제화에 관한 연구

중성무,김성희 사단법인 한국조형디자인협회 2019 조형디자인연구 Vol.22 No.3

The modern Olympics is the most representative and influential international event of today. The design of the visual image system of each Olympic Games is very important. It is the best medium for the host country to spread and promote regional culture. Olympic emblems, mascots, medals, sports icons, guiding signs, etc., the design of the Olympic visual image system must clearly convey the regional cultural characteristics, but also be able to adapt to the international context. This paper takes the visual image design of the China-Japan Olympics as a research case, based on literature collection and comparative analysis, interprets the background of the graphic design development of China and Japan and analyzes the design ideas of the visual images of the two Olympic Games, trying to summarize the reasons for the formation and the influencing factors, furthermore, hope to explore the localization and internationalization in modern graphic design. 현대 올림픽 게임은 세계적으로 영향력 있는 대표적인 국제적 행사이며, 개최국의 정체성이 부여된 비주얼 아이덴티티 시스템(Visual Identity System) 디자인은 자국의 지역문화를 전파하고 홍보할 수 있는 최고의 매체이다. 엠블럼, 마스코트, 메달, 스포츠 아이콘, 안내표지 등 시각적 표현은 개최국의 문화적 특성을 명확하게 전달할 뿐만 아니라 국제적 맥락과도 연계되어 개최국의 현지화와 국제화의 균형을 적절하게 처리할 것을 요구하기도 한다. 본 연구는 중국과 일본의 올림픽 비주얼 아이덴티티 시스템에서 표현된 현지화와 국제화의 시각적 표현에 대한 문헌 수집과 디자인을 통해 두 나라의 현대 그래픽 디자인 형성 과정과 스타일 특성을 분석하고자 했으며, 이를 바탕으로 도쿄 올림픽(1964년)과 베이징 올림픽(2008년)의 현지화와 국제화에 관한 이중적 정체성에 관한 연구를 하였다. 연구 결과, 비주얼 아이덴티티 시스템에서의 지역적 문화 요소의 통합은 현지화의 정체성에 대해 도움을 줄 뿐만 아니라, 디자인을 통해 국제적으로 문화적 가치를 향상시킴을 알 수 있었다. 이는 현대의 글로벌 통합시대에 세계의 다양한 지역 문화의 소통과 상호작용을 위한 좋은 플랫폼을 제공하기도 하며, 국제화 맥락에서 디자인 표현을 합리적으로 수행하는 방법으로 시각적 아이덴티티 디자인이 매우 중요한 부분임을 알 수 있었다.

평면에서 입체로 도약하는 리지스트 펠팅의 조형 원리와 적용 사례

윤순란 사단법인 한국조형디자인협회 2025 조형디자인연구 Vol.28 No.1

리지스트 펠팅은 양모 층으로 둘러싸인 평면 템플릿이 평형상태를 유지하도록 제어하고 풀링 과정에서 깊이를 획득하며 체적을 갖는 입체적 연장선을 만듦으로써 평면을 입체로 전이시키는 촉지적 조형에 정초한다. 연구의 목적은 리지스트 펠팅의 이론적 토대를 마련하고 입체 조형의 가능태를 유형별로 파악하여 조형적 특성을 분석하는 것이다. 연구 방법은 이론적 고찰을 위한 문헌 조사와 선행연구 표집을 위한 인터넷 검색을 활용한다. 연구 내용에서 전반부는 습식 펠팅의 개요를 시작으로 리지스트 템플릿의 기본형 분류, 조형 원리, 제작 과정, 적합한 소재 유형을 개괄적으로 논의한다. 후반부는 동시대 선행연구 사례를 크게 네 가지 유형인 불연속적 부조 효과, 시보리 돌기, 중심화된 한 개의 방, 연속적 변주인 다수의 방으로 구분하여 제작 과정상의 특성을 분석한다. 평면 템플릿을 필수 도구로 삼아 입체로 도약하는 리지스트 펠팅은 비어있음을 감싸는 매끄러운 막의 강성과 미세 섬유 가닥의 밀도를 조절하는 원리에 기초하여 삼차원 형태 표현에서 거의 제한이 없이 넓은 스펙트럼으로 분화하고 있다. 이는 유연성, 가단성, 이동성이 우수한 양모 섬유의 얽힘이 집합을 이루며 결속하는 펠트 공정의 특수성에서 연유한다. 고정된 실체가 아니라 연속적으로 변형될 수 있도록 솔기 없는 중공 형태를 만들어내는 리지스트 펠팅은 습식이 주로 평면 전개에 국한된다는 일반적인 인식을 바꾸는 전환의 계기를 제공하며 펠트 조형 방법론의 확장을 획기적으로 이루어내고 있다. Resist felting is a constructing method of tactile fiber sculpture that transforms the plane into a 3-D object by controlling equilibrium of a flat template surrounded by layers of wool, acquiring depth and creating volumetric extensions during the pulling process. The purpose of this study is to establish the theoretical foundation of resist felting and to analyze the sculptural characteristics of previous studies by identifying the possibilities of its type. The research methodology uses a literature review for theoretical consideration and an internet search for the collection of previous studies. The first half of the paper begins with an overview of wet felting and discusses the basic classification of resist templates, the sculptural principles and production process of resist felting, and appropriate material types. The second half of the paper analyzes contemporary resist felt work by categorizing them into four types: discontinuous relief effects, shibori bump, centralized single chamber, and multiple chambers with continuous variations. Resist felting makes the leap to three-dimensionality using a planar template as the essential tool. It is based on the principle of controlling the stiffness of a smooth membrane enclosing a void and the density of fine fiber strands, resulting in an almost limitless spectrum of three-dimensional form expression. This is due to the specificity of the felting process, which involves the assembly and binding of tangles of wool fibers, which are flexible, malleable and mobile. By creating a seamless hollow form that can be continuously transformed, rather than a fixed entity, resist felting is a major step forward in expanding the methods of felt sculpture, changing the common perception that wet felting is primarily limited to planar outcomes.

가변성과 상호 작용성을 활용한 키네틱 장신구 디자인 연구

이철,이숙현 사단법인 한국조형디자인협회 2022 조형디자인연구 Vol.25 No.4

인류는 수천 년의 인류 발전사에서 실용성과 심미성을 결합한 새로운 사물(object)을 계속 출현시켰다. 그중에서 장신구는 주로 인체 또는 의상에 착용되며 각 시대에 따른 재료의 가치, 장식적인 기능 등을 보여주었다. 사회의 변화와 리듬이 빨라지고 과학의 발달로 신소재, 새로운 관념이 계속 유입되면서 현대 장신구 작가들은 전통적인 장신구의 사회적 기능성 등을 극복하고, 장신구의 새로운 조형 형태에 대한 추구와 함께 그들의 생각과 감정을 담고 있는 예술적 조형물로 장신구를 제작하게 되었다. 본 연구는 1960년대부터 구체적으로 전개되기 시작한 키네틱 장신구에 관한 조사, 분석으로 ‘움직임’을 조형 요소로 탐구하는 ‘키네틱 아트(Kinetic Art)’의 발달과 특징 등을 알아보았다. 그리고 ‘움직임’이란 흥미로운 요소를 장신구에 부여함으로써 새로이 만들어지는 가변적 조형성을 통하여 현대 장신구 작가들이 연구, 제작하는 다양한 키네틱 장신구의 사례와 특징, 그리고 조형성 등을 분석하였다. 이러한 키네틱 장신구 연구를 통해 장신구의 ‘장식성’뿐만 아니라 연출이 가능한 ‘움직임’과 ‘변화’의 즐거움을 줄 수 있으며, 착용자나 관람자와의 교감을 통해 상호 반응하는 ‘적극적인 예술’로서의 가능성을 찾아보고자 한다.

사용성을 고려한 염도측정기 디자인 제안 및 평가

장상,안혜신 사단법인 한국조형디자인협회 2025 조형디자인연구 Vol.28 No.1

21세기 들어 고혈압 및 심혈관 질환 환자 수 또한 증가하고 있는 추세이다. 이러한 질병의 원인 중 하나인 과도한 소금 섭취는 건강상 여러 가지 문제를 일으키고 있어 현재 모든 국가에서 저염식을 장려하고 있다. 저염식을 위해 사용되는 염분 측정기는 용액의 염분 함량을 측정하는 장치로 산업, 농업, 사육 및 기타 산업에서 널리 사용된다. 그러나 현재 염도측정기는 보관 및 사용 등의 사용성과 편의성, 심미성 등에 있어 사용자를 중심으로 개선의 여지가 많다고 할 수 있다. 본 논문은 염도측정기 현황 분석과 제품 조사, 사용자 조사 등의 방법을 통해 염도측정기 디자인 제안을 위한 기초 조사를 진행하였다. 사용자는 회영(심미성), 편의성, 디스플레이. 터치 그립을 중요하게 생각하는 것을 알 수 있었고 이를 바탕으로 세 가지의 염도측정기 디자인 안을 제안하였다. 제안된 세 가지 디자인에 대하여 디자인 전문가의 평가를 통해 엔트로피 가중치 Topsis 종합 평가 방법과 결합하여 최종적으로 염도측정기 설계 평가 및 최적화 방법을 제안하였으며 최종안은 그립과 보관을 고려한 형태와 소재의 사용을 통한 위생 유지에 중점을 두었다. The number of patients with hypertension and cardiovascular diseases has also been increasing since the 21st century. Excessive salt intake, one of the causes of these diseases, is causing various health problems, and all countries are currently promoting low-salt diets. The salt meter used for low-salt diets is a device that measures the salt content of solutions and is widely used in industry, agriculture, breeding, and other industries. However, the salinity meter currently has a lot of room for improvement in terms of usability, convenience, and aesthetics, especially for the user. This paper conducted a preliminary investigation for the design of a salinity meter through the analysis of the current state of salinity meters, product research, and user research. Users consider the aesthetics, convenience, and display of the product. It was clear that the touch grip was important, and based on this, three designs for the salinity meter were proposed. The three proposed designs were evaluated by a design expert and combined with the entropy-weighted Topsis comprehensive evaluation method to finally propose a method for evaluating and optimizing the salinity meter design. The final proposal focused on maintaining hygiene through the use of shapes and materials that take into account the grip and storage.

비물질적 무게를 시각화한 조형예술작품 분석

현초인,고예지 사단법인 한국조형디자인협회 2025 조형디자인연구 Vol.28 No.1

본 연구는 개념적 은유 이론을 바탕으로 조형예술에서 비물질적 무게가 시각적으로 형상화되는 방식을 분석하는 것을 목적으로 한다. 레이코프와 존슨의 개념적 은유 이론을 중심으로, 비물질적 개념이 물질적 형상과 감각적 경험으로 전환되는 과정을 규명하고자 하였다. 이를 위해 비물질적 무게를 사회적, 문화적, 정서적 측면으로 분류하여 조형예술 작품을 분석하였다. 사회적 무게는 사회적 이슈와 권력 구조를 반영하며, 문화적 무게는 문화적 정체성과 전통, 정서적 무게는 개인적 경험과 감정을 탐구한다. 사례 분석 결과, 개념적 은유는 조형예술에서 추상적 개념을 감각적이고 구체적인 형상으로 전환하는 핵심 전략으로 작용하며, 신체화된 경험이 비물질적 무게의 시각적 인지 과정에서 중요한 역할을 한다는 점을 확인하였다. 본 연구는 비물질적 개념이 조형예술을 통해 감각적이고 물질적인 경험으로 전환되는 예술적 가능성을 제시하며, 개념적 은유를 활용한 새로운 예술 해석 방법론을 제안하였다. 나아가, 조형예술에서 비물질적 개념의 시각화 과정에 대한 이해를 확장하는 데 기여하고자 한다. This study aims to analyze how immaterial weight is visually materialized in sculptural art based on conceptual metaphor theory. Grounded in the conceptual metaphor theory of Lakoff and Johnson, this research investigates the process by which immaterial concepts are transformed into tangible forms and sensory experiences. To achieve this, immaterial weight is categorized into social, cultural, and emotional dimensions, and representative sculptural artworks are analyzed accordingly. Social weight reflects social issues and power structures, while cultural weight explores cultural identity and tradition, and emotional weight conveys personal experiences and emotions. The case study findings confirm that conceptual metaphor serves as a fundamental strategy in sculptural art, enabling the transformation of abstract concepts into concrete, sensory forms. Furthermore, it underscores the role of embodied experience in shaping the visual perception of immaterial weight. This study proposes a new methodological approach to art interpretation by demonstrating how immaterial concepts are translated into tangible and sensory experiences through sculptural art. Ultimately, it aims to contribute to a deeper understanding of the visualization process of immaterial concepts in sculptural representation.

자연 형상의 조형성을 적용한 인그레이빙 패턴 디자인 연구

김영옥,현광훈 사단법인 한국조형디자인협회 2020 조형디자인연구 Vol.23 No.1

One of the purposes of art and design would be the creation of beauty. Nature is a representative object that humans feel beautiful, and it has become a motive that provides infinite material to the creative activity of beauty. The purpose of this study is to analyze the interrelationship between the mechanisms of human aesthetic expression that recognizes the shape and beauty of nature, to study how it can be applied to the clock making technique, and to study how it can affect the decorative technique. To this end, this study theoretically examines the patterns and orders of nature and analyzes the relationship between human visual appeal and the shape order of nature. This study analyzed the fractal and symmetry of nature's patterns, and studied the algorithm how this is perceived and perceived by humans. The possibility of use as a decorative element in the design of a watch was studied by patterning the formativeness of nature analyzed based on the cognitive algorithm of beauty. Based on this study, it was confirmed that natural shape pattern decoration could be used as a design element in the design of watches, and furthermore, I would like to suggest various applications of pattern design based on the nature of nature. 예술과 디자인에 있어서 그 목적 중 하나는 미의 창조일 것이다. 자연은 인간이 아름답다고 느끼는 대표적인 대상물이며, 미의 창조 활동에 무한한 소재를 제공하는 모티브가 되고 있다. 본 연구는 자연의 형상과 아름다움을 인식하는 인간의 미의식 발현 기제의 상호 연관성을 분석하여, 이것이 시계 제작 기법에 어떻게 적용될 수 있는지 연구하고, 특히 장식기법에 영향을 미칠 수 있는지 연구하는데 목적이 있다. 이를 위해 자연의 패턴과 질서에 대해 이론적으로 고찰하고 인간의 시각적 호감과 자연의 형상 질서의 관계성에 대해 분석하였다. 자연의 패턴 중 프랙탈과 대칭성을 중심으로 분석해 보았고, 이것이 어떻게 인간에게 인지되어 아름다움을 느끼는지 그 알고리즘에 대해 연구해보았다. 미의 인지 알고리즘을 바탕으로 분석된 자연의 조형성을 패턴화하여 시계 디자인에서 장식 요소로써 사용 가능성을 연구하였다. 이 연구를 바탕으로 시계 디자인에 있어서 자연 형상 패턴 장식이 디자인적 요소로써 활용될 수 있음을 확인할 수 있었고, 나아가 자연의 조형성을 기반으로 패턴 디자인의 다양한 활용성에 대해 제시하고자 한다.

중심공간 출입순회형의 오브제적 실내파빌리온 전시를 적용한 대구섬유박물관 공간디자인

천세근 사단법인 한국조형디자인협회 2019 조형디자인연구 Vol.22 No.4

For the exhibition design of Daegu Textile Museum, this plan aims to analyze the strengths of 'exhibition design of interior pavilions with object form by major space circulation method' as a technique to realize the exhibition space solving the weaknesses of the traditional room-centered design, and then to apply it to the space of Daegu Textile Museum. Regarding the human-traffic line plan of exhibition space for last decades, the application of selective circulation and free circulation has been expanded after getting out of the traditional forced circulation. In other words, the exhibition space is changing from a space for learning knowledge to a high-quality space for cultural enjoyment, so that it would be necessary to have a new space plan suitable for it. Thus, this plan analyzed the strengths of exhibition design of 'major space circulation method' suitable for large space with free-selective traffic line. Even though this type is the most effective measure to homogenize the viewing distribution of exhibits, and also to improve the museum fatigue and path-finding issue among many types of room-centered design, the revelation of its strengths is limited because of the closed spatial nature of room-centered design. Therefore, as a new exhibition type to solve weaknesses of room-centered design and also to effectively accept the strengths of 'major space circulation method', the 'exhibition design of interior pavilions with object form' was newly combined. 'The exhibition design of interior pavilions with object form by major space circulation method' that provides aesthetic experiences and also performs a role of exhibition contents for emotional experience has a functional characteristic of exhibition space solving the weaknesses of ‘room-centered design by major space circulation method', In other words, it has strengths such as 'separation of human-traffic line and viewing area', 'improvement of spatial openness', and 'increase of formative attractiveness'. 이 계획은 대구섬유박물관 전시를 위한 것으로, 전통적인 실중심 디자인의 단점을 해결하는 전시공간 구현기법인 ‘중심공간 출입순회형의 오브제적 실내파빌리온 전시’를 제안하고 그 장점을 분석하여, 공간에 적용하는 디자인 과정이다. 지난 몇 십 년 동안 전시공간 동선계획은 전통적인 강제순환에서 탈피하여 선택적순환과 자유순환 동선의 적용이 확대되는 경향에 있다. 즉, 전시공간은 일방향적인 지식습득 공간에서 벗어나, 거주의 질을 고려한 공간으로 탈바꿈하는 과정에 있으며, 이에 부합하는 새로운 공간계획이 요청되는 상황이다. 이에 자유선택형 동선의 대형공간에 적합한 ‘중심공간 출입순회형’의 전시유형에 대해 제시하고 그 장점을 분석하였다. 이 유형은 실중심 디자인의 여러 유형 중에서는 전시물 관람분포도를 균질하게 하고, 박물관 피로도와 길찾기 문제를 개선시키는 가장 효과적인 방안이나, 실중심 디자인 자체가 지닌 폐쇄적인 공간성격에 의해 그 장점의 발현이 제한적이다. 따라서 실중심 디자인의 단점을 해결하고, ‘중심공간 출입순회형’의 장점을 효과적으로 수용하는 새로운 전시유형으로 ‘오브제적 실내파빌리온 전시’를 새롭게 결합하였다. 공간자체가 미학적인 경험을 제공하며, 감성 체험적 전시콘텐츠의 역할을 수행할 수 있는 ‘중심공간 출입순회형 오브제적 실내파빌리온 전시’는 ‘중심공간 출입순회형 실중심 디자인’의 단점을 해결하는 전시공간 기능적 특징, 즉 ‘동선과 관람영역의 분리’, ‘공간적 개방성 향상’, ‘조형적 주목성 증대’의 장점이 있다.

텍스타일 디자인을 위한 이미지 생성형 AI 활용 방법 및 가능성 연구

장용석 사단법인 한국조형디자인협회 2024 조형디자인연구 Vol.27 No.3

본 연구는 텍스타일 디자인 산업에서 이미지 생성형 AI의 활용 가능성을 분석하고, 디자이너와의 협업 방식을 제시하는 것을 목적으로 한다. 연구 범위는 Text-to-Image 모델 활용을 중심으로, 텍스타일 디자인에 미치는 영향을 다루었다. 연구 방법은 DALL-E3를 이용하여 디자이너와 생성형 AI 간의 상호작용을 통해 디자인 프로세스를 발전시키는 방법을 탐구하였다. 이를 통해 생성한 결과물의 품질과 효율성을 평가하고, 협업이 어떻게 이루어질 수 있는지를 분석하였다. 연구 결과, 생성형 AI를 통해 복잡한 디자인을 신속하게 생성하고 다양한 옵션을 탐색하여 발전시키는 방식은 텍스타일 디자인 프로세스에서 충분히 효과적이라는 점을 확인하였지만, 기술의 한계로 인해 디자이너의 세밀한 수작업이 포함된 두 가지 방식의 프로세스가 필요함을 발견하였다. 첫 번째 방식은 생성형 AI와 피드백을 주고받으며 지속적으로 디자인을 발전시키는 것이다. 디자이너가 원하는 모티브나 테마를 텍스트로 입력하면 이를 바탕으로 초기 디자인을 생성하고, 추가적인 텍스트 입력 또는 부분 수정을 통해 결과물을 얻는다. 여기서 부정확한 리핏 또는 모티브 형태를 수작업으로 세밀하게 수정하여 최종 패턴을 완성하는 것이다. 두 번째 방식은 각 모티프를 생성형 AI를 통해 개별적으로 생성하고 이를 디자이너가 수작업으로 조합하여 최종 패턴을 완성하는 것이다. 이러한 점을 종합하였을 때, 생성형 AI와의 협업은 창의성, 효율성 측면에서 뛰어나지만, 리핏의 정확도 부족, 모티프 형태와 디테일의 일그러짐, 시간 소요 등의 문제로 인해 완전한 활용에는 한계가 있다. 그러나 생성형 AI가 가져오고 있는 디자인 산업의 변화는 이제 시작에 불과하며, 모든 디자인 산업은 이를 활용하는 방식으로 변화될 것이다. 따라서 향후 연구에서는 다양한 이미지 생성형 AI 모델에 따른 협업 프로세스를 심층적으로 비교 및 분석하고, 텍스타일 디자인 산업에서 활발히 활용될 수 있는 데이터를 제공하는 것이 중요하다. This study aims to analyze the potential use of image generative AI in the textile design industry and to suggest a method of collaboration with designers. The scope of the study focused on how to use the Text-to-Image model and addressed its impact on textile design. For the research method, this study explored how to develop the design process through interaction between designers and generative AI using DALL-E3. Through this, it evaluated the quality and efficiency of the generated results and analyzed how collaboration could be achieved. As a result of the study, it was confirmed that the method of exploring and developing various options through generative AI while rapidly creating complex designs was sufficiently effective in the textile design process, but found its technological limitations to require a two-way process involving detailed manual work by designers. The first approach is to continuously evolve the design by giving and receiving feedback from the generative AI. The designer inputs text about a motif or theme they're looking for, and the AI generates an initial design based on that, with additional text input or refinements. This is where inaccurate repeats or motif shapes are fine-tuned by hand to create the final pattern. The second approach is to generate each motif individually with generative AI, and then assemble them by hand by a designer to create the final pattern. In summary, collaboration with generative AI is excellent in terms of creativity and efficiency, but its full utilization is limited due to issues such as lack of accuracy in repeat, distortion of motif shapes and details as well as time-consumption. However, the changes in the design industry brought about by generative AI are just beginning, and all design industries will change by the way they utilize it. Therefore, it is important for future research to provide an in-depth comparative analysis of the collaboration process under different image generative AI models and provide data that can be actively utilized in the textile design industry.