새 패러다임, 학교예술교육과 예술영재교육의 과제

주성혜(Joo Sunghye) 한국예술종합학교 한국예술연구소 2021 한국예술연구 Vol.- No.34

“누구나 예술가이다.”라는 21세기 예술교육의 국제적 구호에 동참하고자 하는 학교의 예술교육은, 재능있는 아이를 대상으로 하는 예술영재교육과 함께 철학 및 접근법이 대조적인 우리 예술교육의 법적·사회적 두 영역이다. 이들은 교육의 대상도 추구하는 인재상도 교육자에게 요구되는 역량도 달라 보이지만, 무엇을 어떻게 가르칠 것인가라는 문제와 관련된 과제를 안고 있다는 공통점이 있다. 학교예술교육의 현장에는 매력있는 구호에 제대로 호응하지 못하는 교수·학습의 질에 대한 고민이 만연하고, 관습적 교수법을 고수하는 예술영재교육은 조기교육과 차별화되는 교육과정의 정립을 법 제도 출발 후 이십 년이 되도록 미루고 있다. 좀처럼 해결되지 않는 두 영역의 문제 앞에서 이 글은 문제의 정체성을 재탐색 한다. 학교교육의 새로운 도전이 성공하기 위해서는 절실하다면서도 간과되는 교육참여 예술가의 교수전문성이 무엇보다도 확보되어야 하고, 누구나를 위한 이 예술교육의 연구와 개발은 흥미롭게도, 특별한 아이를 위한 예술영재교육에서 역시 질적 완성도를 위하여 반드시 필요하다. The school arts education that subscribes to the international trend “Everyone is an artist”, is very different from gifted arts education in both philosophy and approaches. As the main categories of the arts education of Korea in legal and social aspects, these two arts educations are distinct from each other in their intended audience, ideal talent, and required qualifications for educators. However, they share common concerns about what and how to teach. Concerns over education quality is pervasive in school arts education, while the traditional approaches for the gifted procrastinates developing curriculum to distinguish itself from early child education over two decades. This article reexamines the source of these unsolved issues. I argue that it is imperative that the artist’s ‘teaching expertise’ adapt to the new approaches in school arts education and suggest progressive approaches for the gifted, which reflect the global trend.

예술교육의 토대로서 ‘철학함’

박연숙 한국예술종합학교 한국예술연구소 2018 한국예술연구 Vol.- No.20

현행의 예술교육은 입시 위주 교과목에 밀려 명맥을 겨우 유지하고 있거나 소수 전공자를 위한 수월성 위주의 사교육이 대부분이다. 그러나 예술교육이 우리 사회의 무감각(anesthetic)을 일깨우고 개인과 사회의 활력을 불러 오는, 인간으로서의 삶을 살아가는 데에 매우 중요한 경험이라는 것을 깨닫는다면 재능 있는 소수가 아닌 모두를 위한 새로운 예술교육으로 변모되어야 할 것이다. 삶을 위한 새로운 예술교육으로 나아가기 위해 본고에서는 존 듀이의 철학을 근간으로 한 맥신 그린의 예술교육 사상을 고찰하고자 한다. 그린의 예술교육은 심미적 경험을 통해 ‘널리 깨어 있음(wide-awakeness)’을 얻어 삶의 의미를 찾는 것을 목표로 한다. 이러한 예술교육은 상상력과 사고력을 바탕으로 질문하고 대화하는 탐구의 과정의 철학교육의 한 방법이다. 이는 예능교육이나 작품에 대한 지식 교육을 중시한 전통 예술교육과 차별화되는, 비판과 성찰을 기반으로 자아 성장을 위한 삶을 위한 예술교육이며 ‘철학함(doing philosophy)으로서의 예술교육’이다. The current paper offers a guideline for transforming arts education into that for the wider society by first examining the concepts of ‘the arts’ and ‘education’ through the lens of John Dewey’s philosophy, then contemplating upon Maxine Greene’s philosophy of arts education. At the heart of Maxine Greene’s arts education is the objective of finding the meaning of life through ‘wide-awakeness’ which, in turn, is achieved through aesthetic experiences. Within this frame of thought, arts education itself is a process of inquiry. Such a process is, in effect, the methodology of philosophy education or ‘doing philosophy,’ that is based upon conversation and inquiry. This methodology of philosophy education that is a part of ‘doing philosophy’ can lead to a system of arts education that provides for everyone an awakening of the mind, fostering of creativity, and an ensuing life of vitality.

정신보건학 관점에서 예술분야의 창의성과 양극성장애에 대한 고찰 - 예술 직업군을 대상으로

서주연 한국예술종합학교 한국예술연구소 2023 한국예술연구 Vol.- No.42

한국의 문화예술은 날이 갈수록 발전하고, 이의 주체인 예술인들은 사회, 경제, 정치 등의 다양한 분야에서 활동하고 있으나 이들의 정신적․심리적 측면에 대한 인지와 지지가 부족하다. 본 연구는 정신보건학적 관점에서 예술분야의 창의성과 양극성장애에 관련된 연구를 살펴봄으로써 예술인의 정신적․심리적 측면의 이해를 돕고 그들의 정신건강의 중요성을 강조하고자 한다. 예술인의 창의성과 양극성장애는 유사한 특징을 공유하고 있다. 선행 연구를 통해 예술 직군의 사람들이 양극성장애와의 연관성이 높고 정신과적 질병에 취약할 수 있음을 확인 할 수 있었다. 최근 연구는 이러한 특성을 효과적으로 활용하고 조절할 때 창작 수행력을 높일 수 있는 긍정적인 면을 가지고 있음을 보여주고 있다. 하지만 이를 인지하지 못하고 양극성장애의 증상이 악화되는 경우에는 일상생활과 예술활동에 지장을 초래하고 질병으로 이어질 수 있다. 그러므로 예술인 창의성의 특징을 이해하고 정신건강을 관리하는 것이 필수적이다. 나아가 모든 사람이 건강하게 예술을 향유하는 문화적 환경을 조성하기 위해서는 예술인 개인뿐만 아니라 대중, 국가적으로 예술과 정신건강을 궁극적으로 이해하려는 노력이 필요하다. Korean culture and arts continue to advance, and artists are active in various fields. However, there is a lack of understanding and support for their mental aspects. This study aims to help understand and emphasize the importance of mental health for artists by researching artistic creativity and bipolar disorder from a public mental health perspective. People employed in artistic professions are more closely associated with bipolar disorder. Recent research indicates that regulating these characteristics on enhancing creative performance. However, failing to recognize these characteristics and allowing the symptoms of bipolar disorder to worsen can disrupt daily life and artistic activities, leading to illness. Therefore, understanding the characteristics of artists and managing their mental health is essential. Furthermore, to create a cultural environment, efforts are needed not only from individual artists but also from, the public, and the nation to ultimately understand art and mental health.

AI 시대, 예술적 창조와 미적 감수성에 관한 재해석 그리고 예술교육에의 소고

김경화(Kim Kyounghwa) 한국예술종합학교 한국예술연구소 2024 한국예술연구 Vol.- No.44

예술의 (자기)성찰로서의 독일 낭만주의 - 프리드리히 슐레겔의 낭만주의 이론과 루드비히 티이크의 『금발의 에크베르트』를 경우로

김진환 한국예술종합학교 한국예술연구소 2023 한국예술연구 Vol.- No.39

This article examines German Romanticism as a possible answer to the question of how to understand the existence of ‘art’. As Benjamin argued, the subject and object of reflection in Romanticism is art itself. Conventionally understood, art is created by ‘genius’ artists and the act of reflection is performed by artists or professional critics. However, the art that Romanticism refers to is beyond human control. Art itself contains meta-theories. In other words, it is art itself that ‘critiques’. The first half of this paper will examine the main concepts of romantic theory. What should be paid attention to is the effect rather than their meaning. In the second half, we look at how these conceptual elements are revealed in Tieck’s work. The journey of the main characters resembles the way romantic concepts work. So Eckbert is a work that embodies the uniqueness of romanticism, the (self-)reflection of art. 이 글은 어떻게 ‘예술’의 존재를 이해할 수 있는지에 대한 하나의 가능한 답변으로 독일 낭만주의의 사유를 살핀다. 벤야민이 주장한 것처럼 낭만주의에서 성찰의 주체이자 대상은 예술 자체다. 종래의 이해에 따르면 예술은 천재적 예술가가 창조해 낸 것이고, 비평/성찰 행위 또한 예술가 또는 전문적 비평가가 해야만 한다. 이때 도덕적 가치판단은 이미 전제되어 있다. 하지만 낭만주의가 말하는 예술은 인간의 통제를 벗어나 있다. 예술은 그 자체가 자신에 관한 이론을 담고 있다. 예술 자체가 예술론이고 예술을 ‘비평’하는 것 또한 예술 자신이다. 이러한 예술이해를 따라가기 위해 전반부에서는 낭만주의 이론의 주요 개념들을 살핀다. 이때 주목하는 것은 그것들의 의미보다 작동방식 또는 효과다. 후반부에는 이 개념소들이 티이크의 작품에서 어떤 방식으로 드러나는지 살핀다. 동화 속 주인공들의 모습은 낭만주의 개념소들의 작동 방식과 닮아 있다. 즉 『에크베르트』는 예술의 자기성찰이라는 낭만주의의 특수성을 체현해 보이는 작품이다.

예술의 개념과 대문자 시- 하이데거의 예술론 고찰

이재훈 한국예술종합학교 한국예술연구소 2024 한국예술연구 Vol.- No.46

본 연구는 시에 대한 하이데거의 관점을 통해 예술의 개념을 살피는 것을 목적으로 한다. 하이데거는 예술이 현실을 넘어서서 진리와 관계 맺는 것으로 보고, 도구, 사물, 작품이라는 개념을 순차적으로 파악하여 예술을 개념화한다. 이때 하이데거는 모든 예술이 본질적으로 시라고 선언한 후 예술이 어떻게 아름다움일 수 있는지, 또한 그 아름다움이란 무엇인지를 ‘시 짓기(Dichtung)’로 설명한다. 여기서 시란 언어예술의 한 가지에 불과하지만, 의사소통이라는 언어의 도구적인 쓰임새를 벗어난 본질적인 쓰임새로 이야기된다는 점에서 대문자 시에 가깝다. 그러니까 시는 의미를 주고받는 쓰임새로 쓰이지 않는 본질적인 언어로서, 이러한 시의 구조가 바로 예술이다. 즉, 하이데거에게 예술은 도구가 아닌 사물처럼 존재함으로써 진리의 막힘없는 상태를 드러내는 아름다움의 현장인 셈이다. This study aims to examine the concept of art through Heidegger’s perspective on Poetry. Heidegger posits that art is a truth that transcends reality, and conceptualizes art through tools, objects, and works. He famously declares that all art is essentially Poetry, and explains how art can be ‘aesthesis’, and what it signifies, through the act of ‘Dichtung’. Here, poetry while a specific genre of linguistic art, is also close to Poetry with a capital letter in that it function of language as communication. Therefore, Poetry is an essential use of language that is not used for the exchange of meaning, but reveals Poetry is art. In conclusion, for Heidegger, art is an actual event where by revealing the unobstructed state of truth, aesthesis occurs by existing as an object rather than a tool.

아마추어 예술가와 일상생활의 심미화

김보름 한국예술종합학교 한국예술연구소 2020 한국예술연구 Vol.- No.28

예술시장에서 아마추어 예술가의 활동이 확대되면서 생산자와 소비자, 혹은 창작자와 향유자라는 이분법적 도식으로는 더 이상 아마추어 예술가의 역할과 활동의 변화를 설명하기 어려워졌다. 본 연구는 이러한 예술시장의 변화 흐름에 착안하여 페더스톤(Featherstone)이 주장한 ‘일상생활의 심미화(aestheticization of everyday life)’ 이론을 중심으로 아마추어 예술가는 ‘예술하기’의 과정에서 어떠한 경험을 하며 그러한 경험이 의미하는 바는 무엇인지 알아보고 예술시장에서 시사하는 점을 살펴보았다. 연구결과 아마추어 예술가가 ‘예술하기’를 시작하는 계기는 각각 다르게 나타났다. 유년기나 청소년기의 예술경험이 계기로 작용하는 경우도 있지만, 성인기에 이르러 건강증진이나 원만한 대인관계의 필요성 등 실용적인 동기로 시작한 경우도 있었다. 어떠한 계기로 시작하였건 아마추어 예술가는 ‘예술하기’를 통해 삶과 예술에 대한 인식 변화가 일어나고 예술적 성취감을 경험함으로써 점차 예술가로서의 정체성을 형성해 나가며 아마추어 예술가의 삶의 변화 가운데 페더스톤(Featherstone)이 주장한 ‘일상생활의 심미화’ 현상을 발견할 수 있었다. In the arts industry, the identity of arts producers and consumers increasingly overlap and their roles are becoming harder to differentiate. Arts consumers are no longer the passive consumers of arts products that they once were. Instead consumers of the arts actively participate in the creative process or even become producers themselves. This paper views the process of the amateur artist's artistic practice through the lens of Featherstone's theory of the aestheticization of everyday life with the aim of identifying the amateur artist's experiences, the value of those experiences, and the consequences for the arts industry. It is common for an amateur artist to create his or her identity as an artist by experiencing various artistic achievements. Amateur artists develop themselves as their awareness and life experiences also change and evolve. Art is central to their lives and influences all aspects of their lives. The change of an amateur artist's life through their artistic practice can be explained by the aestheticization of everyday life as described by Featherstone.

초등학교 학부모의 예술 사교육에 대한 인식 연구

이송하 한국예술종합학교 한국예술연구소 2022 한국예술연구 Vol.- No.38

This study explores the significance of private tutoring in the arts for elementary school parents. To this end, we tried to find the essential meaning formed in the lived experience of individual and social relationships by returning to the ‘Sache selbst’ of elementary school parents through phenomenological research methods. Our findings show that arts private tutoring have a different pattern of participation from other subjects. Receiving private tutoring in the arts during elementary school is the foundation for enriching the quality of life as children grow up, a phenomenon accompanied by parents’ love and responsibility. Furthermore, it was also a tool for achieving academic achievement. It is worth noting that elementary school parents had great anxiety about falling behind in private tutoring. As mothers shoulder the burden of after-school education, parents expressed a hope that the quality of arts education would develop in public education. 본 연구는 초등학교 학부모가 인식하는 예술 사교육의 의미를 탐구하는 데 목적이 있다. 이를 위해 현상학적 연구방법으로 초등학교 학부모의 개인과 사회적 관계의 체험 속에 형성된 본질적 의미를 찾고자 하였다. 연구 결과, 예술 사교육은 엄마의 예술경험과 좋은 삶을 위한 목적, 학교 교육의 회의적 시각이 복합적으로 혼재되어 있었다. 특히, 초등학교 예술 사교육은 자녀가 성장했을 때 삶의 질을 풍성하게 할 수 있는 기반으로써 부모의 사랑과 책임이 동반되는 현상이기도 하지만, 학업을 성취하기 위한 도구이기도 하였다. 한편, 초등학교 학부모는 학교 교육이 아닌 사교육에 뒤처지는 것에 대한 불안감이 컸다는 것에 주목할 필요가 있다. 이러한 논의를 기반으로 학교 예술교육의 내실화를 제언하였다.

문화예술교육사 제도의 근원적 문제점에 관한 고찰 - 국가주체가 인식하는 예술(가)의 존재의미는 무엇인가

이우영 한국예술종합학교 한국예술연구소 2019 한국예술연구 Vol.- No.24

The purpose of this thesis is to question the issues of the Arts & Culture Education Instructor certification system, established in 2012. One positively received aspect of the current Arts & Culture Education Instructor certification system is that it provides a more systematic and formal approach to cultural arts and arts education. However, the Arts & Culture Education Instructor certification can be obtained simply by attending lectures as a college credit. In effect, this certification system is one in which anyone may be accredited, while adding an additional certification fee, which could be argued is nothing more than an additional tax on artists. It is crucial to reflect on this employment system that admits anyone with licenses and certifications to the world of art, convincing ourselves that it is fair, even, and reasonable to do so. We need to ask ourselves if that is the appropriate evaluation method. 본 논문의 목적은 2012년부터 시행된 문화예술교육사 제도가 가지고 있는 불합리성에 관한 고찰에 있다. 본 제도의 시행 주체가 긍정적으로 전제하고 있는 사안 중 하나는 ‘자격증’이라는 외피를 두른 제도적 개념과 ‘문화예술’, 그리고 ‘예술교육’이라는 모호한 직무군들의 결합인 것이다. 그러나 문화예술교육사는 단순한 학점 이수제에 의한 강의 수강 방식 취득이며, 이는 언제 누구라도 열려있는 자격제도라는 의미와 동시에 모든 이에게 공평하게 추가 교육료를 요구하는 국가 주도의 ‘예술인 과세제도’라는 인식을 지울 수 없다.

신규 문화예술교육사의 현장교육경험에 대한 고찰 - 음악 분야 문화예술교육 현장을 중심으로

이수진,신지혜,정주연 한국예술종합학교 한국예술연구소 2019 한국예술연구 Vol.- No.25

본 연구는 신규 문화예술교육사들이 경험한 교육현장의 의미와 이들이 전문 인력으로 성장하는데 필요한 요건을 파악하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 문화예술교육 프로그램에 참여한 신규 문화예술교육사 3인과 콘텐츠 연구진 3인을 대상으로 프로그램 사후간담회 일지, 개별 면접, 연구진 성찰 일지를 연구 도구로 사용하여 자료를 분석하였다. 본 연구의 결과 및 논의점을 요약하면 다음과 같다. 신규 문화예술교육사들은 교육현장을 경험하면서 예술적 전문성이나 교수 방법보다 학습자에 대해서 고민하고 이를 해결하고자 하는 태도를 보였으며, 문화예술교육에 대한 진로를 탐색하기 시작하는 등 긍정적인 태도를 보였다. 하지만 신규 문화예술교육사들은 문화예술교육의 본질과 목적, 방향성 등에 대한 이해가 부족했으며, 이들이 연주자로서가 아닌 교육자로서의 역량을 강화할 필요가 있음을 발견하였다. 신규 문화예술교육사들이 전문 인력으로 준비되기 위해서는 문화예술교육사 교육과정이 더욱 체계적이고 실질적인 방향으로 실행되어야 하며, 교육현장에서도 이들을 추가적으로 지원해줄 필요가 있음을 제언하였다. This study aims to better understand the purpose of new arts & culture education instructors (ACEIs)’ on-site teaching experience and the necessary requisitions for their professional development in this field. Data from three new ACEIs and three content researchers have been collected for the purpose of analyzing their program discussion meetings, individual interview, and researchers’ reflection journals. When ACEIs experience actual in-class teaching, they spend more time thinking about their relationship with the students rather than their own artistic professionalism or teaching methods. They actively show a desire to address this issue. In particular, ACEIs reveal positive attitudes, such as seriously exploring a career in arts & culture education. However, research results also indicate that new ACEIs fall short in their understanding of arts & culture education’s basic philosophy, purpose, and direction. Therefore, there is a need to strengthen their capacity as educators rather than as performers. In conclusion, for ACEIs to become professionals in their fields, education courses for arts & culture teachers must first incorporate a more systematic and practical approach. Second, there must be a system to also provide them with additional support in their on-site teaching fields.