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      • KCI등재

        프랑스 고전주의 문학의 음악화에 대한 분석적 연구

        정하영 ( Jung Hayoung ) 한국프랑스고전문학회 2022 프랑스고전문학연구 Vol.25 No.-

        시대를 초월하는 프랑스 고전문학의 음악화에서 작곡가의 문학적 관점이나 음악 텍스트 분석은 큰 주목을 받지 못하였다. 그러나 감정 표현의 수단이라는 일반적 인식과 달리 음악은 수학을 기반으로 탄생한 학문이다. 따라서 음악 텍스트의 객관적 분석 결과는 문학 연구에 제기되는 다양한 문제 해결의 단서가 될 수 있을 것이다. 이러한 관점에서 실행한 『부르주아 귀족』, 『엄마 거위 모음곡』, 『전형적인 동물들』의 음악 텍스트 분석은 음악과 프랑스 고전주의 문학의 결합 그리고 그 변화 양상을 확인하는 과정이 된다. 『부르주아 귀족』의 작곡가 륄리는 음악을 희극 구성의 한 언어로 변화시키고 페로의 『동화』를 음악화한 라벨은 간결한 기악곡 안에서 인상주의 화성과 고전주의 음악 기법의 적절한 결합을 시도한다. 초현실주의 문학의 해석자로 평가되는 풀렝은 명백히 상충되는 라 퐁텐의 『우화시』와 현대 음악의 부조화를 극복하고 프랑스 고전주의 문학을 20세기의 시대적 요구를 반영한 발레곡으로 재구성한다. 이처럼 텍스트의 왜곡을 지양하는 공통의 목표 아래 작곡가들은 음악으로 희극의 언어를 재현, 보강하거나 작가의 의도를 작곡가의 의도로 치환하고 한 걸음 더 나아가 고전주의 문학의 정신을 각 시대의 보편성으로 확장시킨다. 이처럼 음악의 엄격한 규범 안에서 프랑스 고전주의 문학을 수용한 작곡가들은 문학 작품의 왜곡을 최소화할 수 있는 고유의 방식을 발견하였고 그 결과, 고전문학의 보편적인 특징은 음악 안에서 시대 초월적인 가치로 변화한다. Cette étude examine Le Bourgeois gentilhomme, Ma mère l'oye et Les animaux modèles sous le thème de la musicalisation de la littérature classique française. Nous avons d'abord recherché, sur la prémisse de la musique en tant que science basée sur les mathématiques, la structure des oeuvres musicaux qui suivent le propre point de vue littéraire des compositeurs. Par cette façon, nous pouvons éclaircir le rapport entre la musique et la littérature. Lully, Ravel et Poulenc ont travaillé avec l'idéal commun de la reproduction des textes littéraires sans déformation des textes originels. Lully, un des maître de la musique baroque, a réalisé la diversification des rôles musicaux en plaçant la musique au centre de la comédie. Ravel, qui a révélé que l'art poétique est la source de ses inspirations, était un compositeur de l'impressionnisme qui a apporté des innovations harmoniques. Mais il n'a pas été exempt de mauvaises critiques en raison de ses tendances classiques excessives. Pour la musicalisation du conte de fées de Perrault, il a appliqué sa vie personnelle à son esthétique musicale, en se concentrant sur l'une des intentions de l'auteur pour donner des leçons et du plaisir aux jeunes lecteurs. Poulenc, considéré comme un interprète des surréalistes, a utilisé les fables de La Fontaine comme matière d'un ballet, en montrant l'excentricité de demander le titre du ballet à Éluard, qui critiquait rudement La Fontaine et ses fables. Cela est dû à l'intention de transformer «l'écriture pure» en une universalité à travers les époques. Cette intention de compositeur est renforcée par les six fables choisies, et le problème de la vertu et du vice présenté par La Fontaine est médiatisé par des moyens musicaux de XX<sup>e</sup> siècle qui s'opposent clairement au classicisme. Les intentions des compositeurs sont affirmées aussi par l'analyse du texte musical. La musique de Le Bourgeois gentilhomme est le résultat de considérer le goût d' aristocratique et les sens profonds du texte littéraire. Dans le cas de Ravel, qui a choisi une pièce instrumentale sans parole, il a créé un langage muet qui transmet le conte de Perrault en image du son. Par exemple, la coexistence de l'harmonie d'impressionnisme et le mode musical de XVI<sup>e</sup> et XVII<sup>e</sup> siècles reproduit les motifs de la littérature classique et crée l'atmosphère mystérieuse des contes de Perrault. En plus, Ravel a réduit la vaste signification littéraire des contes de Perrault pour mettre la nostalgie de son enfance provoquée par la mort de son père. Néanmoins il a réussi de remplacer l'intention de l'écrivain par celle du compositeur par la simplicité de la musique. Le moyen pour accepter la littérature classique française de Poulenc a plus évolué que les deux compositeurs précédents. Il a transformé l'engagement des fables de La Fontaine en musique et en ballet et a étendu l'esprit de la littérature classique à notre époque. Par ailleurs, dans la fable du XX<sup>e</sup> siècle, les exigences de l'époque du classicisme sont modifié en universalité transcendante et le compositeur a montré l'audace de se déclarer en tant que La Fontaine du XX<sup>e</sup> siècle qui dénonce les vices de l'époque. Ainsi, les compositeurs qui ont accepté la littérature classique française combinaient littérature et musique par le moindre déformation des textes en utilisant leurs toutes capacités littéraires. En somme, la clarté et la concision, l'harmonie et l'équilibre de la littérature classique française pourrait être reçu comme une valeur intemporelle dans chaque genre musical.

      • KCI등재

        유토피아와 파국 사이: 쿠쟁 드 그랭빌의 『최후의 인간』에 나타난 종말론적 상상

        신정아 한국프랑스고전문학회 2021 프랑스고전문학연구 Vol.24 No.-

        Cet article a pour but d’examiner avec un regard actuel les imaginaires de la fin du monde dans "Le Dernier homme" de Jean-Baptiste Cousin de Grainville et de susciter l’intérê̂t pour l’auteur et son ouvrage posthume quasi inconnus en Corée. Prê̂tre assermenté, Grainville a inspiré les œuvres apocalytiques de l’ère romantique dont "The Last Man" de Mary Shelley notamment par la figure du dernier homme qu’il a inventée dans son épopée en prose, composée en 10 cantos. Cet ouvrage est avant tout considéré comme un ancêtre de la SF par divers éléments appartenant au registre du genre de la science fiction : un engagement avec la science de l’astronomie et la possibilité de la vie sur d’autres planètes, le trope du savant fou et les technologies futures extrapolées, etc. Par ailleurs, la structure du "Dernier homme" repose sur la confrontation de deux visions effectivement incompatibles de l’histoire. D’un cô̂té, la version de l’Apocalypse chrétienne et la perspective séculière sur l’histoire basée sur l’idée du progrès scientifique sans limites, de l’autre cô̂té. Le choix crucifiant qu’il revient à Omégare de faire entre ces deux visions pour décider de la fin définitive au temps, au monde, voire au genre humain semble rester bien valable à notre ère qualifiée d’anthropocène avec la crise climatique et environnementale sur l’échelle du monde entier. 이 논문은 쿠쟁 드 그랭빌의 작품 "최후의 인간"에 나타난 세계의 끝에 대한 상상을 살펴보고, 그 현재적 의의를 드러냄으로써 현재까지 거의 알려지지 않은 이 작품에 대한 관심을 환기하는 것을 목적으로 한다. 전직 사제이자 프랑스 대혁명에 가담했던 저자 쿠쟁 드 그랭빌의 사후 저작 "최후의 인간"은 서구문학사상 최초의 ‘최후의 인간’ 형상을 그려 보임으로써 메리 셸리의 소설 "최후의 인간"을 비롯한 당대 묵시론적 종말론을 다룬 작품들에 영감을 주었다. 한편으로 이 작품은 예컨대 천문학과의 관계, 미친 과학자의 비유, 미래의 테크놀로지, 그리고 무엇보다 인구가 지구의 자원을 고갈시킨 데서 비롯된 기후와 인구 재앙을 골자로 하는 세속적 아포칼립스 개념처럼 SF에 고유한 요소들을 사용함으로써 SF장르의 선구적 역할을 수행하고 있다. 다른 한편으로 이 작품은 역사에 대한 양립 불가능한 두 가지 비전의 충돌에 기초한다. 전통적인 기독교적 종말론과 과학기술과 진보에 대한 믿음을 토대로 한 인간적인 유토피아의 꿈이 그것이다. 작품의 주인공 최후의 인간이 이 두 비전 사이에서 해야 하는 고통스러운 선택은 생태학적 위기와 함께 다시 한 번 세상의 끝이 화두가 되고 있는 21세기 인류세 시대에도 여전히 유효한 물음이다.

      • KCI등재

        라블레와 르네상스 시대

        유석호 한국프랑스고전문학회 2020 프랑스고전문학연구 Vol.23 No.-

        라블레의 생애(1483∼1553)는 프랑스 르네상스 문화의 개화기와 대략적으로 일치한다. 그의 작품에는 작가가 처해 있던 시대적 상황이 허구적 사건들 속에 직간접적으로 반영되어 있다. 당시의 정치, 종교, 사회 제도와 문화에 관한 날카로운 풍자와 비판이 작품 곳곳에 때로는 암시적이거나 직설적으로, 때로는 알레고리적 인물의 설정을 통해 우화적인 수법으로 표현되기도 한다. 인문주의자답게 라블레는 문예부흥에 큰 기대를 걸었고, 프랑스 르네상스의 이상과 염원, 그리고 작가의 현실 인식을 모두 그의 소설 속에 담았다. 문예부흥과 학문 발전을 통해 인류의 보다 나은 미래에 대한 낙관적 기대가 팽배해 있던, 중세와 크게 달라진 이 시대의 특징적 분위기가 그의 작품 속에 잘 나타나 있는 것이다. L’époque où a vécu François Rabelais(1483-1553) correspond approximativement à l’â̂ge de floraison de la Renaissance française. Humaniste, il a célébré la restauration des lettres, rendue possible par la redécouverte des textes classiques gréco-latins, comme le bien montre la fameuse lettre de Gargantua à son fils Pantagruel qui s’adonnait aux études à Paris. De mê̂me, le mythe du pantagruélion dans le Tiers Livre est un hymne au progrès de la civilisation européenne, qui prouve éloquemment sa confiance infinie à l’avenir prospère de l’humanité. Il a montré aussi ouvertement sa sympathie pour l’évangélisme, lié intimement à l’esprit de l’humanisme par le retour aux textes originaux de la Bible. À l’époque où il n’existait pas de modèles antécédents, adéquats pour son oeuvre, Rabelais a commencé par s’interroger comment écrire le récit de son invention. Les modèles qu’il a adoptés successivement étaient la chronique et le roman de chevalerie pour le Pantagruel et le Gargantua, le dialogue pour le Tiers Livre et le récit de voyage fantastique pour le Quart Livre et le Cinquiesme Livre. À travers le cycle pantagruélique, l’auteur n’a cessé de se demander comment écrire son oeuvre qui n’était déterminée par aucune nécessité historique et ainsi le processus de la création littéraire devient le centre des discussions entre les instances narratives au sein du roman, ce qui montre clairement la conscience aiguë̈ de l’auteur en quê̂te de sa propre écriture romanesque. Nous croyons que le roman rabelaisien est moderne de tout temps en ce sens que la parodie systématique des conventions littéraires éculées pour la création de nouvelles conventions se poursuit dans chaque livre du cycle pantagruélique. Rabelais est indubitablement le précurseur du roman moderne en France.

      • KCI등재후보

        프랑스 중등교육과정의 고전연극 교육 : <프랑스어> 교육안과 교과서를 중심으로

        이선희,조재룡 한국프랑스고전문학회 2013 프랑스고전문학연구 Vol.16 No.-

        Cette étude s'intéresse à l'enseignement du théâ̂tre classique au collège et au lycée en France, tel qu'il est déterminé par les programmes officiels d'enseignement du français. En tenant compte du fait que le théâ̂tre est à la fois un texte littéraire et un art du spectacle, notre but est de savoir quels sont les objectifs et les contenus d'apprentissage dans les classes du secondaire et quelles sont les activités proposées par les manuels scolaires (Hachette Education et Nathan). Avant d'examiner les programme d'enseignement de Français de la 6e à la 1re, nous nous interrogeons de façon générale sur l'initiation au théâ̂tre pour les écoliers. Dans l'enseignement primaire, le théâ̂tre est surtout appliqué en tant que méthode d'enseignement plut̂ô̂t qu'approche littéraire. Il constitue un riche support d'activités orales et permet de travailler la verbalisation mais aussi l'expression du corps, conduisant les élèves à se familiariser avec l'expression et à s'initier à la communication. Les programmes d'enseignement et Accompagnement que publie le ministère de l'Education nationale sont la première référence officielle consultée par les professeurs. Les programmes précisent, pour chaque niveau, les objectifs et l'organisation des enseignements de Français et proposent des listes d'oeuvres en rapport avec les thèmes donnés mais les professeurs ont toute liberté en ce qui concerne le choix du manuel, des oeuvres précises à étudier et de la méthodologie à appliquer. Les élèves de 6e apprennent simplement à identifier les différents discours car la notion de théâ̂tre en tant que genre n'est introduite qu'en 5e, au cycle central. En abordant les conditions particulières du théâ̂tre et en étudiant des extraits de textes (des farces du Moyen Age aux pièces théâ̂trales du XVIIe et du XVIIIe siècle), les apprenants sont amenés ensuite à distinguer deux univers principaux : la tragédie et la comédie. Tout au long de ce processus, le thé̂̂atre est évidemment un support permettant un approfondissement de la connaissance de la langue dans les domaines de l'orthographe, du vocabulaire, de la ponctuation, de la grammaire, etc. Au lycée, le cours de français non seulement propose une approche historique mais introduit aussi les notions couplées de genre et de registre, de texte et de représentation. Ce dernier thème permet aux élèves de participer à la représentation, en préparant eux-mê̂mes la mise en scène. De son cô̂té, l'analyse du texte prépare au commentaire littéraire et à la dissertation qui doivent être maî̂trisés pour l'épreuve du baccalauréat. Enfin, il faut préciser que l'éducation au théâ̂tre ne se restreint pas aux cours dans les classes. Des ateliers de théâ̂tre sont souvent proposés en dehors des heures de français par l'établissement, par les municipalités ou par des troupes de théâ̂tre.

      • KCI등재

        예술비평에 감추어진 예술 : 18세기 예술비평에 의해 왜곡된 예술 형태들에 관한 고찰

        ( Raúl C. Sampaio Lopes ) 한국프랑스고전문학회 2022 프랑스고전문학연구 Vol.25 No.-

        일반 대중 혹은 관련분야에 정통한 대중이 예술을 안다고 할 때, 그 예술은 일반적으로 예술비평을 통해서 접근 가능한 수준으로 국한된다. 예술비평은 본질적으로 문학적 장르라고 할 수 있으며, 특히 유럽에서는 대중에게 전시회가 공개되면서 그 중요성이 부각된 18세기부터 발전되었다. 그런데 예술비평은 오로지 회화 장르를 최고 자리에 두면서 예술의 현실에 대해서 큰 관심을 두지 않는 이론적 성찰들과 공모하여 이루어졌고, 이는 예술에 대해 우리가 갖는 이미지를 상당 부분 왜곡시켰다. 이러한 점을 인식하며 본고에서 견지하는 점은 프랑스 낭만주의 이전의 예술을 바라보기 위해서는 상기한 편견들을 버려야 한다는 것이다. 또한 당시 건축 이론에서 상급 카테고리에 위치했던 것은 ‘장식’이었으며, 이 분야의 예술가들은 동시대인들에게 충분히 그 가치를 인정받았다는 점을 환기하는 것이다. 오늘날은 연구가 다양해지고, 이제 ‘장식예술’이라 불리는 이 예술의 중요성을 다시 조명하고 있는 추세이다. 특히 18세기 프랑스에서 절정기를 맞았던 가구와 관련된 모든 종류의 예술이 여기에 포함되며, 이는 당대 회화나 조각만큼 아름다운 예술의 형태였음을 알 수 있다. L’art que connaît le grand public ou même le public éclairé se réduit en général à celui que lui a rendu accessible le genre essentiellement littéraire de la critique d’art, qui ne se développe en Europe qu’à partir du dix-huitième siècle avec l’importance prise par les expositions publiques. Or celle-ci a développé une connivence avec la peinture et des réflexions théoriques menées sans souci excessif de la réalité de l’art en train de se faire autour d’elle qui ont considérablement biaisé notre image de l’art. Après avoir fait ce constat, l’article défend l’idée qu’il faut se défaire de ces préjugés pour regarder les arts d’avant le romantisme, notamment en France, et se rappeler qu’alors la décoration était une catégorie noble de la théorie architecturale et que les artistes qui s’y adonnaient étaient reconnus à leur juste mérite par leurs contemporains. Aujourd’hui, les études se développent et les éditeurs commencent à redonner de l’importance à ce qu’on appelle désormais l’art décoratif et en particulier à tous les arts du meuble, qui ont connu une floraison en France au XVIIIe siècle au moins aussi belle que celle de la peinture ou de la sculpture.

      • KCI등재후보

        L’Allégorie de la Régence d’Anne d’Autriche peinte en 1648 par Laurent de La Hyre (1606-1656), ou comment négocier picturalement le langage allégorique

        Raul Sampaio Lopes 한국프랑스고전문학회 2012 프랑스고전문학연구 Vol.15 No.-

        본고는 알레고리를 다룬 회화작품을 분석하기 위해 미술사에서 참고로 삼는 자료들을 소개하는 것을 목적으로 삼는다. 그 대상이 되는 작품으로 로랑 드 라 이르의 1648년 회화작품인 <안느 도트리슈의 섭정 알레고리>를 선정하였고, 이 작품의 분석에 필요한 자료로 세자레 리파의 저서, 화가들의 알레고리 사용에 대한 당대의 증언들을 참고자료로 삼았다. 로랑 드 라 이르의 이 작품은 1648년에 제작된 것으로 루브르미술관의 소장 작품임에도 현재는 베르사이유궁에 전시되어 있다. 작품의 출처에 대해서는 정확히 밝혀지지 않았으나 아마도 보다 더 규모가 큰 장식의 일부였을 것으로 추정된다. 로랑 드 라 이르(1606-1656)는 일반대중에게는 잘 알려지지 않은 프랑스 화가이지만 17세기 회화사에서 차지하는 중요성은 결코 간과할 수 없다. 제2세대 퐁텐블로 학파의 계승자인 라 이르는 자신의 방대한 예술적, 문학적, 학문적 소양에 힘입어 퐁텐블로 학파의 영향을 뛰어넘기에 이른다. 그렇게 해서 환한 색채의 회화, 정연한 회화를 고안해 내면서 인간과 자연에 대한 시(詩)에 자리를 내어준다. 본고에서 필자가 하나의 예시로 삼은 <안느 도트리슈의 섭정 알레고리>에서, 라 이르는 리파에 의해 코드화된 알레고리 규범들을 참고로 하면서 자기 작품 안에 그 요소들을 구성하며, 때로는 여러 가지 알레고리의 교차된 의미들을 중복시킴으로써 리파의 코드들을 자신이 얼마나 능숙하게 다루는지 보여준다. 이 작품의 분석을 통해서 알 수 있는 것은 다음 세 가지이다. 첫째, 작품의 주제 면에서, 평화와 풍요의 원천인 왕권이야말로 프랑스에 영향력을 행사하는 권력이라는 점, 둘째, 라 이르는 자신이 참고한 자료들의 규범에 제약받지 않고 자유롭게 활용할 수 있었다는 점, 셋째, 작품 주문자가 누구였는지 밝힐 수는 없으나 궁정의 인물이었을 것임을 추정할 수 있게 한다는 점이다.

      • KCI등재
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        로랑 드 라 이르의 <안느 도트리슈의 섭정 알레고리> : 알레고리 언어의 회화적 수용방식에 관하여

        ( Raúl Sampaio Lopes ) 한국프랑스고전문학회 2012 프랑스고전문학연구 Vol.15 No.-

        본고는 알레고리를 다룬 회화작품을 분석하기 위해 미술사에서 참고로삼는 자료들을 소개하는 것을 목적으로 삼는다. 그 대상이 되는 작품으로 로랑 드 라 이르의 1648년 회화작품인 <안느 도트리슈의 섭정 알레고리>를 선정하였고, 이 작품의 분석에 필요한 자료로 세자레 리파의 저서, 화가들의 알레고리 사용에 대한 당대의 증언들을 참고자료로 삼았다. 로랑 드 라이르의 이 작품은 1648년에 제작된 것으로 루브르미술관의 소장 작품임에도 현재는 베르사이유궁에 전시되어 있다. 작품의 출처에 대해서는 정확히 밝혀지지 않았으나 아마도 보다 더 규모가 큰 장식의 일부였을 것으로 추정된다. 로랑 드 라 이르(1606-1656)는 일반대중에게는 잘 알려지지 않은 프랑스화가이지만 17세기 회화사에서 차지하는 중요성은 결코 간과할 수 없다. 제2세대 퐁텐블로 학파의 계승자인 라 이르는 자신의 방대한 예술적, 문학적, 학문적 소양에 힘입어 퐁텐블로 학파의 영향을 뛰어넘기에 이른다. 그렇게 해서 환한 색채의 회화, 정연한 회화를 고안해 내면서 인간과 자연에 대한 시(詩)에 자리를 내어준다. 본고에서 필자가 하나의 예시로 삼은 <안느 도트리슈의 섭정 알레고리>에서, 라 이르는 리파에 의해 코드화된 알레고리 규범들을 참고로 하면서 자기 작품 안에 그 요소들을 구성하며, 때로는 여러 가지알레고리의 교차된 의미들을 중복시킴으로써 리파의 코드들을 자신이 얼마나 능숙하게 다루는지 보여준다. 이 작품의 분석을 통해서 알 수 있는 것은 다음 세 가지이다. 첫째, 작품의 주제 면에서, 평화와 풍요의 원천인 왕권이야 말로 프랑스에 영향력을 행사하는 권력이라는 점, 둘째, 라 이르는 자신이 참고한 자료들의 규범에 제약받지 않고 자유롭게 활용할 수 있었다는 점, 셋째, 작품 주문자가 누구였는지 밝힐 수는 없으나 궁정의 인물이었을 것임을 추정할 수 있게 한다는 점이다.

      • KCI등재

        디드로의 『1765년 살롱』에 나타난 멜랑콜리의 미학

        김선형 한국프랑스고전문학회 2020 프랑스고전문학연구 Vol.23 No.-

        Au XVIIIe siècle, la «Mélancolie» était le sujet le plus utilisé dans la littérature et l’art français. Cette notion est d’une grande valeur dans la théorie esthétique, et occupe généralement une place très importante dans le domaine artistique. Dans la peinture, les éléments de la mélancolie étaient principalement mis en valeur en termes d’aspect extérieur des personnages, mais au milieu du siècle, les artistes et les écrivains ont commencé à se concentrer sur le monde intérieur le plus profond des humains, en prêtant attention aux émotions des personnages. Ils ont impressionné les lecteurs et les visiteurs des Salons par les larmes sincères, les gestes impulsifs ou dramatiques. Diderot a découvert ces éléments de la mélancolie à travers les peintures de Jean-Baptiste Greuze, et parmi eux, les peintures de “jeunes filles” ont beaucoup ému Diderot. Dans le Salon de 1765, Diderot a examiné 「La Jeune Fille qui pleure son oiseau mort」 de Greuze et a écrit une longue critique sur ce tableau mélancolique. Pourquoi ce tableau est-il important dans son écriture? Premièrement, c’est que devant cette œuvre, le texte et les éléments visuels sont parfaitement combinés. Notre auteur imagine qu’il entre dans le tableau afin de parler avec la jeune fille et de partager la mélancolie avec elle. Deuxièmement, sa critique d’une fille qui pleure a produit une nuance particulière. Visiblement la jeune fille pleure de douleur devant un oiseau mort, mais son charme et sa sensualité sont liés à “l’érotisme”. Une telle tentative de tirer la sensualité d’une fille peut être considérée comme une nouvelle tentative artistique jamais vue par les critiques d’art contemporains. Troisièmement, Diderot donne sa propre vision de l’esthétique de la peinture et de l’écriture. En d’autres termes, sa nouvelle critique d’art fait de Diderot un critique d’art supérieur, élargit la critique d’art jusque dans le domaine de la littérature et met en évidence des éléments de “mélancolie”. Pourtant, au XIXe siècle, l’aspect mélancolique des peintures a complètement changé. Après avoir traversé la Révolution, les émotions de «Mélancolie» deviennent plus profondes et sublimes. “멜랑콜리”(Mélancolie)는 18세기 프랑스 문학과 예술에서 가장 많이 사용되는 주제였다. 이 개념은 미학 이론에서 높은 가치를 지니고 있으며, 일반적으로 예술의 탐닉에 있어서도 매우 중요한 위치를 차지하고 있다. 우리는 18세기의 멜랑콜리의 요소들을 주로 장 바티스트 그뢰즈의 작품에서 발견할 수 있는데, 디드로는 『1765년 살롱』에서 화가의 「죽은 새를 보고 슬퍼하는 어린 소녀Une jeune fille qui pleure son oiseau mort」를 미술비평가의 눈으로 예리하게 관찰하기도 하고, 관람자로서 그림을 통해 감정을 극대화시키기도 하면서 독자들이 자신과 같은 환상을 가질 수 있도록 이끌어준다. 디드로는 이를 위해 자신이 직접 그림 안으로 들어가서 소녀와 직접 대화를 나누고, 그 소녀가 우는 이유에 대해 묻는다. 그 과정에서 디드로는 소녀의 상황을 한 편의 소설처럼 꾸며내고, 그 안에 숨어있는 소녀의 관능성, ‘에로티시즘’으로까지 연결시킨다. 따라서 본 논문은 18세기 프랑스 회화에서만 나타나는 독특한 ‘멜랑콜리’의 양상과 에로티시즘과의 관련성까지 연구하는 것이 목표라고 할 수 있다.

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        프랑스혁명기 사드의 정치적 입장 : 온건주의와 반자코뱅주의

        이충훈 한국프랑스고전문학회 2018 프랑스고전문학연구 Vol.21 No.-

        Sade révolutionnaire ou Sade opportuniste ? L’interprétation des œuvres de Sade dépend de sa position politique pendant la Révolution française diversement appréciée par les lecteurs et leurs partis idéologiques. Certes, au début de la Révolution grâce à laquelle Sade s’est délivré 12 ans après sa détention, Sade s’attache au club monarchique fondé par Stanislas de Clermont-Tonnerre et Pierre-Victor Malouet. La position de ceux-ci consiste à soutenir la monarchie constitutionnelle et le bicamérisme à l’anglaise. Et Sade appuie leurs idées modérées et réformées aussi. Après la fuite de Varennes et la Prise des Tuileries, change pourtant l’activité politique sadienne dans la section des Piques. Le citoyen Sade prend de manière audacieuse et militante le ton jacobite auquel il voulait une haine mortelle c’est ce qu’il disait à son avocat Gaufridiy. Le changement de ton et de doctrine chez Louis Sade doit-il être regardé comme une « autodéfense » contre la Terreur ? Nous proposons une autre interprétation : Sade cache son ironie et sa méfiance envers les deux parties majeures composant l’Assemblée constituante sous son éloquence patriotique et électrisée, et non sa propre position clandestine et hostile aux principes partagées pendant la Révolution française. Il se montre toujours prudent face à l’excès des politiques et il s’indigne de façon impartiale contre toutes les violences qui dévastent non seulement son domaine héritier mais encore l’idéal de la Révolution.

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