디지털 텍스타일 프린팅을 활용한 컴퓨터 텍스타일 패턴 디자인 개발에 관한 연구

박서린(Park, Suh Rin) 한국조형디자인학회 2005 조형디자인연구 Vol.8 No.2

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한국 문화 산업의 중요성 이 부각되고 있지만 외국인의 한국 문화의 인지도는 매우 낮은 수준이며 , 현재 한국의 문화 컨텐츠 관련 산업의 수준도 낮은 편이다. 온라인상의 한국의 문화상품은 대부분 전통적인 문화상품에 국한되어 있고, 다양성이 부족한 상황으로, 외국인들에게 정확한 한국 문화를 인지시키기 어렵다. 철저한 고증을 통한 전통 문화상품의 개발과 현재 한국문화를 보여줄 수 있는 수준 높은 문화상품이 요구되며 문화상품 개발의 다양한 접근이 필요하다 최근 개인주의적 성향과 소비의 고급화 경향이 강해지고 있고 개인의 취향에 적극적으로 대처할 수 있는 맞춤형 상품의 성공적 사례가 늘 어나고 있다 이러한 시대적 흐름에 따라본 연구는 디지털 텍스타일 프린팅을 활용한 경험 디자인과 취향 디자인의 방향을 제시하고있다. 경험 디자인은 소비자의 경험과 디자인 경험 과정을 통한 디자인 전개방식이며, 소비자의 직접적인 참여가 요구되어 진다 취향 디자인은 디자이너가 철저하게 소비자의 취향을 분석하여 소비자에게 취향에 맞는 디자인을 컨설팅 해주는 디자인 방식이다. 이 두 방식을 통해소비자의 요구에 맞는 섬유 문화상품의 개발 방향을 마련하고자 한다. Amid the growing importance of the cultural industry, the recognition of Korean culture among foreigners remains at a low level and so does the cultural contents- related business in Korea. As most cultural goods available online are limited to traditional products and they still lack diversity, foreigners hardly appreciate the values of Korean culture. In this situation, Korea needs to develop traditional goods based on in-depth historical studies and high- quality products that can reflect modem Korean culture. For this purpose, we need to explore diverse approaches. As the individualistic and high- quality preference of contemporary consumers has been getting stronger, there is an increasing number of successful cases of custom- ordered products that can effectively match the demands of individuals. To keep up with changing times, this study sheds light on the future of expenence design and taste design using digital textile printing. Experience design prominently features that it is based on each consumer's experience and consumers are directly involved in the process of making designs. Taste Design is that a designer completely analyzes each consumer's taste and produce designs accordingly. Through these two approaches, the study intends to lay the foundation of the development of fabric cultural goods that can meet the changing consumer demand.

프랙탈 기하학의 조형원리를 적용한 장신구 디자인 연구

손지민(Son Ji min), 황인철(Hwang In chul) 한국조형디자인학회 2017 조형디자인연구 Vol.20 No.1

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장신구는 과거에 권력과 주술을 상징하는 수단에서 현대에 이르러서는 인간의 미적욕구를 충족시켜주는 개성 표현의 수단으로, 의미가 확장되고 있으며 오랜 세월동안 인간과 함께한 역사성이 있다. 특히 오늘날에는 사용자의 취향에 맞는 장신구를 선호하게 되면서 조형성이 강조되어졌다. 따라서 본 연구는 장신구 디자인의 새로운 조형성을 향상시키기 위해 새로운 조형원리를 제공하고자 한다. 이에 따른 조형원리는 자연을 모티브로 하며, 다양한 조형성 도출이 가능한 자연 속의 프랙탈 현상을 선택하였다. 프랙탈 이론은 현대에 이르러서야 컴퓨터의 발달로 체계가 잡혀, 막연한 존재였던 자연 현상이 분석과 설명이 되면서 여러 분야에 활용되었다. 예술은 현시대를 반영하기에, 현대의 첨단과학이 발견한 자연 현상의 새로운 조형형태를 디자인으로 발전시킬 당위성을 갖는다. 새로운 조형원리를 위해 이론적 바탕으로는 프랙탈 기하학의 이론과 조형원리를 살펴보았다. 이론은 만델브로, 쥘리아 집합 등을 통해 정리하고, 프랙탈 기하학의 조형성(자기유사성, 불규칙성, 비선형성)과 그 속에 있는 조형원리(반복, 중첩, 왜곡)를 분석하였다. 이러한 프랙탈 기하학이 현시대에서 응용되는 사례를 정리하였고. 또 장신구 디자인에 활용된 사례들을 찾아 분석하여 디자인 적용 가능성을 확인하였으며, 여기서 고찰한 조형적인 특성들을 새로운 장신구 제작에 응용할 수 있도록 개념과 조형적 효과를 정리하였다. 프랙탈 기하학은 자연을 수학적으로 분석하고 탐구하였으나, 다양하고 독특한 조형성으로 인해 장신구 제작에서 디자인의 모티브 역할을 충분히 한다. 인간의 미적욕구가 사라지지 않는 한, 장신구는 조형예술로서 계속된 변화가 필요할 것이다. 그리하여 새로운 조형개념을 통해 다양한 디자인 창출을 시도하고 제작자가 이를 수용할 것을 본 연구를 통해 기대해본다. Jewelry were used as a means to symbolize power or incantation in the past, but now, the meaning of them has been extended and they are used to satisfy our aesthetic needs and exhibit our personality. Historically, they have been with human beings for a long period. Particularly, today, users prefer jewelry fitting their taste, and formativity has become emphasized. Here, this study is going to present new formative principle in order to enhance new formativity in jewelry design. Formative principle takes nature as its motif and has selected fractal phenomena within nature from which a variety of formativities can be extracted. In this age, fractal theories have come to obtain the system with the development of computer technology. Natural phenomena deemed to be obscure previously have come to be used in many areas being analyzed and explained. Since art reflects the time, it has the appropriateness to develop the new forms of natural phenomena discovered by advanced science in this age into some sort of design. For new formative principle, this author examined as theoretical grounds the fractal theories and formative principles of fractal geometry. This researcher arranged fractal theories with Mandelbrot and Julia sets and analyzed formativity in fractal geometry (self-similarity, irregularity, nonlinearity) and formative principle within that (repetition, overlapping, distortion) to discover the effects of expression, for example, unity, stability, dynamism, and space creation. This study found and analyzed the cases applying it to formative works and jewelry design and discovered the possibility of applying it to design. To apply the formative characteristics considered here to designing new jewelry, this author arranged the concepts and formative effects. Although fractal geometry analyzed and explored nature mathematically, for its diverse and unique formativity, it plays enough roles as a motif in designing jewelry. Unless humans' aesthetic needs disappear, jewelry need constant changes as formative arts. This author expects that with new formative concept, designs will be tried diversely, and producers will accept it.

일루미네이션디자인을 통한 디자인 교육 실행 연구 : 성경 텍스트를 활용한 디자인 교과목 개발 사례를 중심으로

김수화(Kim Sue hwa) 한국조형디자인학회 2015 조형디자인연구 Vol.18 No.4

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본 연구는 부산크리스마스트리문화축제의 일루미네이션디자인 개발 프로젝트를 통해 성경의 텍스트를 활용하여 디자인 교육을 진행한 실행연구이다. 부산크리스마스트리문화축제는 부산의 구도심인 광복동거리에서 매년 연말에 진행되는 대표적인 겨울축제로서, 일루미네이션이 주를 이루는 빛축제이다. 빛축제를 위한 일루미네이션디자인은 해당 축제의 주제와 내용적 콘텐츠를 심도있게 연구하여 이를 빛조형물의 외형에 담아내는 일이며, 형태와 색, 빛소재의 다양한 물리적 특성, 연출 등을 고려하여 디자인 하는 것으로, 디자인 교육의 새로운 콘텐츠로 적합하다. 교육의 측면에 있어서 새로운 교육 콘텐츠의 개발은 늘 필요하며 특히 창조성과 독창성이 강조되는 디자인 교육에 있어서는 더욱 그러한데, 일루미네이션에서 활용되는 빛소재의 물리적ž조형적 특성은 이를 충족시킨다. 본 연구는 2014년도 2학기와 2015년 1학기에 동서대학교 산학협력형 디자인 수업으로 진행된 '일루미네이션디자인'교과목을 통해 부산크리스마스트리문화축제를 위한 일루미네이션 프로젝트를 실행함으로서, 일루미네이션디자인을 새로운 디자인 교육 콘텐츠로 개발하고 또한 성경의 텍스트를 디자인 교육의 콘텐츠로 활용하는 아이디어를 제시하고자 하였다. 연구의 방법과 내용은 첫째로, 일루미네이션의 개념과 특성을 고찰하여 빛소재를 활용한 새로운 디자인 교육 콘텐츠로서의 일루미네이션디자인을 제안하였다. 둘째로 내용을 시각화 하는 유형의 디자인 조형 교육 콘텐츠로서 성경 텍스트의 대중성, 서사성, 소재다양성, 조형성, 스토리텔링, 창의성의 특성을 기술하였으며, 컨셉을 시각화된 외형으로 발현시키는 디자인 교육 콘텐츠로 적합성을 설명하였다. 셋째로 실행 프로젝트인 부산크리스마스트리축제의 일루미네이션 영역과 범위, 분류, 스토리텔링 전개를 서술하였다. 넷째로 일루미네이션디자인 교과목의 실행에 관하여 교육 목표와 기대효과, 교육 방법과 평가 방법, 주제와 스토리텔링 전개, 그리고 프로젝트의 실행을 통해 개발된 일루미네이션디자인의 결과물과 각 조형물의 성경 텍스트 시각화 내용을 서술하였다. 성경 콘텐츠를 활용한 부산크리스마스트리문화축제 일루미네이션 개발 프로젝트는 디자인 교육 콘텐츠로써 조형 교육 뿐 아니라 디자인을 통해 대중의 참여와 소통을 경험하는 디자인의 교육적 실천으로서의 의미를 가지며, 학생이 지역의 문화 창조에 기여하는 기회를 제공하고, 학교와 지역사회의 협업을 통하여 지역사회와 문화에 대한 자긍심을 가지게 하였다. 더불어 이 디자인 교육프로그램의 결과는 일루미네이션 산업에서의 디자인의 기여 가치를 강화하도록 제안하는 데에 기여하였다 할 수 있다. This study is based on using texts found in the Bible to build the lights in the Busan Christmas Tree Festival and applying it to the formative design education. The festival is located in the city of Busan in the Gwangbok area in a street adorned with religious landmarks. It is a classical winter festival that happens at the end of every year with the Christmas lights being the main attraction. It is necessary to do an in depth study of the theme and content of this festival in order to include those concepts in the appearance of the light sculptures. The various physical attributes, form and color, the direction and other aspects of light mu be considered to create the designs. Therefore, it is possible to say that illumination is a suitable new content for design education. There is a constant need to develop new educational content for design education in schools. Subjects of design education require creativity and originality and illumination design, studying the properties of light, contains both. In the second semester of 2014 and the first semester of 2015, the Busan Christmas Tree Festival was a project given to a design class where students needed to cooperate with firms on an "Illumination Design". This was the beginning of developing Illumination design as a new content for design education and using Bible texts was the means to learn formative design. The method and content of this study is divided into four parts. The first part, consists of the concepts and attributes of illumination to suggest illumination design as a new content for design education. The second, describes the visual contents of formative design education, such as public appeal, narrativity, variations in material use, formativeness, storytelling and creativity of Bible text use. It is an explanation and expression of a visual concept through design. The third section, analyzes the field, classification, and storytelling development of the illumination in the Busan Christmas Tree Festival. Lastly, the fourth part, describes the goals and expected results of an illumination class in design schools, the teaching and evaluation methods, and the development of themes and storytelling. Through the light festival project, visualization methods of illumination design were developed, specifically in the interpretation of Bible texts using lights. Using Bible contents in the illumination project of the Busan Christmas Tree Festival gave the students an opportunity to create a local culture. Through the cooperation of the school and local community, the students were able to gain a sense of pride for their community and culture, but was also given an opportunity to communicate with the local people while building their portfolio with a real life case. The results of this design education program which may have contributed to propose to enhance the contribution value of the design in the illumination industry.

옵티컬 패턴을 이용한 장신구 디자인의 패턴 연구

김미진(Kim, Mi-jin), 안일훈(Ahn, Il-hoon) 한국조형디자인학회 2010 조형디자인연구 Vol.13 No.4

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현대는 창의력과 다양성이 요구되는 지식기반의 사회이며 디자인의 사회라 할 수 있다. 디자인 문제가 다면적인 것에서 고도의 기술적인 것까지 범위가 넓어지고 다양해짐에 따라 디자이너의 작업 영역은 확대되었다. 디자인은 우리 생활 속에서 다양하고 광범위한 측면에서 필요로 하고 있다. 디자인은 주어진 어떤 목적을 달성하기 위해서 여러 가지의 조형요소 가운데서 의도적으로 선택하여 그것을 합리적으로 구성하는 창조활동이며 그 결과의 실체가 곧 디자인인 것이다. 다시 말해서 주어진 목적을 조형적으로 실체화하는 것이다. 입체조형 활동은 디자이너가 표현하고자 하는 의도를 구체적인 형태로 제작해 표현함으로써 상대방에게 전달하는 활동이다. 이는 기본적으로 입체에 대한 충분한 이해를 기반으로 하여 재료나 소재에 따른 적절한 조형 방법을 선택하고, 조형 원리를 응용하여 자신의 의도를 효과적으로 표현하는 것이 중요한 분제가 된다. 조형은 형식상 평면조형과 입체조형으로 구분되어지며 이것은 조형의 필수 기초과정으로 미술과 디자인에서 시각적 요소로 나타내어진다. 조형의 기본요소라고 불리어지는 점.선.면은 실제로 존재하는 구체적 대상(Concrete Objects)이 아닌, 인간이 사물의 모습을 인식하는 사유세계의 '추상적 대상(Abstract Objects)'이다. 옵티컬 패턴은 패턴의 구성으로 평면에서 입체효과로 보이는 등의 시각적 착시를 표현하는 것으로 점, 선, 면의 구성요소를 반복과 크기를 변화시키고 공간에서의 돌출, 부풀림 등을 이용하여 시각적 운동감과 움직임, 리드미컬한 역동감을 보여준다. 이러한 옵티컬 패턴에서 나타나는 다양한 시각적 구성을 이용하면 장신구 디자인에 활용 가능한 장식적 패턴과 다양한 입체조형으로 발전시킬 수 있을 것이다. 옵티컬 패턴을 이용한 장신구 디자인 연구를 위해 본 연구에서는 옵티컬 패턴의 개념을 정리.분석한 후 점.선.면으로 구성되어져 우리의 시각적 착란을 일으키는 2차원의 옵티컬 패턴을 이용하여 입체 형태로 조형화시키는 방법을 모색하고 이를 장신구 디자인의 표현 수단으로 활용하고자 한다. Today is a knowledge based society demanding creativity and variety and can be called a society of design. The scope of the design issue becomes wider from many years to advanced technology and accordingly, the work area of designers is expanded. Design is required in the various and comprehensive aspect in our life. Design is a creative activity to intentionally select one of various formative elements and reasonably compose it in order to accomplish a given purpose and its subject of its result is namely design. In other words, it is to substantiate the given purpose formatively. A cubic formative activity is an activity to produce and express the intention of designer's expression in a concrete type to transfer it to the counterpart. This basically is based on sufficient understandings of a sold and its important issue is to select a formative method appropriate to materials and apply the formative principle and efficiently express what he/she intends. Modeling is formally divided into the plane modeling and cubic modeling and this as an essential basic course of modeling is expressed as a visual factor in fine arts and design. All the things existing on the earth are 'solids' with various sides and volume in the 3 dimensional space. The point, line and side called the basic elements of modeling are not the concrete objects which practically exist but the 'abstract objects' in the thinking world that human beings recognize the appearances of things. For this formative study, this study is going to search for a method for formalize the two dimensional optical patterns and utilize it as an expression method of accessory design by arranging and analyzing the concepts of optical patterns and using the two dimensional optical patterns which cause visual distraction which are composed of the point, line and side of the basic elements of modeling.

지역정체성 반영을 위한 공공시설물 디자인 연구

이돈태(Lee, Don-tea), 최민수(Choi, Min-soo) 한국조형디자인학회 2011 조형디자인연구 Vol.14 No.1

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공공디자인과 도시브랜드의 중요성이 대두되면서 각 지역의 행정기관과 디자인계의 활동이 활발한 가운데, 우리는 디자인을 통해 지역의 정체성을 확립하고 홍보하는 다양한 결과물을 확인할 수 있다. 여러 가지 공공디자인 구성물 중 인쇄매체만의 역할이 있듯 공공시설물디자인 또한 지역의 정체성을 수렴하기 위해서는 조형디자인의 관점에서 해결해야 하는 과업과 역할이 있다. 본 논문은 지역정체성을 반영하는 공공시설물의 조형디자인 프로세스 제안 및 적용/검증을 목적으로 이 같은 과업에 일조 하는데 의의를 두고 있다. 본 연구는 공공시설물 디자인 과정에 지역의 정체성을 반영하기 위해 동반되어야 할 활동과 접근법을 제안한다. 이를 위해 기존 수도권 도시들이 정체성을 반영하고 있는 모티브 현황을 조사하여 직설화법으로의 편향과 무분별한 상징물의 사용, 시설물간의 부조화를 문제점으로 도출하였다. 해결의 방향을 선진 사례 분석을 통해 무분별한 장식 배제, 함축적인 조형의 사용, 시설물 통합 디자인으로 설정하고 이를 실천하기 위해 디자인 프로세스를 제안하였다. 제안된 프로세스는 크게 대상지의 핵심 가치 도출, 조형정체성 가설 수립 및 검증, 긍정효과 정의 및 디자인 지침 수립/전개로 이루어진다. 공공시설물의 조형요소를 지역정체성이 반영되도록 전개 과정부터 수정 보완할 수 있는 장점이 있는 이 프로세스를 특정 지역사례에 접목하여 공공시설물 디자인을 제안함으로서 가설을 검증하고자 하였다. 본 연구가 조형전개과정에서 특정 정체성과 상징성을 반영하기 위한 사례와 요소 연구로 발전할 수 있기를 기대한다. Nowadays, we can find lots of results to attempt for expressing identity of each city with design approach due to risen interest with public-design and city brand in our society. As visual communication designers take a role as design public sign with their own process, street-furniture should be designed with a view of product designer. Street furniture of reflecting identity in each city is proposed by a design process which is verified with some examples as a aim of a writing in this essay. Major problems such as ‘a representation of outspoken', ‘insensitively using symbol of identity' and ‘disharmonious design objects' are revealed by a gathering recent date of method to reflect identity for city brand. Directions of solution are set with a exclusion of decoration, implicative forms and a integrated design, through a research of pioneering instance. A proposed design process is composed with core value research, Identity Exploration of Product Element and Definition of PVI&Design Implementation, Moreover, the process that let designers can fix and develop a tentative plan to reflect identity to each product at every step is applied to a specific place to evaluate it.

독일 디자인의 정체성에 관한 연구 : 교육과 정책 분야를 중심으로

안혜신(Ahn Hye shin) 한국조형디자인학회 2018 조형디자인연구 Vol.21 No.1

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독일 디자인은 세 개의 뿌리, 독일공작연맹과 바우하우스, 울름조형대학에서 시작했다고 해도 과언이 아니다. 독일 디자인의 특성은 스타일에서 쉽게 드러나는데 매우 실질적이고 견고하며 고도의 기능주의에 입각해 기능과 형태가 매우 합리적이며 서로 간에 조화를 이루고 있다. 디자인의 역사에서 가장 영향력 있는 디자인 교육 기관으로 기억되고 있는 바우하우스는 표현주의 예술 공예에 바탕을 둔 교육기관으로 이 학교는 기계주의 철학을 예술과 디자인으로 업그레이드시켰다. 디자인의 다양한 분야에 걸쳐 영향을 미치고 있는 울름 조형 대학의 교과과정 분석을 통해 독일 디자인 교육의 정체성에 대해 살펴보고 또한 교육과 산업과 연관 있는 디자인 정책에 대해 살펴봄으로써 독일 디자인의 정체성에 대해 연구하는데 본 연구의 목적이 있다. 이를 위해 연구방법으로는 문헌연구로서 독일 디자인 교육의 시작인 바우하우스의 역사에 대해 살펴보고 바우하우스의 교과과정과 바우하우스를 잇는 울름 조형대학의 교과과정에 대해 살펴보았다. 1년의 기초과정과 3년의 전공 교과목들의 교과 목표와 내용을 분석하여 독일 디자인 교육의 정체성에 대해 살펴보았고 또한 현재 독일 대학의 교과과정의 특징에 대해 살펴보았다. 나아가 교육과 함께 독일 디자인 정책의 특징과 정책 담당기관을 살펴보고 독일 디자인의 정체성에 대해 분석하였다. 연구결과 독일 디자인은 교육과 정책 측면에서 실용성과 기능성을 중시함을 알 수 있었다. 즉 실용적 · 통합적 · 과학적 관점의 디자인 교육을 통해 디자인 방향을 주도하는 전통과 함께 교육 뿐만 아니라 정책에서도 독특한 역사와 전통, 고유한 제도와 재정 구조 등을 가지고 서로 다른 특성에 맞는 다양성을 보이고 있었다. 본 연구는 조형예술 분야에 많은 영향을 미친 바우하우스와 울름조형대학의 실질적인 교과과정에 대해 알아보고 이에 대한 가치와 의미를 재조명해보며 나아가 독일 디자인의 정체성에 대해 알아보는데 그 의의가 있다. The German design began with three roots, Deutscher Werkbund, Bauhaus, University of Ulm (Universität Ulm). The characteristics of German design are easily revealed in style, very practical and solid, and function and form are rational and harmonious with high functionalism. Remembered as the most influential design education institution in the history of design, Bauhaus is an educational institution based on expressive arts crafts. The school upgraded the mechanistic philosophy to art and design. Through the analysis of the curriculum of Ulm University of Design, which has an impact on various fields of design, the identity of German design education was analyzed. The purpose of this study is to explore the identity of German design by examining design policies related to education and industry. For this purpose, the literature on the history of Bauhaus, the beginning of German design education, and the curriculum of Design at University of Ulm, which connects the Bauhaus curriculum with the Bauhaus were reviewed. In order to examine the identity of German design education, characteristics of the curriculum of basic course and advanced courses at University of Ulm and also characteristics of the current curriculum at German universities are analyzed. In addition, characteristics of the German design policy and the institutions responsible for policy, are examined to identify of German design. As a result, it was found that German design emphasizes practicality and functionality in terms of education and policy. In addition to the tradition of leading the direction of design through practical, integrated and scientific perspectives on design, education and politics showed diversity in accordance with different characteristics with unique history, tradition, unique institution and financial structure. The purpose of this study is to examine the practical curriculum of Bauhaus and University of Ulm which have a great influence on the field of formative arts, to review the value and meaning of the curriculum, and to learn about the identity of German design.

바우하우스 조형교육의 사회적 함의 : 독일에서 미국 수용의 변화과정을 중심으로

손영경(Son Young kyung) 한국조형디자인학회 2018 조형디자인연구 Vol.21 No.1

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본 연구의 목적은 독일 본진에서 미국 수용의 시기까지 바우하우스 조형교육의 성립과 변화 과 정을 살펴봄으로써 그 재해석의 가능성을 묻는 데에 있다. 즉 변화하는 사회적 맥락 안에서 바우 하우스 조형교육은 무엇을 유지하고 무엇을 변화시켰는지를 밝히는 일을 통해 이 교육과정의 현재 적 유효성과 의미를 밝혀보고자 하다. 이에 본고는 독일 시기와 미국 시기로 나누어 그 예비과정(Vorkurs)의 변화에 초점을 맞추었다. 먼저 예비과정의 성립과 이를 둘러싼 내부 교사진들의 갈등을 다룬 Ⅱ장에서는 이 교육과정이 개 인의 창조성의 발견에서 객관적 세계와의 연결로 변화하는 구조에 주목한다. 이는 이 시기 독일의 사회적 요구 그리고 각 교사진들의 교육이념과 연동되어 기존의 아카데미즘을 극복하고 새로운 근 대적 교육체계를 구축하기에 이른다. 이후 바우하우스 교사진들의 미국 이주 이후의 활동과 성과 를 다루는 Ⅲ장에서는 기초과정(Preliminary Course)이라는 명칭으로 미국 교육제도에 수용된 바우 하우스 교육의 현장을 다룬다. 새로운 기술, 새로운 자본의 사회적 요구 안에서 바우하우스의 조형 교육은 그 제도적 변화를 받아들이되 교육의 원칙은 유지시켰다. 변화된 제도는 미국의 대학구조 안에서 제작과 생산의 실험실습 과정이 조형의 조사연구과정으로 변화된 것이고 유지된 것은 물질 과 형태에 대한 탐구는 예술실행의 근간이라는 신념이었다. 이와 같이 미국 종합대학의 학문적 조사 연구의 방법론으로 재구성된 바우하우스의 기초과정은 단순한 개인의 지적 실험의 문제만이 아닌 동시대의 의식과 가치를 시각언어로 형성하게 만드는 교육훈련이었다. 즉 각 사회적 현장 안에서 형성되는 제도와 환경 같은 물질적 조건들을 재료와 도구라는 예술의 근본적인 물질적 조건들로 관계짓는 방식들에 대한 교육론으로 기능하게 된 것이 다. 그리고 독일 본진과 미국적 수용현장들을 가로지르는 이와 같은 바우하우스 조형교육의 원칙 은 예술의 사회적 실천을 논함에 있어 반드시 고려해야 하는 지점이다. 때문에 우리 시대의 조형교육의 새로운 방향을 설정함에 있어 바우하우스의 이와 같은 수용과 이식의 역사를 이해하는 일은 과연 우리가 새롭게 설정할 예술교육의 방법론은 무엇이고 근본적으 로 유지되어야 교육철학은 무엇인지를 다시 묻는 일에 필수적으로 동반되어야 할 일일 것이다. The purpose of this study is to investigate the possibility of reinterpretation of the Bauhaus formative education from the German Institution to the US ‘. In other words, in the changing social context, Bauhaus' s formative education tried to reveal the present validity and meaning of this curriculum through identifying what kept and changed what. This paper focuses on the changes of Vorkurs in Germany and USA. In chapter Ⅱ, which deals with the formation of the preliminary process and the conflicts among the internal teachers, we focus on the structure in which the curriculum changes from the discovery of individual creativity to the connection with the objective world. The Bauhaus Education with the social demands of Germany at this time and the educational philosophy of each teacher to overcome the old academism and establish a new modern education system. In chapter Ⅲ, which deals with the activities and achievements of Bauhaus teachers since the US relocation, it deals with the field of Bauhaus education which is accepted in the American education system under the title of Preliminary Course. Within the social demands of new technology and new capital, Bauhaus' s plastic education has accepted the institutional change but maintained the principle of education. The changed system was changed from the laboratory practice of production and production to the process of research and study of form in the American university structure, and it was the belief that the exploration of material and form was the basis of art practice. The Preliminary Course of Bauhaus reconstructed as a methodology of academic research in the United States of America was not only a matter of individual intellectual experiment but also education and training that made contemporary consciousness and value in visual language. In other words, it has become a teaching theory about the ways in which material conditions such as institutions and environments formed in each social field are related to the fundamental material conditions of art, namely, materials and tools. And the principle of Bauhaus formative education that crosses the German mainland and the American receptions is a point that must be considered in discussing the social practice of art. In this regard, it is essential to understand the history of Bauhaus' acceptance and transplantation in establishing a new direction for formative education in our time. What is the methodology of art education that we will set new, and it must be maintained fundamentally, it will be an indicator of what educational philosophy is.

3D 프린팅의 디자인 특성 연구 - 패션 관련분야 제품 사례분석을 바탕으로

김현주(Kim Hyun Ju), 나현신(Na Hyun Shin) 한국조형디자인학회 2016 조형디자인연구 Vol.19 No.2

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3D 프린터는 디지털 데이터로 디자인의 영역을 확장시키고, 생산자와 소비자의 관계를 모호하게 하는 21세기의 새로운 도구로 부상하였다. 디지털 데이터를 중심으로 한 제품 설계, 시제품 제작, 제조·생산, 유통 등이 통합되며 제조업의 민주화가 이루어지는 디지털 시대의 중심에 3D프린터가 있는 것이다. 이미 3D 프린팅과 관련한 많은 연구·개발이 이루어지고 있으며, 이를 이용한 제품 역시 활발히 생산되고 있다. 본 연구는 3D 프린팅의 기술적 특성을 파악하고 이를 바탕으로 디자인적 감성이 중요시되며 패션과 연관이 있는 인테리어제품, 건축, 예술, 패션 의류 분야에서 3D 프린팅을 이용한 제품 사례를 수집·분석하여 그 특성을 도출하여 향후 패션 관련 제품 개발의 가이드라인을 제공하고자 한다. 3D 프린팅의 디자인 특성 도출 결과는 다음과 같다. 첫 번째와 두번째로 21세기 디지털 테크놀로지로 가능한 디지털 오가닉 디자인과 디지털 기하학 디자인 특성을 나타낸다. 셋째, 모든 조각들이 서로 연결되어 한번에 프린팅된 인터커넥티드 디자인 특성을 나타낸다. 넷째, 선택 및 조합 가능 범위가 확대된 모듈디자인 특성을 나타낸다. 다섯째, 첨단 장비를 활용하여 평면적 이미지를 입체적 사물로 구현하는 입체변환 디자인 특성을 나타낸다. 이처럼 3D 프린팅 제품이 가지는 외적형태뿐 아니라 그 실현 방법 및 내적 특성은 21세기가 추구하는 디자인 특성에 부합하며 디자인의 가능 범위를 더욱 확대시키고 있다. 3D printer is one of the newest technology in 21st century. It expands design area and obscures relations between producers and consumers. 3D printing technology using digital data leads democratization of manufacturing incorporating prototype, product design, manufacturing production and distribution. Many related researches and developments are in progress and/or are completed. The purpose of this study is to provide the guideline for developing 3d printing fashion design product through cases analysis of product design which are shown in interior product, architecture, art and fashion clothing areas, and the theoretical review and empirical case study were conducted. Through theoretical review, the technological principle of 3D printer and technical characteristics of 3D printing are studied and those of technical characteristics of 3D printing are classified. Also product cases relating in fashion areas are collected and analyzed as examples of success cases. As the result, design characteristic of 3D printing products are categorized five different deign types; 1) and 2) digital organic design and digital geometrical design which are only takes by digital technology, 3)interconnected design which is every piece connected with each other and printed at a time 4) module design expanding changeable range, 5) 3D conversion design which convert 2D image into a 3D product by advanced equipments. Like this, design characteristics of 3D printing are accord with design characteristics of 21st century.

한국 음식의 그릇 디자인 표준에 관한 소비자 감성 연구

한인옥(Han In ock), 임철민(Lim Chul min), 홍찬석(Hong Chan seok) 한국조형디자인학회 2018 조형디자인연구 Vol.21 No.1

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한식은 한국 음식의 경쟁력으로 꼽을 수 있는 웰빙과 더불어 고유한 맛을 위한 조리법 표준화까지 갖춰 놓았음에도 불구하고 콘텐츠의 다양성 및 디자인 개발 등의 부족은 한식 세계화의 걸림돌로 작용된다. 본 연구는 수백 년 역사 동안 전승되어 온 한식의 세계화를 위해 현대 트랜드에 기인한 디자인 표준 접근을 시도하고자 하였다. 우선, 한식의 세계화와 관련한 기초설문을 통해 한식의 콘텐츠 개발 분야 및 필요성에 대한 소비자 인식조사를 실시하였다. 먼저, 한식의 세계화와 관련한 일반인의 감성을 파악하고자 기초설문을 실시하였다. 그 결과 한식의 세계화는 국가 브랜드 제고를 위해 디자인 및 콘텐츠 개발이 시급한 것으로 조사되었으며, 한식 세계화의 문제점 요소는 디자인 및 다양성 부족으로 조사되었다. 문제점에 대한 개선은 식기 디자인 및 실내 장식 디자인 요소의 개선을 중요하게 판단하고 있는 것으로 조사되었다. 더불어 한식 세계화를 위한 방안은 정부 주도의 접근 및 지원 그리고 디자인 및 식품 계열의 학문분야의 디자인 및 음식의 연구 개발이 필요한 것으로 조사되었다. 다음으로, 기초설문 결과에서 한식 세계화를 위해 개선되어야 할 분야라고 파악된 한식의 식기 디자인에 대한 디자인 표준을 정립하기 위해 한식 그릇디자인의 소비자 상관관계분석을 통한 실증분석을 실시하였다. 상관관계분석을 위한 형용사는 14개이며 분석 후 최종 이미지를 제시하였다. 상관관계 분석결과를 종합하면 특별한, 감각적, 밝은 형용사에 대한 소비자 감성은 샘플 이미지에 대한 일치된 감성을 나타내고 있으나, 정교한의 형용사는 불분명하게 파악하고 있는 것으로 분석되었다. 따라서 관계성이 높은 감성의 형용사와 그에 대한 샘플 이미지를 참고하여 디자인에 적용된다면 사용자가 요구하는 디자인 접근이 가능할 것으로 판단된다. In addition to well-being, which can be considered as the competitive strength of Korean food, Korean food has a recipe for quasi-recipe for flavor, but lack of content diversity and design development is a stumbling block to Korean food taxation. And we tried to approach the modern trends for the globalization of Korean food that has been handed down during the past decades. First, we conducted a consumer survey on the contents development field and necessity of Korean food through basic questionnaires related to globalization of Korean food. As a result, the globalization of Korean food has been investigated due to the lack of research diversity and the urgent need for design and content development for national brand enhancement. The improvement of Korean cuisine is considered to be important for improvement of tableware design and interior design elements. Also, government support and Design and Food Department In order to establish a design standard for the dishes design of Korean food, which was identified as a field to be improved for the globalization of Korean food in the basic questionnaire results, The correlations were analyzed using 14 adjectives and the final images were presented after the analysis. Surveyors chose a coherent image of particular, Sensual, Personal, bright adjective. But the sophisticated adjectives were analyzed to be unclear. If you apply the correlation analysis to bowl design, you will be able to access the design of user require.

VMD 에서 이루어지는 협업방식과 디자인 의사결정에 대한 연구

김완임(Kim Wan im), 이연준(Lee Youn joon) 한국조형디자인학회 2018 조형디자인연구 Vol.21 No.1

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기업과 브랜드는 비주얼 머천다이징(Visual Merchandising: VMD)을 효과적인 디자인 및 마케 팅 전략으로 활용하고 있으며, 그 중요성과 범위가 넓어지고 있는 만큼 관심도 또한 높아지고 있 다. 최근, VMD는 기업과 시장에서 요구하는 특별한 가치 전달을 위해 협업을 통해 진행하며 주 목받는 경전략으로 평가받고 있다. 본 연구는 실무 VMD에서 관련된 부서 및 디자이너와 전문 가들과 협업을 이루는 방식의 관계와 구조를 파악하여, VMD의 디자인 협업 방향을 제시하고자 한다. 구체적으로 VMD의 디자인 협업에서 이루어지는 디자인 의사결정의 문제점을 파악하고, 상 호 커뮤니케이션 방식에 대한 관점 차이를 파악하고자 한다. 본 연구의 목적을 이루기 위한 연구 방법은 VMD 실무자 10명을 중심으로 VMD업무에서 협업 의 방식과 디자인 의사결정의 방법 및 프로세스를 중점으로 반구조화 심층 인터뷰(in-depth interview)를 활용하으며, 진행한 인터뷰 내용을 자료화한 후 자료를 분석하여 도출된 개념을 토 대로 주제 분석(thematic analysis)방법을 활용하여 연구하다. 연구의 분석을 통해 VMD의 디자인 협업 및 의사결정에 있어 다음 결과를 도출할 수 있었다. 첫째, VMD는 디자인 협업 관계에 있어서 디자이너와 전문가의 소통방법이 중요하며 정확한 의사 전달을 통해 디자인을 공유할 수 있어야 하며, 디자인협업 관계는 브랜드 아이덴티티의 가치를 높여주는 성과로 연결될 수 있어야 한다. 둘째, VMD의 디자인 협업 안에서 디자인 의사결정은 의 사결정자의 리더십에 따른 책임에 따라 다르며, 디자인 결정 과정에서 자신의 의사 표현을 확실히 할 수 있어야 한다. 셋째, VMD의 프로세스에 있어서 협업과 의사결정에서 발생하는 디자이너와 매장 사이의 상호작용은 즉각적인 문제해결을 할 수 있어야 한다. 마지막으로 VMD에서 협업방식 은 참여자 간의 신뢰도를 중요하게 여기지만, 실제 의사 결정에 있어서는 직관적인 의사결정 방법 에 의존하고 있다. Companies and brands are using Visual Merchandising(VMD) as an effective design and marketing strategy and with the rise in the importance and domain, the concern over VMD is growing. Recently, VMD is conducted through collaboration for delivery of special values, demanded by enterprises and markets and rated as a notable management strategy. This study aims to suggest a direction of VMD design collaboration by examining the relation and structure of collaboration among VMD-related divisions, designers, and experts. To put it concretely, this study analyzes problems of design decision making in VMD design collaboration and differences of perspective on mutual communication methods. For achieving the purpose of this study, a semi structured in-depth interview with 10 workers in charge of VMD was conducted, focusing on collaboration styles, design decision making methods, and processes in VMD work. After creating data about the interview results, they were analyzed and thematic analysis was performed, based on the concept extracted. In relation to VMD design collaboration and decision making, the following results were obtained. First, for VMD design collaboration, a method of communication between designers and experts is important, design should be shared through an accurate expression of opinions, and design collaboration has to lead to an increase in brand identity value. Second, for design decision making in VMD design collaboration, decision makers have to take responsibility for decision making with leadership, and there should be a clear expression of opinions. Third, an interaction between designers and shops during collaboration and decision making of VMD processes should resolve problems immediately. Lastly, collaboration in VMD puts importance on trust among participants, but in practice, this relies on intuitive decision making.