시︱손필영

손필영 새얼문화재단 2004 황해문화 Vol.44 No.-

露雀 洪思容 詩와 戱曲에 나타난 메나리적 要素와 相關性

손필영 한국어문교육연구회 2019 어문연구(語文硏究) Vol.47 No.4

It is not a coincidence to find the elements of Menari’s style in the Hong Sa Young’s plays. The Confucian Chosun spirit, the concord of rhythm, knowledge and life, which he pursued in <Cheong Goo Ga Gok>, a traditional three-verse Korean poem that he has written since 1919, reveals the rhythm and image reflected in the modern poetry seen after the <Baek Jo>. This Menari spirit is linked with his participation of <Toweol-hwe> operation and performance activities. In particular, his foundation of <Sanyoohwa-hwe>, along with his writing and directing revealed his spirit practically. <Hyang To Shim> captures these characteristics, while the play <Hal Mi Kkot> or <Je Seok> also consist of menaristic elements and consist of poetical irony, mixed with the use of silent scream, narrative elements and rhythm of tale and ironic images. <Beong Uh Ri Gut>, which contains Menari’s element and conveys only the story-line, reveals its Menari characteristic from the title itself. <Heen Jeot> especially, where the story is based on the ‘Lee Cha Don’s death’ , symbolically shaped his spiritual value, interlocked with the period of the era. His fidelity combined with Chosunistic rhythm, which derived from the Menari spirit, was consistently practiced to his folk song poetry later on. Hong created his free verse poetry and folk song poetry from the context of traditional poetry, contrary to the majority of our literary circles during that period, which contained Western tendency. More notably, he linked folk songs and Chosun spirit to the creation of drama and theatrical activities despite living under the colonial in post mid 1920s. The attitude to find the national spirit and cultivate personality was practiced through his play. The play piece composed of the poetic image of Menari makes it possible to see the grace of Chosunism that does not fall into the times or ideologies of human beings living in the unfortunate times, and further provides an opportunity to find the possibility of connecting the modern drama with the traditional drama. Writing a poem during the Japanese colonial era means treading a path as a Chosun’s poet, which can be seen as realization of self-talent from the tradition like the Eliot once said. 손필영, 2019, 노작 홍사용 시와 희곡에 나타난 메나리적 요소와 상관성, 184 : 197~222 홍사용의 희곡에서 메나리적 요소를 발견하는 것은 우연한 일이 아니다. 그가 1919년부터 쓴 시조집 청구가곡 에서 추구한 운율과 앎과 삶을 일치하려는 조선정신은 <백조>에 발표한 현대시에도 의미와 분리되지 않는 리듬과 이미지로 나타난다. 이러한 메나리 정신은 그의 <토월회> 운영 관여와 공연 활동과 연계되어 나타났다. 특히 극단 <산유화회> 창단과 극 창작 및 연출은 그의 정신을 실천적으로 드러냈다고 할 수 있다. 공연된 「향토심」은 이러한 특징을 담아냈고 희곡 「할미꽃」이나 「제석」도 메나리적 요소로 구성되어 설화적 요소와 리듬과 아이러니적 이미지를 혼용하였다. 원본 없이 줄거리만 전하는 「벙어리굿」도 제목부터 메나리적 특징을 담았음을 드러낸다. 그의 메나리의식에서 연유된 조선적 리듬과 결합된 정조는 후에 민요시에까지 일관되게 실천되었다. 그가 선택한 자유시와 민요시는 당시 우리문단의 서구적인 경향과는 달리 전통시의 맥락에서 창작되었고 그의 메나리정조로 이루어진 희곡작품은 불행한 시대를 사는 인간에게서 시대나 이념에 함몰되지 않는 조선심의 기품을 볼 수 있게 하였다.

김우진의 시와 희곡에 나타난 중요 모티프 비교 연구

손필영 한국연극사학회 1998 한국연극연구 Vol.1 No.-

金祐鎭의 詩 硏究 1 - 漢詩에서 自由詩로의 移行 -

손필영 한국어문교육연구회 2015 어문연구(語文硏究) Vol.43 No.3

近代 文學의 形成期인 1910년대의 文化經驗으로 自己表現方式을 찾아간 金祐鎭의 漢詩에서 自由詩로의 移行 原因과 現狀을 밝혀보았다. 그의 詩는 1910년대의 <學之光>의 詩들과 共通點을 지니면서도 詩的 對象이 具體的이고 體驗을 통해 形象化된 점이 다르다. 金祐鎭은 自身의 심정토로를 위해 새로운 型式을 追求할 수밖에 없었고, 經驗을 통해 詩를 형상화했다는 점에서 막연한 情緖의 토로나 관념적인 당시의 <學之光>의 詩들과 달리 自己告白的이다. 金祐鎭은 내용과 결합된 호흡과 리듬을 통해 自我의 갈등을 극대화시켰다. 初期 詩에서는 漢詩 作法의 要素(用事·新意)와 漢字의 특징을 이용해 隱喩를 만들었다. 그러나 동일시기에 창작한 「學窓音(1919)」과 「아버지께」는 아버지와의 갈등을 드러냈는데 漢詩에서는 隱喩的, 重義的으로, 自由詩에서는 내면 호흡을 바탕으로 자연발생적 리듬에 의해 정서를 直接的으로 표출했다. This thesis discovers the causes and phenomenon behind the transition from a traditional style poetry to a free verse poetry through Woo Jin Kim, who found his own representation style through cultural experiences in 1910s, during the formative period of modern literature. How Kim was able to transform his literature experiences into different literature genres such as poem and drama is related to his continuous poem writing after he moved to Japan in 1915. Through endless conflicts between the world and the ego, Kim sought for ideal literature world apart from secular world. Although Kim shared similar characteristics with the poets of the same period in 1910s' <Hak Ji Kwang>, Kim was different in that his poems were more specific, written from more individual aspects. Kim had to seek for a new literature style to expose his feelings and shaped his poem through own experiences which makes his poem more self confessing unlike other <Hak Ji Kwang> poets who were rather ideological, confessing indefinable emotions. Especially, Kim maximized the conflicts of ego through combining rhythm and contents. In Kim's early poems he created metaphors through traditional style poetry's writing techniques and features of traditional characters. Both the traditional style poetry <Hak Chang Eum(1919)> and the free verse poetry <To My Father> were written in the same period and contained similar contents but the traditional style poetry was more metaphorical whereas the free verse poetry was more direct and how Kim's emotions were exposed directly where his inner side is portrayed through spontaneous rhythm explains Kim's transition to a free verse poetry.

[시] 골목을 돌아가면 외 1편

손필영 예옥 2023 맥 Vol.3 No.-

『기상도』의 구조를 통해 본 상해와 태풍의 의미

손필영 한국문화융합학회 2019 문화와 융합 Vol.41 No.1

In this study, Kim Kirim’s poem Kisangdo, written in the format of a symphony composition, was explored. Kisangdo is set in the 1930s, a period that saw much social turmoil after experiencing a period of enlightenment and coercive spread of modern culture by Japan. Although Kisangdo is a long poem, consisting of seven chapters, it is a connected whole without any divided narrative framework, which is similar to the structure of four chapters of a symphony composition. The seven chapters of Kisangdo can be divided into four different themes: the first theme starts from before the typhoon(chapters 1, 2) and extends till the occurrence of the typhoon(chapter 3); the second theme is the damaging northing typhoon(chapters 4, 5); the third theme is the lull of the typhoon(chapter 6); and the fourth theme is the extinction of the typhoon(chapter 7). If the four themes were compared with the different times in a day, the first theme would be morning, the second theme twilight, the third theme night, and the fourth theme late night, the period before sunrise. This analogy addresses the criticism that the poem has received for the lack of consistency in its seven chapters treated like a symphony’s composition. The symphony- composition-like structure allows the poet to lay bare his anxiety and conflicts, as he travels with the typhoon through time and space. As Kim mentioned in the poem’s preface, he set Kisangdo in Shanghai to show the different aspects of modern civilization. A cosmopolitan city, Shanghai is made up of joint US-UK International Settlement and French concession, with a population of more than 3 million. It is also home to modern civilization. Shanghai shows the diverse aspects of human life, as big, colonial, capitalist city where a pleasure-seeking culture and imported goods brought from outside coexist with the poor and impoverished local people. This juxtaposition shows the extreme facets of the colonized city life in Shanghai during the period in which Kim lived. The typhoon in the poem is a metaphor for the societal tensions brought by the symbols of a modern society. This situation led to the composition of Kisangdo, which forecast the typhoon and reported its route. The typhoon in the poem reflects the poet’s rage and anxiety against his world being invaded by capitalistic and aggressive policies. Finally, the conclusion of Kisangdo, “Iron Wheel’s Song,” reveals Kim’s pledge of soaring as a poet in a frontier colony.

탱크와 비누곽 외 1편

손필영 계간 서정시학 2015 서정시학 Vol.25 No.1

김우진 희곡의 시극 가능성 연구

손필영 한국드라마학회 2018 드라마연구 Vol.0 No.54

This study searches for the new aspects of Korean poetical drama through discovering how Kim, Woo Jin's drama work, created through his transcendental artistic perception, shows the possibility of being poetical drama and exploring how Kim's work are different from other poetical drama during the same era. The basis of how Kim's play has potential of being categorized as a poetical drama is that when he wrote <Wild Boar>, he kept rhythm in mind, and presented rhythm, flowing throughout the work, to a drawing. Kim showed a world that cannot be reached through logic by showing reconciliation and infinite possibility as a symbolic image at the conclusion reached through rhythm. In addition, Kim derived his work through rhythm using music or poem not only in <Wild Boar>, but also in his other work such as <Midday>, <Disillusionment of the Poet in Rags>, <Yi Young Nyu>, and <Wrecked> where images formed with rhythm were found. This clearly reveals Kim's spiritual world, trying to surpass ordinary and secular world. Rhythm is created through the conscious of the person trying to create the rhythm and thus, the rhythm in the poem and play means more than the systematic combination between the writer's consciousness and the work. The conclusion of the work <Wild Boar>, <Wrecked>, and <Yi Young Nyu> reveals writer's consciousness which seeks values that surpass the reality, allowing the readers to feel the momentary religionism that Eliot seeks in the poetical drama. Kim Woo Jin's play written during the beginning of the modern drama era, can be viewed as an autogenous poetical drama which combine poem and play by the writer's internal desire. 김우진의 선험적인 예술인식으로 창작된 극작품이 어떤 면에서 시극의 가능성을 지닐 수 있는지 살펴보았다. 김우진은 <산돼지>를 쓸 때 리듬을 염두에 두고 극 전편에 흐르는 리듬을 그림으로까지 제시했고 극의 리듬으로 도달한 결말에서 시를 통해 화해와 평온을 상징적 이미지로 나타내 논리로 다가갈 수 없는 세계를 보여주었다. 이외 그의 모든 극작품도 감정의 극치에 자연스럽게 다다를 수 있도록 리듬을 이루는 반복으로 구성되었다. <정오>는 식민지 현실의 분노가 한 여름날의 정오의 열기로 드러나 이 상황이 반복 될 것이라는 것을 극형식으로 보여주었다. <두데기 시인의 환멸>에서도 반복되는 주인공 시인과 신여성의 갈등이 마지막에는 자신들의 모순을 희화화하여 스스로를 폭로시킴으로 당대 해결해야할 문제를 노출하고 있다. <이영녀>에서도 영녀의 유린당하는 삶이 노동자로, 수탈당하고 모욕당하는 삶으로 가난한 재혼 여성의 병든 모습으로 동일한 주제가 병렬구성으로 반복적으로 나타난다. <난파>에서도 표현주의 극 형식인 정거장식 구조를 통해 자아 탐색 과정이 반복되다 순간적으로 ‘난파’라는 결말에 도달된다. 김우진은 내용과 유기적으로 연결된 노래나 시로 극을 이끌어 갈 수 있도록 리듬으로 극을 구성하였고 비가시적 세계를 이미지로 형상화하여 일상성과 세속성을 뛰어넘는 정신세계를 드러내었다. <산돼지>, <이영녀>, <난파>의 결말 부분에서 드러난 이미지는 현실을 뛰어넘어 순간적으로 종교성마저 느끼게 한다. 김우진의 희곡은 태생적으로 시인인 김우진의 기질이 반영되어 시적인 요소를 담을 수밖에 없었고 개념적인 차원에서가 아니라 본질적인 차원에서 시극의 면모를 지닌다.

노작(露雀) 홍사용(洪思容) 시(詩)와 희곡(戱曲)에 나타난 메나리적 요소(要素)와 상관성(相關性)

손필영(孫必榮) ( Sohn Pil-young ) 한국어문교육연구회 2019 어문연구(語文硏究) Vol.47 No.4

홍사용의 희곡에서 메나리적 요소를 발견하는 것은 우연한 일이 아니다. 그가 1919년부터 쓴 시조집 청구가곡에서 추구한 운율과 앎과 삶을 일치하려는 조선정신은 <백조>에 발표한 현대시에도 의미와 분리되지 않는 리듬과 이미지로 나타난다. 이러한 메나리 정신은 그의 <토월회> 운영 관여와 공연 활동과 연계되어 나타났다. 특히 극단 <산유화회> 창단과 극 창작 및 연출은 그의 정신을 실천적으로 드러냈다고 할 수 있다. 공연된 「향토심」은 이러한 특징을 담아냈고 희곡 「할미꽃」이나 「제석」도 메나리적 요소로 구성되어 설화적 요소와 리듬과 아이러니적 이미지를 혼용하였다. 원본 없이 줄거리만 전하는 「벙어리굿」도 제목부터메나리적 특징을 담았음을 드러낸다. 그의 메나리의식에서 연유된 조선적리듬과 결합된 정조는 후에 민요시에까지 일관되게 실천되었다. 그가 선택한 자유시와 민요시는 당시 우리문단의 서구적인 경향과는 달리 전통시의 맥락에서 창작되었고 그의 메나리정조로 이루어진 희곡작품은 불행한 시대를 사는 인간에게서 시대나 이념에 함몰되지 않는 조선심의 기품을 볼 수 있게 하였다. It is not a coincidence to find the elements of Menari’s style in the Hong Sa Young’s plays. The Confucian Chosun spirit, the concord of rhythm, knowledge and life, which he pursued in < Cheong Goo Ga Gok >, a traditional three-verse Korean poem that he has written since 1919, reveals the rhythm and image reflected in the modern poetry seen after the < Baek Jo >. This Menari spirit is linked with his participation of < Toweol-hwe > operation and performance activities. In particular, his foundation of < Sanyoohwa-hwe >, along with his writing and directing revealed his spirit practically. < Hyang To Shim > captures these characteristics, while the play < Hal Mi Kkot > or < Je Seok > also consist of menaristic elements and consist of poetical irony, mixed with the use of silent scream, narrative elements and rhythm of tale and ironic images. < Beong Uh Ri Gut >, which contains Menari’s element and conveys only the story-line, reveals its Menari characteristic from the title itself. < Heen Jeot > especially, where the story is based on the ‘Lee Cha Don’s death’ , symbolically shaped his spiritual value, interlocked with the period of the era. His fidelity combined with Chosunistic rhythm, which derived from the Menari spirit, was consistently practiced to his folk song poetry later on. Hong created his free verse poetry and folk song poetry from the context of traditional poetry, contrary to the majority of our literary circles during that period, which contained Western tendency. More notably, he linked folk songs and Chosun spirit to the creation of drama and theatrical activities despite living under the colonial in post mid 1920s. The attitude to find the national spirit and cultivate personality was practiced through his play. The play piece composed of the poetic image of Menari makes it possible to see the grace of Chosunism that does not fall into the times or ideologies of human beings living in the unfortunate times, and further provides an opportunity to find the possibility of connecting the modern drama with the traditional drama. Writing a poem during the Japanese colonial era means treading a path as a Chosun’s poet, which can be seen as realization of self-talent from the tradition like the Eliot once said.

이육사 시 전반에 드러난 물 이미지 연구

손필영(Sohn, Phil-Young) 우리문학회 2021 우리文學硏究 Vol.- No.69

죽음을 기쁘게 받아들이고 유언 대신 시를 쓰겠다고 한 이육사 시의 전편에 걸친 이미지를 찾아보았다. 먼저 반복적으로 보이는 시어를 찾는 가운데 물의 이미지와 관련된 그간에 한자의 오기(오자)라고 명명된 시어를 확인해 보았다. 내적 긴밀성을 통해 ‘항도(航圖)’, ‘명모(瞑帽)’는 오기라기보다 육사가 자신의 삶을 통해 이미지화한 신어라는 것을 알 수 있었다. 또한 시인의 자화상과 같은 시 <독백>에서 ‘별’의 의미로 읽었던 ‘사복’은 날개는 있으나 날지 못하는 ‘형태만 박쥐(蒒蝠)’인 것이 드러났다. 무엇보다 시에 나타난 시적 대상을 명확히 함으로써 시의 톤을 읽을 수 있었는데 이로써 그간의 개념적으로 시를 읽거나 작품 외적 전기적 요소에서 근거를 찾아와 조국이나 광복으로 보았던 ‘손님’의 상징적 의미를 구체적으로 밝힐 수 있었다. 시인의 가치와 정신의 방향성이 물의 이미지로 드러난 <해조사>, <광야>, <꽃>, <서풍>, <산> 등에서는 시적 대상들이 바다에서 항해하는 사람들이었다. 이러한 배경에서 시적 화자는 언제나 귀향 중이었다. 매체(vehicle)인 손님의 주지(tenor)는 고향으로 돌아가고자 하는 마음이라고 볼 수 있다. 특히 시적화자는 바다를 통해 뱃사람들과 같이 귀향하고 있음을 보여줌으로써 다른 사람들과의 연대를 명확하게 드러냈다. 또한 유언과 같은 <꽃>을 통해 시적화자는 자신을 포함한 바닷사람들이 고난을 무수히 겪어 꽃성을 이루고, 이룰 것을 믿고 기대했다. 그 공간을 바다 한복판으로 정하여 고난을 기쁨으로 완성시키고 순간을 영원으로 바꾸고 있다. 내적 구조로 읽으면 <절정>에서 육체적 고통이 극심할 때 열망이 가장 강렬했으므로 강철로 된 무지개를 볼 수 있었다. 물의 이미지로 시를 읽으면 <절정>의 세계가 시의 전반에 걸쳐 상징적으로 드러난 것을 확인할 수 있었다. 순수성을 추구하는 정신이 물의 이미지로 나타나 흙의 속성과 결별하며 샘물, 강물 등으로 변형되다가 수평인 바다에 이르러 죽음에 이르지만 그 고통은 황홀함과 결합되어 시적 주체를 영원한 순간에 도달하게 했다. 이육사 시의 전편에 흐르는 물의 이미지는 바다에 이르면서 죽음으로 완결되었다. 이미지를 따라 시 전반을 읽어 봄으로써 시와 시인의 말과 글의 일치를 확인할 수 있었다. I analyzed the imagery of the entire poetic corpus of Yi Yook Sa, who was willing to accept death and chose to write poems instead of a last will and testament. While searching for poetic words used repeatedly, I noted those related to the image of water that had previously been regarded as typos. Through internal affinity, I determined that Hangdo (航圖) and Myungmo (瞑帽) are not typos but neologisms to which Yi gave images throughout his life. In addition, in <Monologue>, which is regarded as a poetic self-portrait, the word sabok, previously identified as a star, actually refers to the shape of a bat that has wings but cannot fly. I was thereby able to determine the tone of the poem by clarifying the poetic objects in his work. Such a reading revealed the meaning of the word “visitor,” which has previously been regarded as symbolic of the mother country or independence, when read based on elements outside the work. In poems like <Haejosa>, <Gwangya>, <Flower> <Seopoong>, and <San>, Yi’s values and spiritual direction are revealed through the image of water, and the poetic objects are people sailing at sea. The poetic narrator is thus sailing back to his home country through the entire poem. We can see that the vehicle, which is the tenor for the guest, desires to return to the homeland. In particular, the poetic narrator’s solidarity with the people is revealed in his sailing back together with the seafarers. Moreover, in his last work <Flower>, the poetic narrator expects the seafarers, including himself, to experience countless hardships that will result in the creation of the flower castle, whose location he set in the middle of the sea, converting their hardships into joys and changing the moment to an eternity. Through the inner structure of <Jeol Jeong>, the poetic narrator’s desire was most intense when his physical pain was most severe, when he could see the steel rainbow. When reading his work through the image of water, we symbolically perceive the world of <Jeol Jeong> throughout Yi Yook Sa’s poem. The spirit of pursuing purity appears in the image of water, which arises from the nature of the soil, transforms into spring water, river water, etc., and finally meets death when reaching the horizontal sea, but the pain is combined with ecstasy, allowing the poetic subject to attain a moment of eternity. On reading the poem through images, I was able to confirm the accordance among the poet"s speech, writing and his poems.