에이젠슈테인 영화에 나타난 문제-공간의 연출 방법론 연구

강철 한국러시아문학회 2019 러시아어문학 연구논집 Vol.64 No.-

The purpose of this study is to investigate how Sergei Eisenstein (Сергей Эйзенштейн) directed cinematic scenes through the concept of problem-space. Problem-space refers to ‘a space with a dominant element that captures the attention of audience’ or ‘a topos where a dominant element is assigned.’ Despite being an important part of the cinematic aesthetics of Eisenstein, there were little studies conducted on the field of problem-space. Through the studies on Eisenstein’s aesthetic spatial direction, this study attempted to present a new approach and interpretation on the films of Eisenstein. Eisenstein’s problem-space was analyzed in the following areas. First is the principle of centering. Contrary to the existing European or traditional Hollywood films, this created a unique aesthetic of mise-en-scene through negative spaces that arrange characters evenly in the center and edges of a frame or emptying the center. Second is the ideology of place. This analyzes the problem-space of the top and bottom within a frame. Eisenstein expressed a political hegemony in the relationship of top and bottom. The top is the ruler, or the totalitarian regime of Russia, and the bottom symbolizes the ruled, or the general public. Third is the aperture framing. Usually in cinematic traditions, the aperture framing is often used for emphasizing characters in the background, but Eisenstein attempted to produce the excess of expressionism forms through frame-in-frame. Fourth, staging of depth omitted the middle ground and pursued traditions of two-dimensional paintings and films through the contrast of the foreground and background. Such extreme flatness resulted in the caricature of characters and symbols of critical satire. Fifth is the foregrounding of settings. This examined how spaces such as the sky, land, sea, etc. that were often presented as backgrounds in Eisenstein’s films were projected as characters. This study compared the problem-space created by Eisenstein with the cinematic traditions of Europe and the US to analyze various directing methods. Through such analysis, it was possible to open a new prospect on the core spatial direction for understanding the mise-en-scene world of Eisenstein.

에이젠슈테인의 영화연기론

조성덕(Chough, Song-Duk),김종국(Kim, Jong-Guk) 한국만화애니메이션학회 2016 만화애니메이션연구 Vol.- No.45

이 글은 러시아 몽타주로 유명한 에이젠슈테인(Sergei Eisenstein)의 영화연기론을 분석한다. 기존의 논의에 의하면, 그는 컷 액팅(cut acting)과 같은 개념을 통해 심리적 사실주의 연기를 지양한다. 에이젠슈테인은 컷 액팅의 의미를 숏으로 분절된다는 것으로 설명함으로써, 몽타주와 같은 방식으로 이해한다. 연결 몽타주의 푸도프킨이 스타니슬라프스키의 연기론과 연관된다면, 충돌 몽타주의 에이젠슈테인은 마이어홀드의 연기론과 관계된다. 이 글은 에이젠슈테인이 자신의 몽타주론을 설명하는 곳곳에서 제기한 연기 및 배우에 관한 관점을 추적한다. 에이젠슈테인이 저술한 글들을 모은 『영화감각Film Sense』(1942)과 『영화형식Film Form』(1949)을 중점적으로 고찰한다. 국문과 영문 중심의 국내외 문헌을 검토한 결과, 에이젠슈테인의 영화연기론을 분석한 논의가 매우 적다. 거의 대부분이 몽타주론에 집중되어 있고, 그 가운데 연기에 관한 언급이 극히 제한적으로 이뤄지고 있다. 에이젠슈테인이 제시한 컷 액팅과 전형화의 개념, 있는 그대로의 생생한 감정을 표현하고 유발하는 배우의 내적 기법과 과정, 내적 언어의 하나로서 다양성 속의 총합을 이루는 연기 등은 현대영화의 창작과 사례 분석에 유용한 개념들이다. 특히 에이젠슈테인의 몽타주 기법을 가장 직접적이고 인상적으로 만날 수 있는 만화, 웹툰, 애니메이션의 창작 과정에 그의 매체 연기론을 적용할 수 있으며, 분석을 위한 수많은 관련 사례들을 찾아볼 수 있다. 이것이 지난 에이젠슈테인의 영화연기론을 되짚어보는 이유이며, 논의의 결과물들은 관련 연구의 파생을 위한 충분한 토대가 될 것이다. This article analyzes Sergei Eisenstein"s acting theory, which is famous for his Russian montage. According to the existing discussions, he avoids the psychological realism through the concept of cut acting. It is a method like montage from the viewpoint that the practice of the cut action is segmented into shots. While Vsevolod Pudovkin, who asserts a connection montage, is looking for performance to portray a gradual change of emotion adopted by Konstantin Stanislavsky"s psychological realism, Eisenstein prefers the acting of Vsevolod Meyerhold"s masks in the same manner as the collision montage. This article traces the viewpoints on acting and actor that Eisenstein posed throughout his montage theory. It focuses on Film Sense(1942) and Film Form(1949), which are a collection of articles written by Eisenstein. As a result of examining the domestic and foreign literatures centering on Korean and English, it is hard to find the discussions on the analysis of Eisenstein"s acting theory. Almost all of them are concentrated in his montage, among which the mention of acting is extremely limited. The cut acting, the typage, the inner techniques and processes of actor that express and induce the living emotions, and the acting of the integrating into diversity as one of the inner language are useful concepts in the creation and case analysis of contemporary films. Especially, his acting theory can be applied in the creation process of cartoons, webtoons, and animations which can meet the most decisive and impressive montage technique of Eisenstein. It is also possible to find many related cases for the analysis. This is why I look back on Eisenstein"s film acting theory, and the results of the discussion will be a sufficient foundation for the derivation of related research.

에이젠슈테인의 표현역학 영화연기, 충격과 매혹

김종국 한국연기예술학회 2021 연기예술연구 Vol.21 No.1

이 연구는 에이젠슈테인의 영화연기에 관한 논의 가운데 표현역학이 고안된 과정을 추적하면서, 충격 과 매혹이라는 배우 연기의 의미를 고찰하였다. 이 주제를 선택한 이유와 목적은 대중영화의 강력한 표 현성이 배우의 연기에서 비롯된다는 전제를 메이예르홀트의 생체역학과 에이젠슈테인의 표현역학에서 찾아보고자 함이다. 첫째, 새로운 형식의 연극 실험을 위한 배우훈련체계로 고안한 메이예르홀트의 생체 역학을 살펴보았다. 배우훈련법으로서 생체역학은 당대의 새로운 형식의 연극에 적합한 리드미컬한 움 직임, 제스처, 자세를 구성하기 위해 메이예르홀트가 제안한 연기의 양식화된 미학적 원리이다. 둘째, 메 이예르홀트의 생체역학에서 표현역학을 정립한 에이젠슈테인의 논의 및 실제의 적용과정을 추적하였다. 메이예르홀트의 워크숍에서 연구조교로 수학한 에이젠슈테인의 퍼포먼스 실험은 생체역학을 과학적으로 이론화하고 실연하는 것이었다. 셋째, 배우의 유형 분류로 설명할 수 있는 전형화, 일종의 단절된 연기로 이해할 수 있는 컷-액팅을 양식화한 표현역학의 목적 및 효과를 살펴보았다. 넷째, 표현역학의 이념이라 할 수 있는 충격과 매혹의 어트랙션을 제시하였다. 영화에서 에이젠슈테인의 표현역학은 메이예르홀트 의 생체역학의 원리를 회화의 입체적인 단축법으로 표현한 것이며, 배우의 단축법적 움직임은 관객의 감 정을 환기시키는 강력한 어트랙션이다. 근육의 기계적 훈련을 강조한 유기적 연기훈련으로서의 생체역 학과 총체적 표현성을 극대화한 표현역학의 대표적인 사례로 찰리 채플린이 언급된다. 메이예르홀트와 에이젠슈테인의 문헌들에서 인용되는 채플린 연기의 강력한 표현성이 충격과 매혹의 어트랙션이며, 채 플린의 영화적 매력이 생성되는 방식이 지금의 대중문화에도 유효하다. 일례로, 무술 스턴트의 퍼포먼스 에서 유기체적 생체역학을, 영화배우 마동석은 근육의 표현성을 극대화한 표현역학을 확인할 수 있다. 이 연구는 영화의 역동적 표현성을 구축하는 몽타주의 체계화 이전에, 메이예르홀트의 생체역학을 응용 한 에이젠슈테인의 표현역학을 연구하는데 그 목적이 있다. 더불어 에이젠슈테인에 관한 기존의 논의가 대부분 몽타주의 원리에 할애된다면, 이 연구가 보다 근원적으로 배우의 연기에서 영화의 총체적 표현성 을 확인할 수 있다는 점에서 의의가 있다. This article traced the process of the expressive movement in Eisenstein’s discussions on film acting. The reason for choosing this theme is that Meyerhold’s biomechanics and Eisenstein’s expressive movement have a great influence on the premise that the powerful expressiveness of popular films comes from the actor’s acting. First, the biomechanics of Meyerhold as an actor training system, which was designed as an experiment for a new form of theatre, was examined. Meyerhold’s actor training, biomechanics, is an aesthetic principle of stylized acting to construct rhythmic movements, gestures and postures suitable for new forms of play. Second, the discussion of Eisenstein, who established the expressive movement in Meyerhold’s biomechanics, and the actual application process were followed. Eisenstein’s performance experiment, who studied as a research assistant at Meyerhold’s workshop, was to scientifically theorize and demonstrate biomechanics. Third, the purpose and effect of the expressive movement stylized in the typage that can be explained by the classification of the actor’s type and the cut-acting that can be understood as a kind of disconnected acting is were examined. Fourth, he presented an attraction of shock and fascination, which can be said to be the ideology of the expressive movement. In the film, Eisenstein’s expressive movement expresses the principle of Meyerhold’s biomechanics as a three-dimensional raccourci in fine arts, and the actor’s foreshortening movement is a powerful attraction that evokes the emotions of the audience. This study aims to study Eisenstein's expression dynamics, which applied Meyerholt's biomechanics, prior to the montage systematization of building the dynamic expressiveness of the film. In addition, if most of the existing discussions on Eisenstein are devoted to the principles of montage, this study is meaningful in that it can more fundamentally confirm the overall expressiveness of the film in the actor's performance.

Discourse, Figure: 에이젠슈테인의 영화론과 몽타주

이지연 한국외국어대학교(글로벌캠퍼스) 러시아연구소 2019 슬라브연구 Vol.35 No.3

This paper revisits Sergei Eisenstein’s montage theory in the context of Russian Avant-garde aesthetics. In particular, this paper focuses on Eisenstein's speculations on paintings and architecture. Through the analysis of his writings on the works of El Greco, V. Serov, and J. B. Piranesi will be discussed the specificity of Eisenstein’s theory of cinematic representation. He saw substantial continuity between painting and cinema and thought cinema as “the contemporary phase of painting.” In this paper all these issues are explained as a process toward the invention of cinematic language, on which Russian formalists also concentrated. Eisenstein related the multiperspectiveness in a painting with the aesthetics and functions of architecture and further developed it to the cognitive activity of audience who can move and synthesize the fragmented pictures into a total representation. The key concepts in Eisenstein’s late theoretical works such as pathos, ecstasis and synesthesia also can be explained in the context of his interest in the cinematic representation of the unrepresentable and the deeper understanding of the Russian Avant-garde aesthetics and its revolutionary orientation, its passion for the “costruction’, which never faded away even in his last cinematic experiments. 에이젠슈테인의 초기 분석적, 논리적 몽타주 이론은 그의 후기 저작으로 옮겨가면서 보다 종합적인 경향으로 이행해 갔다고 설명된다. 그리고 에이젠슈테인의 이러한 변화는 때로 20세기 초 러시아 문화 전반에서 관찰되는 아방가르드 정신의 단절이나 형식주의의 패배, 나아가 예술가들의 변절이나 전향 등의 틀에서 설명되기도 하였다. “팍투라(Фактура)로부터 팍토그라피(Фактография)로”의 이행이라는 명제가 말해주듯 해체적이고 분석적이며 탈재현적이었고 질료의 물성 그 자체를 적극적으로 드러냈던 러시아 아방가르드는 1920년대 후반 이미 “사실의 문학”으로, 리얼리즘 예술로 선회하며 결국 형식 그 자체의 미학 대신 총체적 역사로, 내러티브로 수렴되는 거대한 유기적 서사시의 세계를 향해 나아갔다는 것이다. 엘 리시츠키나 로드첸코의 포토몽타주 역시 이들의 순응의 방법이었거나 설령 그것이 의식적이지 않더라도 1930년대 소련이라는 물질적 조건 가운데에서 채택된 그 시대의 예술형식으로 이해되었다. 그러나 에이젠슈테인이 1930대 후반부터 1940년대에 걸쳐 썼던 많은 글에서 드러나는 그의 유기적 예술론은 이러한 서사적 지향과 거리를 두고 있으며 또한 단절과 해체에 기반했던 그의 초기부터의 몽타주 이론 없이 이해될 수 없다. 오히려 회화와 건축 등에 대한 그의 글들은 에이젠슈테인이 끝까지 견지했던 영화라는 장르의 고유성과 그 이상에 대한 믿음을 드러낸다. 말레비치의 절대주의가 리시츠키의 프로운 회화로, 나아가 그의 범기하학으로, 포토몽타주로 이행했던 것과 동일한 방식으로 에이젠슈테인의 영화론은 파편화된 세계들의 움직임 자체에 대한 역동적인 재현으로, 관객들의 시선을 통한 새로운 구축으로, 그리고 이를 통한 새로운 프로파간다의 발견으로 나아가게 된다. 이 글에서는 에이젠슈테인의 회화론과 건축론, 영화의 소리와 색채에 대한 에세이들을 통해 그가 러시아 아방가르드 및 형식주의 영화이론과의 관계 속에서 자신의 고유한 영화언어를 만들어 가는 과정과 그에 내재한 구축에의 지향을 고찰한다.

러시아 문예이론과 웹툰 언어

홍상우(Sang Woo Hong),문준일(Joonil Moon) 한국슬라브어학회 2023 슬라브어연구 Vol.28 No.2

This paper is an attempt to apply the main concepts of Russian film theorist and director Sergei Eisenstein's film theory to the analysis of webtoon language. Webtoons are currently the most popular pop culture genre and the most useful cultural content for OSMU (one source multi-use). Webtoons, which overcome the expressive limitations of existing published comics by utilizing digital devices, are representative content that is currently being used as the source content for numerous dramas. Due to the nature of the medium as a digital visual text, the language of webtoons is similar to the language of movies in many aspects. Therefore, attempts to analyze webtoons focusing on film language will have certain academic significance. Among film languages and theories, I believe that Eisenstein's theory can be a useful method for analyzing webtoons as potential audiovisual texts, and I would like to present the beginnings of this in this paper. This paper's attempt to utilize Eisenstein's theory in webtoon analysis is still in its early stages, and the analysis discussed in this paper does not deviate from the review format. Despite these limitations, it is believed that applying Eisenstein's theory, which holds a significant position in film history, to webtoon analysis will be an opportunity to prove the universality and expandability of Russian literary theory.

에이젠슈테인의 몽타주 사유: 조르주 디디 위베르만의 파토스 해석을 중심으로

이나라 문학과영상학회 2019 문학과영상 Vol.20 No.3

S. M. Eisenstein is a soviet filmmaker and a cinema theorist. Starting from 1923, he elaborated theories about montage, regarding how montage of attractions, intellectual montage, vertical montage produce changes in the spectator. But after the late 30s, he pointed out others aspects of montage. Using concepts such as ’organicity’, ’pathos’, ’extasy’ and distinguishing an ’image’ (’obraz’) from a ’representation’, he revealed the structure of the movie that make the pathos figurable. Georges Didi-Huberman considers Eisenstein’s montage as a double running of ’dis-montage’ and of ’re-montage’. In this double operation, pathos, a destructive agent, contributes finally to produce the organicity of a work. Roland Barthes analysed still shots in Eisenstein’s movies and considered the pathos as the means of creating an ’obvious meaning’. Didi-Huberman criticizes Barthes’s ’simplistic’ point of view on pathos and proposes the montage as thought for the figuration of the pathos.

채플린 커넥션: 에이젠슈테인과 벤야민 겹쳐읽기

김수환 한국비교문학회 2023 比較文學 Vol.- No.91

본 연구는 특별한 동시대인이었던 발터 벤야민과 세르게이 에이젠슈테인 사유의 흥미로운 교차점 하나에 집중함으로써 그들에 대한 비교학적 읽기를 시도한다. 그 교차점은 서로 다른 이유로 서로 다른 측면에서 둘 모두의 관심을 끌었던 찰리 채플린이다. 우리는 채플린에 관한 기존연구의 지배적인 두 경향 모두를 염두에 두는 바, 첫 번째가 채플린 캐릭터의 특이한 제스처를 산업화 및 기계주의에 연결시켜 바라보는 접근법이라면, 두 번째는 채플린의 영화가 제공하는 웃음의 해방적 잠재력을 둘러싼 논쟁이다. 우리는 전자의 논의에는 소비에트 아방가르드의 ‘채플린 컬트’ 현상이라는 구체적인 역사적 맥락을 보태고, 후자의 이슈에는 아도르노에서 에이젠슈테인으로 이어지는 ‘유아적 잔인성’이라는 특별한 토픽을 연결시켜 볼 것이다. 이를 통해 벤야민과 에이젠슈테인의 ‘신경생리학적’ 공통 분모를 부각시키는 가운데 각자의 사유에서 ‘어린아이’ 혹은 ‘유년기’가 지니는 중대한 위상을 재검토함으로써, 그 공통분모가 갖는 중대한 함의를 드러내고자 한다. This article attempts the comparative reading of W. Benjamin’s and S. Eisenstein’s ideas by focusing on an intriguing intersection, the trajectories of which deserve special reconstruction. It is Charlie Chaplin who appealed to both in different respects and for different reasons. Drawing on both of the dominant tendencies in existing research on Chaplin: first, the approach that links the eccentric gesture of Chaplin’s characters to industrialization and machinism, and second, the debate over the emancipatory potential of laughter offered by Chaplin’s films, we will add to the former argument the specific historical context of the “Chaplin cult” phenomenon in the Soviet avant-garde, and explore the latter issue, relating it to the special theme of “infantile brutality” that runs from Adorno to Eisenstein. In doing so, we highlight the neurophysiological commonalities between Benjamin and Eisenstein and reveal their profound implications by investigating the crucial status of the topic of children or childhood in their thoughts.

에이젠슈테인의 <자본> 프로젝트: 영화논고, 영화사물, 영화사유

김수환 문학과영상학회 2020 문학과영상 Vol.21 No.1

One of the most famous “unrealized projects” of Eisenstein, the plan to film Marx’s “The Capital” by the style of James Joyce, has long been treated as an underground myth of leftist cinema until Alexander Kluge’s video <News from Ideological Antiquity: Marx—Eisenstein— Capital> (2008) brought new attention to it. In this paper, I will attempt to (re)read Eisenstein’s note in terms of “thing” problematics,” i. e. in the context of debate in late 1920 in Soviet over the role of “things in films(kino-veshch’).” While highlighting invariable “affective” aspects of attraction montage which is bound to unleash heterogeneous social emotions and associations, I will show his notion of “intellectual cinema,” essential core of <The Capital> project, was no other than a logical step in his evolution towards the universal thinking mechanism as “Method,” synthesizing previous dichotomies: sensual vs intellectual, affective vs rational and language of logic vs language of images.

현대 영화에 적용된 세르게이 에이젠슈테인의 수직적 몽타주와 그에 따른 사운드 몽타주로의 이행(移行)에 관한 연구

박지훈(Park Ji Hoon) 한국영화학회 2008 영화연구 Vol.0 No.36

Since the emergent of sound films, Sergei Eisenstein who was interested in using auditory elements with visual elements analyzed the forms and cases that visual and auditory elements were combined with the aspect of collision. It was called 'vertical montage.'During the early years of his works, Eisenstein actively developed montage theory and put the basic principle of collision montage on naked counterpoint. However, it was changed to harmonious counterpoint for the next 30 to 40 years. Eisenstein saw visual and auditory elements could be holistically harmonized through accord or disaccord of screen or sound beat. His perpendicular montage developed with technology of sound effects including film scores. Its name was replaced as 'sound montage'and more progressed and used in diverse forms. In modem films, wild track or various sound effects are expanded used more than films in the past. Sound montage has the same principle concept with perpendicular montage in aspect of creating effects through harmonious combination with visual and audio. However, its function of use and applied area are more diverse and deep. Based on this background, I would like to understand the concept of Eisenstein's perpendicular montage which analyzed and harmony of visual and audio with counterpoint. Then, I would like to apply each concept into modem films and analyze the principle concept of perpendicular montage reflected on modem films which is escaped from the frame of classic or modem. In addition, I would like to analyze about the development motif of sound montage naturally emerged with the development of technology, and suggest various cases that are applied in films. The purpose of this analysis is to get verified data to predict the new form of montage technique applied in the future.

에이젠슈테인의 <디즈니>와 벤야민의 “미키마우스”: 태고의 원형(元型) 혹은 포스트휴먼적 예형(豫型)

김수환 문학과영상학회 2021 문학과영상 Vol.22 No.1

Eisenstein and Benjamin were contemporaries who lived through the turbulent period of the early mid-20th century. Thoughts of these two outstanding figures reveal intriguing intersections, the trajectories of which deserve a special reconstruction. The focus of this essay is on Walt Disney and Mickey Mouse which appealed to both in different respects and for different reasons. While Benjamin saw in the figure of Mickey Mouse a prefiguration of the “post-humanist” future which is supposed to destroy the existing world order, what Eisenstein discovered in the world of Disney was the original “pre-humanist” existence, typically represented by “primordial protoplasm.” Disney’s undifferentiated plasmatic world, reminiscent of pre-human state, becomes analogous to the post-world of Mickey Mouse’s which “disrupts the entire hierarchy of creatures that is supposed to culminate in mankind.” Joining at an unexpected intersection, the “origin” and “future” are playing the same role in putting the prevailing present conditions into question.