스파이크 리 감독의 영화 <똑바로살아라>에 나타난 캐릭터 관계의 특성

장민용 한국엔터테인먼트산업학회 2018 한국엔터테인먼트산업학회논문지 Vol.12 No.8

Spike Lee’s ‘Do the Right Thing’ produced in 1989 was made in the experimental film form and alternative production which was reflected a sharp attitude of American society. This study examines how to represent the ongoing racism and injustice of capitalism in America in terms of probing the unique relationship and construction between characters in the film. It reflects, emphasis, and conveys the aspects of everyday life of the pizzeria’s owner Sal and his employee Mookie through their individual and particular quality of characters and also using alter ego and doppelgänger from assistant characters living together with main characters. From this approach Spike Lee places the psychoanalysis concepts, such as fetishism and repression theoretical background in analytic tool. From this result of study, the ending confirms that it is only to balance that power, to find some kind of equity between opposing elements. The relationship between Sal and Mookie resolution greatly affirms this. Sal’ financial loss and corresponding growth in knowledge is balanced by Mookie’s new found power and maturity.

무용제 타입 UV경화형 실버 페이스트 개발

장민용,남현진,남수용 한국마이크로전자및패키징학회 2022 마이크로전자 및 패키징학회지 Vol.29 No.2

In this study, a silver paste capable of UV curing without using any solvent was developed. The viscosity and viscoelasticity of the silver paste developed as a solvent-free type were measured. And after printing the pattern by screen printing, an electrode coating film was formed by UV curing. Conductivity, pencil hardness, and adhesive force of the formed electrode coating film were evaluated. Finally, the curing characteristics of the electrode coating film were evaluated by TGA and FT-IR. Summarizing these results, in terms of conductivity, adhesion, and curing characteristics, it was found that Paste (4), that is, silver paste obtained by mixing 1.2 m spherical silver powder and 50 nm silver powder at 72:8% had the best physical properties. 본 연구에서는 용제를 전혀 사용하지않고 UV경화가 가능한 실버 페이스트를 개발하였다. 무용제(solvent-free) 타입으로 개발한 실버 페이스트의 점도 및 점탄성 측정하였다. 그리고 스크린인쇄로 패턴을 인쇄한 후에 UV경화로 전극도막을 형성시켰다. 형성된 전극도막의 전도성, 연필경도, 접착력에 대해서 평가하였다. 마지막으로 전극도막의 경화특성은 TGA 및 FT-IR로 평가하였다. 이러한 결과를 정리하면 전도성, 접착력, 경화특성에 대해서는 Paste(4), 즉 1.2 m의구형 실버 파우더와 50 nm 실버 파우더를 72:8%로 혼합한 실버 페이스트가 가장 우수한 물성이 얻어짐을 알 수 있었다.

무용제 타입 UV경화형 나노 실버 페이스트의 광소결 전후 전도성 평가

장민용,남현진,남수용 한국화상학회 2022 한국화상학회지 Vol.28 No.4

본 연구에서는 용제를 전혀 사용하지않고 UV경화가 가능한 나노 실버 페이스트를 개발하였다. 무용제(solvent-free) 타입으로 개발한 나노 실버 페이스트의 점도 및 점탄성 측정하였다. 그리고 스크린인쇄로 패턴을 인쇄한 후에 UV 경화로 전극도막을 형성시켰다. 형성된 전극도막의 전도성, 연필경도, 접착력에 대해서 평가하였다. 또한 전극 도막 을 광 소결하여 전도성을 평가하였다. 마지막으로 전극도막의 경화특성은 TGA 및 FT-IR로 평가하였다. 이러한 결 과를 정리하면 UV경화만 시켰을 경우에는 전도성, 접착력, 경화특성에 대해서는 Paste(3)이 가장 우수하였다. 그러 나 광소결 후에는 Paste(1)이 가장 우수한 전도성을 얻을수있었다. 그 이유는 10nm 실버 파우더를 사용한 것이 소 결 특성이 가장 우수했기 때문이라고 판단된다. In this study, a nano silver paste capable of UV curing was developed without using any solvent. The viscosity and viscoelasticity of nano silver paste developed as a solvent-free type were measured. And after printing the pattern by screen printing, an electrode coating was formed by UV curing. Conductivity, pencil hardness, and adhesive strength of the formed electrode coating film were evaluated. In addition, the conductivity was evaluated by light sintering the electrode coating film. Finally, the curing characteristics of the electrode coating were evaluated by TGA and FT-IR. Summarizing these results, when only UV curing was performed, Paste(3) was the most excellent in terms of conductivity, adhesive strength, and curing characteristics. However, after photosintering, Paste(1) obtained the best conductivity. I think the reason for this is that the 10nm silver powder had the best sintering properties.

다니엘 아이젠버그 영화 연구 -사적인 기억과 공적인 역사의 변증법-

장민용 한국디지털영상학회 2009 디지털영상학술지 Vol.6 No.1

For Daniel Eisenberg, the identity is connected to a catastrophic event in history. And this event is examined in Displaced Person and Cooperation of Parts - both through public history and personal memory. The sense of identity is fluid and even provisional. But in working on memory, these films provide him with key to identity and history. He has chosen to return to the place of his parent past and memory as an act of witnessing and corroboration. Eisenberg finds his mother's home in Radom, Poland. He has structed work that investigates personal memory and history as a form of inheritance. As such, he traces a line from the self to history, and back to the self again. The self defined here as precisely a heterogeneous site, located personal and public history are overlayed on to the vicissitudes of the self. The line that he traces is connected generationally through the past of his parent. With Eisenberg, it is his parent's memory that his himself remembers. Of his journey to the sites if his parent's past, Eisenberg asks in the sound track to Cooperation of Parts "Where have I seen this place before ? " The works of Eisenberg can be seen as a kind of generational "time of a return." They investigate a past that is buried, a past that is not his own, but that has informed the construction of his identity and memory. Memory and history-both personal and public-are intricately layered and linked. The memory of one generation is history of another. In traceing this line from the self, through the generational memory of his parent and into history. Eisenberg actively seeks to discover new representational forms that will absorb the complexities of invisible memories and buried history. He engages in a fissured, "ruined", aethestic which conveys a profound sense of loss and absence. Through the counterflow of memory Eisenberg excavates buried meanings and histories that radically restate and rework invisibilities. Moreover, by keeping the past present and by engaging in memory, this work enables the act of remembrance to cut across time and history and to remain continually open and vital.

제이 로젠블랏의 파운드 푸티지 영화 연구

장민용 한국영상제작기술학회 2019 영상기술연구 Vol.- No.31

Jay Rosenblatt is one of the greatest experimental filmmakers, very well known and admired in the art world these days. His aesthetics of cinema is more concerned with the forms of poetry and essay. The relation of between imagery of found footage with sound including narration and music is more consonant than explanation. It not only makes for more meaning and stimulates associations rather than designating directives. Making films with found footage is a peculiar process. It leads to a more poetic and metaphoric working process. In many cases, recontextualization of existing footage has radical transformative qualities and shows aesthetics of collage montage. He continues to explore the complex features about the encounter, socialism, loss, and alienation. Rosenblatt didn’t want to offer a final solution, but he always explored the deep contemplation of these issues. The films of Jay Rosenblatt have the form of collage, full of irony and humor. They confuse the audience with ambiguities and juxtapositions within film, and between films. He used imagery from different sources and sounds including narration and music together to unify the works, resulting in solid and distinct relationships. The collage among imagery, sounds, and subjects made his works integrate the analysis of serious politics that respond to alternative ethical issues by creating provocative and imaginative within artistic experimental films.

실험영화 제작교육을 위한 기초연구

장민용 한국예술교육학회 2022 예술교육연구 Vol.20 No.3

Recently there are a lot of opportunities to show films and moving images appearing You Tube and many other Ott platform. Not only feature film and short film, but also Documentary, narrative film, experimental film, and music video newly added short form in many platforms and apps. Since the change of the ways to show moving images, there are emerging new forms and genres, and mak- ing styles around film making environment. From the 1970’s, film making classes in film department in university have been almost the same curriculums in terms of making process and divided func- tions based on narrative film. Raising on You Tube, film making education requires personal and vi- sionary film making programs in addition to group film making studies. Since the birth of film art, experimental film have been pursuing creative and personal visual lan- guage not to be bound by confined narrative form. All the filmmakers should make their own film form according to their own ideas and thoughts, so that they could create original art worlds by themselves. For the purpose of presenting creative visual film education, I suggest three fundamental aspects of experimental film, such as structure, space, and time of film. Unlike to narrative film de- pendent on consistency and unity of space time, experimental film changes drastically filmic space time. By changing , dividing, and abstracting the filmic space time, it could make the invisible visible. Experimental film making education can help not only to adjust newly emerging You Tube and other platforms, but also expand the possibilities of film art the other side of conventional narrative films. 다양한 영상 플랫폼의 등장으로 영화나 영상을 상영할 수 있는 기회는 그 어느 때보다 풍부해졌으며, 길이 가 중심이 된 장편이나 단편영화, 또는 형식이 중심이 된 다큐멘터리, 내러티브 영화, 실험영화, 뮤직비디오 등뿐만 아니라 최근에는 숏 폼 등 새로운 영상이 제작되고 있다. 유튜브에서 시작된 이러한 상영 방식의 변화 는 다양한 형식과 장르, 그리고 제작 방식의 변화를 가속화시키고 있다. 1970년대 이후 대학 영화학과의 영화 제작 수업은 최근까지도 크게 달라지지 않아서 사전제작, 제작, 후반제작의 공정과 연출, 촬영, 편집 등의 기능 으로 구성되어 공동작업으로 진행되는 내러티브 영화 만들기가 핵심을 이룬다. 다양한 영상 플랫폼의 등장으 로 인해 영화를 공동작업의 산물뿐만 아니라 개인 창작물로도 간주되는 시대가 되었으며, 기존의 관습적인 영 화제작 교육으로는 개인적이고 시각적인 형식의 영화 창작을 위한 효과적인 교육을 하기 어렵다. 실험영화는 영화가 탄생한 이래 폐쇄적인 내러티브 구조에 얽매이지 않고 독창적이고 개인적인 시각 언어로 작동하는 독 자적인 시각 예술을 추구하였다. 모든 영화 창작자는 스스로의 생각에 따라 필요한 형식을 만들어 자유롭게 개 인적인 영화를 구조화할 수 있고, 자아와 상상의 세계를 시각화하는 보다 독창적인 세계를 구축할 수 있다. 이 글에서는 시각적인 영화의 창작 교육을 위한 기초 연구로서 실험영화의 구조, 공간, 시간의 성격을 내러티브 영화와의 관계를 통해 연구하여 실험영화 제작을 위한 기본적인 토대를 마련하고자 한다. 이를 위한 연구방법 으로 먼저 내러티브에 의존하지 않는 실험영화의 특정한 구조를 점검하고 그 구조를 결정하는 요소를 살펴보 았다. 공간의 일관성과 통일성을 추구하는 내러티브 영화와 달리 실험영화는 영화의 공간을 적극적으로 변형 한다. 실험영화에서 형태를 해체하고 분할하고 추상화하는 작업은 인간의 눈이 지각할 수 없는 것을 드러나게 하고, 실재의 환영을 추구하는 내러티브 영화의 선형적인 시간의 구속에서 벗어난 실험영화는 다양한 영화적 시간 형태를 사용하여 인간의 지각으로는 접근할 수 없는 이미지를 만들어낸다. 실험영화제작 교육은 유튜브 로 대변되는 새로운 영상제작 시스템을 위한 교육에도 도움이 될 수 있으며 무엇보다도 내러티브 영화의 관습 과 이데올로기의 반대편에서 영화의 예술적 자유와 표현의 가능성을 확장할 수 미학적 토대를 제공한다.

실험영화의 자기반영적 특성연구

장민용 한국예술교육학회 2023 예술교육연구 Vol.21 No.4

There is a self-reflexive quality to experimental cinema that seeks to explore the qualities of cine- ma on the other side of mainstream narrative cinema. Beginning with an analysis of The Man with the Camera, a classic example of both experimental and documentary cinema, this article examines several films that demonstrate the self-reflexive qualities of experimental cinema, which are dis- continuous, arbitrary, and openly cinematic, on the other side of the spectrum from the illusionistic qualities of conventional cinema. These films create a new cinematic world by analyzing and studying heterogeneous film images frame by frame, between image and image, between objectivity and sub- jectivity, between the human eye and the camera lens. The film shows the life of the city in its own language. Louis Vigneault emphasized the "arbitrariness of cinematic composition," noting the formal discontinuity of the film's "seemingly random sequence of frames." Rosenblatt addresses social and political issues from a personal perspective in an original and alternative cinematic form, weaving to- gether a variety of apparently disparate cinematic images, both in form and content, including found footage and images taken by the artist herself, into an original and delicate collage. Arnold's ap- proach is to analyze and study the individual works in detail, bringing to the surface the meaning and emotions latent in the images and sounds, frame by frame. In doing so, the original works are re- configured and transformed to create a cinematic universe that is uniquely Arnold's own, revealing his signature humor, enjoyment of the cinematic form itself, and latent psychological meanings. By freeing itself from classical and conventional cinematic forms, the movie frees itself from the shackles of continuity and coherence. Experimental cinema, which has been exploring the artistic possi- bilities of cinema since its inception, approaches this self-reflexive nature of cinema in a different way.

스티브 맥퀀의 작품과 구조영화의 관계 연구

장민용 한국영상제작기술학회 2017 영상기술연구 Vol.- No.27

The aesthetics of structural film could be visible in the work of contemporary filmmaker Steve McQueen. Given the rich set of aesthetic terms this avant-garde film movement has provided, this filmmaker demonstrate renewed iterations of structural film’s formal investigation into the ontology of the filmic medium. Beyond reflecting the movement’s experiments with specificity of the filmic image and the viewer’s conscious perception of it, McQueen places new critical attention on what forms these initial preoccupations have generated. Hence, we found them borrowing structural film’s static shots, long takes, and self-reflexive camera movements in order to re-imagine films like Wavelength and Serene Velocity. Furthermore, in redefining what these filmic forms can do, McQueen unearths an affective political dimension that rests latent in structual film’s form. With work such as McQueen’s Hunger(2008), which recounts IRA Bobby Sand’s 1981 prison hunger strike, the political potential of the structural-flilmic image finds rich expression. In touching upon this figure and this work, I hereby aim to uncover what they may tell us about the relation between the formal and critical functions of the structural-filmic image in its renewed expression.

왕가위 영화에 나타난 시간의 성격 연구

장민용 한국연기예술학회 2017 연기예술연구 Vol.10 No.2

영화의 제목에서 시작한 이 글에서는 시간을 지각하는 사람들과 그 삶 속에서 시간의 중요성에 집중한 왕가위의 영화들에 포스트모던한 사회, 문화적인 현상에 대한 문제와 진단이 고스란히 담겨있다는 것을 확인하였다. 왕가위는 이러한 포스트모던한 현상을 자신의 영화에서 인간 생활의 가속, 영원과 안정성에 대한 상실, 그리고 과거와 미래에 대한 현재의 전면적인 지배로 묘사한다. 왕가위는 이와 같은 특성을 등장인물의 성격과 관계를 통해 전달할 뿐만 아니라 이미지의 구성, 보이스오버나 광각렌즈의 사용과 같은 영화 양식의 사용과 현재가 부각되는 내러티브 구조를 통해 전달한다. 결과적으로 그는 개인의 생활 과 문화에서 점차 시간에 응하지 못하고 불필요하고 반복되는 시간이 증가하는 현상에 집중한다. 비록 전통적인 시간 개념이 가진 중요성이 점차 줄어들고 있지만 이러한 시간에 대한 사고가 삶의 경험에서 부재하게 될 때 발생하게 되는 문제에 대해 간과해서는 안 된다. 영화 속의 많은 등장인물들이 임의적으로 시계 시간 자체에 의미를 부여하는 태도에서 알 수 있듯이 전통적인 시간성이 붕괴된 상황은 등장인물들에게 혼란을 주고 심지어는 트라우마를 발생시킨다. 왕가위의 영화들은 과거, 현재, 미래로 명확하게 나누어지는 시간을 자연스럽게 따르는 영화에서 끊임없이 계속되는 현재만이 존재하고 다른 어떤 시간도 구별할 수 없는 대안적인 영화적 시간의 성격을 보여준다. From the titles of Wong Kar Wai’ films, they depicts in his films such postmodern phenomena as the acceleration of pace of human life, the loss of permanence and stability, and a total domination of the present over the past and the future. He delivers these traits not only characters and relations among them, but also narrative structures emphasizing present, various imagey and filmic styles such as voiceover and the use of wide angle lens. Consequently, he draws attention of the increasing inadequacy and redundancy of time individual lives and cultures. Although the tradition conception of time is becoming insignificant, the effect of its absence from human experience can not be ignored. Many are confused, even traumatized by this phenomenon, as their defensive expedient of replacing meanful time with raw time testifies. Wong Kar Wai ‘s oeuvre is one of transition between a cinema that respects and take for granted the notion of time as neatly divided between past, present and future, and a cinema of timelessness that does not know any other time apart from never ending present.

실험영화의 구조적 특성

장민용(Minyong Jang) 한국콘텐츠학회 2014 한국콘텐츠학회논문지 Vol.14 No.1

실험영화작가들은 필연적으로 영화가 가진 물리적인 속성과 한계 그리고 영화만의 단독적인 요소들을 자신들의 영화창작의 핵심으로 간주하였다. 관습적인 영화 규범을 거부하는 태도는 영화의 작동원리에 대한 새로운 관심을 통해서도 강화되었다. 실험영화작가들은 영화의 메커니즘이 어떤 방식으로 영화의 최종 결과물에 영향을 주는지에 대해 질문하였다. 실험영화에서는 극영화의 내러티브에 상응하는 ‘특정한 전개 구조’가 필요하고 이를 위해서 현재의 시점에서 이미지의 흐름에 주목하였다. 움직임의 환영을 만들어 내는 이미지의 연쇄 개념은 다양한 영화적 실험을 가능하게 하였다. 특히, 미국의 구조영화작가들은 이미지들이 연속적으로 움직이는 방식을 변형시킴으로써 관습적인 극영화와는 다른 영화의 의미와 정서를 전달하는 방법들을 모색하였다. 이를 통해서 관습적인 내러티브의 성격과 기능에 대해 문제를 제기하고 새로운 영화전개방식에 대해 탐구하였다. 이러한 구조영화의 전통은 실험영화를 이해하는 핵심적인 개념이며 디지털 영화제작 환경으로 변모하고 있는 오늘날에도 여전히 유용한 접근방식이다. Most of experimental films have different visual techniques and aesthetic values compared to those of narrative films. This difference makes it difficult to understand experimental films. In order to understand in what ways the experimental film has broken with the convention of narrative film, it is important to examine certain structure of experimental film. The important aspect of many experimental films is the way that they have altered the nature of narrative by changing the way that we perceive the succession of image. In particular, The tradition of American Sturcture film has been the contribution of the experimental film to expand the limits of this rule system and evolve a more personal and organic approach to the continuum of film. This approach has been a method of understanding experimental films and still a useful aesthetic tools both reading personal films and making innovative works.