아티스트피 지급에 대한 제도적 접근에 대한 고찰

김혜인 한국예술경영학회 2016 예술경영연구 Vol.0 No.37

This study is intended not only to examine the methods of and standards for the payment of artists’ fees as the minimum reward which represents the minimum approach to the survival of artists and the recognition of the particularity of art creating activities, but to review the meaning of arguments originating therefrom. Therefore, this study addresses what particularities should be taken into account and what conceptual discussions should take place for the institutional approach to the artists’ fee system, on which domestic discussions have recently been initiated in earnest and the Ministry of Culture, Sports and Tourism has started to seek a plan to institutionalize the artists’ fees. This study also aims to identify the considerations needed to introduce a scheme for artists’ fees and propose a plan to launch a policy by analyzing the concepts mixed in the term of “Artists’ Fees”, checking the current domestic situation and reviewing several overseas cases which have summarized the standards and methods for the payment of artists’ fees. In this study, the difference in the conceptual approaches to the payment of financial rewards for artists’ creative activities implicit in the terms such as artists’ fees, participating artists compensation, production fee, artworks rental fee, etc. is reviewed through the analysis of the survey results on the terms used by the professionals in the art community and their awareness of the current status. In addition, this study provides the analysis of the characteristics and problems identified in the cases of paying artists’ fees by national museums, public museums, private museums and alternative spaces in Korea, as well as close examination on the details of the guidelines for the standards and methods of artists’ fee payment led by a private art organization or the central government. Through such analysis and examination, this study not only defines artists’ fees as a pure concept of ‘reward’ that can be considered in the domestic art community and is distinguished from the production fee or artworks rental fee, but also presents the necessity and methods of institutional approach to the payment of artists’ fees. 본 연구는 그간 예술가의 생존문제에 대한 최소한의 접근이자 예술창작행위의 특수성을 인정하는 의미로서의 최소 사례를 지급장치로서의 아티스트피 지급방식과 기준은 무엇이 있으며, 그로 인해 발생하는 담론들의 의미는 무엇인가를 살펴보기 위함이다. 따라서 최근 국내 예술계에서 본격적으로 논의되기 시작하고, 문화체육관광부에서 제도화 방안 모색이 시작된 아티스트피 관련 제도적 접근은 어떤 특수성이 고려되어야 하며, 어떤 개념적 논의가 있어야 하는 가를 분석해보았다. 아티스트피 라는 용어 안에 혼재되어있는 개념들을 분석하고, 국내 예술계 구조로 인한특수성을 살펴보고, 아티스트피에 대한 기준과 방식을 정립하고 있는 해외사례들을분석함으로써 제도적 도입을 위한 고려사항과 정책적 도입방안을 제시해보고자 하였다. 예술계 전문가들의 아티스트피와 연관된 용어에 대한 인식조사와 국내 특수성을 고려한 아티스트피 지급 문제에 대한 인식조사 결과분석을 통해 아티스트피, 참여작가 보상비, 제작지원금, 작품 대여비 등의 용어 속에 예술가의 창작활동에 대한 지급에 대한 개념적 접근의 차이를 살펴보았다. 조사 대상은 전문가는 공공 및 사립미술관 및 예술기관 관계자, 예술가, 정책연구자 총 25명으로 구성되었고, 반구조화인터뷰 방식을 사용한 FGD방법을 활용하였다. 그리고 국내 국·공·사립미술관및 대안공간들의 현황조사를 실시하여 아티스트피 지급사례들의 특징과 문제점을분석하고, 해외사례 중 민간단체 주도형 방식과 정부주도형 방식의 아티스트피 가이드라인의 특징을 세밀하게 분석하였다. 이를 통해 본 연구는 국내 예술계에서 고려해볼 수 있는 아티스트피의 개념적 정의로 제작지원금 및 대여비 등과 분리되는 순수한 ‘사례’의 개념의 아티스트피의 정의를 제시하고, 아티스트피 지급에 대한 제도적 접근의 필요성과 방법을 제시하였다.

예술인 창작안전망 구축을 위한 복지제도 개선 방안

이영미 한국스포츠엔터테인먼트법학회 2023 스포츠와 법 Vol.26 No.4

The Artists' Welfare Act was enacted in 2011, and many attempts have been made continuously for the welfare of artists, such as protecting artists' professional rights by law and expanding the social safety net. However, after the enforcement ordinance was promulgated in November 2012, the Artists' Social Security Policy was enacted in 2013. Even at this point, more than 10 years after the law began and went into effect, various problems and questions about the effectiveness of the system are being raised in each field of culture and arts. The current Artist Welfare Act places artists in a blind spot of the law due to issues such as the definition and scope of artists as welfare recipients, the scope of actual benefits, and the scope and budget of welfare projects. As social awareness of the importance of culture and arts is increasing, the social status and status of artists are changing, and efforts are being made at the government level to provide various welfare services. This paper first examines the definition and scope of artists based on the law, examines how the social status of artists is evaluated overseas, and analyzes the artist welfare system to protect the creative safety net while examining changes in the revision of the Artist Welfare Act. I looked into it. In addition, we compared and analyzed overseas artist welfare systems and policy-related cases. Afterwards, we looked at the problems arising from the artist welfare system and presented tasks and directions for improvement to improve the creative environment for artists in economically vulnerable situations. The significance of this study is to present tasks that the artist welfare system currently implemented in Korea must solve to improve the creative environment for artists and to improve the artist welfare system suitable for the creative reality of domestic artists by analyzing the artist welfare systems of european advanced countries.

예술가의 사회적 지위 보장을 위한 법제연구

김수갑(Kim, Su-Kab) 충북대학교 법학연구소 2013 法學硏究 Vol.24 No.2

Artist' is taken to mean any person who creates or gives creative expression to, or recreates works of art, who considers his artistic creation to be an essential part of his life, who contributes in this way to the development of art and culture and who is or asks to be recognized as an artist, whether or not he is bound by any relations of employment or association. UNESCO defined 'status of artists' in 'Recommendation concerning the Status of the Artist' as follows: on the one, hand, the regard accorded to artists, defined as above, in a society, on the basis of the importance attributed to the part they are called upon to play therein and, on the other hand, recognition of the liberties and rights, including moral, economic and social rights, with particular reference to income and social security, which artists should enjoy. 'Artists Welfare Act' in South Korea was enacted with extremely abstract form according to opposition of government department and Federation of Korean Industries. Pension Insurance and Health Insurance coverage were excluded, Artists only may be subject to receive compensation in accordance with the Industrial Accident Compensation Insurance Act. I think, we should approach from the point of responsibility of people who use the work produced by the artist in the market, not from the worker status of artists. That is effective measures to protect the status of artists, And the establishment of professional organizations which determine the Insurance Eligibility and Obligation of artists is urgent task. In order to realize artists welfare effectively, it is needed to harmony with relevant laws such as existing labor laws, copyright laws, culture and arts promotion act in the short term. But in the long term, we should secure artists welfare as a part of the special social security system(Employment Insurance, Health Insurance, Industrial Accident Insurance, Pension Plan etc.) under the recognition of social characteristics of artists's activities. To do this, funding is essential and the scope of artists as a target beneficiaries is to be objectified. In order to improve the system, legislation s of many countries of Europe could be a good reference.

‘보완된 문화 다이아몬드’ 모델로 본 작가가옥미술관의 현황 연구

김다영,이민 한국문화공간건축학회 2022 한국문화공간건축학회논문집 Vol.- No.78

This study looked at the artist's house museum from the point of view of sociology of art. Art museums have an organic relationship between art and society. The artist's house museum refers to a place where the house or studio where an artist in the field of art lived was turned into an art museum. The space where the artist actually resides has the specificity and realism of the place, and is differentiated from existing art museums. Visitors can experience the art creation process and the source of inspiration for the artist while experiencing the artist's private space firsthand. This creates a common experience with the artist. In addition, creating an artist’s house museum is a meaningful preservation activity for future generations as important cultural and artistic assets of the region. As it is thought that an in-depth study of the artist's house museum is necessary, the foreign artist's house museum was considered as a precedent for the revitalization of the domestic artist's house museum. Although the study of domestic artists' house museums is in its infancy, there are various artists' house museums abroad with a long history. Therefore, based on the ‘Modified Cultural Diamond’ of the sociology of art, the overseas artist’s house art museum was analyzed from various aspects and its characteristics were drawn.

예술인 근로자 의제’에 대한 재 고찰- 「예술인복지법」 국회 논의 과정을 중심으로

안채린 한국예술경영학회 2018 예술경영연구 Vol.0 No.45

본 연구는 「예술인복지법」의 초기 입법과정에서 야심차게 제기되었다가 국회 논의과정에서 삭제된 ‘예술인 근로자 의제’의 의미와 역할에 대해 다시 고찰하였다. 예술인 집단을 위한 별도의 사회보장체계를 정립해야 하는 정당성의 근거를 예술인노동특수성으로 인한 경제적 허약성과 예술인 활동이 사회에 기여하는 긍정적 외부성의 두 가지로 도출하고, 유네스코의 <예술인의 사회적 지위를 위한 권고> 및 주요 유럽 국가들의 예술인 사회보장제도 체계의 근간에 위의 두 가지 요소가 자리하고 있음을 확인하였다. 이를 토대로 한국적 상황에서 ‘예술인 근로자 의제’는 예술인 노동 특수성 및 예술인 활동의 사회적 가치를 동시에 드러내는 의미와 역할을지니고 있었음을 확인하고, 실제「예술인복지법」 입법 및 개정 과정에서 ‘근로자 의제’의 함의가 충분히 이해되지 못했음을 지적하였다. 결론으로는 향후 「예술인복지법」의 발전을 위해 고용형태에 상관없이 전문예술인들이 공통적으로 경험하고 있는예술인 노동 특수성과 그로 인한 경제적 허약성에 다시 주목할 필요성을 제기하였다. The paper aims to rethink the meaning and the role of the legal fiction of artists as worker, which was included in the initial bills of the Artists’ Welfare Act. For this, the research first articulates two major factors that explain the legitimacy to introduce a separate social security system for artists: the economic vulnerability of artists due to the specificity of artists’ work, and the positive externalities of artists’ activities. The paper then observes that the majority of well-established artists’ welfare systems in Europe are based on the importance of above two factors, as well as the UNESCO Recommendation concerning the Status of the Artists. Based on this, the paper argues that the previous attempts to bring legal fiction of artists as worker during legislation process had a very crucial role to reveal the need to understand the specificity of artists’ working process and the positive externalities of their activities. After identifying that the legislative process of the Artists’ Welfare Act was unsuccessful to fully acknowledge the undertone of the initial content of the bill, the paper argues that there is a need to refocus on the specificity of artists’ work and the economic vulnerability, which are experienced by the majority of professional artists, regardless of employment status.

푸코 개념으로 살펴본 한국사회의 젊은 예술가: 통치성, 자기배려 개념을 중심으로

김민재 한국문화사회학회 2023 문화와 사회 Vol.31 No.1

Artist residencies in Korean society function as an arts support system. This study conducted a qualitative study on young Korean artists who are continuing their artistic work by utilizing art support such as artist residency. The purpose of this study is to understand the way young artists continue their artistic activities and daily lives, and to understand the impact of arts support on their activities. Research suggests that neoliberalism is also affecting the arts. In order to analyze the neoliberal characteristics of art support and the way artists accept them, the concept of governmentality and self-care presented by Michel Foucault was applied as a main framework for analysis. As a result of the study, it was found that neoliberal governmentality was found in art support methods such as artist residency, but mutual trust and consideration also existed. Artists meet the expectations of residency and continue their art work, and in the process of working, they are sometimes influenced by external influences such as others, people in the art world, and the art market. However, at the same time, it was possible to observe that he was forming his own image. On the other hand, it is quite paradoxical in that the ultimate goal of artists is at the point where they can do art work without support, and they can reach it only when they win the neoliberal logic of competition. This study shows that it is necessary to prepare realistic art support plans that help artists become self-reliant and continue their artistic activities by considering the artist's life cycle from a long-term perspective based on a sufficient understanding of the reality of these artists. It also shows that there is a need to consider ways to benefit more people. 이 연구는 아티스트 레지던시와 같은 예술지원을 활용하여 예술작업을 지속하고 있는 국내 30, 40대 시각예술작가들에 대한 질적 연구를 바탕으로, 이들이 예술활동과 일상을 이어나가는 방식을 이해하고, 예술지원이 예술가 활동에 미치는 영향을 파악하는데 목적이 있다. 연구는 예술지원에 푸코적 관점에서의 신자유주의 통치 경쟁 역학이 작동하고 있다고 보며, 정책적으로 추진되며 제도화되어 온 아티스트 레지던시를 푸코 개념에 근거해 분석함으로써 예술분야에 이식된 신자유주의 통치성과 예술지원제도 활용 과정에서 나타나는 예술가의 자기배려를 살펴보고자 했다. 연구 결과, 아티스트 레지던시와 같은 예술지원 방식에서는 신자유주의 통치성이 나타나지만, 상호신뢰와 배려 또한 존재하고 있음을 알 수 있었다. 예술가들은 레지던시가 지향하는 바를 이행하는 가운데 예술작업을 이어나가며, 작업 과정에서 미술계 관계자, 미술시장과 같은 외부 영향을 받기도 하지만, 이와 동시에 자기 자신의 모습을 형성해 나가고 있음을 살펴볼 수 있었다. 그러나 지원제도를 많이 경험한 예술가일수록 정주 공간 마련의 필요성을 절감하며, 궁극적으로는 지원 없이도 작업 가능한 지점에 도달하기를 희망하지만, 그러한 지점에는 신자유주의 통치가 개입되는 경쟁에서 승리했을 때에야 다다를 수 있다는 점은 예술가들이 처한 역설적 현실을 보여준다. 따라서 예술지원에 있어 예술가 현실에 대한 충분히 이해를 바탕으로, 장기적 관점에서 예술가 생애주기를 고려하여, 예술가의 자립과 예술활동 지속을 돕는 현실적 예술지원 방안 마련이 필요하며, 보다 많은 이들에게 혜택이 돌아가는 방안 마련도 고려될 필요가 있음이 제기된다.

‘작가미술장터’와 작가들 - 대안적 미술시장에 참여한 작가들의 경험담 -

고동연 한국예술경영학회 2018 예술경영연구 Vol.0 No.47

지난 10년간 전 세계적으로 작가 주도형(작가 직거래) 아트페어가 확산되었다. 국 내에서도 예술경영지원센터가 2015년부터 후원하는 ‘작가미술장터’가 작가들의 경 제적인 권익을 향상하고 미술시장의 대중화를 위한 대표적인 연례행사로 자리잡아 가고 있다. 이번 연구는 작가주도형 아트페어의 특징과 필요성을 문화정책, 미술시 장, 그리고 작가 권익과 연관된 사회적 이슈 등의 측면에서 살펴보고자 한다. 이를 통하여 역사적으로 미술사에서 등장해온 작가 직거래 아트페어와 최근 작가 주도형 아트페어가 지닌 차이점, 나아가서 대안적인 미술시장의 필요성이 대두되게 된 역 사적, 사회적 배경을 파악하고자 한다. 아울러 연구자는 ‘유니온아트페어,’ ‘블라인 드데이트,’ ‘그림도시’의 3개 국내 ‘작가미술장터’에 참여하였던 12명 작가들에 대한 10개 문항의 설문조사와 인터뷰도 진행하고자 한다. 판매액이나 관람객의 수치가 아닌 미술장터에 참여한 작가들의 경험담을 분석하는 질적인 연구방법을 사용하고 자 한다. 이것은 작가미술장터의 중요한 목적인 미술시장의 대중화나 컬렉터 층의 확대에 대한 향후 개선책, 문제점 등을 정책가가 아닌 참여자의 목소리와 경험담을 통하여 도출해 내기 위함이다. For the last decade, artists’ initiative art fairs become international phenomena. In Korea, “Artist Art Market,” which is financially supported by Korea Arts Management Service, establishes itself as the top annual event that promotes artists’ rights and the popularization of arts market. This study examines the key traits and needs of artists' initiative art fairs in light of art policy, art market, and social issues related to artist’s rights. Through this, I highlight the differences between historical artists’ art fairs and recent artists' initiative art fairs as well as particular historical and social circumstances that necessitate alternative art market for the last decade. In addition, I proceed with the survey of ten questionnaire and interviews of twelve artists who participate at the three “Artist Art Market”--namely Union Art Fair, Blind Date, and Art City. Rather than relying on the statistics of total revenues and number of visitors, I apply the qualitative methodology of analyzing the narratives of participating artists. This aims to reflect the voice of artists participating at “Artist Art Market” related to issues of the popularization of art market and diversification of collectors in Korea; and to drew the guideline for corrections, criticism for future improvement of “Artist Art Market” based upon artists’ stories and experiences--rather than based upon those of policy makers.

미술치료 연구에서 예술가의 작품 속 치료요인 분석에 대한 동향 분석

안미예,한영희,남현우 (사)한국예술치료학회 2024 한국예술치료학회지 Vol.24 No.1

본 연구는 최근 23년간 국내에서 발표한 미술치료 연구논문에서 예술가의 작품 속 치료요인 분석연구의 동향을 분석하고, 그 결과를 바탕으로 미술치료 연구 방향에 대해 제시하고자 하였다. 이를 위해 2001년부터 2023년까지 연구된 예술가의 작품 분석에 관한 미술치료 학술지 77편 중 연구 목적에 적합한 69편을 연도, 예술가, 연구 관점, 연구 매체, 연구 주제, 연구의 치료요인으로 분석하였다. 연구의 결과를 바탕으로 다음과 같은 결론을 도출하였다. 첫째, 연도별 동향은 23년 동안 연구가 지속되고 있으며, 2006년부터 연구가 급증하였음을 알 수 있었다. 둘째, 예술가를 미술사조의 흐름에 따라 살펴보면 남성 예술가는 표현주의가 16.4%, 여성 예술가는 근현대가 12.9%로 가장 높게 나타났다. 셋째, 분석 관점 동향을 살펴보면 정신분석적 관점에서 진행되는 연구가 26.1%를 차지한 것으로 나타났다. 넷째, 연구 매체 동향은 회화, 자화상 등의 2차원 매체가 72.1%로 가장 많이 연구된 것으로 나타났다. 다섯째, 연구 주제 동향은 미술치료, 미술의 치료요인, 색채심리, 트라우마, 죽음과 관련된 주제 순으로 나타났다. 이와 같은 주제어의 내용은 예술가들이 정신적·심리적 어려움을 작품활동을 통해 치료하고 있음을 보여주는 것이다. 여섯째, 예술가가 작품활동을 통해 경험하게 되는 치료요인이 87.1%로 가장 많이 나타났다. 특히 예술가들은 작품활동을 통해 ‘승화’와 ‘카타르시스’를 주로 경험하는 것을 알 수 있었다. 이외에도 예술가의 작품을 감상하는 감상자도 예술가처럼 치료를 경험하는 것으로 나타났다. 본 연구는 예술가의 작품 속 치료요인을 분석한 논문들을 대상으로 하여 그 치료요인을 체계적으로 분석하여 정리하고 이후 다양한 방향으로 미술치료의 연구가 진행될 기초자료를 제공한 데 의의가 있다. 본 연구 결과는 예술가들의 작품이 가지는 치료요인에 대한 이해를 제공하고 향후 감상자가 경험할 수 있는 치료요인 연구에 대한 기초자료를 제공할 수 있을 것으로 기대한다. This study analyzed trends in the analysis of therapeutic factors in artists' works in art therapy research papers published in Korea over the past 23 years, and proposed the direction of where art therapy research should be heading based on the results. To this end, among the 77 art therapy journal articles on the analysis of artists' works studied from 2001 to 2023, 69 articles suitable for the research purpose were analyzed by year, artist, research perspective, research medium, research topic, and treatment factors of the study. Based on the results of the study, the following conclusions were drawn. First, the trends by year show that research has continued for 23 years, and that research has increased rapidly since 2006. Second, when looking at artists according to the flow of art trends, expressionism was the highest among male artists at 16.4%, and modern and contemporary among female artists was highest at 12.9%. Third, looking at the trend of the analysis perspective, it was found that 26.1% of the studies were conducted from a psychoanalytic perspective. Fourth, research media trends showed that two-dimensional media such as paintings and self-portraits were the most studied at 72.1%. Fifth, the research topic trends were in the order of art therapy, art therapeutic factors of art, color psychology, trauma, and death-related topics. The content of these key words shows that artists are treating mental and psychological difficulties through work activities. Sixth, the most common therapeutic factors experienced by artists through their work, accounting for 87.1%. In particular, it was found that artists mainly experienced 'sublimation' and 'catharsis' through their work activities. In addition, it was found that viewers who appreciate an artist's work also experience therapy effect just like the artist. This study is meaningful in that it systematically analyzed and organized the therapeutic factors in papers that analyzed the therapeutic factors in artists' works, and provided basic data for future research on art therapy. The results of this study are expected to provide understanding of the therapeutic factors of artists' creations and provide basic data for research on therapeutic factors that viewers can experience in the future.

신사임당(申師任堂)과 옥산(玉山) 이우(李瑀)의 서화(書畵) 예술철학(藝術哲學)

유정은 ( Yu Jeong-eun ) 한국한문고전학회(구 성신한문학회) 2017 漢文古典硏究 Vol.34 No.1

본 논고는 조선시대 여류예술가 申師任堂(1504~1551)과 그녀의 넷째 아들 玉山 李瑀(1542~1609)의 書畵 예술작품을 고찰하여 작품 안에 살아 숨 쉬는 예술철학의 정신을 이해하는데 목적을 두고 있다. 신사임당은 우리 국민 모두가 잘 알고 있듯이 500여 년 전 성리학 사상이 팽배해있던 조선사회에서 여성의 몸으로 태어나 현모양처의 대명사이자 詩·書·畵에 능한 예술인으로 지금까지도 칭송받고 있는 대표적인 여성인물이다. 이에 비해 옥산 이우는 어머니 신사임당과 형 율곡 이이에 비해 그의 행적이나 업적이 많이 알려지지는 않았지만, 사임당의 예술적 자질을 그대로 물려받아 16세기 말 詩·書·畵·琴에 모두 뛰어나 `四絶`로 명성이 높았던 인물이다. 본고에서는 사임당의 서화 작품에서 보이는 예술적 능력이 옥산 이우에게 어떻게 형상화 되어 나타났는지 같은 주제에 관한 예술작품을 중심으로 고찰해보고, 또 예술작품으로 전하고자 했던 예술철학의 정신까지도 살펴보았다. 먼저 書에 있어서는 사임당의 「초서병풍」과 옥산의 「옥산서병」의 초서를 중심으로 고찰하였다. 畵에 있어서는 사임당과 옥산이 같은 화목으로 그렸던 소재의 작품을 중심으로 그 소재가 갖고 있는 상징적 의미까지 살펴보는 계기를 마련하였다. 사임당과 옥산의 작품이 지금까지 높은 예술성으로 회자되고 있는 이유는 그들의 예술적 재능은 물론 仁과 德으로 완성된 인격이 합치되어 나타났기 때문에 가능한 일이었을 것이다. 모든 예술작품에는 그 작가의 재능만이 담기지 않는다. 작가 자신의 몸과 마음, 그리고 생각, 인격까지 모두 담겨 나타나게 된다. 그래서 예술가의 작품은 곧 그 작가를 대신하게 되는 것이다. 사임당과 옥산의 예술작품 속에 드러난 그 정신은 화해와 사랑의 마음이 바탕이 된 儒家의 仁의 미학이라 판단된다. 세월에 먹빛은 바랬지만 그 안에서 예술적 역량을 발휘했던 사임당과 옥산이 품었던 화해와 사랑의 마음과 함께 仁과 德으로 완성되었던 올바른 인격까지 같이 느낄 수 있는 계기가 되었으면 한다. This study aims at understanding the spirits of vivid artistic philosophy of woman artist Shin Sayimdang in Chosun dynasty and her son Oksan Lee Woo(1542~1609) by evaluating their paintings and calligraphic works. Shin Sayimdang, as well-known to us, born as a woman in Chosun dynasty overflowing with Neo-Confucianism about 500 years ago, became a good wife and wise mother and grew as an artist who was proficient in poetry, paintings and calligraphic works, still praised for her talents and personality. On the contrary, although his past and achievement were not so much more known than his mother Shin Saimdang or his brother Yoolkok Lee Yi, Oksan Lee Woo was an artist who was famous for poetry, paintings and calligraphic works and Qin music, known as one of the Four Great Masters, since he inherited the artistic talents from his mother and showed a great artistic ability in the end of the 16^th century. This study will explain how the ability of his mother was embodied in his works by evaluating their works of art on the common subjects and discuss the spirits of their artistic philosophy which has been handed down by their works. As for calligraphic works, evaluating her "Choseo Byeongpung(Cursive Characters on Folding Screen)" and his cursive characters on "Oksan Seobyeong(Oksan`s Cursive Characters on Folding Screen)", we will discuss their influences, since later their works formed "Sayimdang Calligraphic School." As for paintings, focusing on their common subjects and material, we will discuss the symbolic meaning of their material. Their works are still praised for the high artistic value, since their artistic talents are combined with their benevolence and virtue. Every piece of artistic works contains not only the talents of the artist, but also the body and mind, thoughts and personality of his. Therefore, that piece can represent the artist. It can be concluded that the spirits of their artistic works are the ultimate of the Confucius esthetics based on reconciliation and love. It will be possible that, from their works, we can find their right personality completed by their benevolence and virtue as well as their minds of reconciliation and love, although their works lost color as the years went.

포용예술과 장애예술인에 대한 공연예술인의 인식

옥혜숙,강영심,김경 대구대학교 특수교육재활과학연구소 2019 특수교육재활과학연구 Vol.58 No.3

The purpose of this study was to investigate the perception of performance artists working on performance site towards the inclusive arts and artists with disability. The subjects were ten performance artists who are engaged in theater directors, regular actor and musical actor working for theater company or municipal/provincial governments, performance planner, or performance staff and have career of artists recognized by the Korea Artist Welfare Foundation. The in-depth interview, a qualitative methodology, was conducted and the results are as follows: First, The performance artists perceived the inclusive arts as an unfamiliar and unusual term and they had no accurate understanding of whether it refers specific objects or it is encompassed broadly in the field of arts broadly. The performance artists also expressed concern about the problems that would result from a lack of their proper awareness of disability when performing with artists with disability. They, however, responded very positively to the collaboration with artist with disability and, given opportunity, had a strong commitment to lead such performance to lead.Second, The performance artists, after seeing the performance stage of the artist with disability, thought that they are artists certainly just with disabilities and had the same profession with them, and responded that the stage of artists with disabilities was an opportunity for them to reflect on their lives. The performance artists had concerns that the current performance facilities in Korea were too poor to expose the performance of artists with disabilities though they expected a collaboration stage with artists with disabilities. This study is expected to contribute to the practical and specific planning for excellent collaboration stage of artists with disability and non-disability and to improve cultural environments ensuring social integration in the field of culture and arts. 본 연구는 포용예술과 장애예술인에 대하여 공연현장에서 활동하고 있는 공연예술인들의 인식은 어떠한가를 알아보기 위해 수행되었다. 이에 2019년 5월 15일부터 7월 1일에 걸쳐 면담 회, 전화상담 회를 통해 자료를 수집하였다. 연구 참여자는 전국에서 활동 중인 연극 연출가, 극단이나 시립·도립에 소속된 정단원 배우, 뮤지컬 배우, 공연기획자, 공연 스태프로 종사하는 한국예술인복지재단에서 예술인 활동경력이 인정된 공연예술인으로 선정하였다. 면담 시 질문지 구성은 선행연구를 토대로 5가지 반구조화된 질문내용을 추출하였고, 면담자료는 질적 연구 방법인 연속적 비교분석법으로 분석하였다. 타당도와 신뢰도를 위해 삼각측정법과 코딩자간 신뢰도, 참여자 확인 기법을 사용하였다. 그 결과 2개의 대주제, 4개의 상위주제, 9개의 하위주제가 도출되었다. 이에 본 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 포용예술에 관하여 공연예술인들의 생각을 들어보면 낯설기만 하고 많이 접하지 않은 용어라고 생각하는 것으로 드러났다. 더불어 포용예술이란 단어는 생소하지만 장애예술인과 함께 공연하는 것에 대해서는 예술인으로서 당연히 먼저 앞장서야 한다고 생각했다. 그러나 공연예술인들이 장애에 대한 올바른 인식 부족으로 장애예술인과 공연했을 때 생기게 될 문제점에 대해 앞서 큰 걱정을 하는 모습을 보이기도 했다. 둘째, 장애예술인에 대한 공연예술인들의 생각은 어떠한가에 대한 결과는 장애예술인들이 공연하는 무대를 보고 자신을 돌아보기도 하고 장애예술인들이 가진 능력에 무척 놀라웠다고 이야기했다. 또한, 그 무대를 보면서 장애예술인도 나와 같은 직업을 가진 예술인이라는 생각을 한 것으로 드러났다. 더 나아가 공연현장에서 장애가 있는 역할을 실제 장애예술인들이 한다면 훨씬 리얼하고 그로 인해 많은 사람에게 장애에 대한 올바른 이해를 도울 수 있으리라 생각했다. 그러한 면으로 볼 때 장애예술인과 협업은 상당히 의미 있고 기대할 만한 일이라고 이야기하였다. 하지만 현실적으로 우리나라의 극장 환경과 구조가 실제 장애예술인들이 공연을 하기에 너무 위험하며, 적절하지 못하다는 이야기도 나왔다. 따라서 이러한 결과는 장애예술인들과 비장애예술인들의 올바른 협업의 무대를 위해 실질적이고 구체적인 방안을 모색하고, 문화예술의 올바른 사회적 통합을 이룰 수 있는 문화 환경을 개선하는데 의의가 있다.