트롱프뢰유 기법과 거울 반사 효과의 조형 표현 연구

김정지,남유진 사단법인 한국조형디자인협회 2022 조형디자인연구 Vol.25 No.1

현대 조형예술의 표현 양식은 다양한 매체를 활용하여 보다 복합적인 양상으로 발전되고 있다. 거울은 오늘날 가장 일상적인 물건이면서도 신비롭고 창조적인 힘을 가지고 있다. 다양한 시각 매체를 다루는 현대 조형예술에서 거울은 매력적인 소재이자 모티브 중 하나로, 반사면에 표현된 이미지는 시각적 유희와 호기심을 자극하는 착시의 개념을 넘어 환영의 공간을 표현하고 현실과 가상을 매개하는 매체로 작용한다. 본 연구에서는 초현실주의의 대표적인 표현기법 중 하나인 트롱프뢰유의 의미를 현대 조형예술에서 반사 매체를 활용한 거울의 착시 효과를 통해 재해석하고자 하였다. 현대 시각 예술의 매체 변화에 따라 트롱프뢰유의 의미를 확장하는 데 목적을 두고 트롱프뢰유 기법과 반사효과를 활용한 작품들의 공통된 조형 요소를 도출하여 이를 통해 현대 조형예술의 표현 영역과 조형적 가능성을 확장하고자 하였다. 트롱프뢰유의 유형과 표현 특성에 따라 사실주의적 표현, 다시점과 이중적 이미지, 공간의 확장으로 분류하고, 반사 물질을 사용하여 물리적 현상과 착시를 강조하는 미켈란젤로 피스톨레토, 다니엘 뷔랑, 아니쉬 카푸어, 올라퍼 엘리아슨의 작품을 살펴본다. 이를 기반으로 반사효과를 활용한 현대 조형예술의 공통된 표현 특성을 세 가지, ‘사실주의적 표현에 의한 시각적 유희성’, ‘이중적 이미지에 의한 감각경험’, ‘공간의 확장에 의한 전회’로 나누어 분석하였다. 본 연구에서 탐구한 거울을 활용한 예술작품과 트롱프뢰유 기법의 표현 방식은 풍부한 해석과 가능성을 보여주며 앞으로 창의적인 조형예술의 발전에 응용되길 기대해 볼 수 있다. The expressive style of contemporary art becomes more complex using various media. Mirrors are the most common objects today, but they have mysterious and creative powers. In contemporary art dealing with mixed visual media, mirrors are one of the attractive materials and motifs. The image expressed on the reflective surface goes beyond the concept of optical illusion that stimulates visual enjoyment and curiosity. It also acts as a medium to express a space of illusion and mediate reality and virtuality. This study reinterprets the meaning of trompe l'oeil, one of the representative expression techniques of surrealism, through the optical illusion effect of a mirror using a reflective medium in contemporary art. The common formative elements of works were derived to expand the meaning of trompe l'oeil following the changes in the medium of modern visual art. We extend the expressive area and possibilities of contemporary art through this. According to the type and expression characteristics of trompe l'oeil, it is classified into realistic expressions, multi-views and dual images, and spatial expansion. It also examines the works of Michelangelo Pistoletto, Daniel Buren, Anish Kapoor, and Olafur Eliasson, who use reflective materials to emphasize physical phenomena and optical illusions. Based on this, the common expression characteristics of contemporary art using reflective effects are divided into three categories: visual enjoyment through realistic expressions, sensory experience by dual images, and return by an expansion of space. The works of art using mirrors and the expression method of the trompe l'oeil technique explored in this study show rich interpretations and possibilities, and they are expected to contribute to the development of creative arts.

자아 표현 매개로서의 핸드백 조형 연구

김정지,변수민 사단법인 한국조형디자인협회 2023 조형디자인연구 Vol.26 No.4

Today, objects have various semantic systems beyond the purpose of use. In particular, in a consumer society, individuals express their identity through the consumption of objects, of which handbags are deeply related to social images that mainly reveal individual status as a means of showing off. However, handbags form a close relationship with the owner's daily life as a necessity that is widely used in the area of women's lives. Moreover, the fact that it shows different patterns depending on the use or the context of the owner shows the potential as a medium of self-expression that can reflect various aspects of individuals in the trajectory of life rather than being limited to social images. In this regard, it can be seen that the current handbag is closely related to the self in a semantic dimension beyond the functional dimension of simply containing and carrying objects. Thus, this study aims to explore the individual's ego aspect related to handbags through the relationship between self and handbags. In addition, based on this, we want to analyze the formative characteristics of handbags through work cases and consider their artistic value, and present a new perspective as a subject of modern visual art, away from the existing uniform perspective.

물질 기반의 생태적 디자인 표현에 관한 연구

김정지,김미선 사단법인 한국조형디자인협회 2022 조형디자인연구 Vol.25 No.3

Mankind has used the resources of the earth since industrialization. The development of technology has made human life more convenient and comfortable, but the problem of environmental pollution has been neglected due to the side effects of industrialization. Recently, however, the trend toward the environment has focused on eco-friendly policies such as eco-sobre, which has various policies on materials, to the extent that complex words with eco-friendly meanings are created. In This study, ecological design based on eco-friendly materials was considered from an ecological perspective. The research focused on Neri-Oxman's development of eco-friendly materials, extracting materials from natural materials, and creating a single sculpture through the process of change. Also, I would like to investigate newly developed design products based on materials called bio-plastics designed to biodegrade plastics that are pointed out to be environmentally harmful and harmful to ecosystems. Although Neri-Oxman's work originated in natural ecology, concepts formed by changes in material expression are based on complex thinking such as digital design, digital technology, material engineering, and synthetic biology. The purpose is to promote diversity of representation of shapes and shapes through material-based expression methods that combine art and science through an ecological approach of matter and design in an infinite cycle of nature. 인류는 산업화를 기점으로 지구의 자원을 사용해 왔다. 기술의 발전이 인간의 삶을 더 편리하고 쾌적하게 만들어 주었지만, 산업화로 인한 부작용으로 환경 오염 문제는 외면되어 왔다. 그러나 최근 환경을 생각하는 흐름은 에코소브레(Ecosobre)처럼 친환경적 의미를 담은 합성어가 생겨날 정도로 물질에 대한 다양한 정책으로 친환경에 집중하고 있다. 본 연구는 생태학 관점에서 환경친화적인 물질을 기반으로 하는 생태적 디자인에 대해 살펴보았다. 친환경적인 물질을 개발하고, 자연에서 영감을 얻은 재료에서 소재를 추출하여 그 변화에 따른 프로세스로 하나의 조형물을 제작하는 네리 옥스만의 작업을 중심으로 조사하였다. 또한, 환경 오염과 생태계의 악영향으로 지적되고 있는 플라스틱을 생분해하기 위해 고안된 바이오 플라스틱이라는 소재를 바탕으로 새롭게 개발된 디자인 제품에 대해서 알아보고자 한다. 네리 옥스만의 작업은 자연생태학에서 비롯되었지만, 물질 표현의 변화로 형성된 개념은 디지털 디자인 · 디지털 기술 · 재료공학 · 합성 생물학 등의 복합적 사고에 바탕을 두고 있다. 본 연구는 그의 작업을 중심으로 끝없는 자연의 순환 속에서 물질과 디자인의 생태적 접근을 통해 예술과 과학을 융합한 물질 기반 표현 방식에 따른 조형 표현의 다양성을 알리는 데 목적이 있다.

An Analysis of Plato's Theory of the Soul

김정지 계명대학교 인문과학연구소 1983 동서인문학 Vol.0 No.15

산 적응된 Escherichia coli O157:H7와 Shigella sonnei의 열, 삼투압, 산성 pH에서의 내성 비교

김정지,양승국,오세욱 한국식품영양과학회 2011 한국식품영양과학회 학술대회발표집 Vol.2011 No.10

공예적 사고와 디지털 제작의 혼성(混成) 연구 - 요리스 라만(Joris Laarman)의 작품을 중심으로 -

김정지 한국디자인트렌드학회 2020 한국디자인포럼 Vol.25 No.4

Background The entry from industrial society to the information age is accelerating, the culture and values of design and crafts are changing as well as the changes in our daily lives. The creative fusion of digital production technology, art, and crafts opens up endless possibilities for expressing the formative language of a new era. By investigating and researching the characteristics of Dutch designer Laarman's work, this study examines the aspect of contemporary design culture and proposes it as an example of an innovative symbiotic relationship between technology and craft. Methods To understand the historical background, I examined the impact of the development of digital technology, including the First Industrial Revolution, on traditional crafts. I also examined the development of information technology and the meaning of crafts during the Fourth Industrial Revolution, represented by 3D printing. Rahman was a prime example of this, and he examined the artist's philosophy and projects in detail. Result After the Industrial Revolution, the design of simple and geometric shapes developed by modernists is transforming into a fluid and informal shape with the development of digital technology. At the same time, the heyday of the production culture is coming, in which small production spaces are activated and creative ideas are realized. The creative activities of amateur craftsmen, not traditional craftsmanship concepts, are also emerging as a new trend. Laarman's design is a combination of digital production technology that symbolizes a new craft concept, and shows infinite possibilities for creative production that was difficult to realize by hand. Conclusion The present digital age does not make crafts obsolete, but offers new possibilities for both craftsmen and designers. Just as the pioneers of modernism developed an aesthetic inspired by industrial technology, new discourses on the hybrid craft values in the digital age is needed. 연구배경 산업사회에서 정보화 시대로의 진입이 가속화되며 우리의 일상생활의 변화는 물론 디자인 및 공예의 문화와 가치도 달라지고 있다. 디지털 제작기술과 예술 그리고 공예의 창의적인 융합은 새로운 시대의 조형언어를 표현할 수 있는 무한한 가능성을 열어준다. 네델란드 디자이너 라만의 작품의 특징을 조사 연구하여 현대 디자인문화의 단면을 살펴보고 기술과 공예의 혁신적인 공생관계의 사례로 제안하고자 한다. 연구방법 역사적인 배경의 이해를 위하여 1차 산업혁명을 비롯한 디지털 기술의 발달이 전통 공예에 끼친 영향을 살펴보았다. 또한 정보기술의 발달과 3D 프린팅으로 대변되는 4차 산업 혁명 시대의 공예의 의미를 고찰했다. 이를 위한 대표적인 사례로 라만을 들어 작가의 철학과 프로젝트들을 구체적으로 조사하였다. 연구결과 산업혁명 이후 모더니스트 중심으로 발전된 단순하고 기하학적인 형태의 디자인이 디지털 기술의 발전으로 유동적이고 비정형적인 형태로 변모되고 있다. 동시에 소형제작공간이 활성화되어 창의적인 아이디어들이 실현되는 제작문화의 전성기가 도래하고 있다. 전통적인 장인의 개념이 아닌 아마추어 공예가의 창작활동도 새로운 트렌드로 부상하는 시대이다. 라만의 디자인은 새로운 공예 개념을 상징하는 디지털 제작 기술의 결합이며, 수공으로만은 실현하기 힘들었던 창의적인 제작을 할 수 있는 무한한 가능성을 보여 준다. 결론 현재의 디지털 시대가 공예를 낙후시키는 것이 아니라 공예가와 디자이너 모두에게 새로운 가능성을 제공한다. 모더니즘을 신봉했던 선구자들이 산업 기술에서 영감을 받은 미학을 발전시켰듯이 디지털 시대의 혼성적인 공예 가치에 대한 다양한 담론이 필요하다.

하이 디자인(High Design)컨셉을 통한 현대 디자인 문화 연구

김정지 한국기초조형학회 2012 기초조형학연구 Vol.13 No.6

In the era where concepts and emotions precedes materials of consumption, design is considered as a communication tool. In the past, design was the mere process of solving the problems but under sentiment-oriented era, it becomes a source of satisfying people's desire. The competitive power in business was lied in the technology in 70’s and the design was understood as a styling of the appearance of products. However, the design has become more important means to get the competitive power in business since 1980. World busiave found the fact that it has a super competitive power to make the product’s performance as well as its dignity rather than it is to determine the product’s external view or color. Phillips, one of the world’s leading producers of electronic products, appointed Stefano Marzano, a Senior Director in 90’s. He established a high design concept, working on the strategic futures to get customer-oriented and for successful commercialization. Cultural creation in high design is mediated through design culture. Alessi/Stark brands show possibilities of providing a more spectacular versions of the process of the wider marketplace and bigger picture of value creation. In the case of high design, this is just more intensely concentrated into the aesthetics or performance of the object but also into particular orientations. 과거의 소비자가 제품이 제공 하는 기능을 통하여 육체적인 만족을 얻는데 초점을 두었다면 현대의 소비자는 제품의 이미지를 구매하여 정신적인 욕구를 만족 시키는 데에도 큰 의미를 두고 있다고 볼 수 있다. 이를테면 물리적인 기능뿐 아니라 상품의 상징적인 요소의 소유를 통해서 타인과 차별화되는 가치가 중요시되는 소비문화로 바뀌고 있는 것이다. 1970년대까지만 해도 기업의 경쟁력은 기술에 근간을 두고, 디자인의 역할은 제품 외관의 스타일링이나 시각적인 요소의 향상정도로 인식되었다. 그러나 1980년대 이후 세계적인 기업들은 제품의 성능은 물론 품격을 만들어 내는 것이 필요하다는 것을 인식하게 되었다. 세계적인 다국적기업 필립스의 경우도 디자인 정책의 변화는 이와 같은 현상을 반영하여 1990년대에 디자인 책임자 스테파노 마르자노(Stefano Marzano)를 영입하여 하이 디자인(High Design)의 개념을 만들고 고객 지향적이면서 상업적인 성공을 할 수 있는 미래전략을 강구하였다. 본고에서는 스탁의 즙착기의 예를 통하여 제품의 기본적인 기능을 부정하면서도 소비자의 또 다른 욕구를 효과적으로 충족시키는 사례에 주목하면서, 하이디자인에 대한 이해를 사회적, 경제적, 문화적 요소로서의 통합적인 디자인 개념으로 분석하였다. 기존의 시장과는 차별화된 새로운 시장으로의 진출과 경쟁 상품보다 우월한 추가적인 가치를 창출함은 물론, 디자인의 선도적, 계몽적 역할을 수행하는 가능성을 제안한다.

아리스토텔레스의 예술론에 있어서 비극의 기능으로서 카타르시스 성

김정지 계명대학교 인문과학연구소 1984 동서인문학 Vol.0 No.16

빅토리아 시대 감성적 주얼리의 상징적 표상 연구

김정지 사단법인 한국조형디자인협회 2023 조형디자인연구 Vol.26 No.4

It examines the history, cultural background, and meaning of symbolic jewelry for love and mourning, which was popular in England in the 18th and 19th centuries. By examining various examples of sentimental jewelry that have been used to mark the journey of human life, such as courtship and marriage, farewell to loved ones and mourning over death, this paper aims to analyze them in relation to the modern consumerist cultures that seek emotional satisfaction based on the theories of contemporary cultural theorist Colin Campbell (1940-), The historical background of how sentimental jewelry became popular is as follows. First, the marriage culture of the 18th century developed from the socioeconomic solidarity between the families of the previous era to the bond based on the affection of one man and woman. Second, under the influence of the Romantic movement that arose against the rationalism of the Enlightenment, it was taken for granted to express feelings of love and sadness naturally, and it became fashionable to give and receive small symbolic gifts. Third, the concept of modern consumerism, in which the essential activity of consumption is more important than material value, is the imaginative enjoyment of a product has been developed. With such a social background, sentimental jewelry that expresses love and loss of a loved one through romantic words, hearts, flower language, and symbolic representations such as specific jewels, animals, and body images became popular. The various examples examined in this thesis argue that sentimental consumption was centered on the middle class during the Victorian era, and that jewelry was at the center of it.

롯데월드타워의 건축 디자인 요소를 응용한 문화상품 개발 연구

김소라,김정지 한국상품문화디자인학회 2022 상품문화디자인학연구 Vol.70 No.-

The objective of the present study is to invigorate the industry of developing products with motifs based on architectural design elements by exploring cases of cultural product development that utilized the design of Lotte World Tower; this building is currently the tallest building in South Korea and the fifth tallest building in the world, in addition to being one of Seoul’s most famous landmarks. As part of the research method, this study first examined the history and content of the tower’s design and conducted an analysis by dividing the tower’s formative design elements into three types based on reference materials and various reports and press releases. Second, this study explored the development objectives of cultural products that are sold at tourist destinations such as symbolic buildings or important landmarks. Third, cultural product development researches were selected by limiting them to cultural goods that used Lotte World Tower’s architectural design as a motif and cultural goods sold at the Seoul Sky Observatory, that occupies the 117th to the 123rd floors of the tower. The study was conducted based on development reports, product catalogues, field studies, and related news articles. The results of this study highlighted the following characteristic of cultural products that use architectural design motifs: these products can be continuously used in real life by using content descriptions or symbols while excluding existing souvenir images as much as possible; additionally, this study showed that various striking visual expressions are a result of collaboration of product developers with designers and artists. The present study aimed to theoretically systemize of cultural product development that utilize the aesthetic beauty and architectural design of Lotte World Tower, and to present the potential of creating high-value cultural products. 본 연구는 현재 대한민국에서 가장 높고 세계에서 5번째 높은 건물이며 서울의 대표 랜드마크 중 하나인 롯데월드타워의건축 디자인을 활용한 문화상품 개발 결과를 탐구하여 건축물을 모티브로 한 상품개발 활성화를 목적으로 한다. 연구 방법은 첫째, 타워의 건축 디자인 연보와 내용을 살펴보고, 타워 건축물의 조형적 디자인 요소를 참고문헌과 각종 보고서 및보도자료 등을 바탕으로 크게 3가지로 나누어 분석하였다. 둘째, 상징건물이나 명소 등의 관광지에서 개발하여 판매하고있는 문화상품의 개발 목적과 초고층 건물을 모티브로 한 문화상품 개발사례를 살펴보았다. 셋째, 타워 전망대인 ‘SEOUL SKY’에서 개발하여 판매하는 문화상품 중 롯데월드타워 건축디자인을 활용한 문화상품의 개발 결과를 분석하였으며, 연구방법은 연구자의 상품개발 과정 자료와 대외에 공개된 객관적 자료를 바탕으로 진행하였다. 연구 결과 타워의 건축디자인을 활용한 문화상품의 특징은 콘텐츠 설명이나 상징적 요소를 활용하면서 기존 기념품의 이미지를 최대한 배제하고, 실생활에서도 지속해서 사용할 수 있는 것으로 디자이너 및 작가와 협업으로 다양한 시각적 표현이두드러진다는 점이었다. 본 연구는 롯데월드타워와 건축디자인의 조형미를 활용한 문화상품 개발 결과를 이론적으로 체계화함과 동시에 문화상품의 고부가가치 창출 가능성을 제시한다.