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        용소문학으로서의 케르티스 임레(Kertész Imre)소설의 특징

        유진일 한국외국어대학교(글로벌캠퍼스) 동유럽발칸연구소 2013 동유럽발칸연구 Vol.36 No.-

        A great number of concentration camp works were published, but Imre Kertész's works had their own characteristics, thus contributing to his winning Nobel Prize in 2002. Indeed, his works are to be analyzed in various perspectives, but this study approaches the works in terms of content, form and description. In terms of content, his works deal with not only the experiences in concentration camps, but the distortions and distresses in his lives caused by the camp lives, whereas the existing concentration camp works concentrate on the factual record of concentration camp experiences. In general, focus has been made on the achievement of realities, the accuracy of description and the value of record to evaluate the works on concentration camps, Jewish Holocaust or individual or group tragedies. However, Fateless alone realistically depicts the life in the concentration camp for one year from 1944. The remaining works present the agonies and distresses protagonists experienced as Jews outside of concentration camps. In other words, the existing writers realistically described the anguishes in concentration camps, whereas Kestesz's works concentrate on those of Jews outside of concentration camps. In terms of form, the circulation of story and the structure of circulation and repetition and the structure of severance can be referred to as characteristic. The epic incidents in Fateless appear repetitively in Kudarc, Kaddish a meg nem született gyermekért and Felszámolás. Taking transformations, their characters, backgrounds or materials are ceaselessly circulated and repeated toward one consistent goal. Such a circulating and repetitive structure is a product of his intended work design. In addition, characters are closely related to each other in his works. The protagonist is the same person in each of Sorstalanság, Kudarc, Kaddish a meg nem született gyermekért and Felszámolás. Different in age and job, the same character appears in a circulating and repetitive way. Such a conclusion is based on the composition that a protagonist is the same person in each work. The circulating and repetitive structure indicates the history and destiny of Jews in a symbolical manner. It symbolizes that the Jews repetitively circle around the same place, as they wandered in the wilderness for 40 years because of crime. Ironically, it took 40 years to get Fateless published, as the Jews entered Canaan after wandering in the wilderness. Such a circulating and repetitive structure aims to shift or objectivize scars through repetitive remembrance and recreation of new characters. He imputes his agonies and scars in Auschwitz to doppelgaengers by making them emerge repetitively. "No" is a key word of the structure of severance. The word is a refusal to his wife's wish of a baby, but a declaration of the death of him, Jews and mankind at the same time. The structure of severance means settling the history of wandering Jews in a wider sense and the existence of Kertész himself in a narrower sense. Nevertheless, Kertész's settlement does not mean "end." Rather, it stands for "a new life." This concept seems to be influenced by the burning offering, a Jewish sacrifice ritual. The description technique conspicuous in his works is "getting angry instead" by ironic description. Most concentration camp works realistically describe the distresses and miseries in concentration camps. For example, Henryk Grynber, one of representative Polish concentration camp writers, recorded the painful experiences he made in his childhood, and vividly depicted the collective fear for "extermination" and the survival instinct hidden in unconsciousness. Kertész's Fateless affirmatively describes even German Nazi soldiers, unlike other concentration camp works. Their appearances and national characteristics are described affirmatively. In addition, the protagonist thinks making friends with Germans will do him good. At this point, readers reach the limit, though... 본고에서는 2002년에 노벨문학상을 수상한 헝가리 작가 케르티스 임레의 수용소문학 작품을 폴란드 작가 타데우쉬 보로프스키의 『신사숙녀 여러분, 가스실로』와 오스트리아 출신 신경정신과 의사이자 작가인 빅터 프랭클의 『죽음의 수용소에서』와 비교하며 케르티스 임레의 수용소문학 작품이 갖는 특징을 도출해 보았다. 물론 현재까지 수많은 수용소문학 작품들이 발표되었기 때문에 두 작품을 케르티스 임레의 작품과 비교하는 작업은 다소 본고의 한계를 보여주기도 하지만 현재까지 헝가리 문학에 있어서 수용소문학에 관한 비교연구가 없었다는 점에서 헝가리 수용소문학에 있어서 비교문학 연구의 시발점이 될 수 있다는 점에서 위안을 삼고자 한다. 인류 현대사의 가장 커다란 비극인 홀로코스트 사건을 과연 문학화 할 수 있는가? 하는 문제는 오래 동안 진행되어온 수용소문학과 관련된 논쟁 중의 하나였다. 이러한 논쟁 중에 대부분의 작가들은 수용소문학의 사실성과 예술성 사이에서 사실성에 치중하여 수용소 안에서 벌어지는 참상을 고발하는데 역점을 두었다. 그러나 본고에서 다룬 케르티스 임레는 수용소의 참상보다는 그것을 기초로 한 주인공의 트라우마를 주로 다루었으며 사실성과 예술성 중에서 예술성에 중점을 두고 작품을 집필하였다. 그의 이러한 다른 수용소 작가들과의 차별성은 작품의 논제, 구조, 기법의 측면에서 드러난다.

      • KCI등재

        코스톨라니 대죄(Kosztolányi Dezső)의『퍼치르터(Pacsirta)』에 나타난 트라우마(trauma)와 무의식(無意識)의 발현(發現)

        유진일 한국외국어대학교(글로벌캠퍼스) 동유럽발칸연구소 2011 동유럽발칸연구 Vol.28 No.1

        20세기 헝가리 문학을 대표하는 작가 중 한사람인 코스톨라니는 당시 헝가리 문학의 주류를 이루어 왔던 사실주의 문학에서 눈을 돌려 서유럽의 다양한 문예사조를 작품에 구현함으로써 당시 서유럽에 비해 현저히 뒤쳐져 있던 헝가리 문학의 수준을 서유럽 문학의 주류 속으로 편입시키는 역할을 하였다. 코스톨라니는 19세기 프랑스의 문학가이자 비평가인 테오필 고티에(Théophile Gautier)가 주창한 “예술을 위한 예술(l'art pour l'art)"을 헝가리 문학에서 가장 탁월하게 구현한 작가로 평가될 수 있는데 코스톨라니 스스로도 자신을 ‘미학적 인간(homo aestheticus)'이라고 칭했다. 코스톨라니의 작품들은 프로이드의 정신분석학의 영향을 많이 받았는데 그의 소설들(regények) 중에서『피의 시인, 네로(Nero, a véres költő)』,『퍼치르터(Pacsirta)』,『이데시 언너(Édes Anna)』등 그의 대표작품들 대부분이 인물들 간의 갈등과 트라우마, 그리고 무의식의 문제를 예리하고 섬세하게 터치하고 있다. 인간은 일반적으로 사회라는 테두리 안에서 타인과의 관계 속에서 살아가야 하는 존재이며 그 과정에서 필연적으로 스트레스와 콤플렉스가 내장되게 된다. 개인의 성격과 상황에 따라 그 스트레스와 콤플렉스가 적절히 관리되는 경우도 있지만 그 반대의 경우에는 인간의 기저 속에 내장된 스트레스와 콤플렉스가 일시에 폭발하면서 심각한 인간관계의 훼손과 파멸을 유발하는 경우도 많이 있다. 본고에서 분석 대상으로 삼은『퍼치르터』는 전자와 후자의 중간적인 작품으로 버이커이 아코시(Vajkay Ákos) 부부의 스트레스와 콤플렉스가 무의식과 의식 사이를 끊임없이 오가다가 때로는 도덕과 윤리의 테두리 속에서 적절히 관리되기도 하지만 또 때로는 의식이 무의식에 밀려 갈등을 야기하기도 한다.『퍼치르터』에서 주인공의 무의식 속에 내재된 트라우마는 항상 의식 밖으로 발현되려는 성질을 갖는데 운명과 윤리라는 두 요소가 그것을 가로막는다. 이 두 요소에 의해 발현을 저지당한 트라우마는 꿈, 환상, 상상 등을 통해 지속적으로 의식으로의 발현 기회를 모색한다. 무의식 속에 잠재되어 있던 버이커이의 딸에 대한 미움과 딸이 죽기를 바라는 소망은 무의식과 의식의 대립 속에서 의식의 힘이 약해지고 무의식의 힘이 강해지는 시점에서 발현한다. 이 발현의 접점을 제공하는 매개체는 알코올인데 운명과 윤리의 힘에 의해 억압되어 있던 무의식이 알코올의 힘에 의해 억압의 강도가 약해지는 순간 순식간에 분출된다. 따라서 본 연구에서는 다음과 같은 결론이 도출된다. 첫째 코스톨라니의 대표 소설 중 하나인『퍼치르터』는 프로이드 이론의 직접적인 영향을 받았고 정신분석 이론의 주요 개념들과 이론이 이 소설 속에 그대로 적용되어 있다. 둘째, 코스톨라니 본인이 ‘인생도 흘러가고 젊음도 지나간다. 모든 것이 지나가고 변하지만 아무 것도 해결되는 것은 없다.'라고 고백하듯 코스톨라니의 문학관과 세계관은 비관적이라는 점이다. 이러한 사실은 소설의 구조에서도 알 수 있는데『퍼치르터』가 13개의 장으로 구성되어져 있으며 사건이 금요일에 시작되어 일주일 후인 금요일에 끝을 맺는 것 역시 이를 암시한다. 숫자 13과 금요일은 유럽에서 일반적으로 부정적으로 인식되는 것들이기 때문이다. 이러한 사실은 퍼치르터가 집으로 돌아온 후 비둘기를 다시 새장에 가두는 장면을 통해서도 엿볼 수... As one of Hungarian representative writers in the 20th century, Kosztolányi played a role of incorporating the Hungarian literature, which lagged behind Western European literature, into the mainstream of Western European literature by escaping from the realism, which led the Hungarian literature, and applying the various literary styles from the West European literature to his works. He can be considered to be a writer who realized “l'art pour l'art" advocated by Théophile Gautier, a French writer and critic in the 19th century; he also referred himself to as “homo aestheticus.” Greatly influenced by S. Freud's psychoanalysis, his representative fiction works, such as Nero, a véres költő, Pacsirta, Édes Anna, deal with the conflict, trauma and unconsciousness among characters sharply and finely. Living together with others within the framework of society, human beings are generally compelled to be subject to stress and complex. According to character and circumstances, some get their stress and complex properly managed, but with the simultaneous outbreak of inherent stress and complex, others are seriously damaged or destroyed in their human relations. As an intermediate work between the former and the latter, Pacsirta shows that stress and complex are properly managed within the framework of moral and ethics, while Vajkay Ákos and his wife restlessly wander between consciousness and unconsciousness, but consciousness is sometimes pressed by unconsciousness, causing conflicts. In Pacsirta, the trauma inherent in the hero's unconsciousness always tends to manifest itself outside the consciousness, which is thwarted by fate and ethics. Prevented from manifestation, the trauma seeks an opportunity of being manifested continuously through dream, fantasy, imagination etc. Vajkay‘s hatred toward his daughter and wish for death in his unconsciousness are revealed, when consciousness gets weaker and unconsciousness gets stronger in the conflicts between consciousness and unconsciousness. The very medium offering a contact point of the manifestation is alcohol, which instantly manifests the unconsciousness suppressed by fate and ethics. This study has the following conclusions: First, Pacsirta, directly influenced by Freud's theory, shows the major concepts of his psychoanalysis. Second, his view of literature and world is pessimistic, as seen in his confession. This is indicated by its structure: the work consists of 13 chapters, and an event begins on Friday and ends on Friday in a week. In general, 13 and Friday are regarded as negative in Europe. This is shown by the scene that Pacsirta returns home and confines a pigeon in a cage again.

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        한국과 헝가리의 가면극 비교

        유진일 세계문학비교학회 2010 世界文學比較硏究 Vol.32 No.-

        Having begun with memorial service for Dionysus in the 6th century B.C. in ancient Athens, theater has developed in different forms in different countries through the Middle Ages to the present day. Of the forms, mask plays are still performed as festival or performance plays in almost all countries across the world. In Korea, a mask play is called “Talchum.” “Tal” and “chum” mean “mask” and “dance” respectively. Today, Talchum encompasses all the traditional mask plays. To the 1970s, “Gamyeongeuk” was used as an academic term. Currently, both Talchum and Gamyeongeuk are used without distinction. Of three elements, i.e. mask, dance and theater, the term Talchum emphasizes the first and second, but also includes the third. Originally, only the mask dance in Hwanghae-do [province] was called Talchum and those in other regions were referred to as Sandaenori, Deulnoreum, Ogwangdae etc. In Hungary, mask plays are performed during the “Farsang,” a form of carnival. The Hungarian “Farsang” is a word derived from the German “Fasching” and its Austrian and Bavarian dialect “Vaschung.” Hungarian mask plays are different from Korean Talchum standardized as a genre of folk art. Unlike Talchum, they have no separate professional dancer or performer. Masks are stressed in Talchum, while costumes are stressed in addition to masks in Hungarian mask plays. Talchum has established itself as a form of performance art, whereas Hungarian mask plays are part of Farsang rather than a form of performance art. Despite such differences, Hungarian mask plays can be incorporated into mask plays, like Korean Talchum in that they use masks, show acts and communicate dialogues to participants. The present study is aimed to compare the mask plays between Korea and Hungary founded by the Magyar from Asia. Though about one thousand years have passed since the Hungarians settled in Europe in 896, this study is in tended to look into the common and different points between the two people rooted in Asia, using the genre of a mask play. This is because such comparison will help understand the identities and cultures of the both peoples. Korean and Hungarian mask plays are considerably different from each other in form and content despite the commonness that the both peoples are Asian ones. The Korean Talchum, one of drama genres, has established itself as an important performance art. On the contrary, the Hungarian Farsang mask play is performed as part of Lent, a Christian event. Therefore, it is part of Lent festivity rather than an independent art genre. Korean masks contain various expressions according to characters, while Hungarian masks do not have expressions as fine as Korean ones. Though different from each other in form and content, the both mask plays have something common in human universal emotion and Weltanschauung.

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        케르티스 임레(Kertész Imre) 소설의 아이러니 연구

        유진일 한국외국어대학교(글로벌캠퍼스) 동유럽발칸연구소 2011 동유럽발칸연구 Vol.26 No.1

        The definitions and techniques of irony have been diversely interpreted in each era. It was a mere rhetorical expressions by Aristotle, but its meaning was expanded to philosophical and literary area by Schlegel Freidrich, who is called as a scholar of irony in the literary era of Romanticism. Since then, the irony became one of the key elements of Romanticism literature, which describes writer's struggles and frustrations as a an effort to find the ideal world. After that, irony occupied key positions in the important literary and philosophical discourses not only in modernism but also in postmodernism. Because self-reflective perspective of irony is a starting point of double visions and double discourses, by which writers and philosophers could show between discontinuation of the past and uncertain future. Like this, the category of irony has been expanded continuously in the area of meaning and the function until to the modern age. Especially, writers also had to undertake assignment to adapt to the social reality which was complex and diverse. As a result, the irony became to surpass the boundaries of rhetoric based duality of meaning and had to play a pivotal role in the work of destruction and creation of writers. We can make sure of the extension of function and meaning of irony in the Imre Kertész' novels. Imre Kertész wrote Feteless, in which the discrimination for Jews and suffering camp life of the Auschwitz concentration used as a theme, and then he wrote The Failure and Kaddish for an Unborn Child, in which he describes what kind of life was lived in his maturity and old age. In his last work, in Liquidation, he describes the problems, with which he has dealt for all his time and the trauma, which he suffered in Auschwitz as a Jew. In Feteless, the technique of irony by the traditional meaning was used mainly, but in The Failure and Kaddish for an Unborn Child, literary and philosophical discourse was used mainly. The irony of these various techniques constitute the backbone of Imre Kertész' literature, and these elements are the literary world of Imre Kertész, which is differentiated from other holocaust writers. 아이러니는 시대에 따라 그 정의와 기법이 변화를 거듭해 왔다. 아리스토텔레스에 의해 단순한 수사법에 머물러 있던 것이 낭만주의를 거치면서‘아이러니 학자'로 불리는 프리드리히 쉴레겔(Freidrich Schlegel)에 의해 철학적이고 문학적인 의미로 확장되었다. 이때부터 아이러니는 자신을 현실에 속박하는 올무를 벗어버리고 각자의 이상 세계를 찾아가려는 고투와 좌절을 그린다는 낭만주의문학의 핵심적 요소가 되었다. 그 후 낭만주의뿐만 아니라 모더니즘과 포스트모더니즘에서도 아이러니는 중요한 문학적, 철학적 담론의 핵심적 위치를 차지하였다. 아이러니의 자아 반영적 시각은 과거와의 단절과 불확실한 미래 사이에서 작가들 ․ 철학자들이 보여주는 이중적 시각, 이중적 담론의 시발점이기 때문이다. 이처럼 현대로 오면서 아이러니는 그 의미 영역과 기능이 꾸준히 확장되어왔다. 특히 현대 사회가 복잡하고 다양해지면서 작가 역시 사회현실에 적응해야 하는 과제를 떠안게 되었다. 그 결과 의미의 이중성에 기초한 과거 수사법의 경계를 뛰어 넘어 작가의 파괴와 창조 작업의 중추적 역할을 담당하는 데에까지 이르게 되었다. 아이러니의 이러한 의미와 기능의 확장은 본고에서 다룬 케르티스 임레의 작품을 통해서도 확인되는 바이다. 케르티스 임레는 자신이 어린 시절에 겪은 유태인에 대한 차별과 아우슈비츠 수용소 생활의 고통을 소재로 『운명 없음』을 발표하였고 이후 청장년과 노년기를 거치면서 어떤 삶을 살아왔는지를 『좌절 』,『태어나지 않은 아이를 위한 송가』를 통해 발표하였다. 그리고 마지막 작품『청산』을 통해 그가 평생 천착해 온 문제, 즉 자신이 유태인으로써 겪어야 했던 아우슈비츠로 인한 트라우마의 청산을 다루고 있다.『운명 없음』에서는 전통적 의미의 아이러니 기법이 주로 적용되었다면『좌절 』,『태어나지 않은 아이를 위한 송가』, 그리고『청산』에서는 아이러니를 통한 문학적, 철학적 담론이 주를 이루고 있다. 이러한 다양한 기법의 아이러니가 어우러져 케르티스 임레의 문학의 뼈대를 구성하고 있으며 이러한 요소들이 바로 다른 홀로코스트 작가들과는 차별화되는 케르티스 임레의 문학세계라고 할 수 있다.

      • 코스톨라니 대죄 작품에 나타난 갈등 분석

        유진일 아시아중동부유럽학회 2003 동유럽발칸학 Vol.5 No.1

        Dezs Kosztolny`s Views on Conflicts in His Works 한국외국어대학교 헝가리어과攀攀본 논문은 양 차 세계대전 기간동안 헝가리 작가 중 가장 훌륭한 작가 중 한 사람으로 평가되는 코스톨라니를 소개하고 그의 작품을 분석해 볼 목적으로 쓰여 졌다. 특히 그가 아시아 문학에 가졌던 관심과 애정이 본인으로 하여금 코스톨라니를 연구하게 만든 계기가 되었다. 코스톨라니는 비록 예술을 위한 예술(l`art pour l`art)을 부르짖었지만 그의 작품들이 현실로부터 완전히 탈피하지는 못했다. 특히 그의 많은 작품들이 사회에서 일어나는 많은 갈등을 다루고 있는데, 이 갈등을 분석해 보는 것이 이 논문의 주요 테마이다. 그의 작품들을 분석해 보면 갈등의 유형이 물론 다양하게 나타나고 있지만 몇 가지 주요 유형으로 압축해 볼 수 있다. 주요 갈등 유형은 사회, 정치, 역사적 갈등, 개인과 사회와의 갈등 그리고 개인 간의 갈등으로 분류될 있다. 코스톨라니는 그 갈등의 원인으로 이기주의, 상대에 대한 이해의 부재 그리고 사디즘을 꼽았고 갈등에 대한 해결 유형으로는 수동적 대응, 적극적 반항 그리고 타협에 의한 원만한 해결방법이 있음을 제시했다. 그러나 타협에 의한 해결의 경우는 극히 드문데 이는 코스톨라니의 비관론적 세계관을 잘 보여준다 하겠다.

      • KCI등재

        한강과 페퇴츠 언드라쉬의 소설에 나타나는 생태비평 비교 연구: 생태여성주의 작품 『채식주의자』와 Sárga virág a feleségem을 중심으로

        유진일 한국외국어대학교(글로벌캠퍼스) 동유럽발칸연구소 2016 동유럽발칸연구 Vol.40 No.5

        본 연구의 목적은 한국과 헝가리의 대표적인 생태비평 작가라 할 수 있는 한강과 페퇴츠 언드라쉬(Petőcz András)의 작품을 생태여성주의 관점에서 상호 비교하는데 있다. 이를 통해 양국의 전반적인 생태비평의 경향을 살펴보고 동시에 동시대 문학 속에서 한국과 헝가리를 대표하는 두 생태여성주의 작가의 문학기법적 유사점과 차이점을 살펴본다. 한강과 페퇴츠 언드라쉬 작품의 사상적 기반이 되는 생태여성주의는 현대사회에서 인류에게 가장 큰 위협 중 하나로 대두되고 있는 환경문제의 원인과 해법을 인간과 자연, 그리고 남성과 여성의 관계에서 찾고 또 해결하려는 생태비평 중 하나이다. 이들은 환경오염 문제를 여성주의 관점에서 바라보면서 산업화 이후 진행된 인간들의 자연 개발과 환경 파괴 문제를 수렵문화 이후에 진행된 남성의 여성 지배와 동일한 관점에서 바라본다. 그러나 이들은 인간과 자연, 그리고 남성과 여성을 서로 대립적 관계에서 바라보고 않고 오히려 서로 상생할 수 있는 동반자로 바라보고 있다는 점에서 미래지향적이라 할 수 있다. 본고에서 분석한 작품 『채식주의자』와 Sárga virág a feleségem의 작가가 각각 여성과 남성임에도 불구하고 동일한 관점에서 작품을 창작할 수 있었던 것도 생태여성주의의 이러한 동반자 의식에서 기인한다. 인간과 자연, 그리고 남성과 여성의 관계를 동일한 인식 속에서 바라보는 한강과 페퇴츠 언드라쉬의 유사한 관점에도 불구하고 작품 속에 드러나 있는 문학적 기법들은 서로 독창적임을 볼 수 있다. 먼저 가부장적 사회로 인한 여성의 파멸을 한강은 육식주의자 아버지와 채식주의자 딸의 대립을 통해 보여주고 있는데 비해 페퇴츠 언드라쉬는 자연과 대도시의 대립을 통해 보여주고 있다. 또 생태여성주의자들은 가부장적 사회는 반드시 가시적, 혹은 비가시적 폭력을 동반한다고 보고 있는데 이 폭력과 관련하여 『채식주의자』에는 남성의 가시적이고 직접적인 폭력이 드러나 있는 반면 Sárga virág a feleségem에는 남성과 유사한 의미망에 속하는 도시의 비가시적이고 간접적인 폭력이 드러나 있다. 다음으로 두 작품에 공히 등장하는 여성의 식물로의 변신 모티프는 『채식주의자』에서는 꿈의 형식을 통해 나타나지만 Sárga virág a feleségem에서는 실재 현실 속에서 일어난다는 차이점이 있다. 마지막으로 생태여성주의의 핵심 사상 중의 하나인 ‘타자에 대한 사랑'이 『채식주의자』에서는 유방으로 상징화되는 둥근 것에 대한 갈구의 형식으로 표출되고 있는 반면 Sárga virág a feleségem에서는 날카로운 것으로 인한 고통을 강조하는 형식으로 나타나고 있다. 그런데 한 가지 흥미로운 사실은 한강과 페퇴츠 언드라쉬가 둘 다 1998년에 미국 아이오와 대학에서 주최한 국제창작 프로그램에 참가했다는 점이다. 이러한 사실과 한강의 『채식주의자』가 2007년에 발표되었고 페퇴츠 언드라쉬의 Sárga virág a feleségem이 2005년에 발표되는 등 두 작품의 발표시기가 비슷하다는 점을 고려할 때 두 작가가 국제창작 프로그램에서 생태비평 혹은 생태여성주의에 관한 의견 교환이 있었거나 한 작가가 다른 작가에게 혹은 상호간에 영향을 주고받았을 것으로 판단된다. This study aims to compare the works of Han Kang and Petőcz András, representative writers of eco-criticism in South Korea and Hungary, in terms of eco-feminism. To this end, the present study examines the overall trends of eco-criticism in the both countries and then the similarities and differences of the two authors in literary techniques. The eco-feminism belongs to the eco-criticism that tries to find the causes and solutions of environmental problems in the relationships between human beings and nature as well as men and women. Approaching environmental pollution in a feminist perspective, the both authors grasp the natural development and environmental destruction since industrialization in the same context as men's control over women. However, they are future-oriented in that they see human beings and nature as well as men and women as the partners that can coexist together. It is also the very partnership consciousness of eco-feminism that enables the two authors to write their works in the same viewpoint, although they differ from one another in gender. Nonetheless, they use individualistic literary techniques. Han Kang shows the female destruction by a patriarchal society through the conflict between a meatatarian father and his vegetarian daughter, while Petőcz displays it through the conflict between nature and metropolis. Eco-feminists think that a patriarchal society never fails to accompany visible or invisible violence. In this regard, Vegetarian reveals the visible and direct violence of men, while Sárga virág a feleségem discloses the invisible and indirect violence of cities that belong to the semantic network similar to men. Next, the motif of woman-plant metamorphosis is seen in a form of dream in Vegetarian, but in an actual reality in Sárga virág a feleségem. Lastly, Vegetarian expresses “the love of others”, one of key ideas in eco-feminism, in the form of seeking the roundness symbolized by breasts, while Sárga virág a feleségem represents it in the form of emphasizing the pain caused by sharpness.

      • 急性腹症에 對한 外科的 考察

        兪鎭一,朴麟浩,金彩圭,卞鍾善,鄭埈 中央醫學社 1941 中央醫學 Vol.10 No.4

        We have attempted to review our experience with 483 cases of acute abdomen, which were treated surgically at the Nam-Boo City Hospital from January 1962 to December 1965. Recently many surgeons emphasized important items utilized in the differential diagnosis of the acute abdomen. There is no substitute for good history taking and careful physical examination in most incidences. The decision for the urgent operation will be led in this way laboratory aids including the X-ray examination. The series of 483 cases analysis as follow; 302 cases were men and 181 cases were women, sex incidences was 2 : 1 Among the 483 cases of acute abdomen, acute appendicitis were 337 cases (69,7%), ileus were 59 cases (12.1%)peptic ulcer perforation 24 cases (5.0%) biliary disease 42 cases(8. 6%) and accidental trauma 12 cases(2. 5%) The mortality rate mainly dependent on the length of the time from the onsest to laparotomy. The mortality rate of intestinal obstruction are 6.8% and peptic ulcer 4,1% and our series showed high incidence of mortality in the intestinal obstruction. We think above high mortality caused by delayed Laparotomy.

      • KCI등재

        Self-Portraits and Portraits of Hungarians in Hungarian Oral Literature

        유진일 한국동서비교문학학회 2015 동서 비교문학저널 Vol.0 No.32

        This study attempted to look into the identity of the Hungarian people using Hungarian oral literature. Unlike documentary literature, oral literature was created not by a single individual, but collectively by many Hungarians throughout a long period of time. So, it contains the spirits, thoughts and self-portraits of a nation. Many Hungarian oral tales from Asia continued to be passed down without great change for a time in Europe as well. According to the oral tales, the Hungarians introduced Christianity after settlement in Europe, but maintained their own faith from Asia and sought their identity in Asia. Accordingly, they also depict themselves as Asians. However, they wanted to be described as European Christians by others, since they accepted Christianity with a view to their survival rather than voluntarily. In particular, myths and legends reveal such great change between self-portrait and portrait. However, it is not easy to grasp the self-portrait and portrait of the Hungarian people in the folktales led by trifling fun. On the contrary, oral poetry demonstrates many Christian factors, as the Hungarians were influenced by Christian culture after their settlement in Europe. However, there are few indigenous folklore elements that originate in Asia. This indicates the possibility that the Hungarians regarded themselves Christian Europeans Therefore, the self-portraits and portraits of the Hungarian people are similar to each other in oral poetry, unlike oral tales.

      • ELTE 출신 주요 작가들의 업적

        유진일 한국외국어대학교(글로벌캠퍼스) 동유럽발칸연구소 2003 동유럽발칸연구 Vol.12 No.1

        Established some 400 years ago, Loránd Eötvös University of Sciences(ELTE) has produced a strong and doubtlessly positive effect on the development of Hungarian scientific and cultural life. Originally a religious institution of, in the modern age it became a secular institution of higher education. In general the Hungarian governments gave substantial support to ELTE so as to facilitate the training of new elites. It was only era of Stalinism(1948-1953) that relations between the university and the authorities proved intensely hostile, and in 1956 the students of ELTE played a very active role in the revolution against Communist dictatorship and Soviet rule. Nevertheless, ELTE was usually able to inspire and support social, economic, and cultural progress, and the role it played in the blossoming of Hungarian literature proved particularly significant. The development of Hungarian literature was closely intertwined with the development of ELTE. Of the most notable Hungarian writers and poets, many studied at ELTE. Of these authors, we may name Miklós Zrínyi(a representative of Hungarian Baroque literature), László Amade, Ferenc Faludi(Hungarian Rococo poets), Romantic poets Mihály Vörösmarty and Ferenc Kölcsey(the latter was the author of the Hungarian national anthem), and several poets of the 20th-century Symbolist literary journal Nyugat(e.g. Mihály Babits, Dezső Kosztolány, Gyula Juhász). Several important figures of current Hungarian literary life, such as Péter Esterházy also studied at ELTE. 약 400년의 역사를 가진 ELTE는 그동안 헝가리 학문 발전에 크게 영향을 미쳐왔다. 설립 초기에는 종교 단체 산하 교육 기관으로 출발하였지만 현재는 종교적 색채를 완전히 탈피하고 헝가리를 대표하는 순수 고등학문 교육기관으로 발전하였다. 1956년 반소운동에 ELTE 학생들이 주도적 역할을 했다는 이유로 한때는 집권당으로부터 외면 받았지만, 이 비정상적인 시기를 제외하고는 정부의 적극적인 육성으로 헝가리 엘리트를 육성하는 중추적 역할을 감당하여 헝가리 정치, 경제, 사회, 문화, 학문 발전에 크게 기여하였다. 특히 문학적 측면에서 볼 때, 헝가리 문학 발전의 역사는 ELTE 발전 역사와 때를 같이한다 해도 과언이 아닐 정도로 헝가리 문학계의 큰 줄기는 항상 ELTE를 통해 형성되어 왔다. 헝가리 바로크 문학을 대표하는 즈리니 미클로시(Zrnyi, Mikls, 1620-1664), 헝가리 로코코 문학을 대표하는 작가 어머데 라슬로(Amade, Lszl, 1703-1764)와 펄우디 페렌cm(Faludi, Ferenc, 1704-1779), 헝가리 낭만주의 문학을 대표하는 뵈뢰쉬머르티 미하이(Vrsmaty, mihly; 1800-1855), 헝가리 애국가를 작사한 쾰체이 페렌츠(Klcsey, Ferenc), 20세기 헝가리 문학을 이끌어 온 대표적인 <Nyugat(뉴거트)> 작가들인 버비츠 미하이(Babits, Mihly, 1883-1941), 코스톨라니 대죄(Kosztolny, Dezs, 1885-1936), 유하스 줄러(Juhsz Gyula, 1883-1937)등이 그 대표적 인물들이다. 에스테르하지 페테르(Esterhzy, Pter, 1950-)를 비롯한 현재 활동 중인 많은 작가들 역시 이 대학 출신이라는 점에서 이러한 현상은 당분간 계속될 것으로 예상된다.

      • KCI등재

        『노루』에 나타난 주제의 형상화 수단으로서의 죽음 분석

        유진일 한국외국어대학교(글로벌캠퍼스) 동유럽발칸연구소 2010 동유럽발칸연구 Vol.25 No.1

        In Hungarian literature, the preoccupation with the motif of death is found in the member authors of Nyugat as well as those in the middle and late 20th century. Szabó Magda is one of the authors that represent such trend. Her representative work Azőz calmly depicts the psychological conflicts of its main character Encsy Eszter from the first-person point of view through many deaths, loves and jealousies surrounding him. The deaths are so manifold and multilayered that they are classified into human vs. animal deaths, the deaths the protagonist is associated with vs. looks at from an observer's point of view, past vs. future deaths, the deaths in reality vs. imagination, natural death vs. suicide or killing and more. The motif of death as a means of theme formation in Az őz enables readers to get access to the work's theme effectively through a well-organized structure. Death does not remain a simple motif any more, but offers logicality to theme approach by enhancing its level gradually. Szabó Magda gets out of the simple dispersion of death motifs, deploying the presages of various deaths from microorganism to human beings and the accidents of death step by step. In the first stage, she hints at future incidents with the things symbolic of deaths, not with real deaths. In this stage of presages, she likes to use a technique symbolic of death through a color. Especially, purple, symbolizing death, is intentionally deployed in Hungarian literature. The diverse presages of death maximize their effects by upgrading themselves in order of color, nonliving things, living things and God little by little. There are various deaths around Eszter in the stage following the presages of death. He is not directly involved in them, but influenced by them. According to their strengths affecting him psychologically, the deaths can be upgraded in order of the deaths of Emi, Uncle Ince, Judge Domi, Aunt Juszti and his parents. In the third stage, Eszter causes deaths, directly taking part in them, which is represented by those of a roe deer and Lőrinc. Within the range of the direct deaths, the death of a roe deer, caused by Eszter as a child, plays a part of a presage of Lőrinc's death. After all, so many presages and deaths can be understood as the stage-specific devices in the process of reaching the last station, i.e. Lőrinc's death. In the process, deaths are gradationally presented from stage to stage to represent the work's theme. The present work of Szabó Magda is characterized by the gradational presentation of deaths and the ensuing effective theme formation as well as fine description. 헝가리 문학에서 죽음 모티프에 대한 천착은 뉴거트 작가들 뿐 만 아니라 20세기 중후반 작가들에서도 동일하게 찾아볼 수 있다. 그 대표적인 작가 중 한 명이 헝가리 여류작가 써보 머그더(Szabó Magda)이다. 그녀의 대표작『노루(Az őz)』역시 주인공 엔치 에스테르(Encsy Eszter)를 둘러 싼 많은 죽음과 사랑, 그리고 질투를 통해 주인공의 심리적 갈등을 1인칭 관찰자적 시점에서 담담하게 그리고 있다. 분석 작품에 등장하는 죽음들은 다양한 분류가 가능한데 동물의 죽음과 사람의 죽음, 주인공이 연루된 죽음과 주인공이 관찰자적 시점에서 바라본 외부적 죽음, 과거에 일어난 죽음과 앞으로 일어날 죽음, 현실 속 죽음과 상상 속 죽음, 자연적 죽음과 타인 혹은 자신에 의한 죽음 등 광범위하고 다층적이다. 『노루』에 나타난 주제의 형상화 수단으로서의 죽음 모티프는 짜임새 있는 구조로 인해 독자들에게 효과적으로 주제를 드러내 주고 있다. 죽음이 소설의 단순한 하나의 모티프에 그치지 않고 죽음의 단계를 점층적으로 높여감으로서 주제 접근에 논리성을 제공한다. 써보 머그더는 죽음 모티프의 단순한 산재(散在)를 지양하고 미생물에서부터 시작하여 생물, 그리고 인간에 이르는 다양한 죽음의 복선들과 죽음의 사건들을 점층적으로 배치하고 있다. 첫 단계에서는 실제적 죽음이 아닌 죽음을 상징하는 사물들을 통해 향후 일어날 사건을 암시해주고 있다. 이 복선 단계에서 써보 머그더가 애용한 방법이 색깔을 통한 죽음의 상징기법이다. 특히 헝가리에서 죽음을 상징하는 보라색이 의도적으로 여러 곳에 배치되어 있다. 죽음에 대한 다양한 종류의 복선 내에서도 색깔 → 무생물 → 생물 → 신의 단계로 정도를 점층적으로 높여가며 복선의 효과를 극대화하고 있다. 죽음과 관련한 복선 다음 단계로 에스테르 주변에서 일어난 다양한 죽음이 나타나 있다. 에스테르가 직접적으로 그 죽음에 간여하지는 않았지만 그 영향이 에스테르에게 미치는 죽음들이다. 간접 관계에 있는 이 죽음들 역시 에스테르에게 심적으로 영향을 미치는 정도에 따라 서열화 시켜보면 에밀의 죽음 → 인체 아저씨의 죽음 → 판사인 도미 아저씨의 죽음 → 유스티 아주머니의 죽음 → 에스테르 본인의 아버지와 어머니의 죽음의 순서로 나열 할 수 있다. 그 다음 단계의 죽음으로는 에스테르가 직접 죽음에 간여하고 그 죽음의 원인을 제공하는 경우로, 노루와 뢰린츠의 죽음이 해당된다. 직접적 죽음 내에서도 노루의 죽음은 에스테르가 어린 시절에 저지른 사건으로 뢰린츠의 죽음에 대한 복선 역할을 한다. 결국 이렇게 많은 복선과 죽음의 제시는 결국 뢰린츠의 죽음이라고 하는 최종 종착역에 이르기 위한 과정으로 이해할 수 있으며 그 과정에서 주제를 효과적으로 나타내기 위해 죽음을 단계에 따라 점층적으로 제시하고 있다. 이러한 써보 머그더의 죽음의 점층적 제시와 이를 통한 효과적인 주제 형상화는 그녀의 섬세한 묘사와 더불어 이 작품의 특징을 형성하고 있다.

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