미국의 미술품 기증사례 연구

김윤섭 동서미술문화학회 2017 미술문화연구 Vol.11 No.11

최근 우리나라의 1인당 국민소득(GNI)이 ‘내년에는 3만달러 시대를 맞을 것’이란 보도가 있었다. 국민소득이 3만달러가 넘는 선진국의 경우를 살펴보면 ‘문화소비’가 늘어난 예가 대부분이다. 또한 삶의 질적 수준과 미래지향적인 가치를 보다 중요하게 여기는 사회적 분위기가 늘어난다. 이 논문은 ‘문화 복지와 문화향유 기회의 질적 향상’이란 측면에서 미술관의 역할이 매우 중요하다는 전제에서 출발했다. 미술관의 수준은 소장품이 가늠한다고 해도 과언이 아니다. 수준 높은 미술품의 소장을 늘리려면 미술관의 예산이 관건이다. 그렇다고 미술관의 모든 예산을 국민 세금으로만 충당할 수는 없다. 그 바람직한 해결책의 하나로 ‘미술품 기증 방안’이 꼽힌다. 미술품의 기증을 통해 ‘미술관의 성공적인 사회적 역할’의 본보기를 보인 예로 미국이 대표적이다. 이 논문은 미술품 기증이 가장 활발한 ‘미국의 개인미술품 컬렉터의 미술품 기증활동 사례’를 소개한다. 특히 제2장의 ‘미국의 기증・기부 장려정책’에선 미술품 기증의 필요성을 인식하고, 미술품 기증・기부를 활성화하기 위한 정부의 지원 정책도 언급했다. 미국 정부의 미술품 기증・기부의 활성화 정책이 지속된 것만은 아니다. 1980년대의 로널드 레이건 대통령 주축의 보수정부에선 ‘부유층에 대한 특혜’라는 이유로 문화예술 장려에 관한 법률이 폐기됐었다. 이후 기부・기증의 감소가 미술관 컬렉션의 질적 저하와 운영에 부정적인 영향을 미친다는 결과를 초래했다. 그 결과 1993년 빌 클린턴 정부에 들어 다시 ‘문화예술 기부・기증에 대한 조세지원’이 재개되었다. 그런 과정을 거치면서 현재 미국 정부의 ‘문화와 예술 분야의 육성정책’은 재벌 견제용으로도 적극 활용될 만큼 실질적인 효과를 거두고 있다. 더불어 미술품 기증 시 소득세・자본이득세・재산세 등을 면제해주는 보다 구체적이고 적극적인 정책들이 자리 잡게 된다. 이는 상속세만 감면하는 영국보다도 훨씬 확장된 것으로 평가된다. 더불어 제3장의 ‘시기별 기증사례 분석’ 부분에선 미국의 시대별 변천에 따라 대표적인 개인자산가 겸 컬렉터를 중심으로 미술품 기증사례를 살펴보았다. 그 예로는 1918년~제2차 세계대전 이전엔 록펠러 2세 부부・하브마이어 부부, 1945~1980년 전후(戰後)엔 로버트 리먼・넬슨 A. 록펠러 가족, 1980년~현재 동시대엔 보겔 부부・엘리 브로드 부부・로더 패밀리, 로널드 로더 등이다. 미국은 1917년부터 민간기부와 민간참여를 증진시키기 위한 정책으로 ‘기부가 비영리단체를 통해 공공복지를 위해 쓰일 경우 세금을 대신한다는 원칙’을 세웠다. 실제로 ―‘미술관 기증 미술품의 평가액만큼 세금을 공제해 주는 법률’인 언더우드 관세법(underwood tariff)의 시행으로 미술관에 대한 기부 및 기증사례가 급증했다. 이런 결과가 미국 정부의 문화예술지원을 위한 ‘기부금 세제지원 제도’의 성공 요인으로 평가받는다. 지금의 미국사회에선 보편적으로 부호들의 미술관 설립과 기증활동은 절세의 목적 보다는 사회공헌 차원에서 행해지고 있다고 인식된다. 미술관들의 독립성과 경쟁력을 갖추게 된 이면엔 미국식으로 정착된 미술・문화사업 관련의 다양한 조세지원 정책이 뒤따랐기 때문이다. 미술관처럼 세금 감면을 받기 위해선 ‘세법에 의해 비영리적이고 공공의 성격을 갖는 단체’여야 한다. 나아가 ... Recently, there was a report that South Korea's GNI (Gross National Income) will reach $30,000 in the year of 2018. Examining the cases of advanced nations, there is distinctive increase of "cultural consumption" by individuals once the GNI hits over $30,000, and the social atmosphere of putting more focus on the quality of life and future-oriented values becomes prevalent. This thesis stems from the premise that the role of Art Museum is absolutely crucial in the aspect of "qualitative improvement of cultural welfare and the opportunities to enjoy culture". It would be no exaggeration to say that the class of an art museum is defined by its collection of artworks. Increasing the number of high-quality artworks is connected with increasing the budget of the art museum. However, since the budget can't be covered solely on tax, one optimal suggestion for solution would be "artwork donation". The model nation that executed "art museum's successful social role" through donation of artworks is, the United States. This thesis introduces "the cases of America's private collectors donating collection", in the country where artwork donation is the most active compared to other nations. Especially, in Chapter 2 of "America's donation encouragement policy", the necessity of artwork donation is acknowledged, and the government's support policy to invigorate artwork donation is mentioned. It wasn't that the artwork donation invigoration policy by the American government was always consistent. The conservative party on the side of President Ronald Reagan in the 1980s had discarded the law involved with encouraging art and culture, reasoning that it is "favoring the wealthy class". Since then, the decrease of artwork donation resulted in quality declination of art museums and negative effect on the museums' financial management. Therefore, in 1993 under President Bill Clinton's administration, "the tax support on cultural donation" was recommenced. Through such process, current American government's "Policy to promote culture and art" is achieving such substantive effects that it's actively utilized for keeping the conglomerates in check. Furthermore, established were more concrete and active policies such as exempting the income tax, the capital earnings tax, and the property tax once an artwork is donated. This is considered to be more extended than the policies practiced in the United Kingdom, which is exempting only the inheritance tax. Moreover, in the 3rd chapter of the thesis where the "analysis of periodic donation cases" is discussed, America's artwork donation cases through periods of time focusing on individual wealthy collectors are scrutinized. For example, before 1918 through the World War II they were John D. Rockefeller Jr. & Abby Aldrich Rockefeller, and Henry Osborne Havemeyer & Louisine Havemeyer. Around 1945-1980 they were Robert Lehman (1891~1969), and the family of Nelson A. Rockefeller. Since 1980 to present, they are Herbert (1922~2012) & Dorothy Vogel (1935~), Eli and Edythe Broad, Ronald Lauder (1944~) and Leonard Lauder (1933~). Since 1917, to promote civilian donation and participation, America has established a new rule that "if the contribution is used for public welfare through nonprofit organizations, it substitutes for tax". Indeed, through execution of "Underwood Tariff", which is deducting the tax according to the appraised price of artwork donated to museum, the number of donations made to art museums has drastically improved. Such results help the United States to be acknowledged as a nation successfully carried out the donation taxation support system in the government's effort to provide for art and culture of the country. Nowadays, the establishments of art museums and donations by the wealthy citizens is considered as social contribution rather than for the purpose of tax exemption. This is due to how art museums gained independence and competitiveness, which is the various tax support poli...

Between Familiarity and Unfamiliarity : Users' Perception and Intention of Watching Netflix Artwork

김지윤,이지은 한국디자인학회 2021 디자인학연구 Vol.34 No.4

Background Personalization service through AI and ML (machine learning) plays a significant role in the success of Netflix. Netflix's personalized recommendation service is not only applied to the content but also to Netflix artworks. The first thing users encounter when choosing content at the OTT service platform is artwork. Users explore and formulate choices with the artwork. The artwork is the first impression to attract users and an important factor affecting the decision what to watch. This study seeks to determine viewer’s perception and intention of watching of Netflix's personalized artwork. We speculatedwondered whether Netflix artwork's personalization replaces the movie poster's image too familiar to attract attention or if it overlooks the anchoring and the primacy effect's benefits. Methods We hypothesized and surveyed whether there is a difference in viewing intention according to the type of artwork. In addition, we set a hypothesis to see if the more we accept personalized artwork as positive and negative unfamiliarity, the more it affects the viewing intention. We chose Parasite, which is well known to the public and The Devil All the Time as a less well-known content. To answer these hypotheses, we surveyed a total of 152 respondents. The results of the survey were statistically verified through one-way analysis of variance and simple regression. Results For Parasite , the main poster type's artwork derives users' intention of watching by anchoring effect and primacy effect. On the other hand, personalized artwork produced by converting genres or focusing on supporting actors negatively affected their intention of watching. Meanwhile, for The Devil All the Time, the main poster was less known to users in Korea. Therefore, there was little anchoring and primacy effect since users did not recognize the main poster as representative images of the movie. In this case, not only the main poster type, but also the artwork with the leading actor's image, and the artwork with the overall atmosphere of the movie can draw the users' intention of watching. In both films, the more the respondents felt the negative unfamiliarity of the artwork that gives them the impression that the movie seems like a formula film, the less intention of watching. Conclusions It was revealed that personalized artworks do not only attract viewers' positive perceptions and can interfere with the viewer's intention to watch. Based on this, it is expected that the study will help to produce artwork for the OTT service.

예술작품의 존재론적 토포스 -딜타이와 하이데거의 예술 철학을 중심으로-

김동규 한국하이데거학회 2011 현대유럽철학연구 Vol.0 No.25

This paper aims to elucidate the topos(place) of the artwork. The artwork has a peculiar mode of being. According to Heidegger, man regards usually the artwork as a kind of thing or tool. But man miss the ontological singularity of the artwork in this case. I will extract this singularity of the artwork from art-philosophy of Dilthey and Heidegger in this paper. Dilthey understands the artwork with “spirit(Geist).” Spirit is a peculiar property of finite human being, of historical life. And the artwork is a expression of this spirit. In contrast to Dilthey, Heidegger understands the artwork with his technical term, “Being(Sein).” Being is historical and reveals itself only through finite human being(Dasein). The artwork is a place where this Being uncovers itself. Although Heidegger had criticized the modern anthropocentric aesthetics, he had seen the process of creation and preservation of artwork as a necessary moment of work-being, in order to protect the artwork from stubborn viewpoints of thing or tool. Without the process of the human creation and preservation, artwork can not be. Dilthey also will agree with Heidegger for that matter. The artwork is neither a thing nor a tool, but it is a expression of spiritual experience. The appreciation (preservation) of artwork is a process of reexperiencing a expressed spirit in the artwork. According to Dilthey, there is a artwork only in the circulation of experience, expression and understanding. And both “spirit” of Dilthey and “Being” of Heidegger have a analogical mode of being. Summarizing the ontological singularity of the artwork, which this paper extracted from art-philosophy of Dilthey and Heidegger, the artwork is 1) Between- Being, deviating from the dichotomy(for example, necessity and freedom), that traditional philosophy has made. 2) The artwork can be only in connection with human being. 3) The artwork is not a physical thing, but it has self-creating mode of being, which has been transforming itself in history. 이 글의 일차적인 목표는 예술작품의 존재론적 토포스를 해명하는 것이다. 예술작품은 특이한 존재방식을 가지고 있다. 하이데거의 지적처럼, 통상 사람들은 사물 또는 도구의 관점에서만 예술작품을 바라본다. 하지만 그럴 경우, 예술작품의 존재론적 ‘특이성’을 놓치고 만다. 이 글의 목적은딜타이와 하이데거의 예술철학을 중심으로 예술작품의 존재론적 특이성을 밝히는 데 있다. 딜타이는 “정신(Geist)” 개념을 가지고 예술작품을 이해한다. 그에게 정신은유한한 ‘인간’ 정신이며, 역사적인 삶의 정신이다. 예술작품은 이런 정신의표현이다. 반면 하이데거는 “존재(Sein)” 개념을 가지고 예술작품을 이해한다. 그에게 존재는 유한한 인간 현존재를 통해서 드러나는 시간(역사)적인것이다. 예술작품은 이런 존재가 실현되는 장소다. 비록 하이데거가 인간 중심적인 근대미학을 비판하고 있기는 하지만, 작품이 사물이나 도구의 측면에서 이해되는 것을 막기 위해서 창작자와 감상자의 창작과 보존 과정을 작품의 필연적 계기로 설정한다. 창작과 보존 과정이 생략된다면, 작품은 존재할수 없다. 그것은 딜타이에게도 마찬가지다. 예술작품은 하나의 사물이라기보다는 정신이 체험한 것을 표현한 것이다. 작품 감상은 작품에 표현된 정신을추체험하는 과정이다. 딜타이에 따르면, 체험, 표현, 이해라는 정신의 순환과정, 그 ‘사이’에 예술작품이 존재한다. 세 가지 계기 가운데 어느 하나라도빠진다면, 작품은 존재할 수 없다.본 논문이 딜타이와 하이데거의 예술철학에서 도출해낸 예술작품의 존재론적특이성을 요약하자면, 다음과 같다. 첫째, 예술작품은 전통 철학이 만들어놓은 이분법(예컨대 자유와 필연)에서 빗겨난 ‘사이 존재’이다. 둘째, 예술작품은 인간과의 연관 속에서만 존재할 수 있다. 셋째, 예술작품은 한갓 물리적 사물이 아니라, 역사 속에서 스스로를 변모시키는 자기 창조적 존재방식을 가지고 있다.

건축물 미디어 미술작품의 특성에 따른 지속 가능성에 관한 연구

이재성,김주연 한국실내디자인학회 2019 한국실내디자인학회논문집 Vol.28 No.4

Recently, landscape design has been emphasized in the architectural field. Since 2005, architecture artwork projects have been evolved within digital and I.O.T technology as a new paradigm through the influence of new media arts. Architecture Media artwork projects represent apparently differences in the part of structure/surface material, work process, characteristics of expression, and technique. Despite the differences between the new architecture artwork and architecture media artworks were treated as the samely produced process of architecture artwork/structure in the operative building and enforcement ordinance. The method of this research is as follow. Firstly, It was analyzed for the concepts, characteristics, changing building acts, the whole production process of architecture, and architecture media artwork projects based on the case study and literature review. Secondly, it extracted two main characteristic factors based on the analyzing architecture media artwork projects, it would be classified the case studies. It shows the key features of new media art, which are characteristics of unlimited expression for artwork’s surface, technical aspect in the program and device of artworks because both architecture media facade and architecture media artwork have common appearances as new media art. As a result, these nine case studies are defined remarkable differentiation in indoor and outdoor architecture media artworks. Also, nine case studies are analyzed the distinction between architecture artwork and architecture media artwork through the analyzing process. Moreover, this research proposes and suggests solutions and alternatives for the sustainability of artwork and architecture media artwork.

미술품 가격결정 요인이 구매의도에 미치는 영향

홍선호 한국문화융합학회 2019 문화와 융합 Vol.41 No.5

Price determinants and purchase intention in the art market are important elements to consider when analyzing the purchase behaviors of artwork consumers. However, studies on consumer behavior in the art market have been limited by their inability to clearly explain which factors influence the cause and effect relationship of consumers purchasing artworks. This study aims to provide basic data for strategies attracting consumers in the art market by recognizing limitations in past consumer behavior studies and empirically understanding the relationship between artwork price determinants and the purchase intentions of artwork consumers. Study targets included existing collectors with purchasing experience who currently have artworks in their possession, potential collectors who do not currently possess artworks but intend to purchase artwork in the future, employees at museums and art galleries, workers involved in selling artworks, and students and graduates who have studied the art market. A total of 260 questionnaire surveys are used in the statistical analysis. Regression analysis is conducted as the statistical method to derive survey results. The results are as follows: Artwork pricing factors were found to have a positive influence on the purchase intentions of artwork consumers. Among the four pricing factors (artwork factor, supply and demand factor, artist factor, and aesthetic factor), both artist factor and aesthetic factor had a positive influence on the detail factors of comprehensive intention and purchase intention. Aesthetic factors had the greatest influence. Only the artwork factor had a positive influence on the will of others to recommend purchase. Therefore, to satisfy the purchase intentions of consumers, the value of the artwork has to be great, and there must be intrinsic aesthetic value. Moreover, when artwork consumers made recommendations to their acquaintances, the latter largely took into account artwork value. Consumption behavior strategies of artwork consumers should be devised based on such outcomes.

예술작품의 존재론적 토포스 -딜타이와 하이데거의 예술 철학을 중심으로-

김동규 ( Kim Dong-gyu ) 한국하이데거학회 2011 존재론 연구 Vol.25 No.-

이 글의 일차적인 목표는 예술작품의 존재론적 토포스를 해명하는 것이다. 예술작품은 특이한 존재방식을 가지고 있다. 하이데거의 지적처럼, 통상 사람들은 사물 또는 도구의 관점에서만 예술작품을 바라본다. 하지만 그럴 경우, 예술작품의 존재론적 ‘특이성’을 놓치고 만다. 이 글의 목적은 딜타이와 하이데거의 예술철학을 중심으로 예술작품의 존재론적 특이성을 밝히는 데 있다. 딜타이는 “정신(Geist)” 개념을 가지고 예술작품을 이해한다. 그에게 정신은 유한한 ‘인간’ 정신이며, 역사적인 삶의 정신이다. 예술작품은 이런 정신의 표현이다. 반면 하이데거는 “존재(Sein)” 개념을 가지고 예술작품을 이해한다. 그에게 존재는 유한한 인간 현존재를 통해서 드러나는 시간(역사)적인 것이다. 예술작품은 이런 존재가 실현되는 장소다. 비록 하이데거가 인간 중심적인 근대미학을 비판하고 있기는 하지만, 작품이 사물이나 도구의 측면에서 이해되는 것을 막기 위해서 창작자와 감상자의 창작과 보존 과정을 작품의 필연적 계기로 설정한다. 창작과 보존 과정이 생략된다면, 작품은 존재할 수 없다. 그것은 딜타이에게도 마찬가지다. 예술작품은 하나의 사물이라기보다는 정신이 체험한 것을 표현한 것이다. 작품 감상은 작품에 표현된 정신을 추체험하는 과정이다. 딜타이에 따르면, 체험, 표현, 이해라는 정신의 순환과정, 그 ‘사이’에 예술작품이 존재한다. 세 가지 계기 가운데 어느 하나라도 빠진다면, 작품은 존재할 수 없다. 본 논문이 딜타이와 하이데거의 예술철학에서 도출해낸 예술작품의 존재론적 특이성을 요약하자면, 다음과 같다. 첫째, 예술작품은 전통 철학이 만들어 놓은 이분법(예컨대 자유와 필연)에서 빗겨난 ‘사이 존재’이다. 둘째, 예술작품은 인간과의 연관 속에서만 존재할 수 있다. 셋째, 예술작품은 한갓 물리적 사물이 아니라, 역사 속에서 스스로를 변모시키는 자기 창조적 존재방식을 가지고 있다. This paper aims to elucidate the topos(place) of the artwork. The artwork has a peculiar mode of being. According to Heidegger, man regards usually the artwork as a kind of thing or tool. But man miss the ontological singularity of the artwork in this case. I will extract this singularity of the artwork from art-philosophy of Dilthey and Heidegger in this paper. Dilthey understands the artwork with “spirit(Geist).” Spirit is a peculiar property of finite human being, of historical life. And the artwork is a expression of this spirit. In contrast to Dilthey, Heidegger understands the artwork with his technical term, “Being(Sein).” Being is historical and reveals itself only through finite human being(Dasein). The artwork is a place where this Being uncovers itself. Although Heidegger had criticized the modern anthropocentric aesthetics, he had seen the process of creation and preservation of artwork as a necessary moment of work-being, in order to protect the artwork from stubborn viewpoints of thing or tool. Without the process of the human creation and preservation, artwork can not be. Dilthey also will agree with Heidegger for that matter. The artwork is neither a thing nor a tool, but it is a expression of spiritual experience. The appreciation (preservation) of artwork is a process of reexperiencing a expressed spirit in the artwork. According to Dilthey, there is a artwork only in the circulation of experience, expression and understanding. And both “spirit” of Dilthey and “Being” of Heidegger have a analogical mode of being. Summarizing the ontological singularity of the artwork, which this paper extracted from art-philosophy of Dilthey and Heidegger, the artwork is 1) Between- Being, deviating from the dichotomy(for example, necessity and freedom), that traditional philosophy has made. 2) The artwork can be only in connection with human being. 3) The artwork is not a physical thing, but it has self-creating mode of being, which has been transforming itself in history.

예술작품의 해석- 니체의 ‘힘에의 의지’를 중심으로

이선 충남대학교 인문과학연구소 2022 인문학연구 Vol.61 No.3

The purpose of this paper is to present an interpretation of the artwork based on Nietzsche's philosophy of art. For Nietzsche, an artwork means the world created by the will to power and the life created by human artistic impulse. Thus, Nietzsche's artwork already contains what we consider to be artworks. Of course, it is clear that Nietzsche is more interested in the artistic activity that produces the artwork than in the interpretation of the artwork. However, Nietzsche's philosophy of art includes not only the process of becoming that changes the life and the world, but also the method of interpreting the artwork that recognizes and interprets the life and the world as artworks. In other words, Nietzsche's philosophy of art shows not only the process of making an object into an artwork as an artistic activity, but also the process of creating meaning as an artist-philosopher's creation and thought and interpreting the world as an artwork. Based on Nietzsche's philosophy of art, this article intends to reveal Nietzsche's undeveloped but predictable interpretation of the will to power for today's artworks displayed before us today. 이 논문의 목적은 니체의 예술철학을 바탕으로 예술작품의 해석을 제시하는 것이다. 니체에게 예술작품은 인간의 예술 충동에 의해 만들어진 삶이나 힘에의 의지에 의해 형성된 세계를 모두 가리킨다. 그래서 니체의 예술작품은 우리가 예술작품이라고 간주하는 것을 이미 포함하고 있다. 니체는 물론 예술작품의 해석보다는 예술작품을 생성시키는 예술적 활동에 더 관심 있는 철학자임은 분명하다. 그렇지만 니체의 예술철학은 삶과 세계를 변화하는 생성의 과정뿐만 아니라 이 삶과 세계를 예술작품으로 지각하고 해석하는 방법 또한 제시하고 있다. 그래서 니체의 예술철학은 예술가적 활동으로서 사물을 예술작품으로 만드는 과정뿐만 아니라 예술가-철학자의 창조와 사유를 통해 예술작품인 세계를 의미 창조를 하거나 세계라는 예술작품을 해석하는 과정을 보여준다. 이러한 니체의 예술철학을 바탕으로 이 글은 니체가 구체적으로 전개하지 않았지만 충분히 예측 가능한, 우리 앞에 전시된 오늘날 예술작품에 대한 힘에의 의지의 해석 방법을 밝히고자 한다.

미술품의 거래에 대한 법적 규율에 관한 연구 -미국의 미술품 매매 관련 법리를 중심으로-

주강원 ( Kangwon Joo ) 홍익대학교 법학연구소 2020 홍익법학 Vol.21 No.3

우리나라의 미술품 시장의 규모는 2018년에 이르기까지 꾸준히 상승하여왔다. 미술품은 물품의 특성상 하자와 가치의 평가 등에 있어 일반적인 물품 거래와 구분되는 여러 가지 특성을 가지고 있으나 일반적으로 거래법의 영역에서 재화(goods)로 취급할 수 있다. 이러한 미술품의 거래와 관련된 분쟁은 대표적으로 위작 미술품의 거래, 도품의 거래, 전시 약탈품의 거래, 고고학적 유물의 거래 등의 영역에서 발생할 수 있다. 다만 전시 약탈품이나 고고학적 유물의 거래는 일반 미술품의 거래와는 달리 국제 협약이나 국가간의 합의 등의 특수한 국제법적 고려를 요하므로 이하에서 다루는 사적인 거래와 관련된 논의에서는 제외하기로 한다. 논의의 범위를 매매나 교환, 위탁매매 등의 미술시장에서의 사적인 거래로 국한할 때 미술시장은 작가가 직접적으로 거래에 참여하는 화랑, 아트페어 등의 1차 시장과 작가가 아닌 소장자가 거래에 참여하는 경매사 등의 2차 시장으로 분류할 수 있다. 미술시장에 참여하는 주된 주체는 매도인인 작가, 소장자, 아트딜러, 화랑 등과 이들로부터 미술품의 구입을 원하는 매수인으로서, 매수인에는 일반 소장자, 화랑 등의 사적 주체 외에도 박물관 등의 공적 기관이 포함될 수 있다. 이러한 주체들 사이에 도품이나 위작의 거래 등으로 인해 분쟁이 발생할 경우 준거법이 대한민국의 법일 경우 미술품의 거래를 규율하는 특별법이 존재하지 않으므로 이와 관련하여 민법의 계약법과 불법행위법에 의해 손해와 위험의 분배 등이 규율될 것이다. 그러나 미술품은 본질적으로 거래 대상 물품의 가치가 산정되는 방법이 다른 물품과 다르고, 동일한 작품에 대해서도 감정인에 따라 다양한 평가가 형성될 수 있는 등 다른 물품과 구분되는 독특한 특질을 가지고 있다. 이에 미술시장의 규모가 크고 거래가 활발한 미국의 뉴욕주 등지에서는 미술품의 거래와 관련하여 UCC 규정의 적극적인 해석 및 미술품 거래에 특유한 법률의 제정을 통해 매도인과 매수인간 형평을 도모할 수 있는 법리를 도출하고자 한다. 특히 현대 미술품 거래는 작가, 소장자, 아트딜러나 경매사 등이 각기 국적 또는 영업소를 달리하는 국제적 거래의 성격을 띄는 경우가 빈번하므로 미술품 거래에 있어 상당 비중을 차지하는 미국법에서의 미술품 매매에 관한 법리에 대한 연구는 현실적으로 의미가 있다. 이에 이 논문은 미술품의 거래와 관련한 미국법의 법리를 UCC의 규정 및 기타 보통법 및 주법상의 법리를 통해 살피고자 한다. Korean art market has been growing in scale until recently. Although artworks are distinguished from other goods in determining the value and the defect, they would be treated as goods in transaction law. Disputes arising out of the transaction of artworks include sale of forgeries, stolen or looted artworks and antiquities. However the discussion on transactions involving looted artworks and antiquities is not covered in this paper since it requires special consideration on the international or inter-states agreement. Art markets are divided into two types: one is the first market, which artists take part in the transaction such as galleries and art fairs, and the other is the second market which collectors participate in such as auctions. Principal participants of the art market are artists, collectors, art dealers, galleries and museums. If there is a dispute among these participants and the governing law is Korean law, principles of contracts and torts of Korean civil law will apply to decide on damages and allocation of risks because there is no special statute to govern the transaction of artworks. However artworks have distinctive nature different from other goods especially in evaluation, which may differ on the very same subject even among the experts. For this reason many states in U.S. such as New York, in which a huge number of artwork transactions have taken place, tried to maintain equity between market participants by active interpretation of U.C.C. and adopting special statutes. Current transactions of artworks frequently have international features since participants such as artists, collectors, art dealers and galleries tend to be located in various countries and the works of the famous artists are sold worldwidely. In this sense the research on the American legal principles on artwork transaction has practical implication because many of the important sales are geographically concentrated in New York. For this reason, this paper will introduce the American legal principles on artwork transaction by analyzing articles of U.C.C., common law theories and state laws.

공공 조형물과 장소, 수용자의 대화적 상호작용 -내러티브 모델링과 커뮤니케이션

이윤희 ( Yun Hee Lee ) 한국기호학회 2011 기호학연구 Vol.29 No.-

Public art as a new genre is now flourishing in Korea and elsewhere in the world. The concept of the public is a prerequisite in considering community, which is an important factor when considering artwork in action. From this aspect, this paper looks into the relation between public artwork, place, and audience. Particularly, the relation between the three will be observed in the specific way that public artwork is incorporated with place so as to produce meaningful effects for audience in life. To examine how the three are related, I use the conceptual tool of narrative modeling for research methodology. Specifically with basic narrative material, for instance, ``moving character`` combining action and actant was observed in a static non-narrative form of public artwork. The way of making a story is considered as narrative competence, and thus the audience is able to connect the artwork with the place where the work is located. As a result, the audience becomes involved as active participants for interpreter for meaning-making, not just watching as a spectator but also being a reader of the public artwork. This process will be demonstrated in examples of public artwork at train stations and downtown in a city. As research has shown, public artwork in non-narrative form is still to be read as narrative, providing an opportunity for rational thinking.

조형예술 작품 분석 유형 및 분석 방법 연구

윤민희 한국조형교육학회 2011 造形敎育 Vol.0 No.41

This study aims to present the analytic methods in terms of the type classification and types for the analysis of artworks. Today, in formative arts education, the analysis of artworks has been recognized as important, it placing importance on the logical analytical skills to artworks. Such a lot of graduate schools in art colleges recognize the importance of academic papers and thesis papers for plastic arts education and educate the research methodology on plastic arts through writing papers and seminars in plastic arts. This study has been done based on the status and needs of 'the artworks research' in plastic arts education and the types of analysis for artworks and analysis methods in plastic arts education in Korea. In a strict sense, the objective analysis does not exist on plastic arts, but this study classified into the following categories based on the research and analysis on methods for the classification of the professional research paper and books in domestic and foreign: aesthetics & art philosophy's analysis, art historical analysis, socio-cultural analysis, psychological analysis, research methods(survey: statistical methods), formative analysis. Each of the analysis methods was described based on these types classification. This study is meaningful to present the methodology for the artworks analysis and description of the plastic arts based on these researches. This study further presents a research model on the analysis of formative works of art through the specific analysis of artworks based on further ongoing research and detailed classification.