박정희 정권 시기 역사극의 한 연구

김강원 한국극예술학회 2007 한국극예술연구 Vol.0 No.26

A Study on History Plays of Park Chung Hee Regime Period- Focus on King Sejo's Usurpation Motive - 이 글은 박정희 정권 시기 역사극 중 세조의 왕위찬탈을 모티브로 한 <전하>(신명순,1962), <태>(오태석,1974), <카덴자>(이현화, 1978), <길>(김상렬,1978) 등 네 편의 작품을 대상으로 하여 역사의식과 현실인식의 문제를 고찰하였다. 역사극은 역사의식을 구현해 내는 동시에 첨예한 현실인식을 담보하고 있다. 즉, 역사극은 특정한 사실史實을 현실에 호명해 내는 선택의 문제에서부터 재현하는 내용과 방식에 이르기까지 철저히 현실의 의식에 기반하게 된다는 것이다. 이러한 전제에서 출발하여, 우선 이 글이 대상으로 하는 역사극에 대한 정의와 그 범주를 되짚어보고자 하였다. 아울러 문화유물론의 관점에서 텍스트가 생산하는 맥락에 대한 개념을 차용하여 역사극이 현실에 어떻게 작용하고 있는지를 살펴보고 그것의 의미구현을 위한 방법으로서의 작용도 살펴보고자 하였다. 이러한 과정에서 위의 작품들이 군부독재의 시기에 각각 516 군사쿠데타를 합리화시켰거나 소극적 저항의 부작용으로 패배의식을 환기시킴으로써 작가의 의식, 혹은 무의식과는 무관하게 결과적으로 지배 이데올로기를 내면화시키는 기재로 작용했다는 점에 주목하게 되었다. 그리고 이러한 시각을 적용하여 텍스트가 생산하는 맥락에 대한 고찰을 위해 알뛰세의 이데올로기와 이데올로기적 국가기구의 의미를 분석의 방법론으로 차용하였다. 토대의 존재를 위해서 상부 구조가 반드시 개입하기 마련이라는 전제에 근거하여 기존에 저항성이라 평가 받아온 내용들이 작가가 의도 여부와는 상관없이 지배 이데올로기를 강화하는 역할을 한 점들이 있었음에 대한 의혹과 문제 제기를 하고자 한 것이었다. 결과적으로 이데올로기적 국가기구로 작용하는 미디어나 문화의 기능에 초점을 맞추어 196070년대 박정희 군부독재 시기의 역사극이 해당시기에 어떠한 맥락으로 읽혀지거나 보여졌는가에 대한 접근은 매우 유의미한 방법이었다고 본다. 다만 보다 밀도있는 연구를 위해 수용자에 대한 연구, 그리고 텍스트 자체의 세부적인 오브제의 연구 등에 대한 보완이 필요할 것이다. 아울러 이러한 점들은 이후의 연구들에서 계속 될 것으로 기대한다.

이미지 리터러시를 활용한 자기소개 글쓰기 수업 방안 연구 - 외국인 유학생 글쓰기를 중심으로

김강원 한국 리터러시 학회 2019 리터러시 연구 Vol.10 No.1

The study is aimed at writing classes for students who have fundamental difficulties in performing writing learning due to differences in linguistic skills. The Image Literacy has been understood as a way of organizing and reading images. But in this paper, Image Literacy as model of writing class. Through these classes, we will consider the possible outcomes of education and its effects of selfnarrative writing. The instructional objectives of this class model is meaningful in three ways. First, this writing style is very similar to the writing of SNS(Social Network Services/Sites) which are commonly used by current university student learners above. Therefore, the learners is easily interested and able to participate. Second, through the process of taking pictures on a cell phone, students already have a conscious or subconscious insight into their lives. In this process, they can think more creatively and find good topics. Finally, the level of achievement and satisfaction of learners is increased. This is because the text completed with the image is more visually and in content than the existing self-introduction. 이미지 리터러시는 최근 새로운 커뮤니케이션 기법을 매체로 한 교육과정에 적극 활용하는 교육의 추세에 따라 교육현장에서 그 활용의 중요성이 강조되고 있다. 이 연구는 언어적 능력의 차이로 인해 글쓰기 학습 수행에 있어 근본적인 어려움을 겪는 유학생들의 글쓰기 수업을 대상으로 하고 있다. 그간 이미지에 대한 구성과 독해의 방식으로 이해되어 온 ‘이미지 리터러시’를 보다 적극적인 창작의 한방식으로 활용하여 자기소개의 글쓰기를 수행하는 수업 방안을 제시하고, 이러한수업을 통해 습득 가능한 교육의 결과와 그 효과를 고찰하고자 한다. 수업의 주요한 초점은 학습자가 직접 사진을 찍어 그것을 수업 자료로 활용하는 데 있다. 이 과정에서 이미지 리터러시가 글쓰기의 대상인 학습자 스스로와 그의 삶에 대해 인식하고 개념화하는 스키마의 과정이 실제 자기소개 글쓰기의 단계와 직접적으로 연관시킬 수 있도록 하는 것이 가장 핵심적인 수업의 목표였다. 이러한 수업 모델은 크게 세 가지 측면에서 의의를 가진다. 우선, 이 글쓰기 방식은 현재의 대학생 학습자들이 이상에서 흔히 사용하는 인스타그램이나 페이스북과 같은 SNS(Social Network Services/Sites)의 글쓰기와 매우 유사한 형태이다. 따라서 학습자들은 쉽게 흥미를 느끼고 참여하고자 하였다. 둘째, 휴대폰의 사진을이용해 그 현장을 찍는 과정에서 이미 학생들은 의식/무의식적으로 자신의 삶을 반추하고 포착하게 된다. 이 과정에서 보다 창의적인 시선을 갖고 글감을 발견할 가능성이 높아진다. 마지막으로 학습자의 성취도와 만족도, 참여도를 향상시킬 수 있다. 이미지와 함께 완성된 글이 기존의 자기소개 글쓰기에 비해 한결 시각적으로나내용적으로 충실하다는 면에서 완성도를 향상시킬 수 있기 때문이다. 완성도 높은글의 작성 경험은 학습자의 성취도에 긍정적 영향을 미칠 수 있다.

<사이코지만 괜찮아>, 사이코패스 캐릭터의 해체적 독해

김강원 중앙어문학회 2022 語文論集 Vol.91 No.-

In the 2000s, the level of crime that the media encountered increased substantially. An increasing number of cases of unexplained violence and brutality have been included in the category of “normal” human behavior. Anxiety about this is also naturally reflected in the culture and art. Korean films actively use psychopathic characters and occurrences in an attempt to create new genres. The meaning of psychopathic exclusive to movies differs from its social and pathological aspects. At this time, Korean TV dramas also sought the growth of such genres as mysteries and thrillers, so psychopaths were an element of the story that could not be excluded. Compared to movies, there are depictions of psychopaths in TV dramas, being depicted primarily as villains in crime, mystery, and thriller genres. In the process, the meaning of various discourses have been volatilized, and only the sensational gaze of entertainment films has been borrowed from TV dramas. However, It’s Okay to Be Psycho is different from these genre dramas. Beyond its simply use as an incendiary villain character, it has secured a more art-oriented film position. Additionally, the various meanings of the process of dramatic reproduction are more meaningful in that they reveal particular aspects of contemporary Korean culture. Throughout this TV series, the line between the normal and abnormal is highly vague. The existence of abnormality is called psycho, as the title suggests. As the drama and story progress, abnormal beings are purified into “strange” beings. Mental illness is an abnormal condition, but it is like a disease. Mental illness is also because “it’s okay” can help with healing and recovery in the TV series. At the beginning of the TV series, it asks a deconstructive question about the distinction between normal and abnormal. However, the TV series is limited to showing the process of becoming a “good” normal person by eventually replacing. It’s Okay to Be Psycho with a discourse of good and evil and no longer engaging in problematic behavior through healing. The actual psychopath in It’s Okay To Be Psycho is not the author, Moon-young, but Moon-young’s mother. Moon-young, Kang-tae, and Sang-tae are brothers who suffered at the hands of these psychopaths when they were children. Moon-young's mother is not typical of a mother. She's a violent killer and a real psychopath in this drama. The image of a monster villain is stronger than the meaning beyond the typical maternal discourse. Therefore, positive skepticism about maternal and familial discourse is impossible. Rather, this emphasizes that children who have not been loved by their mothers are doomed to become abnormal human beings who are broken. Brutal fairy tales are actively used the elements of the story and the visual elements, This is very effective in that the protagonist is a brutal fairy tale writer. In It’s Okay To Be Psycho, fairy tales have value in the way they visualize metaphors. However, it is regrettable that the value as a discourse is not great. 2000년대 들어 언론을 통해 접하는 범죄의 수위는 매우 높아졌으며 도저히 ‘정상’적인인간의 범주에서는 설명할 수 없는 폭력성과 잔혹성을 띄는 경우들이 늘어갔다. 그리고 이에 대한 불안은 문화예술의 범주에도 자연스럽게 반영되었다. 이러한 맥락에서 한국 영화는 새로운 장르물에 대한 시도로 캐릭터와 사건의 측면에서 사이코패스를 적극 활용하였는데, 영화로 전유되는 사이코패스에 대한 의미는 사회적, 병리적 측면과는 차이를 갖는다. 한국 TV드라마 역시 이 무렵은 추리나 스릴러와 같은 장르물의 성장을 도모하던 시기였기 때문에, 사이코패스는 놓칠 수 없는 화소였다. 그러나 영화에 비해 TV드라마에서 사이코패스는 범죄/추리/스릴러 장르의 악역 클리셰로 축소되어 활용되어왔다. 이 과정에서 다양한 담론의 의미는 휘발되고 오락영화의 선정적 시선만이 TV드라마에서 차용된다. <사이코지만 괜찮아>는 기존의 장르드라마들과 결을 달리하여 전형적 악역 캐릭터로서의 평면적 활용을 벗어나 보다 예술지향적인 영화들이 취하는 방식을 확보하고 있다는점에서 기존의 TV드라마들과 구분된다. 그리고 이러한 극적 재현의 과정에서 발생하는 다양한 의미가 현재 한국사회가 갖는 문화적 징후를 예민하게 드러내고 있다는 점에서 이작품은 더 큰 의미를 갖는다고 볼 수 있다. 작품의 전반에서 정상과 비정상의 경계는 매우 모호하게 제시된다. 비정상의 존재는 제목에서 지칭하듯 ‘사이코’로 호명되는데, 서사가 전개될수록 비정상의 존재들은 ‘이상한’, ‘낯선’ 존재로 순화된다. 극의 초반, 정상과 비정상의 구분에 대해 해체적인 화두를 던지며서사되는 작품은 결국은 선과 악의 담론으로 치환되었고, 치유를 통해 더 이상 문제적 행동을 하지 않게 됨으로써 ‘착한’ 정상인이 되는 과정을 보여주는 것에 그치고 있다. 궁극적 악인으로 설정된 문영의 엄마가 모성애를 갖춘 어머니상에 대한 전형에서 탈피한 사이코패스 안타고니스트라는 점은 이 작품이 노린 가장 큰 반전의 지점이다. 그러나 이러한의외성이 결국 괴물로서의 악역이라는 전형으로 회귀된다는 점에서 모성과 가족 담론에대한 긍정적 회의는 한계를 갖는다. 오히려 그 과정에서 어머니의 사랑을 받지 못한 아이들이란 결국 망가진 상태의 비정상 인간이 될 수밖에 없다는 점을 강조하게 된다. 한편 이 작품에서 잔혹동화는 동화작가인 문영이라는 캐릭터의 설정 요소를 넘어 서사적으로, 그리고 영상적 미장센으로 적극 활용되고 있는데, 메타포를 매력적인 방법으로 시각화하는 연출로서는 가치를 가지지만, 한층 내밀하게 서사의 측면에서 기능하는 부분은크지 않다는 점에서 아쉬움을 남긴다.

신재생에너지공급의무화(RPS) 상한비율 확대

김강원 대한전기협회 2021 전기저널 Vol.- No.533

웹툰 플랫폼의 매체성에 근거한 OSMU 활용의 한계 ―웹툰과 영화 <여중생 A>를 중심으로

김강원 한국극예술학회 2018 한국극예술연구 Vol.0 No.62

이 논문은 OSMU의 실패 사례를 중심으로 원천 소스(One Source)의 플랫폼을 다각화(Multi Use)하는 데 실패한 원인과 내용을 분석함으로써 현재의 지나친 낙관론을 경계하고자 한다. 하나의 소스(One Source)에 기반을 둠에도 불구하고 그것이 재현되는 플랫폼을 다변화(Multi Use)한 결과물로서의 텍스트는 본질적으로 차이를 가질 수밖에 없다. 그럼에도 불구하고 현재 그에 대한 가치 평가는 대부분 상업적 성공의 여부에 초점을 맞춘 경우가 많다. 그렇기 때문에 이러한 측면의 보완을 위해 텍스트 자체로서의 가치에 대한 비판적 분석이 더욱 다양하게 시도되어야 한다고 본다. 이러한 이유로 이 논문에서는 스토리텔링의 요소와 그 스토리텔링이 미디어의 특성에 근거해 시각화되는 방식에 대한 비판적 분석을 시도하고자 한다. 이 논문에서 연구의 대상으로 하는 작품은 웹툰과 영화 <여중생 A>이다. 이 작품은 현재 일석이조의 효율적 문화산업 모델로 낙관되고 있는 OSMU 플랫폼 공유에 대한 보다 냉철한 자각과 전망을 가능하게 해줄 텍스트로서의 가치를 가진다. 영화 <여중생 A>는 원 소스로서의 웹툰에 대한 연재와 저작권에 대한 영향력만을 행사하던 포털사이트 네이버(NAVER)가 영화 제작에 처음으로 직접 참여한 작품이라는 점에서 주목할 필요가 있다. 월간 국내 사용자 2,200만, 글로벌 사용자 2,400만 (2018년 6월 기준)의 거대 플랫폼으로 부상한 네이버가 자신들의 웹툰 콘텐츠를 영화화 한다는 것은 영화시장을 넘어 문화 콘텐츠 영역의 전반에 영향을 줄 것은 자명하다. 그러므로 2018년 현재, 그 첫 시도이자, 아직까지는 유일한 결과물인 <여중생 A>에 대한 주목이 의미를 가질 수 있다. 특히 <여중생 A>의 사례는 재매개된 영화가 기본적인 설정에 있어 원천 소스인 웹툰의 캐릭터와 구조, 즉 스토리텔링의 요소를 상당히 유사하게 차용하고 있음에도 불구하고, 작품성이나 대중성 측면에서 큰 차이를 보인다는 점에서 흥미로운 연구대상이기도 하다. 이 논문에서는 데포르마시옹 기법과 영화적 캐릭터의 형상화 문제, 웹툰의 특성인 세로스크롤과 내레이션의 연속성이 영화 프레임의 분절성과 대립되는 문제라는 두 가지 측면에서 접근하고자 한다. 웹툰 <여중생 A>의 그림체는 매우 간결한데, 이는 작품의 가장 큰 매력으로 지목되는 부분이다. 이러한 기법을 데포르마시옹(Déformation)이라고 하는데, 웹툰의 데포르마시옹은 그 서사구조에 있어서 뿐만 아니라 시각적인 묘사에 직접적으로 작용한다는 점에서 중요하다. 그런 까닭에 웹툰의 장르적 특질, 미학적 요소와 대중성에 대한 분석에서 매우 중요하게 다루어야하는 요소가 되는 것이다. 문제는 데프로마시옹의 기법이 실사의 영화화에서는 거의 재현되기 어렵다는 것이다. 그러므로 데프로마시옹을 단순히 시각적 표현 기술을 넘어 서사의 핵심적인 기법으로 사용하고 있는 웹툰 <여중생 A>의 영화화는 실패의 위험이 높을 수밖에 없었다. 실제로 웹툰의 데포르마시옹적 기법에서 기인한 작품의 매력은 실사의 영상으로 플랫폼을 옮기면서 거의 대부분 유실되었다. 그리고 이는 원 소스로서 웹툰의 스토리텔링을 공유하고 있음에도 불구하고 영화가 실패가 가장 큰 원인이기도 하다. 웹툰과 영화는 미디어로서의 속성에서 큰 차이를 갖는다. 웹툰과 영화 <여중생 A>는 캐릭터와 서사의 유관성은 있지만, 그 이야기를 전달하는 플랫폼으로서의 형태는 크게 ... This paper is based on the failure of the OSMU. By analyzing the causes and contents of failure to multi-use the source, to be wary of too much optimism and analyze it critically. Even though it is based on one source, the multi-use of the platform from which it is reproducible is inherently different. Nevertheless, current valuation on it is often focused on commercial success. Therefore, to supplement this aspect, Critical analysis of the value of the text itself should be tried more differently. So, This paper is Critical analysis of elements of storytelling and how it is visualized based on the characteristics of the media. The subject of the study is Webtoon <Yeojungsaeng A>(Student A) and Movie <Yeojungsaeng A>. It has the value of text to enable a more sober awareness and perspective of OSMU platform sharing, which is currently being optimistic with an efficient cultural industry model of the same rock trillion. It is important to note that <Yeojungsaeng A> was the first direct film production by Naver, which used only a series of books and copyrights on Webtoons as its source. The fact that Naver, which has emerged as a mammoth platform with 22 million users and 24 million global users per month as of June 2018, will film its webtoon contents beyond the Korean movie market will have an impact on the entire cultural content sector. Therefore, as of 2018, attention to <Yeojungsaeng A>, the first attempt and the only outcome yet, could be meaningful. Especially <Yeojungsaeng A>, despite the similarities between webtoon and movie characters and storytelling, there is an interesting point for research in that it makes a big difference in terms of work and popularity. The picture of the webtoon <Yeojungsaeng A> is very simple, which is considered to be the biggest attraction of the piece. These techniques are called “Deformation(Déformation).” It is important that the Defomasion of Webtoons works directly on visual depictions as well as on the narrative structure. This is why webtoon's genre, aesthetic elements and popularity should be very important in its analysis. The problem is that Defromacy's technique is almost impossible to reproduce in a live film. The filmization of the webtoon <Yeojungsaeng A>, which uses Defromacy not just as a visual representation but as a core technique of the narrative, was therefore at risk of failure. In fact, the appeal of the webtoon's deportment techniques was largely lost as the platform was moved to live video. Although it shares webtoon storytelling as an element, the movie is the biggest reason for its failure. As such, Webtoons and movies differ greatly in their attributes as media. Although the character A and the basic narrative have relevance, the form of the platform that conveys the story is very different. The most basic unit of film images is the “frame.” In principle, only what is shown in the frame of the frame can be transmitted through the video. Frame is not only a video but also a stylistic feature of a publishing cartoon. The visual movement from one square to the next is similar to the film, which is achieved by the connection of a frozen screen, the frame. However, in Webtoons, these frames are often torn down. That's what a vertical scroll is. Not all Webtoons are serialized in a vertical scrolling fashion, but it is clear that it is a unique visual representation of a webtoon. The most effective part of the webtoon <Yeojungsaeng A>'s use of this vertical scrolling method is convergence with narration techniques. Webtoons show how to proceed with narration rather than speech. Because it is the main storytelling device of the work to empathize with the emotions of the future through narration of the main character, it focuses on psychology rather than on events. Vertical scrolling is a technique in which the reader actively adjusts the speed of the work. And the scalability of the image leads to scalability for storytelling acceptance. In other wor...

<무브 투 헤븐-나는 유품정리사입니다>, 드라마로 재현되는 죽음(들)

김강원 (재)한국연구원 2023 한국연구 Vol.- No.13

Netflix’s original series <Move to Heaven> is facing the most representative popular genre, drama, “death” itself, as a key material and theme. This point is of great cultural significance. Th is article focuses on <Move to Heaven> to discuss how to represent death in Korean dramas. In existing Korean culture, there was a strong tendency to deny and ignore death, which has been maintained quite strongly. However, this customary attitude has recently begun to change. Th e popular culture of Korean society has now begun to discourse on death. As it is still in the beginning stage, and it is still insuffi cient quantitatively and qualitatively, It is of great signifi cance in itself that death has begun to be spoken about in popular culture. Th is article analyzes the characters, events, and confl icts of <Move to Heaven>. Th rough this, it was intended to examine the way Korean society currently dramatizes death into a TV series, which is a popular content. Th is work shows limitations to discussing death in earnest. Th is is because it deals with death quite superfi cially and romantically. In the drama, death is represented quite frequently and signifi cantly, Nevertheless, a similar pattern of death is repeated in the form of death of the socially disadvantaged. Th erefore, this work has value in that it sparked discourse on death, but it had limitations in fostering in-depth discussions. However, the meaning of the beginning itself needs to be recognized. Th is is because the popular genre of drama began to represent death, which had been avoided based on socio-cultural roots, as a “fact,” making “afterwards” possible. In the same vein, the death reproduced by this work is also the beginning of a critical discussion on the death that Korean dramas will represent later. 이 글은 <무브 투 헤븐-나는 유품정리사입니다>을 중심으로 한국의 드라마에서 죽음을 재현하는 방식에 대해 논의한 것이다. 기존의 한국문화에서는 죽음을 터부시하고 외면하는 경향이 강했고, 이는 상당히 공고하게 유지되어 왔다. 그러나 이러한 관습적 태도는 최근 변화하기 시작하였고, 한국사회의 대중문화는 이제 죽음을 본격적으로 담론화하기 시작하였다. 아직 시작의 단계인 만큼 양적으로나 질적으로 아직은 미흡하지만, 이러한 죽음이 대중문화안에서 발화되기 시작한 것은 그 자체로 큰 의미를 갖고 있다. 한편, 이 글에서는 <무브 투 헤븐-나는 유품정리사입니다>의 캐릭터와 사건, 갈등이라는 내재적 분석을 중심으로 이 드라마가 담지하고 있는 현재 한국사회가 죽음을 대중 콘텐츠인 드라마로 극화하는 방식을 살펴보았다. 이 작품은 죽음을 본격적으로 논의하고 있다고 보기에는 죽음을 상당히 피상적으로 그리고 낭만적으로 다루고 있다는 한계를 보인다. 극 중 죽음은 상당히 빈번하게 그리고 중요하게 재현됨에도 불구하고 사회적 약자의 죽음이라는 상당히 유사한 죽음의 패턴이 반복된다. 그렇기 때문에 이 작품은 죽음에 대한 깊이 있는 논의보다는 죽음에 대한 논의를 촉발하는 점에 그 의미가 그치는 아쉬움이 있다. 그러나 그 시작이갖는 의미 그 자체는 인정할 필요가 있다고 본다. 드라마라는 대중적인 소구력이 강한 장르가 사회문화적 터부를 근거로 회피해 온 죽음을 ‘사실’로서 재현하기 시작함으로써, ‘이후’가가능해졌기 때문이다. 같은 맥락에서 이 작품이 재현하는 죽음은 이후 한국 드라마가 재현할죽음에 대한 비판적 논의의 출발이기도 하다.

봉준호(奉俊昊) 영화(映畵)에서 집의 공간성(空間性): -<플란다스의 개>와 <기생충>을 중심으로-

김강원(金江元) ( Kim Kang-won ) 한국어문교육연구회 2020 어문연구(語文硏究) Vol.48 No.2

봉준호의 영화에서의 공간은 상징적이다. 이 글은 봉준호 영화에서 집의 공간성에 주목하고자 하였다. 집은 봉준호 영화가 갖는 공간의 일상성을 가장 집약적으로 보여줄 수 있는 메타포이자, 한국의 지금, 여기를 가장 적확하게 보여주는 담론이라고 할 수 있다. 그렇기 때문에 집의 공간성을 독해하는 과정이 봉준호 영화에서 집이 갖는 담론의 의미와 가치를 설명할 수 있다고 보았다. 봉준호 영화에서 집, 그 자체가 직접적으로 핵심 갈등과 담론의 공간으로 등장하는 영화는 <플란다스의 개>와 <기생충> 두 편인데, 공교롭게도 <플란다스의 개>는 감독의 장편영화 데뷔작이고, <기생충>은 가장 최근의 작품이라는 점에서, 두 작품의 시차(時差)를 통해 오히려 봉준호 영화의 시작과 지금을 아우르는 의미를 확보할 수 있다. 따라서 이 글에서는 <플란다스의 개>(2000)와 <기생충>(2019)을 비교함으로써 봉준호 영화에서 집이 갖는 상징성에 대해 공간을 중심으로 분석해보고, 그 의미를 도출해보고자 한다. Bong Joon-ho’s space in the movie is symbolic. This article was intended to pay attention to the spatiality of the house in Bong Joon-ho’s movie. The house is a metaphor that shows the daily life of Bong Joon-ho’s movie. And it is the most accurate discourse of Korea’s “now, here.” Therefore, the process of reading the spatiality of the house can explain the meaning and value of the discourse of the house in Bong Joon-ho’s movie. In Bong Joon-ho’s film, < A Higher Animal > and < PARASITE > are two movies that directly appear as a place of core conflict and discourse. Coincidentally, < A Higher Animal > is the director’s debut feature film. And < PARASITE > is the latest work. Through the time difference between the two works, we can secure meaning that encompasses the beginning and present of Bong Joon-ho’s film. Therefore, in this article, by comparing < A Higher Animal >(2000) and < PARASITE >(2019), we will analyze the symbolism of the house in Bong Joon-ho’s film, focusing on space, and try to derive its meaning.

SF영화 <승리호>의 포스트휴먼 담론

김강원 한국문예창작학회 2022 한국문예창작 Vol.21 No.3

The SF genre has been most actively responsible for questions about post-humans. It was just an 'imagination', but the fiction was actually close to a kind of prediction. The nature of 'science' implied by the name of the genre was not irrelevant to the actual progress of mankind. Therefore, the story of hard science fiction could have been an imagination and orientation of actual scientific development. And this is the same for posthuman discourse. Posthumans are aspects that have various possibilities, not a single form. Interestingly, <Space Sweeper> shows both the two representative forms of posthuman, artificial intelligence and improvement in biological humans. <Space Sweeper> is meaningful as a mainstream movie about the SF genre and the first attempt at a Korean-style space opera. This article aims to focus on posthumans appearing as key characters in the SF film <Space Sweeper>. Through this, it is to analyze the issues of posthuman as a new subject of 'human beings, thereafter'. SF장르는 포스트휴먼에 대한 질문을 가장 적극적으로 담당해왔다. 그것은 ‘상상’에 불과한 것이었으나, 그 허구는 실상 일종의 예측에 가까운 것이었다. 하드 SF의 이야기는 실제 과학 발전의 상상이자 지향이 될 수 있었을 만큼 장르의 명칭이 내포하고 있는 ‘과학science’의 속성은 실제 인류의 진보과정과 무관하지 않았고, 이것은 포스트휴먼의 담론에 있어서도 마찬가지이다. 포스트휴먼이란 하나의 단일한 형태가 아닌 다양한 가능성을 지니는 양태들인데, 흥미롭게도 <승리호>는 포스트휴먼의 대표적 두 가지 형태, 인공지능과 생물학적 인간에 대한 개선의 형태를 모두 보여주고 있다. <승리호>는 SF장르에 대한 주류영화이자 한국형 스페이스오페라에 대한 처음의 시도로서 의미를 갖는다. 이 글은 SF영화 <승리호>에서 핵심 캐릭터로 등장하는 포스트휴먼을 통해 ‘인간, 그 이후’의 새로운 주체로서 포스트휴먼에 대한 논점들을 분석해보고자 한다.

전립선에 발생한 Malacoplakia

김강원,강택원,권동득,오봉렬,박광성,류수방,박양일 대한비뇨의학회 2002 Investigative and Clinical Urology Vol.43 No.3

전립선비대증 환자에서 전립선염 동반 여부에 따른 하부요로증상과 요역동학검사의 비교

김강원,권동득,박양일 大韓泌尿器科學會 2002 Korean Journal of Urology Vol.43 No.7