성과주의 속 강박적 심리를 투영한 유연한 이미지 표현 연구 : 본인 작품을 중심으로

안태은 홍익대학교 대학원 2024 국내석사

This study explores the psychological pressures and loss of subjectivity experienced by individuals in a current performance-oriented society, examining how reliance on external evaluations for personal value leads to losing one's self. To address this issue, the thesis discusses how individuals can reclaim a subjective life within a performance-oriented society. Through the philosophical perspectives of Byung-Chul Han(1959-), Martin Heidegger(1889-1976), Michel Foucault (1926-1984), and Erich Fromm (1900-1980), thesis analyzes the impacts of achievement-oriented exploitation, disciplinary power, and social character on mental health. Specifically, Byung-Chul Han's "The Burnout Society" critiques the oppressive nature of performance orientation, while Foucault's concept of disciplinary power elucidates how performance orientation controls individual behavior and thought. Heidegger's "Being and Time" provides insight into the process of self-recovery through existential awareness and self-dialogue, and Fromm's concept of social character explains the impact of performanceorientation on losing one's self. Focusing on works created between 2022 and 2024, thesis visually represents the obsession psychology in a performance-oriented society and proposes ways to recover subjectivity through Heidegger's existential self-concept. Additionally, Michel Foucault's "The Aesthetics of Existence" introduces the concept of self-inquiry as Felix Guattari’s “singularization.” The study also explores the art historical significance of the researcher’s work through comparisons and analyses with Neo-Expressionist artists and connects it to postmodern art trends. The artistic process is described as expressing obsession psychology flexibly, symbolizing fluidity and shift to contrast and clarify the nature of obsession. In terms of painting, the methodology for expressing transparent colors using a high ratio of painting oil in the researcher's oil painting work is described, along with the psychological effect achieved by using a low-saturation blue tone painting method. The painting techniques are explained through the works of Claude Monet(1840-1926) and Joseph Mallord William Turner(1775-1851), emphasizing the expression of personal experiences and emotions. The title of the researcher’s work, "Blue Flash," is explained through the philosophical concepts of Walter Benjamin, capturing the my experiences and perceptions. The study discusses painterly and incidental effects in relation to Gilles Deleuze’s concept of "planned chance" and reflects subjective artistic experiences through the movements of presence and bodily experience described by Maurice Merleau-Ponty. In conclusion, this study addresses psychological pressure and loss of subjectivity in a performance-oriented society through artistic and philosophical inquiry. It explores the psychological conflicts and recovery of modern individuals, proposing ways to reclaim subjectivity based on the researcher’s work. 현대 성과주의 사회에서 개인이 겪는 심리적 압박과 주체성 상실의 문제를 탐구한 본 연구는, 성과주의가 개인의 가치를 외부의 평가에 의존하게 함으로써 자아를 상실하는 과정을 고찰하였다. 이를 해결하기 위해 성과주의 사회에서 개인이 어떻게 주체적인 삶을 되찾을 수 있는지를 논의하였다. 연구는 한병철(1959-), 마르틴 하이데거(Martin Heidegger, 1889-1976), 미셸 푸코(Michel Foucault, 1926-1984), 에리히 프롬(Erich Pinchas Fromm, 1900-1980) 등의 철학적 관점을 통해 성과주의의 착취, 규율 권력, 사회적 성격 등이 개인의 정신적 건강에 미치는 영향을 분석하였다. 특히, 한병철의 『피로사회』를 통해 성과주의의 억압적 속성을 비판하고, 푸코의 규율 권력 개념과 함께 성과주의가 개인의 행동과 사고를 통제하는 방식을 밝혔다. 하이데거의 『존재와 시간』에서 제시된 주체적인 삶을 위한 존재 자각과 자기 대화를 통한 자아 회복 과정을 탐구하였으며, 프롬의 사회적 성격 개념을 통해 성과주의가 개인의 자아 상실에 미치는 영향을 설명하였다. 2022년부터 2024년까지의 작업을 중심으로 성과주의 사회에서의 강박적 심리를 시각적으로 표현하였으며, 이러한 과정에서 하이데거의 실존적 자아 개념과 연결하여 주체성 회복 방안을 제시하였다. 덧붙여, 미셸 푸코의 「삶의 미학」에서 본인이 존재에 대해 스스로에게 하는 질문을 가타리(Félix Guattari, 1930-1992)의 ‘특이화 능력’으로 제시하였다. 또한, 신표현주의 작가들과의 비교, 분석을 통해 미술사적 의의를 밝혔고, 포스트모더니즘 이후의 미술사적 경향과 연결 지어 본인의 작업을 설명하였다. 작품 제작 과정에서 강박적 심리를 유연하게 표현했다고 서술하였는데, 유연한 이미지는 유동성과 변화를 상징하여 억압하는 강박증과 상반되는 대조를 통해 강박증의 본질을 더욱 명확하게 드러내고자 함을 밝혔다. 채색에 있어서, 저채도의 청색조 채색 방식을 사용하여 본인의 심리 효과적으로 표현한 것과, 연구자의 유화 작업에서 높은 비율의 페인팅 오일을 사용하여 투명한 색채를 표현하는 방법론을 서술하였다. 클로드 모네(Claude Monet, 1840-1929)와 윌리엄 터너(Joseph Mallord William Turner, 1775~1851)의 작업을 통해 개인의 경험과 감정을 부여하는 채색을 설명하였다. 본인의 작품 제목 <푸른 플래시 속에 떠오르는 건>은 벤야민의 철학적 개념을 통해 연구자의 경험과 지각을 포착하는 의미를 밝혔다. 질 들뢰즈의 ‘계획된 우연’ 개념과 연관 지어 회화적이며 우연적인 효과를 논하였고, 메를로퐁티의 현존의 운동과 신체로 경험한 주관적인 작업 경험을 반영하였다. 결론적으로, 본 연구는 성과주의 사회에서 예술적, 철학적 탐구를 통해 심리적 압박과 주체성 상실의 문제를 해결하고자 하였으며, 이를 통해 현대인의 심리적 갈등과 회복을 탐구하였다. 연구자의 작업을 기반으로 성과주의 사회에서 주체성을 회복하는 방안을 제시하고자 한다.

청소년의 정서인식 및 표현을 위한 색채 중심 미술치료교육 프로그램 개발 및 효과 검증

이경원 홍익대학교 대학원 2015 국내박사

Education is an activity for human growth. The concept of growth includes emotional aspects, but the adolescents of society are undergoing stress from studies and experiencing conflict from and worry about careers within a competitive system. The purpose of this study was to develop a color-based art therapy education program which may be applied in terms of emotional education in a school environment for adolescents who are going through difficult times due to the complexities of rapid physical growth, psychological and internal changes, and worries about study and career. The therapy would be applied to help the adolescents lead more healthy mental lives and to verify which specific effects this program has on emotional identity and expression, and emotional regulation. Before developing this program, the author analyzed previous studies relating to emotions in the area of art therapy and education and attempted to derive therapeutic factors associated with emotional identity and expression. According to the analysis, previous studies applied group work and art media based on diverse theoretical backgrounds. Later work involved a literature survey for an art therapy theory; it applied classes in a school environment and unit hours to accommodate all the members of a class and a theory to apply media which would produce effects on emotional identity and expression. Among multiple art therapy theories, group analytic art therapy, which emerged in the 1980s, best corresponded to the goal of emotional identity and expression in its aspect of promoting communications with a clear, proper session structure that was appropriate in dealing with the 30 members of the class and in dealing with the horizontal relationships among the members. Moreover, anthroposophie art therapy, which is based on Steiner’s art of education and which emerged in the 1960s, corresponded with the goal of creating emotional identity and expression in its aspect of therapeutically utilizing picture work employing diverse colors. This study presented the process of embodying a color-based art therapy education program with seven steps, where group analytic art therapy and anthroposophie art therapy were combined. In order to verify the effects of this color-based art therapy education program, an experimental group, a comparison group, and a control group were composed, and pre-tests and post-tests were conducted. The change process for each class time was qualitatively analyzed in order to complement the disadvantages of the pre- and post-experimental designs of quantitative research. For picture analysis, scale 1, the degree of color utilization with Formal Elements Art Therapy Scale was applied. The program developed in this study encouraged the participation of adolescents in diverse ways, induced their interest and attention, and prompted their active participation, unlike in existing education. This participation centered on techniques of expression using operational methods such as having appreciation of a famous painting/photo as an introduction, using picture work for free expression, and chatting in groups, utilizing picture tools such as watercolors and pastels and through individual/group collaborative work. In order to measure the effectiveness of the program, it was applied for 12 sessions, once per week for 45 minutes, to the juniors of a middle school located in the metropolitan area, using creative experiential learning hours. Analysis of covariance was conducted for the experimental results from the comparison and control groups. The results of this study are summarized as follows. 1. According to the analysis of the effects of the color-based art therapy education program on adolescents’ difficulties with emotional identity and expression, this program was found to improve upon the adolescents’ lack of emotional identity and expression. More specifically, the experimental group’s lack of emotional identity and expression was significantly ameliorated compared to that of the control group. This suggests that the lack of emotional identity and expression needs to be dealt with in the dimension of education for the formation of healthy personalities in the school environment; emotional identity and expression abilities are directly related to adolescents’ behavioral problems as well as to their degree of satisfaction with their lives and to psychological and internal problems such as depression and anxiety. 2. According to the analysis of the effects of the education program for color-based art therapy on the disability of emotional expression in relation to difficulties with adolescents’ emotional identity and expression, this program was found to produce some improvement in the adolescents’ emotional expression disability. More specifically, the experimental group’s emotional expression disability significantly decreased compared to the comparison and the control groups. The experimental group, comparison group, and control group that participated in this study had a moderate emotional expression disability whose score was an average of 46 points or higher and there was great difference among students and therefore it will be meaningful in conversion of perception that intervention with adolescents’ emotional expression is necessary in order to prevent future diseases and promote emotional life. 3. According to the analysis of the effects of an educational program for art therapy on adolescents’ emotional control ability, this program was found to enhance it. However, according to the analysis of specific changes among the groups during the post-verification, adolescents who participated in the program did not significantly differ from the comparison group. This group took part in an ordinary school counseling program in the same environment as that of the experimental group, but it saw significant improvement without any intervention, compared to the control group. The author expects a color-based art therapy education program for adolescents’ emotional identity and expression to be included in school curriculums as a part of art curricular activities and as an activity for arbitrary learning hours. 교육은 인간의 성장에 관한 활동이다. 성장의 개념은 정서적 측면을 포함하지만 우리 사회의 청소년들은 경쟁적인 체계 안에서 학업 스트레스와 진로에 대한 갈등과 고민을 겪으면서 불안정한 시기를 보내고 있다. 본 연구의 목적은 급격한 신체 성장과 심리내적인 변화가 이뤄지고 학업 및 진로에 대한 고민이 복합적으로 작용하여 힘든 시기를 보내고 있는 청소년들이 보다 건강한 정서생활을 영위하기 위해 학교 환경에서 정서교육의 차원으로 적용 가능한 색채 중심 미술치료교육 프로그램을 개발하고 이것이 정서인식 및 표현능력과 정서조절능력에 어떠한 구체적인 효과를 보이는지를 검증하는 것이다. 본 프로그램을 개발하기에 앞서 미술치료 및 미술교육 분야의 정서관련 선행연구를 분석하고 정서인식과 표현을 가져 오는 치료적 요인들을 도출하고자 하였다. 분석의 결과, 선행연구들은 집단 작업과 미술매체를 다양한 이론적 배경을 근거로 적용하고 있었다. 이후 작업에서는 학교 환경의 수업을 단위시간으로 적용가능하며 한 학급의 이질적인 인원을 모두 수용하고 정서인식 및 표현의 효과를 가져 오는 매체를 적용하기 위한 이론을 마련하고자 문헌조사를 진행하였다. 여러 미술치료 이론 가운데 McNeilly에 의해 1980년대 이후 등장한 집단분석적 미술치료는 30명가량의 다양한 특성을 가진 구성원에게 적용되어지고 명확한 회기의 구조와 구성원 간 횡적인 관계로서 의사소통을 촉진하는 면이 학급단위 학생들을 대상으로 한 정서인식 및 표현의 개선이란 목표에 부합하였다. 그리고 Steiner의 교육예술론을 바탕으로 1960년대 이후 등장한 인지학적 미술치료는 원활한 정서흐름을 위해 다양한 색채를 사용하는 그림 작업을 치료적으로 활용하는 면이 정서인식 및 표현의 개선이란 목표에 부합하였다. 본 연구에서는 집단분석적 미술치료과 인지학적 미술치료가 결합된 색채 중심 미술치료교육 프로그램을 구현하는 과정을 7단계로 나누어 제시하였다. 그리고 색채 중심 미술치료교육 프로그램의 효과를 검증하기 위해 실험집단과 비교집단, 통제집단을 구성하고 사전, 사후 검사를 진행하였다. 그리고 정량적 연구의 사전, 사후 실험설계가 가진 단점을 보완하고자 정성적 분석으로서 차시별 변화과정을 분석하였다. 그림분석은 형식적 요소 미술치료 척도의 색 사용 정도를 적용하였다. 본 연구에서 개발되어진 프로그램은 도입부의 명화/사진 감상-자유표현의 그림 작업-이야기 나누기로 구성된 운영방식과 모둠별 자리배치 및 수채화물감, 파스텔 등 그림 재료를 이용한 개별/모둠별 협동 작업을 통해 기존의 표현기법 중심의 미술교육과 달리 다양한 형태로 청소년의 참여를 활성화함으로써 그들의 관심과 흥미를 유발하고 적극적인 참여를 이끌어내었다. 프로그램의 효과성을 측정하기 위해 수도권의 한 중학교의 2학년을 대상으로 창의적 체험학습 시간을 이용하여 총 12회기의 프로그램을 주 1회, 45분간 진행하였다. 실험, 비교 및 통제집단의 실험 결과는 공변량 분석(ANCOVA)을 실시하였다. 본 연구에서 얻은 결과를 요약하면 다음과 같다. 1. 색채 중심 미술치료교육 프로그램이 청소년의 정서인식 및 표현의 어려움에 미치는 효과를 분석한 결과, 본 프로그램이 청소년의 정서인식과 표현 부족 수준을 개선하는 효과가 있는 것으로 나타났다. 구체적으로 실험집단은 비교, 통제집단에 비해 정서인식과 표현 부족 수준이 유의하게 향상되었으며, 이는 정서인식 및 표현능력이 중학생 삶의 만족도와 우울, 불안 등 심리 내적인 문제뿐 아니라 행동문제와도 직접적으로 사관이 있는 만큼, 학교 환경에서 건강한 인성형성을 위한 교육의 차원에서 다룰 필요가 있음을 시사해준다. 2. 색채 중심 미술치료교육 프로그램이 청소년의 정서인식 및 표현의 어려움과 관련하여 감정표현불능 수준에 미치는 효과를 분석한 결과, 본 프로그램은 청소년의 감정표현불능 수준을 개선하는 효과가 있는 것으로 나타났다. 구체적으로 실험집단은 비교 및 통제집단에 비해 감정표현불능 수준이 유의하게 감소하였다. 이는 본 연구에 참여한 실험집단과 비교집단, 통제집단의 청소년들은 평균 46점 이상의 중간 수준의 감정표현불능 현상을 보였고, 학생에 따라 큰 편차가 있으므로 미래의 질병을 예방하고 정서생활을 도모하는 차원에서 청소년의 감정표현불능 현상에 대한 개입이 필요하다는 인식을 전환시킨 점에서 의의가 있을 것이다. 3. 미술치료교육 프로그램이 청소년의 정서조절능력에 미치는 효과를 분석한 결과, 본 프로그램이 청소년의 정서조절능력을 향상시키는 것으로 나타났다. 그러나 사후검증을 통해 집단 간 구체적인 변화를 분석한 결과, 프로그램에 참여한 청소년의 경우 실험집단과 동일한 환경을 제공한 조건에서 일반적인 학교상담 프로그램에 참여한 비교집단과는 유의미한 차이를 보이지 않았으며 아무런 처치를 하지 않은 통제집단에 비해 유의하게 향상되었음을 알 수 있었다. 청소년을 정서인식 및 표현을 위한 색채중심 미술치료교육 프로그램이 미술 교과 활동의 한 부분으로서 또 재량 학습시간의 활동으로서 학교 교육과정에 편성되어 활용되기를 기대한다.

한국 정체성의 원형과 뉴스룸세트의 상징성 관계 연구

이지원 홍익대학교 산업미술대학원 2006 국내석사

서구의 감각적이고, 외형적인 디자인의 일방적인 경향과 이 시대의 세계화라는 획일적인 양상에 치우쳐 한국의 정체성이 느껴지는 디자인이 상대적으로 부족해 보이는 현상을 보이고 있다. 본 연구는 현재 우리만의 디자인 경쟁력을 확보할 수 있는 방법에 대한 해결구조를 찾아가는 논리가 부족하다는 전제 하에 우리 정체성의 원형이 어떻게 이루어졌는지, 이러한 원형적 근거가 어떠한 물리적 관계를 통해 방송 뉴스룸 공간의 세트 안에서 표현되어질 수 있으며, 이를 TV화면으로 바라보는 시청자의 감성을 어떻게 움직일 수 있는지에 대한 고민에서 출발 한다. 공간디자인 이라는 것 자체가 고착화되어 존재만 하고 있는 것이 아니라 스스로 그 시대와 문화에 변화하여 진화 하는 것이라는 가정 하에 서구 디자인과는 다른 우리만의 빛깔이 느껴지는 공간 이미지를 찾아가는 과정을 TV방송국의 뉴스룸 공간을 선정하여 전개 하기로 한다. 본 논문에서는 한의 원형적 요소의 발견과 현재 시점까지 이어지고 있는 긍정적 생성적인 요소의 테두리 안에서 각각의 상징성에 대입되는 의미의 가치 재발견에 중점을 둔다. 즉, 전통성의 원형 보존이라는 제한적 연구가 아닌 원형에서 출발한 문화소들에 대한 공통분모를 찾아서 현대의 공간디자인 특히 뉴스룸 세트의 공간디자인에 대한 이미지적 접근(공간의 상징적, 개념적 측면의 Imaginative Approach)에 적용 한다. 이러한 연구 결과를 통해 공간디자인 작업과 관련된 한국 정체성을 판단하는 원형적 기준을 세움으로써 한국적인 디자인을 재발견 하는 작업에 착수할 수 있는 기회가 되기를 기대한다.

인터넷 밈의 유무가 광고의 스토리텔링 구성요소에 따라 브랜드 이미지와 구매의도에 미치는 영향 - 국내 동종업계 영상광고의 비교를 중심으로 -

권익환 홍익대학교 2021 국내석사

It was traditional advertising media, including TVs, newspapers, and magazines, that led the trend just five years ago. However, following the rapid growth of the digital industry backed by technological advancements, Internet platforms such as YouTube and other communities began to have a strong influence. Responding to industry trends, the advertising industry is making active use of digital as a new advertising platform. Communication, a core feature of the digital platforms, contributed to a shift from the old one-directional delivery of information to the bidirectional delivery of information. Taking advantage of this, the MZ generation has gradually created their own content and led trends. The MZ generation communicates with each other on SNS and other communities and willingly participates in play according to their interest. Corporations are developing marketing strategically according to the characteristics of the MZ generation, and Internet memes are at the center of their marketing. Internet memes are trendy images, videos, and vogue words on the Internet that are mimicked through secondary sharing or reproduction in a new way. This study set out to compare video ads using Internet memes and those using no memes in the current digital market and investigated the effects of Internet memes on video ads. For these purposes, the investigator first selected variables for theories and data needed in the study by reviewing previous papers and books and establishing a research foundation for secondary research based on them. Then quantitative analysis was conducted to examine correlations and influences among the variables to test the validity of the investigator's hypotheses. In the study, four components (relevance, clarity, fun, and unexpectedness) of storytelling, which make the framework of efficient video ads, were used as parameters. Video ads of brands in the same business were compared to ensure fairness of the analysis results and eventually to investigate whether Internet memes had positive effects on the brand images of corporations and what kind of effect they had on the actual purchase intention of consumers. The analysis results of statistical data were as follows: first, consumers had greater perceptions of fun and unexpectedness, two subfactors of storytelling, in ads using an Internet meme and common ads. These findings suggest that Internet memes used in the advertising industry and corporate marketing where competition is increasingly fiercer can be effective for differentiation from other companies, brands, and advertisements as well as the creation of brand likeability and intimacy based on fun and unexpectedness. Secondly, the study tested the effects of the storytelling components in an ad on brand image and found that all four subfactors had positive effects on brand image. Finally, brand image had high impacts on purchase intention. That is, when brand image is enhanced with Internet memes that can generate effects across various characteristics, including fun and unexpectedness, they can have positive effects such as increased selectivity of products or services and improved value of brands. The present study aimed to investigate the effects of the MZ generation culture consumed secondarily through ads on the brand images of corporations and purchase intention of consumers at a point when the main content of advertising is changing at an unprecedented rate. Based on these analysis results, the study provided meaningful theoretical and practical implications to designers and marketers in the advertising industry. Keywords : Internet meme, Storytelling Ad, MZ generation, Meme marketing, Brand image, Purchase intention, Video ad 불과 5년 전만 해도, 유행을 주도하는 것은 TV나 신문, 잡지 등의 전통적인 광고 매체였다. 하지만 기술의 발전으로 디지털 산업이 빠르게 성장함에 따라 유튜브, 커뮤니티 등의 인터넷 플랫폼에 대한 영향력이 강해지기 시작했고 결국 광고업계 또한 산업 트렌드에 발맞추어 새로운 광고 플랫폼으로써 디지털을 적극적으로 활용하고 있다. 하지만 디지털 플랫폼이 가지고 있는 핵심적인 특징인 '소통'은 기존 한 방향이던 정보의 전달 방향을 쌍방향으로 바꾸는 데 기여하였고 이를 활용한 MZ세대들은 점차 자신들만의 콘텐츠를 만들어가며 유행을 주도하였다. 그들은 SNS와 커뮤니티에서 서로 소통하며 흥미를 따라 기꺼이 놀이에 참여한다. 이러한 MZ세대들의 특성에 맞춰 기업들은 전략적으로 마케팅을 전개해 나가고 있는데, 그 중심엔 ‘인터넷 밈(Meme)’이 있다. 인터넷 밈은 인터넷상에서 유행하는 이미지, 영상, 유행어 등을 2차로 공유하거나 또는 새로운 방식으로 재생산하여 따라 하는 행위를 말한다. 본 논문은 현재 디지털 시장에서 인터넷 밈을 사용한 영상광고와 밈을 사용하지 않은 영상광고에 대한 비교를 통해 인터넷 밈이 영상광고에 어떠한 영향을 주는지 파악하는 연구이다. 본 연구를 수행하기 위해 먼저 선행논문과 단행본 고찰을 통해 연구에 필요한 이론들과 자료 조사를 위한 변수들을 선정하고, 이를 기반한 2차 자료조사를 통해 연구의 토대를 마련하였다. 나아가 정량 분석을 통해 변수 간의 상관관계를 도출하고 각 변수들과의 영향력을 도출하여 본 연구자가 짐작했던 가설들의 타당성 여부를 검증하고자 하였다. 특히 본 연구에서는 효율적인 영상광고의 뼈대를 형성하는 스토리텔링의 4가지 구성요소(관련성, 명확성, 재미성, 의외성)를 매개변수로 활용하였으며 분석 결과의 공정성을 위해 동종업계 브랜드의 영상 광고를 비교 대상으로 설정하였다. 이를 통해 최종적으로 인터넷 밈이 기업의 브랜드 이미지에는 긍정적인 영향을 미치는지 나아가 실제 구매의도에도 어떠한 영향을 미치는지를 알아보았다. 통계자료를 분석한 결과. 첫째, 소비자들은 일반광고보다 인터넷 밈을 활용한 광고의 경우에 스토리텔링 구성요소의 하위요인인 재미성과 의외성을 더 높게 지각하는 것으로 나타났다. 따라서 점차 경쟁이 심화되고 있는 광고계와 기업의 마케팅에서 이러한 인터넷 밈의 활용은 타 기업 및 브랜드, 광고와의 차별화 및 재미성과 의외성을 통한 브랜드 호감도와 친밀도 형성에 효과적일 수 있다고 볼 수 있다. 둘째, 광고의 스토리텔링 구성요소가 브랜드 이미지에 미치는 영향을 검증한 결과, 스토리텔링 구성요소의 4가지 하위요인 모두 브랜드 이미지에 정(+)의 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 셋째, 브랜드 이미지는 구매의도에 높은 영향을 미치는 것으로 나타났다. 즉, 재미성과 의외성 등 다양한 특성에서 효과를 발휘할 수 있는 인터넷 밈을 활용한 브랜드 이미지 제고는 제품이나 서비스의 선택성과 브랜드 가치의 향상 등 긍정적 효과를 발휘할 수 있을 것으로 사료된다. 본 연구는 광고의 메인 콘텐츠가 유례없는 속도로 시시각각 변화하는 현시점에서 광고를 통해 2차 소비되는 MZ세대들의 문화가 전체 소비자들이 가지고 있던 기업의 브랜드 이미지와 제품의 구매의도에 어떠한 영향을 끼치는지 알아보는 것을 목적으로 한다. 또한 이러한 분석을 통해 광고업계의 디자이너와 마케터들에게 의미 있는 이론적, 실무적 시사점을 제공하고자 한다. 주제어 : 인터넷 밈, 스토리텔링 광고, MZ세대, 밈 마케팅, 브랜드 이미지, 구매의도, 영상 광고

Alq3를 이용한 다층 구조의 ELD 특성 연구

채수길 홍익대학교 대학원 1997 국내석사

홍익대학교 인문사회관에 나타난 김중업 건축의 특성 연구 : 구조의 형식 및 표현 방법을 중심으로

서수빈 홍익대학교 대학원 2025 국내석사

1960년대는 김중업 건축세계에 있어 '르 꼬르뷔지에'의 건축으로부터 벗어난 시기로, 특히 1960년대 후반은 전반의 과감하고 감성적인 시도들과 달리 보다 절제되어 보편화된 어휘로 당시 막 개발되기 시작한 서울 곳곳에 흔적을 남겼다. 이 중 1967년 설계된 홍익대학교 인문사회관은 특징적인 조형성을 보이고 있음에도 불구하고 이 작품을 다룬 연구는 전무하다. 한편 홍익대학교 인문사회관과 상당히 유사한 조형성을 보이는 작품으로 1966년에 진행된 연세대학교 가정대 계획안이 있으나 이 또한 어떠한 연구도 진행되지 않았다. 이에 본 연구는 홍익대학교 인문사회관에 대한 분석을 통해 김중업의 설계 의도와 표현을 파악하고 김중업 설계 영역과 증축 영역을 명확히 하고, 연세대학교 가정대 계획안에서도 볼 수 있는 인문관의 특징에 대한 고찰을 통해 이에 담긴 김중업의 건축적 특성과 의의와 한계를 알아보고자 한다. 이에 본 연구에서는 홍익대학교 인문사회관의 설계부터 증축과 현황까지 자료를 목록화하고, 분석을 통해 알 수 있는 특징과 설계 의도를 파악한다. 또한, 연세대학교 가정대 계획안의 스케치, 도면, 모형 사진을 분석하여 홍익대학교 인문사회관과 공통적으로 보이는 특징들을 알아내고, 이를 통해 두 작품의 연관성과 김중업의 건축적 특성이 어떻게 드러나는지를 고찰하였다. 그 결과 홍익대학교 인문사회관은 연세대학교 가정대 계획안의 연장선에 있으며, 사실상 하나의 프로젝트임을 알 수 있었다. 또한 김중업은 구조 체계를 명확히 드러냄으로써 구조미를 추구하는 구축성의 표현을 종종 사용해 왔는데, 이전에는 구조체를 외부로 노출하거나 재료의 차이를 주는 것에서 더 나아가 1960년대 후반의 김중업은 구조체 내부의 구축 요소들 사이의 연결 관계를 명확히 드러내는 방식으로 발전하였다. 마지막으로 두 프로젝트에서 보이는 노출 기둥과 슬래브의 관계가 르코르뷔지에의 '돔-이노' 보다 미스의 판스워스 하우스 주택에 가까우며, 이 시기의 김중업에게 미스의 건축으로의 경향성을 갖고 있음을 알아내었다. 이에 본 논문은 이전에 연구되지 않았던 홍익대학교 인문관에 관한 선행 연구를 제공하며, 잊혔던 연세대 가정대 계획안의 스케치를 발굴하였으며, 1960년대와 그 이전의 김중업의 구축성 표현의 특징을 구분하였다. 또한 본 연구는 삼일빌딩 이전의 김중업 건축 연구에서 미스와의 연관성을 조명함으로써, 후속 연구의 기초 자료를 제공하며 현대 건축사 연구에 이바지할 수 있다. The 1960s marked a period when Kim Chungup moved away from the architectural influence of Le Corbusier. Especially during the latter half of the 1960s, Kim's work shifted from bold and emotional expressions to more restrained and standardized architectural vocabularies, leaving traces across the newly developing areas of Seoul. Among these, the Humanities & Social Science Hall at Hongik University, designed in 1967, displays distinctive formal characteristics, yet no research has been conducted on this work. Similarly, the 1966 College of Home Economics Building Project at Yonsei University, which exhibits a strikingly similar form, has also remained unstudied. Thus, this study aims to analyze the Humanities & Social Science Hall at Hongik University to understand Kim Chungup's design intent and expressions, clarify the boundaries between Kim's original design and later additions, and explore the architectural characteristics, significance, and limitations of Kim's work by examining the similarities observed in the College of Home Economics Building Project. This research analyzes the design stages of the Humanities & Social Science Hall by studying drawings and sketches to identify the design intentions and characteristics. Additionally, sketches, drawings, and model photographs of the College of Home Economics Building Project are analyzed to uncover shared features between the two projects. Through this comparison, the study examines the relationship between the two works and how Kim's architectural characteristics are revealed. The analysis shows that the Humanities & Social Science Hall at Hongik University is an extension of the College of Home Economics Building Project at Yonsei University, suggesting that they were essentially a single project. Kim Chungup, who often employed tectonic expressions by exposing structural systems to emphasize structural aesthetics, further developed this approach in the late 1960s. In earlier works, he tended to expose the structural framework or use material contrasts, but by the late 1960s, he began to clearly articulate the connections between the structural elements within the framework. Lastly, the relationship between exposed columns and slabs in both projects was found to be closer to Mies van der Rohe's Farnsworth House than Le Corbusier's 'Dom-Ino' system, revealing that Kim Chungup in the late 1960s showed an inclination towards Miesian architecture. This study provides pioneering research on the previously unexamined Humanities & Social Science Hall at Hongik University and uncovers the forgotten sketches of the College of Home Economics Building Project at Yonsei University. Furthermore, it distinguishes the tectonic characteristics of Kim's work from the 1960s and earlier. By highlighting the connection between Kim Chungup's pre-Samil Building projects and Mies van der Rohe's architectural approach, this paper offers new perspectives for future research on Kim's architecture and contributes to the study of modern architectural history. The 1960s marked a period when Kim Chungup moved away from the architectural influence of Le Corbusier. Especially during the latter half of the 1960s, Kim's work shifted from bold and emotional expressions to more restrained and standardized architectural vocabularies, leaving traces across the newly developing areas of Seoul. Among these, the Humanities & Social Science Hall at Hongik University, designed in 1967, displays distinctive formal characteristics, yet no research has been conducted on this work. Similarly, the 1966 College of Home Economics Building Project at Yonsei University, which exhibits a strikingly similar form, has also remained unstudied. Thus, this study aims to analyze the Humanities & Social Science Hall at Hongik University to understand Kim Chungup's design intent and expressions, clarify the boundaries between Kim's original design and later additions, and explore the architectural characteristics, significance, and limitations of Kim's work by examining the similarities observed in the College of Home Economics Building Project. This research analyzes the design stages of the Humanities & Social Science Hall by studying drawings and sketches to identify the design intentions and characteristics. Additionally, sketches, drawings, and model photographs of the College of Home Economics Building Project are analyzed to uncover shared features between the two projects. Through this comparison, the study examines the relationship between the two works and how Kim's architectural characteristics are revealed. The analysis shows that the Humanities & Social Science Hall at Hongik University is an extension of the College of Home Economics Building Project at Yonsei University, suggesting that they were essentially a single project. Kim Chungup, who often employed tectonic expressions by exposing structural systems to emphasize structural aesthetics, further developed this approach in the late 1960s. In earlier works, he tended to expose the structural framework or use material contrasts, but by the late 1960s, he began to clearly articulate the connections between the structural elements within the framework. Lastly, the relationship between exposed columns and slabs in both projects was found to be closer to Mies van der Rohe's Farnsworth House than Le Corbusier's 'Dom-Ino' system, revealing that Kim Chungup in the late 1960s showed an inclination towards Miesian architecture. This study provides pioneering research on the previously unexamined Humanities & Social Science Hall at Hongik University and uncovers the forgotten sketches of the College of Home Economics Building Project at Yonsei University. Furthermore, it distinguishes the tectonic characteristics of Kim's work from the 1960s and earlier. By highlighting the connection between Kim Chungup's pre-Samil Building projects and Mies van der Rohe's architectural approach, this paper offers new perspectives for future research on Kim's architecture and contributes to the study of modern architectural history.

1950-1970년대 한국 현대도예 연구

이소현 홍익대학교 대학원 2023 국내박사

본 연구는 1950년대부터 1970년대까지 한국 현대도예를 분석한다. 초기 한국 현대도예는 전통도예로부터 벗어나면서 시작되었다. 형태적으로는 전통도자의 전형을 따랐으나, 기면 위 유약의 발색과 요변에 따른 작가의 개인적 표현을 가미해 현대적 조형미를 구현하였다. 이러한 양상은 해방 이후부터 나타나는 문화적 주체성의 회복과 국가재건을 위한 서구 선진문화 수용을 발판으로 현대화를 꾀하려는 움직임에서 비롯되었다. 서양의 현대 조형의식을 추구하는 서구중심주의적 미감은 한국의 전통미술을 동양의 후진성으로 인식시켰으며, 전통미술과 전통공예는 오리엔탈리즘적 시각에서 관심의 대상이 되었다. 한편, 민족주의적 정체성을 강조하는 입장은 무조건적인 서구개념의 추종을 비판하며 전통미술의 계승을 고수하였다. 한국 현대도예는 문화적 주체성과 선진문화 수용이라는 이중구속을 탈피하여 두 입장의 융합을 꾀하여 ‘전통의 현대화’를 모색하였다. 이러한 한국 현대도예 초기의 목표는 1950-1970년대까지 전통도예의 형태와 기면의 회화적 표현으로 실천되었다. 본 연구는 현대와 전통, 미술과 상품의 경계에 놓인 1950년대부터 1970년대 한국 현대도예의 한계를 당대 특징으로 규정하고, 한국 전통도예와 현대미술의 조화를 꾀한 종합예술(Gesamtkunstwerk)로 분석한다. 도자기면의 새로운 표현은 반복적 재현을 탈피하려는 시도이자 도자라는 범주의 한계를 극복하려는 의도에서 비롯되었다. 한국 현대도예는 용어의 개념도 정립되지 않았던 시기에 국립박물관의 초대관장 김재원(金載元, 1909~1990)과 한국조형문화연구소 연구진, 그리고 비평가를 주축으로 시작되었다. 한국조형문화연구소는 전후 한국미술의 국제무대 진출을 꾀하여 국가재건에 이바지함과 동시에 한국의 문화적 중심으로 거듭나기 위한 목적에서 설립되었으며, 최순우(崔淳雨, 1916~1984)와 정규(鄭圭, 1923-1971) 그리고 유강열(劉康烈, 1920~1976)은 한국공예의 새로운 지형을 구축하면서 도자예술 분야의 현대화를 모색했다. 이들은 비평가 이경성(李慶成, 1919~2009)과 서울대학교 김원룡(金元龍, 1922-1993) 교수와 함께 전통공예와 현대미술의 융합을 꾀하는 현대도예관을 공유하였다. 1세대 한국 현대도예가들은 로체스터대학(Rochester Institute of Technology), 클리블랜드미술대학(Cleveland Institute of Art), 그리고 알프레드요업대학 대학원(New York State College of Ceramics at Alfred University)에서 유학하면서 미국 모더니스트도예(American Modernist Ceramics) 작가로 꼽히는 프란스 빌덴하인(Frans Wildenhain, 1905-1980), 테오도어 랜달(T. Randall, 1914-1985), 다니엘 로즈(Daniel Rhodes, 1911-1989) 등의 지도를 받았다. 미국 모더니스트도예는 상업적이면서 동시에 미술도예를 지향하는 것이 특징인데, 이들은 대부분 바우하우스 출신이거나 그들로부터 교육을 받았다. 미술과 공예의 융합을 꾀하는 이들의 국내 영향은 정규와 권순형(權純亨, 1929-2017), 김영주(金永周, 1920~1995), 그리고 2세대 한국 현대도예가인 신상호(申相浩, 1947- )등이 제작한 도자벽화를 비롯하여 기면의 추상적 표현이 구현된 작품 등에서 찾을 수 있다. 미술로 매체의 확장을 꾀하는 도자의 기면은 캔버스를 대체하면서 한국 추상화단과 결을 함께한다. 1950년대부터 1970년대에 이르기까지 원대정(權純亨, 1920~2007), 정규, 권순형, 김익영(金益寧, 1935-) 등은 단순 재현을 벗어나 백자를 재해석하거나, 분청의 귀얄문과 추상화된 문자를 구현하여 한국의 민족적 정체성과 서구 조형개념의 융합이라는 특징을 보인다. 이러한 양상은 1950년대 중반부터 흙의 성질을 탐구하는 양상이 나타나기 이전인 1970년대까지의 한국현대도예를 이끌었다. 본 논문은 객관적 자료 증빙을 위하여 국립현대미술관, 한국공예디자인문화진흥원, 아르코예술기록원, 홍익대학교 도예연구소에 수집된 현대도예 전시도록 문헌을 발굴하여 참조하였다. 초기 현대도예 작가들의 구술채록을 위해 정담순, 신상호 작가를 인터뷰하였으며, 홍익대학교 도예유리과 우관호(禹寬壕, 1960-) 교수에게 초기 한국 현대도예 형성과정에 대해 자문을 구하였다. 더불어 현대도예사 연구에 초석을 다진 故임무근(林茂根, 1941~2022) 교수를 비롯하여 원대정, 조정현의 영상기록을 한국도자재단으로부터 제공받아 분석하였다. 한국 현대도예 비평적 담론이 부재한 관계로 1950년대 한국 현대도예 연구의 공백을 메우고, 현대미술 비평가의 시각에서 평가된 한국 현대도예 특징을 분석하고자 당대 신문에 기고된 현대도예 비평문과 전시평을 활용하였다. 본고에서는 록펠러재단 아카이브에 수집되어 있는 정규의 유학기록을 최초로 공개하는데, 한국 현대도예 초기 정체성 구축에 많은 기여를 한 그의 기록은 미국과 한국의 현대도예 영향관계를 밝히는 데 중요한 자료가 될 것이다. 또한, 부록으로 수록된 연표는 당대 도예계 흐름을 객관적 자료에 근거하여 작성하였으며, 이는 전후 한국 현대도예사 연구에 도움이 될 것으로 기대한다. This study analyzes Korean modern ceramics from the 1950s to the 1970s. Korean modern ceramics began to emerge when it started reflecting modern aesthetic forms on the surface of ceramics, breaking away from the reproduction of traditional ceramics. After the Korean War, there was a widespread effort in Korean society to recover national reconstruction and cultural identity, as well as to pursue modernization by embracing Western advanced cultures. Under such influences Korean Modern Art in the 1950s unfolded in a tense framework that aimed to adopt Western aesthetic concepts and recover national identity. The Western-Centrism consciousness positioned traditional Korean art as something to overcome by highlighting its perceived backwardness in comparison to the Western. It triggered interest from the perspective of orientalists in traditional arts and crafts. On the other hand, The stance emphasizing nationalist identity criticized unconditional adherence to Western concepts and insisted on inheriting traditional art. Korean ceramics attempted to merge contrasting concepts within the dual constraints of tradition and modernization. The formal characteristics of Korean modern ceramics from the 1950s to the 1970s can be summarized as a fusion of the form of traditional ceramics and abstract expression on the surface. This study defines the limits of Korean modern ceramics from the 1950s to the 1970s, which were placed at the boundary of modernity and tradition, and art and commodities, as the characteristics of the times, and analyzes them as a comprehensive art (Gesamtkunstwerk) that sought a harmony of Korean traditional ceramics and modern art. The new expression on the ceramic surface was an attempt to escape the limits of dual constraints, which developed through various glazes and technical advancements acquired by the first-generation Korean modern ceramists based on their study abroad in the United States, and through exchanges with the modern art world. With the concept of "modern pottery" not even established, Kim Jae-won (1909~1990), the first director of the National Museum, researchers at the Korea Institute of Art, and critics set the identity of modern ceramics in Korea. It is the starting point of modern Korean ceramics. The Korean Fine Arts Institute was established as part of a project to contribute to national reconstruction and to re-emerge as a cultural center of Korea by striving for the international debut of post-war Korean art. Choi Soon Woo (1916-1984), Jung Kyu (1923-1971), and Yu Kang Yeol (1920-1976) sought to modernize the field of ceramic art while mapping of Korean modern crafts. They shared a modern ceramic view based on the Bauhaus, which sought to combine traditional crafts and modern art, together with critic Lee Kyung Sung (1919-2009) and Professor Kim Won Ryong (1922-1993) of Seoul National University. The new identity of Korean modern ceramics established by them was fully developed based on the study abroad in the United States by the first-generation Korean modern ceramists. They received guidance from artists regarded as American Modernist Ceramics while studying at Rochester Institute of Technology, Cleveland Institute of Art, and New York State College of Ceramics at Alfred University, including Frans Wildenhain (1905-1980), T. Randall (1914-1985), Daniel Rhodes (1911-1989). American Modernist Ceramics is characterized by being commercial while aiming for art ceramics. At the time of the Korean artists' study in the United States, the professors of the ceramics department were either Bauhaus graduates or educated by them, and this influence can be found in ceramic murals produced by Jung Kyu, Kwon Soon Hyung (1929-2017), Kim Young Joo (1920-1995), and Shin Sang Ho (1947- ), a second-generation Korean modern ceramist. The trend of expanding into a new medium of ceramic art is also applied to the ceramic surface that replaces the canvas and is connected through the influence relationship with the Korean Abstract Art Group of the time. After the Korean War, with the foreign aid project from the United States for national reconstruction and the support from U.S. private companies, Won Dae Jung (1920-2007), Jung Kyu, Kwon Soon Hyung, and Kim Ik Young (1935-) had the opportunity to study ceramics in the United States. They sought to maintain the form of traditional Korean ceramics while attempting various expressions on the surface. Their experimental works, which went beyond simple reproduction, showed characteristics of the fusion of Korean national identity and Western formal concepts, leading Korean modern ceramics from the mid-1950s to the 1970s before the trend of exploring the properties of clay emerged.

유대감 향상을 위한 참여형 대학 내부 브랜드 디자인 연구 : 홍익대학교 일반대학원 시각디자인 전공 중심으로

최승원 홍익대학교 대학원 2025 국내석사

Today, universities are increasingly expected to function not only as educational institutions but also as psychological and social communities in which members can form a sense of identity and emotional belonging. However, traditional university branding strategies have focused primarily on visual identity elements such as logos, official colors, and slogans, often failing to adequately reflect the emotions and lived experiences of members. In particular, the graduate school environment—centered on individualized work—tends to limit opportunities for shared community engagement and connection. This study, grounded in the belief that “a brand is not something given, but something created together,” explores the potential of emotion-based participatory communication design as a means to foster internal connectedness and collective identity within a university. To this end, a series of design experiments was conducted involving 50 graduate students in the Visual Communication Design program at Hongik University. These included a participatory logo workshop, a modular stamp-making experience, and interactive exhibition-based engagements. Participants created their own logos using handwritten typography, keywords, and shapes, which were then expanded into a customizable modular system. The project yielded three main outcomes. First, the participatory workbook archive served as a visual record of 50 unique logos and texts that reflected each student’s emotions and identity. Second, the modular logo stamp system was designed as a practical tool that encouraged repeated user engagement through free combination of visual elements. Third, the motion logo visualized the concept of a non-fixed brand identity by sequencing the dynamic transformation of diverse logo forms. The results demonstrate that participatory design, when grounded in users’ emotional experiences, can allow university branding to function not merely as a collection of visual elements but as a medium for emotional bonding and community building. This suggests that an internally driven, emotion-based branding strategy offers meaningful potential for redefining university communication design practices. 오늘날 대학은 단순한 교육 공간을 넘어 구성원이 정체성을 형성하고 정서적 귀속감을 느낄 수 있는 심리적, 사회적 공동체로서의 역할이 강조되고 있다. 그러나 기존 대학 브랜딩은 로고, 전용 색상, 슬로건 등 시각적 형식 요소에 주로 집중되어 있으며, 구성원의 감정이나 경험은 충분히 반영되지 못하고 있다. 특히 대학원은 개인 중심의 작업 환경으로 인해 공동체 감각 형성이 더욱 어려운 구조를 지니고 있다. 이러한 문제의식에서 출발한 본 연구는 ‘브랜드는 주어지는 것이 아니라 구성원이 함께 만들어가는 것’이라는 관점을 바탕으로, 감정 기반 참여형 커뮤니케이션 디자인을 통해 대학 내부의 유대감과 공동체 정체성 형성 가능성을 탐색하고자 하였다. 이를 위해 홍익대학교 일반대학원 시각디자인 전공 재학생 50명을 대상으로 한 참여형 로고 워크숍에서 시작해 모듈형 스탬프 체험, 전시 기반 상호작용 등 일련의 디자인 실험을 수행하였다. 참여자들은 손글씨, 키워드, 형태 요소를 활용해 자신만의 로고를 제작하였으며, 이 결과물은 커스터마이징 가능한 모듈형 시스템으로 확장되었다. 해당 디자인 실험의 주요 결과물은 세 가지로 구성된다. 첫째, 참여형 워크북 아카이브는 참여 학생들의 감정과 정체성이 반영된 50개의 로고와 텍스트를 수록한 시각 기록물이다. 둘째, 모듈형 로고 스탬프 시스템은 구성 요소의 자유로운 조합을 통해 사용자의 반복 참여를 유도하는 실천적 장치로 설계되었다. 셋째, 모션 로고 영상은 다양한 로고 형태가 유기적으로 변환되는 시퀀스를 통해 고정되지 않은 브랜드 정체성의 개념을 시각화하였다. 연구 결과, 구성원의 감정과 경험이 반영된 참여형 디자인은 대학 브랜드가 시각 요소의 집합을 넘어 정서적 유대와 공동체 소속감 형성의 매개로 기능할 수 있음을 실험적으로 제시하였다. 이는 참여 기반의 내부 브랜딩 전략이 향후 대학 커뮤니케이션 디자인의 새로운 방향성을 제시할 수 있는 실천적 가능성을 내포하고 있음을 시사한다.

홍익대학교 상징성을 활용한 향수 개발 연구 : 홍익대학교의 교화인 무궁화 향기를 중심으로

우진명 홍익대학교 패션대학원 2022 국내석사

도농지역 캠퍼스타운을 위한 컨테이너 거점시설 조성 연구 : 홍익대학교 세종캠퍼스를 중심으로

엄미란 홍익대학교 스마트도시과학경영대학원 2018 국내석사

조치원읍 신안1리 지역은 세종특별자치시의 행정구역으로 홍익대학교 캠퍼스와 인접해 있다. 최근 세종시 조치원읍의 도시재생사업인 청춘 조치원 프로젝트의 연장선에서 홍익대학교 세종캠퍼스와 고려대학교 세종캠퍼스 사이에 위치한 신안1리에 캠퍼스타운 조성이 논의되고 있다. 본 연구는 주민들과 학생들의 의견을 수렴하여 캠퍼스타운에 맞는 지역사회 교류의 장으로 컨테이너를 이용한 마을 거점시설을 조성하는 연구 방안을 제시한다. 마을이나 지역사회의 커뮤니티 시설을 구축할 때 가장 중요한 것이 주민들의 적극적인 협력과 참여다. 이에 본 연구에서는 학생들과 주민들을 대상으로 설문과 인터뷰 결과를 반영하여 거점시설의 위치와 용도를 선정하고 주민과 학생이 공유할 수 있도록 스마트한 컨테이너 거점시설 에 대한 연구방안을 제시한다. 신안1리 주민들 중 다수는 홍익대학교 세종캠퍼스 학생을 대상으로 원룸임대업이나 식당 등의 상업을 하고 있다. 학교 주변은 먹을거리나 유흥점이 거의 대부분인 문화적, 예술적으로 고립된 지역이라고 할 수 있다. 그러한 이유로 신안1리 지역은 학생들 대부분이 재학 중에만 잠시 머무는 곳이기도 하다. 본 연구의 설문과 인터뷰 결과를 보면, 신안1리는 인근 원룸에 거주하는 학생들과 주민들 간의 교류가 거의 없는 상태이다. 주민들은 홍익대학교 학생들의 재능기부와 마을행사 참여를 원하고 있으나 학생들은 지역사회 커뮤니티 참여에 대한 필요성을 느끼지 못하고 있다. 그동안 홍익대학교 세종캠퍼스 인근지역인 신안1리를 대상으로 주민과 학생들의 커뮤니티공간에 대한 선행연구는 이루어진 바 없으며, 이러한 연구의 공백을 채우기 위하여 본 연구는 세종시 조치원읍 신안1리를 중심으로 주민과 학생들에게 각각 설문과 인터뷰를 진행하고, 의견을 조합하여 앞으로 캠퍼스타운이 성공적으로 형성될 수 있도록 기여하고자 한다. 컨테이너를 활용한 거점시설은 주민들과 학생들의 만남의 공간을 제공하는 시작점에 있어서 그 의의를 찾을 수 있다. 본 연구는 대학과 지역사회가 공유할 수 있는 거점시설 조성방안을 제시하여 도농지역 캠퍼스타운 활성화 논의에 기여하고자 한다. As part of Youth Jochiwon Project, which is a urban regeneration project in Jochiwon, Sejong City, a campus town that connects Hongik University and Shinan-ri has recently become financially viable. This project aims to establish a ‘local base camp’ where residents and students can interact with each other. This study is to propose a community center for residents and students using sustainable architecture containers. The purpose is to contribute to urban regeneration efforts. In order for a campus town to be created, it is important to have a sense of community with active cooperation from residents. Hence, this study focuses on the role of Hongik University students in creating a campus town. By sharing the results with residents, this study ultimately aims to encourage encounters and interactions between local community and university students. Jochiwon-eup Shinan-ri is an administrative district of Sejong City adjacent to Hongik University, Sejong Campus. Many Shinan-ri's residents cater to students by operating commercial businesses, such as studio rentals and restaurants. The area around Hongik University Sejong Campus is physically isolated from central Jochiwon with minimal provision of culture and art amenities. Most students stay only briefly during semester and leave upon graduation, never to return. Until now, the interaction between students and residents can be characterized as being business-based with almost no sense of shared community. Results of surveys and interviews conducted in this study show that residents want Hongik University students to participate in various village events as well as donate their talents to the local community. Students, on the other hand, have little interest and do not feel any need to do so. There are no studies on community spaces for residents and students in Shinan-ri and Hongik University. To fill this gap, this study aims to contribute to the ongoing discussion about creating a successful campus town by giving voice to local residents and students.