향토영화 또는 다큐멘터리 경계의 확장

배상준(Bae, Sang-Joon) 한국영화학회 2012 영화연구 Vol.0 No.52

The documentary film has been accepted in the past as a genre, that should possess the marginal position in the cinematheque or night program of the TV. Because the spectators have avoided the documentary film on the grounds, that the enlightening intention and the social critical viewpoint of the film are excessively educative or just boring. But some documentary films recently appear, that are playing in mainstream theaters and get even a commercial success. This new status of documentary film can be founded I the german cinema. The most proper example for this is 〈Full Metal Village〉(2007) by Sung-Hyung Cho, Korean women director, who lives as an immigrant in Germany. This film shows ‘Wacken’, a small village in the north of Germany, and the story focuses on the ‘Wacken Open Air’, the most popular heavy metal concert worldwide. But this film is not a report on heavy metal music, this is a documentary about cultural tradition of a ‘good petit bourgeois’ and beauty of the country. And this documentary film is about the gaze of a stranger that stands to the cultural coexistence after the collision between folksy devicefulness and crazy music(-fans). This documentary film is above all interesting because the director, as can be seen in the intro, define her work as a ‘Heimatfilm’. But the ‘Heimatfilm’ belongs to the typical fiction genre, not to the documentary genre. Therefore this film should be studied in the point of view, how it in process of asking about cultural identity discloses the identity of the documentary genre, and how it in procedure of describing of the coexistence of traditional culture and counterculture tries an alternative approaching to the documentary genre. Thus the director, Sung-Hyung Cho, suggests whit her work an alternative from the perspective of expansion of documentary genre definition.

짐 자무쉬의 장르유희

배상준(Bae, Sang-Joon) 인문콘텐츠학회 2016 인문콘텐츠 Vol.0 No.42

본 논문은 짐 자무쉬의 영화를 장르문법의 전복과 창의적 유희라는 관점으로 바라보았다. 자무쉬는 미국 사회의 풍요로움 뒤에 감춰진 스산한 정서를 매우 인상 깊게 엮어내는 인디영화의 선구자다. 그의 영화를 독창적으로 만드는 것은 바로 전통적인 장르문법의 유희다. 그는 독립영화의 정신에 영화미학적 뿌리를 심어둔 채, 다양한 장르의 서사관습과 이미지를 인용하고 창의적으로 혼합 및 교열함으로써 전통적인 장르문법을 패러디하고 양식화한다. 이때 새로운 관계성으로 얹힌 장르요소의 종합은 유희적 의미지시의 관점에서 그 파편의 단순합보다 더 큰 효과를 지닌다. 자무쉬의 장르유희적 영상필체가 절정에 달한 작품은 <데드 맨>(1995)과 <고스트 독>(1999)이다. <데드 맨>은 동양의 윤회사상과 서양의 인디언 문화에 대한 철학적 사색이지만, 동시에 미국의 영화사를 열었던 장르를 향한 냉소적 제스처까지 내포하고 있는 포스모던 웨스턴이다. <고스트 독>은 상이한 장르적 요소를 뒤섞은 ‘갱스터 사무라이 힙합 이스턴 웨스턴’이다. 이 장르 혼합물은 이질성을 바탕으로 하는 미국 문화의 정체성을 아이러니하게 제시한다. 이 영화들은 장르문법의 교환의 가능성을 포함하고 있는 일종의 제안이며, 하나의 유연한 파편의 덩어리다. 자무쉬의 장르유희는 장르의 재생산을 통한 영화의 범주화를 지양할 뿐만 아니라, 예술영화와 장르영화를 고급문화와 저급문화로 구분하는 진부한 가치서열을 파괴한다. 자무쉬의 영화는 이 과정에서 새롭게 호명되고 현실화되는 하나의 문화적 통찰력으로 기능한다. This study analyzed Jim Jarmusch’s image-handwriting from the perspective of the subversion of the genre grammar and its creative play. Jarmusch is the pioneer of the indie-film who weaves impressively the bleak sentiment behind the plenty of american society. It is the play on the traditional genre grammar which makes his films ingenious. He plants the film-aesthetic roots in the spirit of the indie-film and parodies and stylizes the traditional genre grammar by quoting, creative mixing, and revising the narrative convention and images of various genres. At this moment, the synthesis of the genre elements on a new relationship carries more effect from the perspective of genre-play than the simple total of its fragments. Jarmusch’s image-handwriting of the genre-play reaches its peak in <Dead Man>(1995) and <Ghost Dog>(1999). <Dead Man> is not only a philosophic speculation about the oriental concept of reincarnation and the american indian culture but also a ‘post-modern Western’ which involves a cynical gesture to the first genre in the history of the cinematography. <Ghost Dog> is the ‘gangster samurai hip-hop eastern western’ which mixed up the various genre elements. This genre mixture suggests ironically the identity of the american culture founded the ethnic heterogeneity. This films are a kind of suggestion and a flexible mass of fragments which includes the possibility of interchanging. Jarmusch’s genre-play sublates the categorization of films through the reproduction of genres as well as destroys the trite value hierarchy which assorts the art film and the genre film into high culture and low culture. Thus, Jarmusch’s film functions as cultural insight which will be in this process newly indicated and realized.

라이너 베르너 파스빈더의 기존해석에 있어서의 한계점과 그 대안에 관한 고찰

배상준 ( Sang Joon Bae ) 韓國獨語獨文學會 2006 獨逸文學 Vol.99 No.-

SF 영화의 다문화(주의)적 시선

배상준(Bae, Sang-Joon) 한국영화학회 2014 영화연구 Vol.0 No.59

〈District 9〉(2009), the first feature film of Neill Blomkamp, is a SF movie produced in Hollywood, but has extraordinary value which deviates from the frame of the existing mainstream genre. Because 〈District 9〉has moved the typical elements of the genre SF from the future universe in the third world environment and so presents a new direction of SF movie. South Africa, spatial background of the film, is now being recognized as the land of hope and unity, but at the same time the dual structure by rampant poverty, unemployment and crime is firmly embedded in society. The cause could be found in the apartheid, in the historical political tragedy. The director, born in South Africa, would experience the apartheid policy in the childhood directly or indirectly. Therefore 〈District 9〉 could be seen as a SF movie which shapes the historical and political issues experienced by director in the process of growth. Actually, film criticism estimates the political allegory or historical implications of the film. But this study analyzes 〈District 9〉 through the perspective of multicultural look, not in the historical political frame of analysis. In this study would be considered how the (cultural-)subject in the movie gazes the stranger/others(-culture) and the multi-cultural look is shaped. Above all, the multi-cultural look here is a framework to interpret the encounter with the inferior aliens which performs essential narrative properties of SF genre. The result of analysis offers that 〈District 9〉, not only SF(science fiction) but also SSF(social science fiction), reflects the real problems of our multi-cultural society through an open ending.

시청각적 유사성의 패턴을 이용한 영화의 장면전환 - 상황, 형상 그리고 사운드를 중심으로 -

배상준 ( Bae Sang Joon ) 한국언어문화학회(구 한양어문학회) 2012 한국언어문화 Vol.0 No.48

The film is the spatio-temporal media, so the narrative of film is the battle against time and goes with the movement of space. The director inserts vitally various cutaway techniques for the transformation between lots of scenes. Some film theorists use the transition scene, namely the cutaway mixed with the `editing` or `montage`. But the cutaway means literally only the technique for the crossing between `scene and scene`. The purpose of this paper is to explain the cutaway techniques over the pattern of similarity. The connecting between `shot and shot` within a homogeneous unit of space-time in the sense of editing therefore would be excluded from the object of this study. A magnificent cutaway transcends time and space, moves ahead with the narrative on logic, produces a new meaning, and delivers this sometimes symbolically, sometimes figuratively. There are various techniques for the cutaway as a filmic apparatus, this study however would be focused on the pattern of similarity. The concept of pattern of similarity includes the plasticly relationship between the precedent scene and the following scene, the continuity of the narrative situation and the continual probability of sound. Thus, this cutaway over the pattern of similarity could be divided up into three categories, namely the similarity of situation, shape and sound. Sure, the division of the three categories could not guarantee the clearness, and many directors use that often mixed with the other optical techniques, for example fade in/out or dissolve. However, the cutaway techniques under the conception of the pattern of similarity create the internal and external rhythm in film and emotional effects. In addition to that, it could contribute to the cinematic mediality of the effective delivery of the implicated messages.

한국영화의 독과점과 인력양성의 문제

배상준(Bae Sang Joon) 인문콘텐츠학회 2012 인문콘텐츠 Vol.0 No.27

2012년에 유난히 돋보였던 한국영화의 양적 성장은 영화독과점과 문화독재에 대한 논란을 불러일으키고 있다. 왜냐하면 2편의 ‘천만 영화’라는 신기록의 달성이 거대자본을 앞세운 배급·투자사 및 이와 결탁된 극장업자의 영화독과점에 의한 것이기 때문이다. 이 과정에서 저예산 영화 및 독립영화와 같은 ‘다양성 영화들’은 균등한 상영기회를 부여받지 못하기 마련이며, 이러한 영화산업의 생태계는 젊은 창작인력들이 제작현장에서 설 자리를 빼앗는 결과를 초래하게 된다. 따라서 본 연구는 한국 영화산업의 독과점이라는 문제점을 지적하고, 이를 교육기관에서 양성되는 창작인력의 제작현장에서의 자리매김을 저해하는 현실과 연관 지었다. 결론적으로 젊은 영화인력이 창작능력을 발휘할 수 있는 영화산업의 생태계를 마련해야 하며, 그들의 작은 영화를 위한 보호장치의 일환으로 상영을 보장하는 새로운 제도를 도입해야 할 것이다. 이러한 생태계 구축은 영화제작현장의 열악함을 개선하는데도 일조할 것이다. The quantitative Growth of korean film in 2012 causes a controversy on the monopoly and oligopoly in the film industry, because the new record of ‘two ten million audiences-korean films’ in a year has been established through the capitalistic investors and big distributors and specially the multiplexes. In this process, low budget films and independent films, also the diversity-films can’t take a equal screening opportunity. This ecosystem of film industry leads to crisis in the producing field, where young creative talents loose their footing. This article aims to study the problem of monopoly and oligopoly in korean film industry, and attempts to connect it to the human resource development. In conclusion, ecological system which supports the young talents and their diversity films is urgently required by policy.

<그래비티> - 사실주의적 SF 영화의 형식주의적 해석

배상준(Bae, Sang-Joon),정수완(Jung, Soo-Wan) 동국대학교 영상미디어센터 2017 씨네포럼 Vol.0 No.26

SF 영화는 과학기술이라는 소재와 공상적 이야기라는 모티브를 통해 관객을 지구상의 상식과는 다른 시공간으로 초대하는 장르다. 따라서 이 장르에는 미래비전에 대한 인간의 관념과 인류의 불확실성에 대한 고민 등이 담겨있기 마련이다. 이러한 관념은 우주전쟁 이후의 비참한 인간상을 통해 제시되거나 또는 유토피아적으로 설계되어 있던 인류의 모형사회가 묵시록적으로 그려지기도 한다. 하지만 본 연구는 알폰소 쿠아론 감독의 〈그래비티〉(Gravity, 2013)를 이러한 관습적 SF 장르가 지닌 상투성을 탈피한 영화라는 관점으로 바라보았다. 이 분석의 관점은 사실주의적 SF 영화의 형식주의적 해석을 축으로 한다. 〈그래비티〉는 우주에서 실제로 발생 가능한 재난서사를 매우 단출하게 제시한다. 여기에 혁신적인 카메라 기법은 실감나는 우주공간의 유연한 창출에 기여한다. 하지만 감독은 이 사실주의적 외연을 한 SF 영화에 삶과 죽음에 관한 은유를 가진 형식주의적 미장센을 구축했다. 생과 사의 다양한 상징은 사실적 영상과의 절묘한 조화 속에서 기호작용을 일으키며, 이를 통해 실존적인 메시지가 창출된다. 이는 영화기호학적 관점을 통해서 그 해석의 지평이 확대될 수 있다. 이를 통해 영화는 단차원적인 생존분투기보다는, 내면의 어두움을 품은 자아가 새로운 세상으로 깨어 나오는 과정을 시각화하고 있음을 밝혀낼 수 있다. 그 기호화된 과정은 첫째, 딸을 잃은 후 방향성을 상실한 삶을 살던 주인공이 우주공간에서 소통을 통해 삶의 의지를 되살리고, 둘째, 인간관계를 상징하는 중력에 이끌려 생명의 모태인 지구로 귀환하며, 셋째, 양수와도 같은 호수의 물속에서 무중력을 위한 우주복을 벗어던지고 지상의 삶으로 복귀하여 재탄생하는 한다는 것으로 요약할 수 있다. 영화는 이를 통해 삶은 단지 인간관계의 회복과 지속이라는 사실을, 그리고 인생은 성취가 아닌 생존만으로도 그 가치가 있다는 초심을 회복케 한다. 따라서 〈그래비티〉는 인간의 중력을 향한 회귀본능을 새로운 시각적 체험 안에 녹여냈다는 측면에서 매우 특별한 SF 영화라 할 수 있다. This study analyzes Alfonso Cuaron’s Gravity(2013) in the perspective of the SF movie which deviates from the conventional genre patterns. The kernel of this analyzing perspective is constructed on the formalistic interpretation of a realistic SF movie. 〈Gravity〉 presents a realistic disaster story in space in a highly simple narrative structure. The innovative camera walking here contributes to the flexible creation of a realistic space. However, the director builded in this realistic SF movie formalistic mise-en-scenes with various metaphors for life and death. The divers symbols in the exquisite balance with the realistic images cause plentiful semiotic interactions and create existential messages. The horizon of this interpretations could be expanded through the perspective of film semiotics. This analysis examined that Gravity visualized not the unidimensional survival story in space but the process of rebirth in a new world of the ego with inner darkness. This semiotic process could be summarized: first, the heroine who lived a life without an orientation recalls the will to really live through a interactive communication in space, second, she is taken along through the gravity as human relationship to the earth as the body of life, third, she takes off the spacesuit for the weightlessness in the lakewater as amniotic fluid and returns to the life on earth. Gravity is a special SF movie because it concentrates the human instinct of return to the gravity on an unprecedented visual experience.

DMB 전용 콘텐츠로서의 디지털 초단편 영상

배상준(Sang Joon Bae) 한국방송·미디어공학회 2007 방송공학회논문지 Vol.12 No.5

영화 속 의상기호에 관한 연구

배상준(Sang-Joon Bae) 한국의상디자인학회 2012 한국의상디자인학회지 Vol.14 No.3

〈도가니〉(황동혁, 2011)와 〈부러진 화살〉(정지영, 2012)

배상준(Bae, Sang Joon) 한국영화학회 2013 영화연구 Vol.0 No.55

〈Silenced〉(2011) visualized an infringement upon personal rights of hearing-impaired children, and 〈Unbowed〉(2012) showed the anguish of the weak against the gigantic authority of the judicature. This study’s aim is to analyse this two films, which caused the social phenomenon of the self-questioning for the judicial system in korea. Above all, this two films based on fact created the reality dispute. However, the film, both as media and as art, should be recognized by the filmological discourse and especially by the genre criticism focused on the courtroom drama. Therefore, this paper attempts to approach this two films from the perspective of genre ‘courtroom drama’ and its film grammar. According to kuzina’s categorization of courtroom drama, the courtroom (or legal) drama means the dramatic fiction about crime and civil litigation, and includes as subtypes ‘courtroom whodunit’, ‘legal/justice thriller’, ‘lawyer film’, ‘juryroom drama’, ‘courtroom comedy’, ‘court-martial drama’, ‘social issue courtroom drama’ and so on. In addition to this subgerens, there is also hybrid forms. 〈Silenced〉 falls under the subgenres ‘social issue courtroom drama’ and ‘legal/justice thriller’, and 〈Unbowed〉 is affiliated to the subtypes ‘social issue courtroom drama’ and ‘lawyer film’. In this work, this two films are called as korean hybrid courtroom drama, which cause active communications in our society and independent discussions about the judicial arrangements. In other words, the large courtroom drama audiences form spontaneously a social consensus, and this phenomenon works as a huge observational power toward the society.