일반논문 : “예술가로서의 관객” 참여문화 조성 연구: PNB의 호두까기 인형 공연과 발레학교 사례를 중심으로

장웅조 ( Woongjo Chang ) 한국공연문화학회(구 한국고전희곡학회) 2015 공연문화연구 Vol.0 No.31

다양한 관객과의 안정적인 관계는 공연예술단체가 수준 높은 공연예술을 지속적으로 제작하고 공급하는 데 필수적인 조건이다. 본 논문에서는 미국 워싱턴(Washington)주 시애틀에 소재한 퍼시픽 노스웨스트 발레단 (Pacific Northwest Ballet, PNB)과 산하의 PNB 발레학교의 호두까기 인형 발레 공연에 대한 사례연구를 중심으로 공연예술단체의 적극적인 관객관여(Audience Engagement)활동이 어떻게 다양한 양상의 관객참여를 이끌어내고 참여문화(Participatory Culture)를 조성하는지 살펴보았다. 이를 위하여 본 연구에서는 관객개발 분야에서 많은 연구를 발표해온 브라운(Brown)과 노박-레너드(Novak-Leonard)의 예술참여 5가지 단계, 즉 ‘단순관람(Spectating)’, ‘강화된 관객관여 (Enhanced Engagement)’, ‘크라우드소싱(Crowdsourcing)’, ‘공동창조(Co-creation)’, 그리고 ‘예술가로서의 관객(Audience as Artist)’을 기본 틀로 삼아, PNB가 어떻게 다양한 관객참여의 양상에 전략적으로 대응하여, 단체의 안정적인 운영에 활용하는지 분석하였다. 결론적으로 지역사회에 기반을 둔 관객관여 프로그램 운영과 지역시민이 예술가로서 참여할 수 있는 공연작품의 제작이 관객의 참여문화 조성과 안정적인 공연예술단체 운영에 큰 역할을 하고 있는 것을 확인할 수 있었다. Establishing a stable relationship with diverse audiences is an essential condition for any performing arts organization to sustainably produce and supply high quality performing arts. Incorporating a case study of The Nutcracker produced by Pacific Northwest Ballet (PNB) based in Seattle, Washington and the PNB Ballet School, an outreach subsidiary institution of PNB, this paper examines how a classical performing arts organization elicits active audience participation in its performing arts productions and cultivates a participatory culture of the audience. It uses Brown and Novak-Leonard’s (2011) Audience Involvement Spectrum (from Spectating, Enhanced Engagement, Crowdsourcing, Co-creation, to Audience as Artist) to analyze PNB’s audience engagement strategy. The findings confirm PNB’s outreach program, which includes operating an arts education institution, and producing a repertoire that allows amateur local audiences to function as artists in the performances played a significant role to cultivate a participatory culture of the audience and eventually to contributes to the organization’s sustainable operation.

예술단체의 사업다각화 연구 : ― 산울림 소극장의 사례를 중심으로 ―

송주영(Song, JuYoung),장웅조(Chang, WoongJo) 한국예술경영학회 2020 예술경영연구 Vol.0 No.53

적지 않은 문화예술단체에 있어 재정적 어려움과 이로 인한 인력부족은 상시적인 문제이다. 높은 예술성과 역사가 있는 문화예술단체들의 경우 중앙정부와 지자체의 유관기관을 통한 다양한 지원에 힘입어 이러한 문제가 다소 완화되기도 하지만, 결국 예술단체가 꾸준한 예술활동을 추구하기 위해서는 안정적인 재원확보와 효과적인 경영전략 수립이 필요하다. 이러한 전략 중 하나로 위험을 분산시키고 수익을 다원화하는 사업다각화를 들 수 있다. 본 연구에서는 이러한 사업다각화 전략이 민간문화예술단체에 어떻게 적용될 수 있는지를 2016년부터 본격적으로 사업다각화 전략을 취하고 있는 40년 역사의 산울림 소극장의 사례연구를 통하여 살펴보았다. 연구결과, 산울림의 사업다각화 전략으로 진행한 각각의 사업들은 시너지효과를 내며, 산울림의 다양한 이해관계자 즉 예술가, 예술경영가, 향유자 간에 긍정적인 상호작용이 형성되는 것을 확인할 수 있었다. 여기에는 산울림의 문화적 자산, 경제적 자산, 사회적 자산에 대한 충분한 이해와 이러한 자산의 적극적이고 유연한 활용이 주효했음을 확인할 수 있었다. Arts organizations commonly face a range of operational challenges, from a lack of skilled workers to limited financial resources and thus are dependent on subsidies from the government. Yet, to fully realize their mission arts organizations must both develop strategies to effectively utilize government support and seek a way forward that does not depend on public subsidies. Business diversification, a strategy from corporate management, entails the expansion of products and services, and entry into new industries, enabling companies to disperse risks and increase profits. We propose that business diversification can be effectively applied to arts organization to address the myriad operational difficulties they face. To understand how an arts organization might deploy business diversification we conducted a case study of an organization that is actively pursuing the strategy: Sanwoollim Theater. We interviewed staff members of Sanwoollim including the executive director, as well as selected audiences, to understand how the business diversification model was being applied at Sanwoollim. Our findings indicate that, in a complex arts and cultural space, business diversification is a fresh and flexible new strategy that can enable private cultural arts organizations to thrive sustainably. It is also evident that government support in the initial stages of the process encourages diversification and that successful private arts organizations will leverage government subsidies into a sustainable business plan.

문화예술위원회와 문화체육관광부 관계 변화 속에 나타난 자율성과 책임성 연구

박민권(Park, Min-Kwon),장웅조(Chang, WoongJo) 한국문화관광연구원 2020 문화정책논총 Vol.34 No.1

포스트 코로나시대 공연예술 국제교류 경험에 관한 연구 : 무용예술가를 중심으로

장수혜 ( Jang Soohye ),장웅조 ( Chang Woongjo ) 무용역사기록학회 2021 무용역사기록학 Vol.63 No.-

본 연구에서는 팬데믹 전, 후 공연예술가들의 국제교류 경험에 대한 이해를 바탕으로 포스트 코로나시대 공연예술현장에서의 문제점을 확인하고 향후 공연예술 국제교류의 가능성을 탐색한다. 이를 위하여, 8년 이상 국제교류 경험이 있는 무용 예술가들을 대상으로 심층인터뷰를 진행한 뒤, 현상학적 접근을 통해 인터뷰 내용을 분석하고, 그들의 경험에서 현재의 문제점과 미래의 가능성을 톺아보았다. 연구결과, 현장 공연과 온라인 공연 사이의 괴리, 예술가와 예술행정가 간의 수평적 협력 부족, 지원형식의 유연성 부족, 더욱 높아진 국제교류 진입장벽이라는 문제점이 확인되었다. 현장에서 제시된 해결방안은 현장공연과 온라인 공연의 균형적 지원, 예술가와 예술행정가간의 유연한 소통 노력 필요, 다양하고 창의적인 국제교류 방식의 실험 및 적용, 국제교류 관련 정보과 교육의 제공 확대로 정리될 수 있었다. 본 연구는 포스트 코로나시대 국제교류에 대한 문제점과 해결방안을 현장 무용예술가들의 목소리를 바탕으로 탐색했다는 점에서 의의가 있다. This study explores the primary issues in international performing arts exchange in the post-COVID-19 era. In our in-depth interviews with dance artists, each with over eight years of experience in international exchange before and after the pandemic, we witnessed the challenges and opportunities posed by the current pandemic situation. We used phenomenological methods to analyze the interview data. Our analysis revealed four problems: (1) the gap between live performance and recorded online performance; (2) the lack of equitable collaboration between artists and arts administrators; (3) the lack of diverse approaches and forms of support; and (4) the increase in barriers to international performing arts exchange. Our findings suggest countermeasures, such as: (1) balanced support both for live performance and online performance; (2) more flexible communication between artists and administrators; (3) adoption of more diverse and creative modes of international exchange; and (4) provision of training and education to promote artists’ access to and mobility in international artistic exchange.

제도화 과정을 통해 본 한국의 타투계

박혜린(Hyerin Park),장웅조(WoongJo Chang) 한국예술경영학회 2018 예술경영연구 Vol.0 No.49

2018년 현재 국내의 타투 산업은 2만 명의 업계 종사자와 2백만 명에 육박하는 소비자 층을 갖고 있지만, 여전히 유사 의료 행위라는 명목 아래 불법으로 취급되고 있다. 본 연구는 대한민국 타투계의 현 상황과 이에 따른 제도화 과정의 의미를 고 찰한다. 국내 타투 업계 종사자들을 대상으로 참여관찰 및 심층 면접을 진행하고 이를 제도주의, 예술 제도론, 전문직업화의 문헌 연구로부터 도출한 제도화 과정의 분석틀을 기반으로 분석 및 해석하였다. 이를 통해 국내 타투계는 제도화와 전문직 업화 과정에 있는 것을 확인 할 수 있었고 사회와 대중들의 요구를 받아들여 윤리적 문제 혹은 사회 이슈가 반영되어있는 그들만의 규율과 관습을 만들어가고 있었다. 연구 결과를 바탕으로 정부 차원의 체계적인 교육 시스템과 최소한의 의료 보 건 보장 시스템 확충의 필요성을 제기하며, 아울러 국내 타투계의 안정적인 제도화와 타투이스트라는 직업의 전문화를 위해 타투계 내부적인 노력 또한 불가피함을 제언한다. There are over 20,000 tattooists, and more than 2,000,000 people have enjoyed their tattoo arts in South Korea. However, the South Korean tattoo world retains unenviable notoriety as the government does not yet legitimize the industry by legalization. This thesis examines the tattoo world in South Korea from the perspective of institutionalization with the goal of understanding the current state of South Korea s tattoo industry and the hardships it faces to fully institutionalized. We established the framework by examining the theoretical studies of institutionalization, the institutional theory of the arts and professionalization. Then, we conducted in-depth interviews with full-time, career tattooists and carried out observations at their workplaces. Significant findings include: (1) ongoing institutional processes in the current South Korean tattoo world is at the processes of “habitualization” and “objectification,” based on Tolbert and Zucker s(1999) institutionalization model; (2) the phase of full institutionalization of South Korean tattoo world would be to be legalized and professionalized; (3) both internal and external conflicts were discovered to impede full institutionalization. According to the findings, we suggest that the tattoo industry nationwide needs supporting professional associations, formal educational and medical systems, and informed public to accomplish full institutionalization. We conclude that support from the community, government, and the South Korean tattoo world itself is necessary to develop the South Korean tattoo industry into a thriving global cultural industry.

문화예술분야 사회적기업 성과지표에 대한 탐색적 연구

문희원(HeeWon Moon),장웅조(WoongJo Chang) 한국예술경영학회 2023 예술경영연구 Vol.- No.68

문화예술분야 사회적기업은 문화예술 활동을 통하여 다양한 사회적 가치를 창출하는 조직이다. 본 연구에서는 문화예술분야 사회적기업 성과지표를 탐색하여 이들이 창출한 성과에 대한 이해를 넓히고, 그 지속가능성을 모색하고자 한다. 이를 위해 국내외 문화예술분야 사회적기업과 관련된 문헌연구를 토대로 현재 현장에서 활용하고 있는 사회적가치지표(SVI)와 문화예술 사회적경제 평가모형(ARC-SPEM) 사례를 재검토하고 종합하여 사회적, 경제적, 예술적 측면에서 성과지표를 새롭게 제시하였다. 이후 문화예술분야 사회적기업 전문가를 대상으로 설문조사를 진행하고, 계층분석과정(AHP)을 거쳤다. 분석결과를 통해 지표들 간의 중요도와 우선순위를 살펴보면 다음과 같다. 우선 경제적 성과지표와 예술적 성과지표에 비해사회적 성과지표의 중요성이 상대적으로 높이 인식되고 있었다. 사회적 성과지표에서는 ‘문화복지 및 향유’와 ‘문화예술교육’이, 경제적 성과지표에서는 ‘예술가 일자리제공’이, 예술적 성과지표에서는 예술을 수단으로 활용하여 다양한 가치를 유발하는 ‘사회적 활동으로서의 예술’이 우선되고 있음을 확인하였다. 그럼에도 현재 국내 문화예술분야 사회적기업의 성과를 측정하고 있는 사례분석을 통해서는 기관마다 성과지표에 대한 기준이나 용어, 그리고그 범주가 상이하며, 문화예술분야 사회적기업이 창출한 성과를 제대로 측정할 수 있을 만큼양적으로나 질적으로 여전히 충분하지 않음을 알 수 있었다. 결론적으로 예술가 일자리 특성이나 기부금 및 후원, 서비스 중심의 활동과 장르별 가치사슬의 특수성을 사회적, 경제적, 예술적 측면에서 동시에 고려해야 문화예술분야 사회적기업의 지속가능성을 담보할 수 있음을 확인하였다. 아울러, 문화예술분야 사회적기업에게 있어 예술적 성과지표 항목들은 예술적 성과뿐만 아니라 사회적 성과와 경제적 성과에도 영향을 미치고 있기에, 각 기업의 예술적 특성을 재인식하는 것이 무엇보다도 중요하다는 것도 다시금 각지하였다. 본 연구는 문화예술분야 사회적기업의 특성을 고려한 성과지표를 체계적이며 종합적으로 제시함으로써 그동안 간과되어 왔던 성과지표를 다시 톺아보게 하는 동시에, 문화예술분야의 특성을 고려하여 예술적 성과지표를 새롭게 제시하여 다양한 이해관계자들과 소통할 수 있는 계기를 마련했다는 데 의의가 있다 Arts and cultural social enterprises are organizations that create diverse social values through cultural activities. This study aims to explore performance indicators for arts and cultural social enterprises to enhance our understanding of their performance and investigate their sustainability. To this end, we reviewed and synthesized literature on arts and cultural social enterprises both domestically and internationally, focusing on the Social Value Index (SVI) and the Art & Culture Social Performance Evaluation Model (ARC-SPEM) currently in use. This synthesis informed the proposal of new performance indicators spanning social, economic, and artistic dimensions. Subsequently, a survey among arts and cultural social enterprise experts and a hierarchical analysis process (AHP) were conducted. The analysis highlighted the relatively recognized importance of social performance indicators compared to economic and artistic ones. ‘Cultural welfare and appreciation’ and ‘arts and cultural education’ emerged as priorities in the social dimension; ‘providing jobs for artists’ was prominent in the economic dimension; and ‘art as a social activity’—which employs art to generate diverse values— was underscored in the artistic dimension. However, a case study on the current performance measurement practices of arts and cultural social enterprises in Korea revealed inconsistencies in the criteria, terminology, and categories used across organizations, along with a lack of comprehensive quantitative and qualitative data for appropriate performance assessment. We conclude that to ensure the sustainability of arts and cultural social enterprises, it is crucial to concurrently consider the peculiarities of art jobs, donations and sponsorships, service-oriented activities, and genre-specific value chains from social, economic, and artistic perspectives. Furthermore, artistic performance indicators not only impact artistic outputs but also influence social and economic outcomes, highlighting the need to acknowledge each organization’s unique artistic nature. This study’s significance lies in its systematic and comprehensive identification of performance indicators, acknowledging the unique attributes of arts and cultural social enterprises. It provides a foundation for revisiting previously overlooked performance metrics and facilitates communication with various stakeholders by introducing new artistic performance indicators tailored to the arts and cultural sector.