반항적 로맨티시즘에 관한 패션디자인 연구

김혜상 홍익대학교 패션대학원 2023 국내석사

The purpose of this study is to analyze the rebellious characteristics of glam, punk, and hip hop among the subcultures from the 1960s through the 1980s and the characteristics of romanticism fashion in the 19th century, each respectively, and further analyze the concept of rebellious romanticism from the researcher's perspective to develop designs. The concept of rebellious fashion and romanticism fashion and the process of change according to such were examined, and the characteristics of each costume were considered. Furthermore, 8 works were developed by applying to the design the rebellious romanticism fashion style, which is reflective of the characteristics of both rebellious fashion and romanticism. As for the research method, domestic books, dissertations, and academic journals on rebellious fashion and romanticism fashion were reviewed for the theoretical background, while the collection image data were collected based on the fashion website of Vogue USA and the official website of each brand, respectively. As for the scope of research, the subcultures including glam, punk, and hip hop from the 1960s through the 1990s, and romanticism of the 19th century after the 16th century Renaissance, 17th century Baroque, and 18th century Rococo in the process of changing rebellious fashion are included. By analyzing the aesthetic characteristics of art accordingly, it is applied to design, then a proposal is made thereby. As for the case of rebellious fashion, it primarily began with the youth culture, which is a culture that denied the very existence of society at the time and rebelled against it. The youth culture that resists the mainstream older generation primarily develops in the form of upward propagation towards the main older generation, which often leads to the street culture, and their fashion style rather influences the older generation and mainstream culture and becomes trendy. The rebellious style of such subculture has also been a source of inspiration for many designers who have created collections. At many brands, the subculture style is usually revealed as a fusion style of the details of the existing major ready-to-wear and subculture fashion details. As for the romanticism fashion, it is a longing for the past and a phenomenon of returning towards the past in Europe of the 19th century, which has been longed for the culturally and artistically rich era of Renaissance. This called for a feminine romantic style in modern fashion, and the romanticism has been established as a romantic style with lovely femininity. As the romanticism of longing and return to the past has been established as a romantic style, a third romanticism style that fuses the heterogeneous cultures with the romantic style has emerged. It may be considered that the point of start is the same, while the need for research is raised in that the fusion of heterogeneous cultures added to romanticism can build a new fashion style. Romanticism may be interpreted as a reaction against reason and the existing order and against classicism in the art. It was interpreted as breaking out of the existing classicism via the appeal for emotional recovery and the appeal for the deep dark human emotions of fear and pain, then it was interpreted as something fanciful. romanticism is building a style in modern fashion, and it may often be interpreted as romanticism or a phenomenon of reversion to the past cultures. romanticism in fashion, that is, romanticism, is developed as a style of modern fashion design. romanticism in modern fashion often expresses loveliness, and the romantic decorative elements such as ruffles and frills are often used in designs. The anarchistic resistance subculture which rebels against the older generation is also established as one of the means of expression of modern fashion design in a similar aspect to the romanticism in the modern fashion. In romanticism, this study seeks to propose a design collection where fantasy romanticism is revealed as the other side of the rebellious subculture by connecting the sensibility that humans break out of both sides of dark fear and the means of expression from the rebellious subculture to the rebellious fashion. Both the romanticism and the rebellious subculture may be established in common with the concept of reaction and resistance to the existing. This may be considered as a point of contact where the two different cultures, which are revealed in different styles in the contemporary fashion design, may be connected. Hence, this study seeks to propose the fashion of ‘rebellious romanticism’ by adding rebellious fashion to the romanticism. By analyzing the characteristics of rebellious fashion, the purpose was to develop 8 designs as a new fashion style called “rebellious romanticism.” It was developed by analyzing the aesthetic characteristics in line with the characteristics of design elements of romanticism and rebellious subculture and applying them as the rebellious romanticism. The works primarily revealed rebellious characteristics by digitally printing graffiti, an element of punk subculture, and heightened romanticism with feminine flower digital printing patterns. Furthermore, a new rider jacket style was proposed by combining the romantic elements such as puff details and frills on the sleeves of punk rider jackets. On top of the digital printing where the graffiti elements containing messages of resistance to society were reflected, graffiti images were developed as digital printing through the stages of magnifying and distorting typography by viewing it as the image itself. A printing design was developed which is reflective of the rebellious message and at the same time reveals the formative elements of the letters themselves. As such, by proposing a design of a new modern fashion style called “rebellious romanticism,” it is expected to combine the complex and heterogeneous cultures and establish itself as a new fashion culture in line with the retro phenomenon where the return towards the past culture becomes stronger. 본 연구는 1960년대에서 1980년대의 하위 문화중 글램, 펑크, 힙합에서의 반항적 특징과 19세기 로맨티시즘 패션의 특징을 각기 분석하여 반항적 로맨티시즘의 개념을 연구자의 관점으로 분석하여 디자인을 개발하는 것이 목적이다. 반항적 패션과 로맨티시즘 패션의 개념과 그에 따른 변천 과정을 살펴보았으며 각 복식의 특성을 고찰하였다. 나아가 반항적 패션과 로맨티시즘 특성을 동시에 반영한 반항적 로맨티시즘 패션 스타일을 디자인에 적용시켜 8점의 작품을 개발하였다. 연구 방법은 반항적 패션과 로맨티시즘 패션에 관한 국내 단행본, 학위 논문, 학술지로 이론적 배경을 고찰하고, 패션 전문 웹사이트인 보그 미국 사이트와 각 브랜드의 공식 홈페이지를 통해 컬렉션 이미지 자료를 수집하였다. 연구 범위는 반항적 패션의 변천 과정에서 1960년대에서 1990년대의 사이의 글램, 펑크, 힙합 등의 하위문화와 16세기 르네상스, 17세기 바로크, 18세기 로코코 시대 이후의 19세기의 로맨티시즘이 주요 연구 범위이며 이에 따른 예술 미학적 특징을 분석하여 디자인에 적용한 후 제안한다. 반항적 패션의 경우 당시 사회의 존재 자체를 부정하며 반항하는 문화인 유스 컬처 즉 청소년 문화에서 주로 시작되어왔다. 주류 기성세대에 반발하는 청소년 문화는 주요 기성세대에 상향전파 되는 형식으로 주로 발전하게 되는데 이는 스트리트 문화로 대게 이어지며 그들의 패션스타일이 오히려 기성세대와 주류문화에 막대한 영향을 미치면서 유행이 되는 양상을 띈다. 이러한 하위문화의 반항적 스타일은 컬렉션을 진행하는 디자이너들에게도 수많은 영감의 원천이 되어오기도 한다. 여러 브랜드에서 하위문화 스타일은 주로 기존의 주요 고급 기성복의 디테일과 하위문화 패션 디테일의 융합스타일로 대게 드러나고 있다. 로맨티시즘 패션의 경우 과거에 대한 동경으로 문화 예술적으로 풍요로웠던 르네상스 시대를 동경했던 19세기 유럽의 과거로의 동경, 회귀 현상이다. 이는 현대 패션에서 여성적인 로맨틱 스타일을 불러일으켰으며, 로맨티시즘은 사랑스러운 여성스러움으로 로맨틱 스타일이 구축되어 자리잡혀왔다. 이러한 과거로의 동경과 회귀의 로맨티시즘이 로맨틱 스타일로 구축되어 오면서 로맨틱 스타일에 이질적인 문화를 융합하는 제3의 로맨티시즘 스타일이 등장하고 있다, 로맨티시즘과 문화융합은 모두 과거에 대한 동경에서 시작되었다는 것에서 출발점이 같다고 볼 수 있으며, 로맨티시즘에 더하는 이질적 문화의 융합은 새로운 패션 스타일을 구축할 수 있다는 점에서 연구의 필요성이 제기된다. 로맨티시즘은 이성과 기존 질서에 대한 반작용과 예술에서의 고전주의에 대한 반작용으로 해석될 수 있는데, 감정 회복에 대한 호소와 두려움과 고통이라는 인간의 깊은 어두운 감정에 대한 호소를 통해 기존의 고전주의를 깨고 나오는 것으로 해석되다가 공상적인 어떤 것으로 해석되기도 하였다. 로맨티시즘은 현대 패션에서 하나의 양식을 구축하고 있는데, 흔히 낭만주의 또는 과거 문화로의 회귀 현상으로 해석될 수 있다. 패션에서의 낭만주의 즉 로맨티시즘은 현대 패션디자인의 한 양식으로 발전되고 있다. 현대 패션에서의 로맨티시즘은 흔히 사랑스러움을 표현하는 경우가 대부분인데, 흔히 러플과 프릴과 같은 로맨틱한 장식적 요소가 디자인에 사용되고 있다. 기성세대에 반항하는 무정부주의적 저항적 하위문화 또한 현대 패션에서 로맨티시즘과 비슷한 양상으로 현대 패션디자인의 표현 수단의 하나로 정립되고 있다. 로맨티시즘에서 인간이 어두운 두려움의 양면을 깨고 나오는 감성과 반항적 하위문화의 저항적 패션으로의 표현 수단을 연결하여 본 연구는 공상적인 로맨티시즘이 반항적인 하위문화의 이면으로 드러나는 디자인 컬렉션을 제안하고자 한다. 로맨티시즘과 반항적 하위문화 모두 기존의 것에 대한 반작용과 저항의 개념으로 공통지어 정립할 수 있다. 이는 현대 패션디자인에서 다른 스타일로 드러나고 있는 두 가지의 다른 문화가 연결될 수 있는 접점으로 볼 수 있다. 따라서 본 연구는 로맨티시즘에 반항적 패션을 더하여 ‘반항적 로맨티시즘’ 패션을 제안하고자 한다. 반항적 패션의 특성을 분석하여 반항적 로맨티시즘이라는 새로운 패션 스타일로 8점의 디자인 개발을 목적으로 하였다. 로맨티시즘과 반항적 하위문화의 디자인 요소별 특징에 따른 미적 특성들을 분석하고 이를 반항적 로맨티시즘으로 적용하여 개발하였다. 작품은 주로 펑크 하위문화의 요소인 그라피티를 디지털 프린팅하여 반항적 특성을 드러내었고, 이에 반하는 여성스러운 플라워 디지털 프린팅 패턴으로 로맨틱함을 고조하였다. 또한 펑크의 라이더 재킷을 소매 슬리브의 퍼프 디테일이나 프릴 등의 로맨틱 요소를 결합하여 새로운 라이더 재킷의 스타일을 제안하였다. 사회에 저항적 메시지를 담는 그라피티 요소가 반영된 디지털 프린팅 뿐만 아니라 타이포그래피를 이미지 그 자체로 보고 확대, 왜곡하는 단계를 거쳐 그라피티 이미지를 디지털 프린팅으로 개발하였다. 반항적 메시지를 반영하는 동시에 글자 자체의 조형적 요소를 동시에 드러내는 프린팅 디자인을 개발하였다. 이와 같이 반항적 로맨티시즘이라는 새로운 현대 패션 스타일의 디자인을 제안함으로써 복합적이고 이질적인 문화를 결합하고 과거의 문화로의 회귀성이 강해지는 레트로 현상에 발 맞춰 새로운 패션 문화 하나로 자리 잡기를 기대한다.

리좀 관점에서의 가변적 가방 디자인 연구

이진화 홍익대학교 패션대학원 2026 국내석사

현대 사회의 인간 사유와 가치체계는 단일한 구조로 환원되지 않으며, 다양한 요소들이 상호 연결되고 비선형적으로 전개되는 유동적이고 다원화된 양상을 보인다. 리좀(Rhizome) 이론은 유동적으로 연결되고 다층적으로 확장되는 특성을 기반으로 이러한 변화의 흐름을 이해하는 데 유용한 관점을 제공한다. 한편 동시대 패션에서는 다원화된 융복합적 사고를 바탕으로 형태, 기능, 의미가 자유롭게 변형되며 다양한 가능성을 창출하는 가변적 패션디자인(Transformative Fashion Design)이 주요한 연구 및 실천 영역으로 부상하고 있다. 본 연구는 이러한 흐름 속에서 리좀과 가변적 패션디자인이 공유하는 특성을 탐색하고, 이를 기반으로 가변적 패션디자인의 핵심 구성 요소를 도출하여 가변적 가방 디자인으로 제안하는 데 목적이 있다. 문헌 연구를 통해 리좀의 접속성, 변환성, 연결성, 유동성, 개방성, 확장성, 다층성, 과정성, 비결정성, 참여성 등 철학적 속성을 정리하고, 이를 가변적 패션디자인에서 나타나는 변환성, 확장성, 다양성, 과정성, 개방성, 비결정성, 참여성, 실용성의 특성과 비교, 분석하였다. 그 결과, 두 개념이 공통적으로 지향하는 변환성, 확장성, 과정성, 참여성의 네 가지 특성을 도출하였다. 본 연구는 이를 리좀 관점에서의 가변적 패션디자인 핵심 구성 요소로 재구성하여, ‘형태 변환(Form Transformation)’, ‘기능 확장(Functional Extension)’, ‘맥락적 유연성(Contextual Flexibility)’, ‘사용자 참여(User Involvement)’의 네 가지 요소로 정리하였다. 또한 다양한 가변적 패션디자인 사례 분석을 통해 앞서 도출한 네 가지 요소들이 실제 디자인에서 상호작용하며 다층적이고 순환적인 구조로 구현되고 있음을 확인하였다. 또한 이를 통해 본 연구의 가변적 가방 디자인에 적용할 실질적 디자인 요소를 도출하였다. 작품 전개 과정에서는 내용적 측면과 형식적 측면의 접근을 병행하였다. 내용적 측면에서는 도출된 핵심 구성 요소를 작품의 가변성 구현 방식으로 설정하여, 분리 및 재조합, 결합 방식 전환, 용도 전환이 가능한 다기능 구조, 사용 위치 이동, 사용자 선택에 의한 조작 등 가변적 구조 설계의 원리로 활용하였다. 형식적 측면에서는 이러한 내용적 접근을 바탕으로 리좀의 조형적 특성을 시각화하기 위해 유동적 곡선의 분기, 레이어의 중첩, 반복적 구조, 시간의 흐름에 따른 변화, 비대칭성과 불규칙성 등의 디자인 요소를 도출하고, 이를 실루엣, 디테일, 소재 표현에 반영하였다. 이를 통해 총 네 개의 그룹, 여덟 점의 가변적 가방 디자인을 제작하였으며, 가변적 구조를 기반으로 열여섯 가지 이상의 변형 가능성을 구현하였다. 본 연구는 철학적 개념인 리좀과 실천적 디자인 영역으로서의 가변적 패션디자인 간 공통적 흐름을 도출하여 가방 디자인에 적용함으로써 새로운 디자인적 접근 가능성을 제시하였다. 나아가 가방을 단순한 수납 도구가 아닌 융복합적 오브제로 재해석함으로써, 기존의 고정적 디자인 방식에서 벗어난 유동적이고 확장된 관점을 제시하였다. 본 연구가 가방 디자인 분야의 새로운 가능성을 열고, 향후 관련 연구 와 실무적 발전에 기여할 수 있기를 기대한다. In contemporary society, human cognition and value systems no longer conform to a single framework but instead exhibit fluid and diversified patterns in which multiple elements are interconnected and unfold in non-linear ways. Rhizome theory provides a useful perspective for understanding these emerging dynamics, offering a model of fluid connectivity and multi-layered expansion. Meanwhile, contemporary fashion increasingly embraces a convergent mindset, giving rise to Transformative Fashion Design, in which form, function, and meaning shift freely to generate new possibilities. This study aims to explore the shared characteristics of Rhizome theory and transformative fashion design, derive core compositional elements from these commonalities, and propose a transformative bag design based on these principles. Through a review of the literature, the philosophical attributes of the Rhizome—such as transformability, connectivity, openness, expansiveness, processuality, indeterminacy, and participation—were examined and compared with the characteristics of transformative fashion design, including transformability, expandability, diversity, processuality, openness, and participation. As a result, four qualities commonly emphasized in both concepts were identified: transformability, expandability, processuality, and participation. Based on these findings, the study restructured these four qualities as the core compositional elements of transformative fashion design from a rhizomatic perspective:Form Transformation,Functional Extension,Contextual Flexibility, andUser Involvement. An analysis of diverse transformative fashion design cases confirmed that these elements interact with one another and are embodied in design practices in multi-layered and cyclical ways. The development of the design works employed both conceptual and formal approaches. From a conceptual perspective, the derived core compositional elements were established as mechanisms for implementing transformability and were utilized as principles of variable structural design, including separation and recombination, changes in connection methods, multifunctional structures enabling functional conversion, shifts in usage location, and user-driven manipulation through choice and interaction. From a formal perspective, based on this conceptual approach, the formative characteristics of the Rhizome were visualized by deriving design elements such as branching fluid curves, layered structures, repetitive configurations, transformations over time, asymmetry, and irregularity, which were reflected in silhouettes, details, and material expressions. Through this process, a total of four groups comprising eight transformative bag designs were produced, realizing more than sixteen variations based on variable structures. By deriving a shared conceptual flow between the philosophical concept of the Rhizome and transformative fashion design as a practical design domain and applying it to bag design, this study proposes a new design approach. Furthermore, by reinterpreting the bag not merely as a storage tool but as a convergent object, the study presents a fluid and expanded perspective that departs from conventional static design approaches. It is expected that this research will open new possibilities in the field of bag design and contribute to future related research and practical development.

온라인 패션 마케팅 직무 역량 기반 패션비즈니스 교육과정 개발에 관한 연구

김민서 홍익대학교 패션대학원 2026 국내석사

This study aims to empirically identify the core competencies required for online fashion marketing roles in the context of the accelerated digital transformation of the fashion industry and to propose directions for developing a fashion business curriculum that reflects these competencies. In recent years, the fashion industry has undergone a comprehensive restructuring of its value chain driven by the rapid diffusion of digital technologies such as social media, e-commerce platforms, and artificial intelligence (AI). Accordingly, the nature of marketing work has shifted significantly toward digitally mediated practices. However, fashion business education in Korea remains largely grounded in traditional, theory-oriented curricula centered on planning, production, and distribution, thereby failing to adequately reflect the digital, practice-based competencies demanded by the industry. Although the National Competency Standards (NCS) provide a systematic framework for job classification based on knowledge, skills, and attitudes, key competency units—namely Fashion Market Analysis, Fashion Product Sales Analysis, and Fashion Brand Strategic Planning—continue to rely on offline-oriented research, planning, and sales structures. As a result, essential dimensions of contemporary fashion marketing work, such as platform-centered marketing environments, data-driven decision-making processes, and content-based branding strategies, are insufficiently addressed. In response, this study seeks to empirically examine the gap between industry demands and educational curricula and to propose an improved educational framework aligned with the digital transformation of the fashion industry. To achieve this purpose, qualitative data were collected through in-depth interviews and participant observation involving fashion marketing professionals actively working in the industry. In addition, the NCS competency unit framework related to fashion business was analyzed, and curricula from Korean four-year universities in 2018 and 2025 were comparatively examined to assess how changes in the industrial environment have been reflected over time. Based on this multi-layered analysis, this study identifies the core digital competencies required in fashion business education and presents an educational design framework grounded in Competency-Based Education (CBE). The findings reveal three core competencies consistently emphasized in professional practice: (1) digital platform utilization competency, (2) data-driven decision-making competency, and (3) content planning and branding competency. Each competency corresponds primarily to the NCS units of Fashion Market Analysis, Fashion Product Sales Analysis, and Fashion Brand Strategic Planning, respectively, while also operating in an interrelated and cyclical manner in actual work processes. Furthermore, practitioners highlighted the importance of meta-competency—namely, the ability to adapt to rapidly changing digital environments and to continuously learn and reconfigure professional competencies beyond proficiency in specific tools or technologies. Based on these findings, this study proposes a competency-based fashion business education model structured around a sequential and cyclical learning process encompassing digital platform understanding, data interpretation, and content-driven branding strategy execution. The proposed model integrates Project-Based Learning (PBL) and stage-based assessment to enable learners to engage with authentic industry contexts and to apply competencies in an integrated manner. In conclusion, this study contributes both academically and practically by empirically identifying the core competencies required for fashion marketing roles in the post-digital-transformation era and translating these findings into a concrete curriculum design framework. The proposed model moves beyond knowledge-transmission-oriented education and offers a sustainable direction for cultivating practice-oriented competencies and meta-competencies that enable learners to adapt to evolving industrial environments. Moreover, this framework may serve as a foundational reference for competency-based curriculum development in other industries undergoing rapid digital transformation. 본 연구는 디지털 전환이 가속화되는 패션 산업 환경에서 온라인 패션 마케팅 직무에 요구되는 핵심 역량을 실증적으로 규명하고, 이를 반영한 패션비즈니스 교육과정 개발의 방향을 제시하는 것을 목적으로 한다. 최근 패션 산업은 소셜 미디어, 이커머스, 인공지능(AI) 등 다양한 디지털 기술의 확산을 통해 가치 사슬 전반의 구조를 재편하고 있으며, 이에 따라 마케팅 직무의 수행 방식 또한 디지털 환경 중심으로 변화하고 있다. 그러나 국내 패션비즈니스 교육은 여전히 기획·생산·유통 중심의 전통적 산업 구조와 이론 중심 수업에 머물러 있어, 실제 산업에서 요구되는 디지털 기반 실무 역량을 충분히 반영하지 못하는 한계를 지닌다. 특히 국가직무능력표준(National Competency Standards, NCS)이 제시하는 ‘지식–기술–태도’ 기반의 직무 분류 체계와 능력단위 중심의 수업 설계는 산업 직무의 표준화를 가능하게 한 제도적 성과를 지니지만, 그 내부의 세부 능력단위인 ‘패션시장 현황분석’, ‘패션상품 판매분석’, ‘패션브랜드 전략기획’은 여전히 오프라인 중심의 조사·기획·판매 구조에 기반하고 있어, 디지털 플랫폼 중심의 마케팅 수행 환경, 데이터 해석에 기반한 의사결정 과정, 콘텐츠 기획 및 브랜딩 전략과 같은 현대 패션 마케팅 직무의 주요 수행 과정을 충분히 반영하지 못하고 있다. 이에 따라 본 연구는 산업 수요와 교육과정 간의 간극을 실증적으로 분석하고, 패션 산업의 디지털 전환 흐름을 반영한 교육 체계의 개선 방향을 제시하고자 한다. 연구 방법으로는 패션 업계에서 활동 중인 온라인 마케팅 실무자를 대상으로 한 심층 인터뷰와 현장 참여관찰을 통해, 실제 업무 수행 과정에서 요구되는 역량을 질적으로 분석하였다. 또한 NCS의 패션비즈니스 관련 능력단위 체계를 검토하고, 국내 4년제 대학의 2018학년도와 2025학년도 교육과정을 비교·분석함으로써, 산업 환경 변화가 교육과정에 반영된 정도를 시계열적으로 검토하였다. 이러한 다층적 분석을 통해 패션비즈니스 교육에서 요구되는 디지털 핵심 역량을 도출하고, 역량 기반 교육(Competency-Based Education, CBE) 관점에서의 교육 설계 프레임워크를 제시하였다. 연구 결과, 실무 현장에서 공통적으로 강조된 핵심 역량은 I. 디지털 플랫폼 활용 역량, II. 데이터 기반 의사결정 역량, III. 콘텐츠 기획 및 브랜딩 역량의 세 가지로 도출되었다. 이들 역량은 각각 NCS의 ‘패션시장 현황분석’, ‘패션상품 판매분석’, ‘패션브랜드 전략기획’ 능력단위와 연계되면서도 실제 직무 수행 과정에서는 상호 연계되어 순환적으로 작동하는 구조를 이루고 있었다. 더 나아가 실무자들은 특정 도구나 기술의 숙련도보다 변화하는 디지털 환경에 적응하며 스스로 학습할 수 있는 태도와 사고방식, 즉 메타 역량의 중요성을 공통적으로 강조하였다. 본 연구는 이러한 분석 결과를 바탕으로, 디지털 플랫폼 이해–데이터 해석–콘텐츠 및 브랜딩 전략 수행으로 이어지는 단계적·순환적 학습 구조를 중심으로 한 역량 기반 패션비즈니스 교육 모델을 제안하였다. 제안된 교육 모델은 프로젝트 기반 학습(Project-Based Learning, PBL)과 단계별 평가 체계를 통해 학습자가 실제 산업의 업무 맥락 속에서 문제를 해결하고 역량을 통합적으로 발휘할 수 있도록 설계하였다. 결론적으로 본 연구는 디지털 전환 이후 패션 마케팅 직무에 요구되는 핵심 역량을 실증적으로 규명하고, 이를 교육과정 설계 차원에서 구체화함으로써 학문적·산업적 의의를 지닌다. 제안된 교육 모델은 지식 전달 중심의 기존 교육을 넘어, 변화하는 산업 환경에 적응 가능한 실무 중심 역량과 메타 역량을 함께 함양할 수 있는 교육 방향을 제시한다. 나아가 본 연구는 패션 산업뿐 아니라 디지털 전환이 가속화되는 다양한 산업 분야의 직무 중심 교육 모델 개발에도 적용 가능한 기초적 틀을 제공한다는 점에서 의의를 지니며, 향후 관련 교육과정 개발 및 정책 논의에 참고 자료로 활용될 수 있을 것으로 기대한다.

무라카미 다카시의 슈퍼플랫 플라워와 한국 하회탈·단청 모티브의 융합을 통한 키덜트 패션디자인 연구

이동현 홍익대학교 패션대학원 2025 국내석사

As K-culture continues to capture global attention, various attempts are being made to promote traditional Korean culture. Among these efforts, there have been successful cases of fusing traditional cultural elements with diverse genres such as music, fashion, and film. Takashi Murakami is a contemporary artist who has realized convergent creation through collaborations with numerous brands and artists. He designed new characters by fusing his own motifs with the Louis Vuitton monogram, leading the traditionally conservative brand to launch a product line featuring these characters. Additionally, in collaboration with K-pop girl group NewJeans, he participated in album design and merchandising, creating a new character by combining his Superflat Flower with NewJeans’ light stick ‘Binky Bong’ and applying it to the album artwork. Through such collaborations, Murakami has demonstrated a promotional strategy that transcends genre boundaries and continues to pursue various forms of character-based convergence. Meanwhile, Korean traditional cultural elements such as Hahoetal and Dancheong are being modernized and applied across various fields. In the Korean adaptation of the Netflix series Money Heist: Joint Economic Area, Hahoetal was used instead of the original Salvador Dalí mask, reinterpreted as a symbol of Korean humor and satire. Renowned Korean fashion designer Lee Sang-bong utilized Dancheong as a central motif in his 2024 S/S collection, presenting a harmonious blend of traditional Korean aesthetics with contemporary fashion. Inspired by Murakami’s convergence-based promotional strategy, this study proposes a Korean-style character by fusing the globally recognized Superflat Flower with traditional Korean elements such as Hahoetal and Dancheong. Through a theoretical investigation of the concepts and characteristics of Superflat Flower, Hahoetal, and Dancheong, two common traits—“humor within laughter” and “repetitive two-dimensional expression using outlines”—were derived, providing a basis for potential fusion. Superflat Flower, a smiling character combining the style of Japanese animation with the chrysanthemum symbol of the imperial family, was reinterpreted using motifs from the Yangban and Bune masks in Hahoetal along with lotus and orange blossom patterns in Dancheong, resulting in a newly designed Korean-style character. Among the key features of kidult fashion, the “application of character images” was identified as an effective approach for integrating the developed Korean-style character into fashion design. Based on this, the study applies the character to kidult fashion to expand the discourse on the identity of traditional Korean culture while exploring its potential for contemporary application and expansion within the field of fashion design. The visual characteristics of Superflat Flower were categorized into six traits: grotesque repetition, two-dimensional expression using outlines, appropriation of cherry blossoms from ukiyo-e, application of the Rinpa folding screen technique, false perspective using line thickness, and pixelated graphic representation. These were further reclassified into three categories—composition, color, and visual transformation. The textile was developed using seven fabrication techniques—silkscreen pearl print, puff print, foil, laser engraving, digital textile printing (DTP), LED panels, and quilting—applying the newly designed Korean-style character as the central motif. Finally, the four features of kidult fashion—exaggerated form, application of character images, pop art color combinations, and visual playfulness—were reinterpreted through silhouette, styling, and detail, and incorporated into five menswear looks. While the characteristics of Takashi Murakami’s Superflat Flower were directly reflected, further discussion is required to reinterpret Korean culture through an independent creative lens. Nevertheless, this study presents the potential for modernizing traditional Korean culture through the characterization of Hahoetal and Dancheong, and suggests possibilities for its expansion into fashion design. It also holds significance in academically supplementing the research gap in Takashi Murakami’s fashion design. K-컬처가 세계적으로 주목받는 가운데, 한국의 전통문화를 홍보하기 위한 다양한 시도가 이루어지고 있다. 이러한 흐름 속에서 전통문화적 요소를 음악, 패션, 영화 등 다양한 장르와 융합하여 성공적인 성과를 거둔 사례들이 등장하고 있다. 무라카미 다카시는 브랜드 및 아티스트와의 협업을 통해 융합적 창작을 실현해온 현대 미술 작가이다. 그는 루이비통의 모노그램과 자신의 캐릭터를 융합하여 새로운 캐릭터를 디자인하였으며, 이를 기반으로 전통적인 방식을 고수하던 루이비통은 해당 캐릭터를 접목한 제품을 출시하였다. 또한 K-팝 걸그룹 뉴진스와의 협업에서 앨범 디자인 및 머천다이징 제작에 참여하였고, 자신의 캐릭터인 슈퍼플랫 플라워와 뉴진스의 응원봉을 결합한 새로운 캐릭터를 제작하여 앨범 디자인에 적용하였다. 이러한 협업을 통해 효과적인 홍보 전략이 실현되었으며, 무라카미 다카시는 특정 분야에 국한되지 않고 캐릭터 융합을 기반으로 한 다양한 형태의 협업을 지속적으로 전개하고 있다. 한국의 전통문화 요소인 하회탈과 단청은 다양한 영역에서 현대적으로 재해석되며 활용되고 있다. 넥플리스 시리즈 ‘종이의 집: 공동경제구역’의 한국판에서는 원작의 살바도르 달리 가면 대신 하회탈을 사용함으로써 한국의 해학적 웃음을 상징하는 모티브로 재구성하였다. 또한 한국을 대표하는 패션디자이너 이상봉은 2024년 S/S 시즌에 단청을 주요 모티브로 활용하며, 한국 전통미를 현대 복식 안에 조화롭게 구현하였다. 이러한 맥락에서 본 연구는 융합적 성격이 강한 무라카미 다카시의 홍보 전략을 착안하여, 세계적으로 유명한 그의 캐릭터 슈퍼플랫 플라워와 한국의 전통 문화적 요소인 하회탈, 단청을 융합하여 한국형 캐릭터를 제안하고자 한다. 슈퍼플랫 플라워와 하회탈, 단청의 개념 및 특징에 대한 고찰을 통해 공통된 두 가지 특징인 ‘웃음 속 해학’과 ‘윤곽선을 활용한 반복적 평면 표현’을 도출하였다. 이는 세 요소 간의 융합 가능성을 제시하는 근거가 된다. 슈퍼플랫 플라워는 애니메이션 스타일의 웃는 얼굴과 일본 황실의 국화 문양으로 구성된 캐릭터로, 본 연구에서는 웃는 얼굴을 하회탈의 양반탈과 부네탈에서, 국화 문양을 단청의 연화문과 주화문에서 모티브를 얻어 한국형 캐릭터로 디자인하였다. 키덜트 패션의 특징인 ‘캐릭터 이미지 활용’은 융합을 통해 개발된 한국형 캐릭터를 효과적으로 적용할 수 있는 패션디자인 방식으로 판단된다. 따라서 본 연구는 한국형 캐릭터 디자인을 바탕으로 키덜트 패션에 이를 적용함으로써, 한국 전통문화의 정체성에 대한 논의 확장을 도모하고, 더 나아가 전통문화의 현대적 활용 가능성과 패션디자인 영역으로의 확장 가능성을 함께 모색하고자 한다. 앞서 슈퍼플랫 플라워의 특징을 고찰한 결과, 여섯 가지 특징이 도출되었다. 각 특징은 ‘그로테스크한 반복 표현’, ‘윤곽선을 활용한 평면 표현’, ‘우키요에 벚꽃을 차용한 표현’, ‘린파 병풍화 기법의 응용’, ‘선 굵기를 이용한 거짓 원근법’, ‘픽셀화된 그래픽 표현’로 정리되며, 구성, 색채, 시각적 변화의 세 범주로 재분류하였다. 이러한 특징은 실크스크린 펄 나염, 발포 나염, 호일, 레이저 인그레이브, 디지털 텍스타일 프린팅(DTP), LED 패널, 퀼팅 등 총 일곱 가지 표현 기법을 통해 새롭게 디자인된 한국형 캐릭터를 모티브로 텍스타일을 개발하였다. 마지막으로 키덜트 패션의 네 가지 특징인 형태적 과장, 캐릭터 이미지 활용, 팝아트적 색채 조합, 시각적 유희성을 실루엣, 스타일링, 디테일로 재해석하고, 이를 개발된 텍스타일과 적용하여 남성복 5착장으로 제작하였다. 무라카미 다카시의 슈퍼플랫 플라워 특징을 직접적으로 반영하였다는 점에서, 한국 문화를 독자적인 창작 방식으로 풀어낼 추가적인 논의가 필요하다. 그럼에도 본 연구는 하회탈과 단청의 캐릭터화를 통해 한국 전통문화의 현대화 가능성과 패션디자인 영역으로의 확장 가능성을 제시하였으며, 무라카미 다카시 패션디자인 연구의 공백을 학문적으로 보완했다는 점에서 의의가 있다.

바이러스 이미지를 활용한 스포티즘 패션디자인 연구

김단비 홍익대학교 패션대학원 2024 국내석사

2019년 전 세계적으로 코로나 팬데믹으로 인하여 바이러스에 대한 공포와 두려움이 증폭되었다. 감염병 재난으로 인한 물리적, 신체적 불안감이 스트레스, 불안, 우울과 같은 심리적 충격으로 이어졌으며, 사회심리적 건강에도 영향을 미쳤다. 팬데믹 상황에서도 자기관리와 건강한 삶의 중요성이 부각되면서 활동적인 라이프스타일이 부각되었다. 이로 인해, 변화하는 취향과 요구를 반영한 아웃도어 제품에 대한 중요성이 강조되고 있으며, 현대 패션에서 매 시즌이나 일정 주기마다 다양한 형태로 적용되어 스포티즘은 주요 패션 트렌드로 부상하고 있다. ‘스포티즘 패션’은 단순히 스포츠웨어의 기능적인 디자인 요소를 활용하는 것이 아닌, 스포츠 요소의 특징을 섬세하게 표현한 패션이다. 또한, 삶의 질을 중요시하며, 건강하고 긍정적인 삶의 질적 추구 현상인 라이프스타일을 가리킨다. 스포티즘은 현대인들의 일상에서 필수적으로 자리 잡은 스포츠와 패션 트렌드가 융합하여 사회문화 현상으로 중요한 트렌드이다. 이에 따라, 스포티즘과 융합된 다양한 유형들을 분석하여 특징을 살펴보고자 한다. 바이러스는 치명적인 측면을 가지고 있지만, 두려움보다는 공존으로써의 관점에 대한 생각의 전환이 필요하다. 이를 통해 사회가 극복하고 성장하는 기회로 삼아야 함을 전달하고자 한다. 이에, 바이러스라는 대상을 예술적으로 접근하여, 바이러스의 형태, 디테일, 색채를 활용하여 캐릭터화하여 친근하게 표현하고자 한다. 이로 인해, 바이러스를 공포의 대상으로만 인식하는 것이 아닌 친근한 이미지로 변화시키고자 한다. 본 연구는 스포티즘을 나타내는 유형별 특징과 바이러스의 형태, 디테일, 색채를 분석하여, 연구자의 시각으로 새로운 디자인을 제안하고 작품을 개발하는 것을 목표로 한다. 바이러스 이미지와 스포티즘의 특징을 결합하고 현대적인 스포티즘 패션에 바이러스 이미지를 적용해 8벌의 작품을 개발하고자 한다. 이는 이전 스포티즘 연구에서 다루지 않은 주제로써, 연구의 독창성을 가지고 있다. 연구 방법은 스포티즘과 바이러스에 이론적 고찰에 관한 국내 단행본, 국내외 학위 논문, 학술 논문을 통해 이론적 배경을 고찰하고, 패션 전문지, 기사, 인터넷 사이트를 통해 자료를 수집하였다. 스포티즘 사례 분석에 필요한 이미지 자료들은 패션 컬렉션 전문 사이트인 보그(www.vogue.uk) 웹사이트를 통해 수집하였다. 바이러스의 형태 및 색채에 관한 자료는 NIH 미국 국립보건원 사이트, 프랑스의 파스퇴르연구소(Institut Pasteur) 사이트 등을 통해 이미지 자료를 수집하였다. 연구 범위로는 스포츠웨어로 바지를 입는 것이 허용된 19세기 말부터 스포티즘 개념이 패션계에서 인정받게 되었던 2000년대까지의 스포티즘의 변천 과정을 분석하여, 팬데믹 이후 더욱 부상하게 된 스포티즘 패션 사례 범위를 2019년부터 2024년까지로 정하여 탐구한다. 이를 토대로, 스포티즘의 유형별 특징을 분석하여 디자인에 적용하고, 바이러스의 형태와 디테일적 특징과 색채를 활용해 캐릭터로 개발하여, 연구자의 시각에서 바이러스를 융합한 스포티즘 디자인을 제안한다. 바이러스와 스포티즘의 특징이 돋보일 수 있는 창의적이고 독특한 아트웨어 컬렉션 4벌과, 일상생활에서 편안하게 착용 가능한 바이러스 스포티즘 컬렉션인 남성복 2벌과 여성복 2벌을 제작하여 총 8벌의 컬렉션을 완성하고자 한다. 바이러스 캐릭터는 유해한 이미지와 유익한 이미지로 나누어 개발하여 총 20가지의 캐릭터를 제작하고자 한다. 이를 통해 디지털 텍스타일 프린팅을 활용하여 소재를 개발하고자 한다. 스포티즘은 단순한 유행을 넘어 주요 사회문화 트렌드로 자리매김하고 있으며, 패션의 중요한 요소로 인식되고 있다. 본 연구는 스포티즘 패션의 표현 범위를 확장시키는 시도를 통해 의의를 가지고 있다. 미래에는 스포티즘 패션의 영역이 기능성을 넘어 다양한 사회적 콘셉트를 활용하여 더욱 확장될 것으로 예측된다. 따라서, 창의적인 아이디어를 활용한 후속 연구가 스포티즘의 발전을 주도하고, 패션 디자인 연구를 끊임없이 발전할 수 있기를 바란다. In 2019, the global coronavirus pandemic amplified fear and panic about the virus. The physical and somatic anxiety caused by the infectious disease disaster has led to psychological impacts such as stress, anxiety, and depression, affecting social and psychological health. Even during the pandemic, the importance of self-care and a healthy life has been highlighted, leading to active lifestyles. This has emphasized the importance of outdoor products that reflect changing tastes and needs, and sportism has emerged as a major fashion trend in modern fashion, taking on different forms every season or at regular intervals. 'Sportism fashion' is not just about utilizing the functional design elements of sportswear, but also about fashion that subtly expresses the characteristics of sports elements. It also refers to a lifestyle as a phenomenon that emphasizes quality of life and pursues a healthy and positive quality of life. Sportism is an important social and cultural phenomenon that combines sports and fashion trends that have become essential in the daily lives of modern people. Accordingly, this study likes to analyze various types fused with sportism and examine their characteristics. Although viruses have a deadly aspect, a change in thinking is needed to think about them to one of coexistence rather than fear. Through this, this study likes to convey that society should use it as an opportunity to overcome and grow. Thus, this study wants to approach the subject of viruses artistically, characterizing them using their shapes, details, and colors to express them in a friendly way. By doing so, this study hopes to change the perception of viruses from one of fear to one of friendliness. This study aims to propose new designs and develop works from a researcher's perspective by analyzing the characteristics of each type representing sportism and the shape, detail, and color of the viruses. The aim is to develop eight pieces that combine viral imagery with the characteristics of sportism and apply viral imagery to contemporary sportism fashion. This is a topic that has not been addressed in previous sportism research, which makes the research original. The research method was to examine the theoretical background through domestic books, domestic and international theses, and academic papers on theoretical considerations of sportism and viruses, and to collect data through fashion magazines, articles, and Internet sites. The images for the sportism case analysis were collected from the Vogue (www.vogue.uk) website, which specializes in fashion collections. Image data on the shape and color of viruses were collected from the NIH(National Institute of Health) website and the Institut Pasteur website in France, etc. The scope of this study analyzes the evolution of sportism from the late 19th century when it was acceptable to wear trousers as sportswear, to the 2000s, when the concept of sportism was recognized by the fashion industry, and explores the range of sportism fashion cases that emerged more after the pandemic setting the period from 2019 to 2024. Based on this, through analysis of the characteristics of each type of sportism and their application to the design, this study proposes a sportism design that fuses viruses from a researcher's perspective by developing them into characters using the shape, detailed features, and colors of viruses. This study plans to complete a total of 8 collections by producing 4 creative and unique art wear collections that highlight the characteristics of viruses and sportism, as well as 2 menswear and 2 womenswear collections that are virus sportism collections that can be comfortably worn in everyday life. The virus characters will be divided into harmful and beneficial images, with the goal of creating a total of 20 characters. In doing so, materials utilizing digital textile printing will be developed. Sportism is becoming a major socio-cultural trend beyond just a fad and is recognized as an important element of fashion. This study has significance through its attempt to expand the expression range of sportism fashion. In the future, it is predicted that the scope of sportism fashion will expand further beyond functionality to utilize various social concepts. Therefore, this study hopes that follow-up research utilizing creative ideas will lead to the development of sportism and continue to advance fashion design research.

제페토에서 한류 활성화를 위한 디지털 패션 아이템 개발 연구 : 한국 전통 도깨비 문양 패턴을 중심으로

이숙이 홍익대학교 패션대학원 2023 국내석사

Due to the continuous development of IT technology and the COVID-19 pandemic, the non-face-to-face online market has expanded. As a result, the metaverse platform market has also grown. Metaverse platforms are affecting various industries such as fashion, music, and movies, and have emerged as a new market for businesses. Zepeto, a representative metaverse platform, is mainly used by the overseas Zalpha generation(born from the mid-1990s to 2020: a combination of Generation Z and Alpha Generation). They establish and express their identity through digital fashion items of 3D avatars in Zepeto. As a result, digital fashion items have significant value within the platform. Zepeto also generates and shares various digital content, with Korean Wave-related content such as the digital world map, digital fashion items, and digital dramas being particularly active. When Korean culture's unique creativity and high-level digital content manufacturing technology meet, they create Zepeto's content, which is shared as ‘K-Culture’ by various overseas users of Zepeto. Among them, digital fashion items related to ‘K-pop idols’are being consumed mainly by Zepeto overseas users who are interested in Korean Wave, and are making significant contributions to the activation of Korean Wave within Zepeto. Therefore, this study aims to develop Zepeto's digital fashion items related to K-pop idols using traditional Dokkaebi patterns that represent Korean creativity, folklore, and identity. This has significance in communicating with overseas Zepeto users through digital fashion items and activating the Korean Wave within Zepeto. The first part of the research focuses on the theoretical background, examining the Metaverse and the Zepeto platform, as well as investigating the characteristics of the Hallyu(Korean Wave) in reality and the current status of fashion companies entering Zepeto. Then, the evolution and characteristics of the traditional Korean goblin patterns are researched by dividing them into different eras. In the second part, based on three characteristics of the Hallyu, a 'Hallyu idol' is selected from Zepeto and their digital fashion items, as well as 'digital fashion items with traditional Korean goblin patterns', are fully investigated and analyzed according to quantity, style, color, and pattern. In the third part, a logo design incorporating the traditional Korean goblin pattern and six pattern design principles are developed based on the case study, and applied to nine digital fashion items. The ultimate goal is to register and release the final products on the Zepeto Studio after approval. Additionally, we are planning to create a virtual digital fashion brand called 'DOKKABI' in Zepeto, utilizing the developed digital fashion items. The study method involved conducting a literature review and case study to collect examples of Hallyu trends currently active on the Zepeto platform and develop characteristic digital fashion items. Data was collected through academic papers, internet articles, and publications related to keywords such as ‘Metaverse’, ‘Zepeto’, ‘Hallyu fashion’, and ‘Dokkaebi patterns’. Based on this, three Hallyu idol groups that well represent three characteristics of Hallyu were selected, and as of February 28, 2023, a total of 13,442 digital fashion items related to the three groups were surveyed and analyzed by item quantity, color, style, and pattern. Additionally, 402 digital fashion items related to traditional dokkaebi patterns were searched using keywords such as ‘도깨비(in Korea)’, ‘Korean dokkaebi’, ‘Dokkaebi(in English)’, and 'Goblin' on Zepeto and were analyzed through the same process as the three Hallyu idol groups. Based on the analysis, traditional Korean dokkaebi patterns were reinterpreted in a modern way to develop patterns using Adobe Illustrator, a 2D graphics program. Motifs were designed based on the characteristics of dokkaebi patterns from different eras, and a principle fit design was composed based on the motif design. The composed principle fit design was applied to the digital fashion item template using Adobe Photoshop and implemented on Zepeto 3D avatars in the Zepeto studio. As a result of the research, six principle fit designs reflecting the characteristics of traditional dokkaebi patterns from different eras were developed, and two principle fit designs were applied to each of the three Hallyu idol groups that best represent these characteristics. Nine digital fashion items were developed, three for each team, using the principle fit designs, and a ‘DOKKABI’ word mark logo was designed as a motif using the origins of dokkaebi, ‘돗가비’ and ‘DOKKAEBI’, to ensure consistency among the developed digital fashion items. The research results have been officially released on the Zepeto platform and can be purchased within the platform, serving as a means of communication with overseas consumers to promote Hallyu. Through this research, we aimed to create new value and contribute to the promotion of Hallyu by combining traditional Korean Dokkaebi patterns and digital fashion on the rapidly growing metaverse platform Zepeto, with a focus on the overseas younger generation. Additionally, there is a lack of research on digital K-fashion item analysis and development for Hallyu content marketing and for overseas users with a high interest in K-fashion on the Zepeto platform. We hope that this research will lead to continuous research on the development of various digital fashion items in subsequent studies to promote Hallyu on Zepeto. IT 기술의 지속적인 발전과 코로나 19(COVID-19) 대유행으로 인해 비대면 온라인 시장의 확장과 더불어 메타버스 플랫폼 시장이 성장하고 있다. 메타버스 플랫폼은 패션, 음악, 영화 등 다양한 산업에 영향을 미치고 있으며 새로운 비즈니스의 시장으로 부상하였다. 대표적인 메타버스 플랫폼인 제페토는 해외 잘파(Zalpha) 세대(1990년 중반 ~ 2020년까지: Z세대 + 알파 세대)가 주 이용자이다. 이들은 제페토에서 3D 아바타의 디지털 패션 아이템을 통해 자신의 정체성을 구축하고 표현함으로써 디지털 패션 아이템은 제페토 안에서 중요한 가치를 지니고 있다. 또한, 제페토에는 다양한 디지털 콘텐츠들이 생성되고 공유되고 있으며 특히 한류 관련 제페토의 디지털 월드맵, 디지털 패션 아이템, 디지털 드라마 등의 콘텐츠가 활성화되고 있다. 한류는 한국만의 독창적인 문화와 수준 높은 디지털 콘텐츠 제조기술이 만나 제페토 콘텐츠들로 생성되면서 제페토의 다양한 해외 이용자들에게 ‘K-문화화’되어 공유되고 있다. 그중에서 ‘한류 아이돌’ 관련 디지털 패션 아이템은 한류에 관심도가 높은 제페토 해외 이용자들을 중심으로 소비되고 있으며 제페토 내의 한류 활성화에 많은 이바지를 하고 있다. 이에 본 연구에서는 한국의 해학성, 민예성, 상징성 등을 잘 표현하고 있는 전통 도깨비 문양을 활용하여 한류 아이돌들과 관련된 제페토의 디지털 패션 아이템을 개발하고 그것을 활용한 가상 디지털 패션 브랜드를 론칭하고자 한다. 이는 제페토에서 디지털 패션 아이템을 통해 해외 이용자들과 소통하며 한류를 더욱 활성화하는 데 의의가 있다. 연구 내용은 다음과 같다. 첫 번째, 이론적 배경에서는 메타버스와 제페토 플랫폼에 대해 고찰하고 현실에서의 한류 특징과 제페토에 진출해 있는 패션 기업들의 현황을 조사한다. 그 후 한국 전통 도깨비 문양의 변천사와 특징을 시대별로 나누어 연구한다. 두 번째, 사례분석에서는 이론적 배경에서 다룬 한류의 3가지 특징을 기준으로 이를 잘 반영한 제페토 내에서의 ‘한류 아이돌’을 선정한다. 선정한 ‘한류 아이돌’의 디지털 패션 아이템과 ‘한국 전통 도깨비 문양 디지털 패션 아이템’을 전수조사하여 수량, 스타일, 컬러, 패턴 4가지로 나누어 분석한다. 세 번째, 사례분석을 기반으로 한국 전통 도깨비 문양을 응용한 로고 디자인 1종, 패턴 원리핏 디자인 6종을 개발하고 9종의 디지털 패션 아이템에 적용한다. 최종 결과물은 제페토 스튜디오에 등록하고 승인 심사를 받아 출시한다. 또한, 개발한 디지털 패션 아이템을 활용하여 제페토에서 가상 디지털 패션 브랜드 ‘DOKKABI’를 기획한다. 연구의 방법은 제페토 플랫폼에 활성화되고 있는 한류의 사례를 수집하고 특징적으로 나타난 디지털 패션 아이템을 개발하기 위하여 문헌 연구와 사례 연구를 병행하였다. ‘메타버스’, ‘제페토’, ‘한류 패션’, ‘도깨비 문양’ 등의 키워드를 다룬 논문, 인터넷 기사, 간행물 등을 통해 자료를 수집하고 사례 대상을 선별하였다. 이를 통해 한류의 3가지 특징을 잘 나타내는 한류 아이돌 3팀을 선정하고 2023년 2월 28일 기준으로 제페토에서 3팀과 관련하여 출시되어있는 디지털 패션 아이템 13,442개를 아이템별 수량 컬러, 스타일, 패턴으로 나누어 전수조사하고 분석하였다. 또한, 전통 도깨비 문양과 관련된 디지털 패션 아이템은 ‘도깨비’, ‘한국 도깨비’, ‘Dokkaebi’, ‘Goblin’ 등의 키워드로 제페토에서 검색한 402개의 아이템을 한류 아이돌 3팀과 같은 방법으로 전수조사하고 분석하였다. 분석을 바탕으로 한국 전통 도깨비 문양을 현대적으로 재해석하여 패턴을 개발하기 위해 2D 그래픽스 프로그램인 어도비 일러스트레이터(Adobe Illustrator)를 활용하였다. 시대별 도깨비 문양의 특징을 모티브로 일러스트 디자인을 선행하고 모티브 디자인을 바탕으로 원리핏 디자인을 구성하였다. 구성한 원리핏 디자인은 어도비 포토샵(Adobe Photoshop) 프로그램을 활용하여 디지털 패션 아이템의 템플릿에 적용하고 제페토 스튜디오에서 템플릿을 제페토 3D 아바타에 구현하였다. 연구 결과 전통 도깨비 문양의 시대별 특징을 반영하는 6개의 전통 도깨비 문양 원리핏 디자인 개발하였고 그 특징에 부합하는 한류 아이돌 3팀에 각 2개씩의 원리핏 디자인을 적용하였다. 원리핏 디자인을 활용하여 각 팀당 2개씩 총 6개의 디지털 패션 아이템을 개발하였고 개발한 디지털 패션 아이템들의 통일성을 위하여 도깨비의 어원인 ‘돗가비’와 ‘DOKKAEBI’를 모티브로 ‘DOKKABI’ 워드 마크 로고를 디자인하였다. 연구 결과물은 제페토의 심사를 받고 정식 출시되어 제페토 내에서 구매할 수 있으며 한류 활성화를 위한 해외 소비자들과의 소통의 매개체 역할을 할 수 있을 것으로 기대할 수 있다. 본 연구를 통해 해외 잘파 세대를 중심으로 빠르게 성장하고 있는 메타버스 대표 플랫폼 제페토 안에서 한국 전통 문양과 디지털 패션의 융합을 통해 새로운 가치를 창출하고 한류 활성화에 이바지하고자 한다. 또한, 해외 이용자들을 위한 한류 콘텐츠 마케팅과 디지털 K-패션 아이템 개발에 관한 연구는 아직 부족한 실정이다. 제페토에서 K-패션에 관심도가 높은 해외 이용자들을 위한 디지털 한류 콘텐츠들은 활성화되고 있음에도 불구하고 지금까지의 연구에서는 한류 활성화를 위해 디지털 K-패션 아이템 분석과 개발에 대하여 심도 있게 다룬 연구는 찾아보기 어렵다. 이 연구를 통해 제페토에서 한류를 활성화하고자 하는 후속 연구에서 다양한 디지털 패션 아이템 개발에 관한 지속적인 연구가 될 수 있기를 기대해본다.

미국 원주민 복식을 활용한 밀리터리 패션디자인 연구

최정수 홍익대학교 패션대학원 2026 국내석사

본 연구는 미국 원주민의 전통 복식 특징과 밀리터리 패션을 융합한 디자인을 개발하는 데 목적이 있다. 주요 연구 내용 및 방법으로 미국 원주민의 전통 복식과 미술의 디자인적 특성을 고찰하고, 미국 원주민의 역사, 부족별 생활양식과 예술, 그리고 전통 복식의 특성을 연구하였다. 다음으로 밀리터리 패션의 역사와 특성을 조사하였으며, 더불어 미국 원주민 복식과 밀리터리 패션을 활용한 패션 컬렉션 및 브랜드를 분석하였다. 첫째, 미국 원주민의 특성을 고찰하였다. 미 대륙 발견 전후의 역사를 탐구하고, 그들이 전통적으로 영위해 온 예술과 복식의 특징을 조사하였다. 1492년 미 대륙 발견 당시 북미 대륙에는 수백 개의 부족이 존재하며 각각의 고유한 특성을 지니고 있었다. 본 연구는 지역별 특징을 분석하고, 이들 중 대표적인 세 부족을 선정하여 심층적으로 연구 및 서술하였다. 둘째, 군복이 대중 패션으로 유입된 역사와 특성을 고찰하였다. 밀리터리 패션은 제2차 세계대전 종전 이후 대중 패션에 등장하기 시작하여, 현재는 서브컬처와 메인스트림 영역을 넘나들며 현대 패션 디자인의 핵심 요소로 자리 잡았다. 이에 군용 위장무늬, 카키색, 카고 주머니 등 밀리터리 패션을 상징하는 조형적 특징들을 조사하였다. 셋째, 미국 원주민 복식과 밀리터리 패션이 적용된 패션 디자이너 컬렉션 및 브랜드를 분석하였다. 콘셉트, 소재, 패턴, 실루엣 등이 두 테마에 각각 어떻게 적용되었는지 탐구하였다. 우선 NTVS, Jamie Okuma, ACONAV 등 미국 원주민 출신 디자이너 브랜드를 조사하여, 원주민의 정체성을 기반으로 현대 패션을 표현하는 방식을 고찰하였다. 또한 Ralph Lauren Fall 1981 ‘Santa Fe’, KTZ F/W 2015 Ready-to-wear, Chanel Pre-Fall 2014 등 원주민 문화에서 영감을 받은 기성 컬렉션을 연구하여 현대 디자이너들의 차용 방식을 분석하였다. 아울러 Moschino Fall 2017 Menswear, Comme des Garçons Fall 2009, Études Studio Fall 2016 Menswear 등을 통해 밀리터리 패션이 디자이너 컬렉션에서 수행하는 역할과 메시지를 탐구하였다. 선행 연구와 브랜드 사례 분석을 토대로 미국 원주민 복식의 특징을 밀리터리 패션에 결합하였다. 디자인 개발 과정으로서 콘셉트 설정, 컬러 기획, 무드보드 제작, 텍스타일 개발 및 샘플링 프로세스를 소개하고, 각 디자인별 모티브, 기법, 디테일 등을 상세히 기술하였다. 본 연구의 작품은 누빔, 커팅, 프린팅 기법을 활용하여 표현되었으며, 미국 원주민의 전통 문양과 밀리터리 카모플라주를 교차시키는 기법을 적용하여 독창적인 그래픽 패턴을 개발하였다. 이를 바탕으로 제2차 세계대전부터 한국전쟁 시기까지의 군복을 현대적으로 재해석하는 동시에, 미국 원주민 전통 복식과 문양의 특징을 차용하여 실물 패션 컬렉션을 제작하였다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 밀리터리 패션에 미국 원주민의 미술과 패션 특징을 접목하는 과정을 통해, 상이한 두 스타일의 공통점과 차이점을 발견하였다. 이러한 융합은 기존 스타일을 발전시키고 새로운 룩을 창출하는 결과를 도출하였다. 미국 원주민 문화와 밀리터리 디자인의 융합이라는 본 연구의 시도가 향후 관련 패션 디자인 분야의 후속 연구를 활성화하는 계기가 되기를 기대한다.

시즌리스 트렌드와 계절 기능 해체 패션디자인 연구

김혜준 홍익대학교 패션대학원 2026 국내석사

패션 산업은 근대 패션 시스템의 형성과 함께 계절성을 중심으로 의복의 기능과 구조를 정형화해왔다. 그러나 최근 들어 기후 변화와 여러 환경적 요인 및 문화적 트렌드의 확산 속에서 ‘계절성’이라는 시간적 개념이 점차 희미해지고 있다. 패션은 점점 단순한 실용적 착용을 넘어, 의복에 부여된 목적과 기능을 전환하고 재해석하는 방향으로 전개되고 있다. 이러한 기능의 전환은 현대 패션에서 하나의 창작 전략으로 부상하였으며, 의복의 본래 목적성을 전복하려는 실험적 시도가 두드러진다. 이에 따라 특정 계절의 소재나 아이템을 반대 계절에 사용하는 반(反)계절적 표현은 해체주의 패션의 한 양상으로 이해될 수 있으며, 이는 기능 해체(Functional Deconstruction)의 특성을 반영한다. 결국 기능 해체는 의복의 1차적 목적 및 실용 기능을 전복하거나 변형함으로써 새로운 미적 가치와 디자인 가능성을 제시한다. 본 연구는 이러한 흐름 속에서 최근의 시즌리스(seasonless) 트렌드와 의복 기능이 계절성과 분리되는 디자인 현상을 토대로 ‘계절 기능 해체(Functional Deconstruction of Seasonality)’ 개념을 이론적으로 정립하는 것을 목적으로 한다. 기존 연구가 시즌리스를 주로 산업 구조나 소비 행태의 변화로 설명한 데 비해, 이를 의복의 기능—특히 계절성과 결합된 기능 전환—의 문제로 다룬 디자인 차원의 분석은 충분히 이루어지지 않았다. 이에 본 연구는 기능 해체 관련 선행연구를 바탕으로 시즌리스 트렌드와 계절 기능 해체의 상호 관계를 규명하고, 현대 패션 사례 분석을 통해 이러한 개념이 실제 디자인 현상으로 어떻게 나타나는지를 밝히고자 한다. 이를 통해 계절 기능 해체는 소재 해체(Material Deconstruction), 아이템 해체(Item Deconstruction), 스타일링 해체(Styling Deconstruction), 조합성과 모듈화(Modularity and Combinability)의 네 가지 범주로 유형화되었다. 각 유형은 2020년대 주요 컬렉션 분석을 통해 조형적·개념적 특성을 확인하였으며, 계절 기능 해체가 단순한 조형 실험이 아니라 기후 변화, 기술 환경, 소비 문화의 변화와 연동된 동시대적 디자인 경향임을 보여주었다. 본 연구의 방법은 다음과 같다. 첫째, 해체주의의 철학적 담론과 해체주의 패션의 전개 과정을 고찰하고, 기능 해체의 개념적 정의와 학술적 근거를 정립하였다. 둘째, 기후 변화와 코로나 팬데믹, 패션 유통 주기 단축 등 현대 패션 환경의 구조적 변화를 분석하여 시즌리스 트렌드와 계절 기능 해체의 관계를 고찰하였다. 셋째, 2020년대 이후 주요 런웨이 컬렉션 12개 브랜드를 선정하여 네 가지 유형별 계절 기능 해체의 구체적 양상을 사례 분석하였다. 넷째, 이론적 고찰과 사례 분석을 토대로 연구자의 창작 작품을 개발하여 계절 기능 해체의 실천적 적용 가능성을 탐구하였다. 본 연구는 다양한 패션이 존재하는 와중에 사회·문화적 변화를 반영한 기능 해체의 개념과 유형을 정리하고, 그중에서도 시즌리스 트렌드에 주목하여 계절 기능 해체를 중심으로 컬렉션 분석 및 창작 실험을 수행한다. 이를 통해 기능 해체가 단지 미학적 실험에 그치지 않고 현대 패션에서 하나의 유효한 창작 전략으로 기능할 수 있음을 논의하며, 기존 연구에서 상대적으로 주목받지 못했던 ‘계절 기능 해체’ 개념을 이론적으로 정립하고 그 논의의 확장을 시도하는 데 의의가 있다. The fashion industry has historically standardized the structure and function of garments along seasonal lines since the formation of the modern fashion system. However, climate change, evolving environmental factors, and shifting cultural trends have blurred the concept of “seasonality.” Fashion has evolved beyond its purely utilitarian function to reinterpret and transform the roles and purposes traditionally assigned to garments. This functional shift has emerged as a creative strategy in contemporary fashion, leading to experimental attempts to subvert the original intent of clothing. In this context, counter-seasonal expressions—such as using materials or items associated with one season in another—can be seen as a form of deconstructivist fashion, reflecting the characteristics of functional deconstruction. Ultimately, functional deconstruction proposes new aesthetic values and design possibilities by overturning or transforming the primary utilitarian purposes of clothing. This study examines the relationship between the rise of the seasonless trend and the functional deconstruction in fashion. It seeks to establish a more specific concept of Functional Deconstruction of Seasonality, examining how the dismantling of traditional seasonal categories is linked to shifts in the fashion industry’s distribution structure and the diversification of consumer lifestyles. The seasonless trend is analyzed as a phenomenon driven by climate change, technological advancement and digitalization, the COVID-19 pandemic, and evolving consumer culture—factors that have disrupted function-oriented clothing norms. To systematically investigate how this functional deconstruction is manifested in contemporary fashion, this study establishes concrete typologies. As a result, seasonal functional deconstruction is classified into four categories: Material Deconstruction, Item Deconstruction, Styling Deconstruction, and Modularity and Combinability. The morphological and conceptual characteristics of each category are validated through case analyses of twelve runway collections from the 2020s that prominently feature seasonal functional deconstruction. The findings confirm that this phenomenon is not merely a formal or aesthetic experiment but a contemporary response to shifts in climate, technology, and culture. Accordingly, the study is structured as follows: First, it reviews philosophical discourses on deconstruction and analyzes the evolution of deconstructivist fashion. It classifies the main types of fashion deconstruction by structure, form, and function, establishing the conceptual foundation for functional deconstruction. Second, it examines structural transformations in the contemporary fashion environment—including climate change, the COVID-19 pandemic, and shortened distribution cycles—to investigate the relationship between the seasonless trend and seasonal functional deconstruction. Third, through case studies of twelve major fashion brands from the 2020s, the study derives and verifies typologies of seasonal functional deconstruction, focusing on the four categories mentioned above. Finally, based on theoretical investigation and case analyses, the study presents original self-produced garments to explore the creative potential of functional deconstruction in fashion design. This study synthesizes the concept and typologies of functional deconstruction in the context of socio-cultural change and conducts both analytical and creative explorations centered on seasonal functional deconstruction within the seasonless trend. Through this, it demonstrates how functional deconstruction can serve not only as an aesthetic experiment but also as a strategic design methodology. In particular, it advances the theoretical understanding and contemporary reinterpretation of the underexplored concept of seasonal functional deconstruction in fashion design.

홍익대학교 상징성을 활용한 향수 개발 연구 : 홍익대학교의 교화인 무궁화 향기를 중심으로

우진명 홍익대학교 패션대학원 2022 국내석사

아르데코 양식의 입체적 표현기법을 활용한 트렌치코트 디자인 조형성 연구

조은경 홍익대학교 패션대학원 2022 국내석사

국 문 초 록 한 시대의 예술양식은 그 시대의 미적가치와 정치적, 문화적, 사회적 상황을 복합적으로 반영한다. 패션 또한 이러한 예술양식을 기반으로 형성되므로, 창의적인 디자인 감각을 증진시키기 위해서는 시대가 요구하는 예술과 패션의 상관관계를 파악하고 꾸준히 연구할 필요가 있다. 연구자는 아르데코 시기의 건축, 회화, 공예, 패션을 고찰한 결과 아르데코 양식은 대상을 단순화시켜 기하학형으로 표현되는 도형이라는 형태적 특징을 가지고 있으며, 이러한 기하학적 조형들은 다시 새로운 디자인 요소로 활용 가능함을 발견하였다. 이에 전통적인 실루엣을 가졌지만 다른 패션 아이템에 비해 많은 디테일을 특징으로 하는 트렌치코트에 이를 적용시켜, 보다 새롭고 독창적인 트렌치코트를 제작하는데 그 목적이 있다. 아르데코 양식에 나타난 조형적 특징은 크게 ‘직선적 형태’, ‘곡선적 형태’, ‘자연적 모티프를 활용한 형태’, ‘직선과 곡선의 혼합 형태’로 분류될 수 있었다. 직선적 형태의 조형적 특징은 지그재그형, 부채형, 번개형, 지규렛트형이 있으며, 직선을 사용하여 모티프를 단순화하고 일정한 질서와 규칙에 의해 기하학적인 패턴으로 재구성된다는 특징을 가진다. 여기서 단순성, 반복성, 대칭성이라는 조형성이 나타났다. 곡선적 형태의 조형요소에는 방사형, 유선형, 갈고리형이 있으며, 곡선을 활용하여 동일한 간격을 주면서 배열해 통일성이 있는 모티프로 표현한 것이 특징이다. 여기서는 단순성, 반복성, 리듬성, 중첩성이 나타났다. 자연물을 모티프로 활용한 형태에는 선버스트형, 동물, 꽃, 식물과 같은 조형요소가 있으며, 이는 이국적인 동물과 꽃, 잎사귀, 정글 속 풍경 등 자연적인 모티프들을 기하학적인 선과 면들로 단순화 및 양식화하여 표현한 것이 특징이다. 이 형태의 조형성으로는 단순성, 이국성, 장식성, 절충성 등이 나타났다. 직선과 곡선의 혼합 형태에서는 원형, 삼각형, 사각형, 번개형, 방사형, 지규렛트형 등 여러 가지 기하학적 조형요소들이 혼합되어 구성되었으며, 여기서는 단순성과 비대칭성의 혼합, 직선과 곡선 조합이 이루는 절충성, 단순성, 장식성, 반복성, 리듬성 등이 조형성으로 나타난 것을 확인할 수 있었다. 이러한 아르데코 양식의 형태적 특징과 조형성 분석을 기초로 본 연구의 작품 제작을 위한 방법론을 참고하기 위해 현패 패션디자인에 나타난 아르데코 양식의 표현기법을 정리하였다. 기존의 아르데코 패션에 관한 선행연구들은 대부분 문양, 도안, 장식 등을 활용한 평면적 표현에 관한 연구에 그쳤다면, 본 연구에서는 아르데코 양식이 입체적으로 활용될 수 있는 가능성을 인지하고, 이를 바탕으로 현대 패션디자인 사례들을 ‘평면적 표현사례’와 ‘입체적 표현사례’로 나누어 분석하였다. 평면적 표현사례에서는 아르데코의 기하학적 도형을 도안으로 활용하여 원단에 프린팅한 방법이 사용되었으며, 이때 아르데코의 기하학 조형요소들은 하나 또는 두 가지 이상의 복합적인 요소들이 평면적으로 표현되었다. 입체적 표현사례에서는 이와 달리 한 가지의 단일 조형요소 또는 두 가지 이상의 복합 조형요소가 실루엣이나 디테일에 입체적으로 활용되어 나타났다. 최근 패션 트렌드는 해체주의적인 디자인을 통해 새로운 시도를 하고 있으며, 트렌치코트 또한 전통형에서 탈피하여 해체주의적인 관점에서 새로운 디자인 시도를 하고 있는 경향의 브랜드들이 나타나고 있다. 이에 연구자는 트렌치코트 제작에 앞서 전통적인 트렌치코트 디자인의 대표적인 버버리(Burberry)와 해체주의적 관점에서 변형된 트렌치코트 디자인을 시도한 준야 와타나베(Junya Watanbe), 사카이(Sacai)와 같은 트렌치코트를 활용한 현대패션디자인 사례를 분석함으로써 기존의 획일화된 디자인에서 탈피하여 새로운 트렌치코트의 디자인이 가능함을 확인하고, 본 연구의 디자인 영감으로 활용하였다. 이에 따라 본 연구의 작품 제작에 입체적인 기법으로 활용된 대표적인 아르데코 양식의 기하학적 형태 요소들은 지그재그, 지규렛트, 번개형, 방사형, 부채형, 유선형, 갈고리형의 7가지였으며, 여기에는 단순성, 대칭성, 비대칭성, 반복성, 중첩성, 절충성, 장식성, 리듬성 등의 조형성이 각 작품마다 혼합되어 나타났다. 제작된 아이템은 트렌치코트 8개 작품이다. 본 연구를 통해 아르데코 양식의 미적 조형성을 고찰하고 트렌치코트 아이템을 현대적으로 재해석함으로써 과거의 예술양식이 현대의 새로운 디자인 원천으로 활용될 수 있음을 제시하고, 나아가 연구자의 작품이 잠재되어 있는 패션디자인의 표현영역을 확장시키는데 일조하기를 기대하는 바이다.