뉴미디어 아트를 활용한 웨딩 공간의 플라워 디자인 연출에 대한 연구 : 인터랙티브 표현요소를 중심으로

김민경 건국대학교 예술디자인대학원 2024 국내석사

최근 소비문화의 고급화와 감성화로 사람들의 라이프스타일과 트렌드가 다양해지고 있는 흐름 속에서 웨딩 공간을 이용하는 이용객들 또한 이에 걸 맞은 개성과 차이점을 요구하고 있다. 이에 따라 웨딩 공간의 플라워 디자 인 연출의 흐름 또한 과거의 획일화된 플라워 장식만이 아닌 미래지향적인 웨딩 공간 연출로서 개개인의 요구와 감성에 맞추어 디자인하는 것이 최근 의 경향이다. 그 중 기술 발전과 함께 문화·예술적 차원에서 지향되는 예 술로서 뉴미디어 아트가 대두되어지고 있다. 뉴미디어 아트는 기술의 발전과 예술의 창의성을 결합하여 현대 예술을 혁신하고 확장시키는 역할을 하고 있다. 이는 예술의 경계를 넘어 관객과 예술가 및 기술과 사회 간의 연결을 강화하며, 예술의 본래의 목적을 새롭 게 정립하고 있는 것이다. 이처럼 뉴미디어 아트는 현대 예술의 새로운 시 대에 발맞춰 예술의 방향성을 제시하고 있으며, 예술의 미래를 열어가고 있 는 혁명적인 예술 형태로 떠오르고 있다. 뉴미디어는 최근 멀티미디어와 같은 새로운 형태의 미디어로서 과거의 매 스 미디어와 영화 등에 의해 주도되던 일방적인 커뮤니케이션 환경에서 쌍 방향적인 상호작용적 커뮤니케이션이 가능할 수 있게 하는 환경을 제공해 주고 있다. 이러한 뉴미디어를 예술적 표현을 위한 기술적 도구로서 활용하 는 뉴미디어 아트는 역동적인 예술의 분야로 끊임없이 발전하고 있다. 그 중 뉴미디어 아트를 대중들에게 깊게 각인되며 관심을 끌 수 있게 하는 가 장 대표적인 특성이 상호작용이다. 뉴미디어 아트의 상호작용은 그 하위 분야 중 하나인 인터랙티브 아트와 많은 유사관계를 가지고 있다. 이들은 기술과 예술의 융합, 관객과의 상호작 용과 참여, 현실과 가상을 넘나드는 새로운 예술 경험을 제공한다는 것에 있어서 서로 밀접한 관계를 가지며 현대 예술의 다양성과 창의성을 표현하 는 중요한 분야로서 대두되고 있다. 웨딩 공간 연출에 있어서도 이에 따라 젊은 소비자들의 요구를 반영하기 위하여 새로운 웨딩의 유형을 만들어 내고, 웨딩 공간에 다양한 기술적 연 출 요소를 도입하며 웨딩의 유행 또한 변화하는 과정에 있다. 즉, 현대의 웨 딩 플라워 디자인 연출은 공간 장식으로서 자연의 식물만을 주체로 사용하 는 것을 넘어, 다양한 소재 사용의 시도와 기술과의 융합으로 더욱 조형적 이고 디자인적인 표현의 확대로 연출의 범위가 확대되고 있다. 소비자들에게 있어 인생의 중요한 순간 중 하나인 ‘결혼’이 이루어지는 웨딩 공간은 상업 공간의 일시성적 성격을 가짐에도 불구하고 화훼 연출의 공간이 더욱 인상 깊고 차별화된 기억의 장소로서 남기를 원한다. 이에 따라 웨딩 공간을 상업적이고 일시성적 성격의 공간이 아닌 트렌드 변화와 흐 름에 맞는 뉴미디어 아트를 활용한 플라워 디자인 연출의 공간으로써 공간 과 상호소통을 한다면, 기존과는 다른 차별성을 가지며 진정한 웨딩의 의미 와 소비자들의 취향에 맞춤화된 새로운 연출로서 발전할 수 있다. In the recent trend of diversifying people's lifestyles and trends due to the high-end and sensitivity of consumption culture, users who use wedding spaces are also demanding individuality and differences. Accordingly, the flow of flower design direction in wedding spaces is also a recent trend to design according to individual needs and emotions as a future-oriented wedding space direction rather than a uniform flower decoration of the past. Among them, new media art is emerging as an art aimed at the cultural and artistic level with the development of technology. New media art plays a role in innovating and expanding contemporary art by combining technological advances and art creativity. This reinforces the connection between the audience, artists, technology, and society beyond the boundaries of art, and re-established the original purpose of art. In this way, new media art presents the direction of art in line with the new era of modern art, and is emerging as a revolutionary art form that is opening the future of art. Recently, as a new type of media such as multimedia, new media provides an environment that enables interactive interactive communication in a one-sided communication environment led by the mass media and movies in the past. New media art using such new media as a technical tool for artistic expression is constantly developing into a dynamic field of art. Among them, interaction is the most representative characteristic that makes new media art deeply imprinted and interested in the public. The interaction of new media art has many similar relationships with interactive art, one of its sub-fields. They have close relationships with each other in the convergence of technology and art, interaction and participation with audiences, and provide new art experiences that cross between reality and virtual, and are emerging as an important field for expressing the diversity and creativity of modern art. In the direction of wedding space, in order to reflect the needs of young consumers, a new type of wedding is created, various technical directing elements are introduced into the wedding space, and the trend of wedding is also changing. In other words, modern wedding flower design direction is expanding the scope of production by expanding more formative and design expressions through attempts to use various materials and convergence with technology, beyond using only natural plants as the subject of spatial decoration. The wedding space, where "marriage," one of the important moments in life for consumers, takes place, wants the space for flower production to remain a more impressive and differentiated place of memory, despite having a temporary nature of a commercial space. Accordingly, if the wedding space is communicated with the space as a space for flower design production using new media art that fits trends and trends rather than a commercial and temporary space, it can be developed as a new production tailored to the meaning of true wedding and consumers' tastes.

루쉰의 신흥 목판화운동에 나타난 디자인관에 관한 연구

유이소 건국대학교 예술디자인대학원 2023 국내박사

Lu Xun (1881-1936) was a well-known writer, thinker, and educator during China's enlightenment and development period. Moreover, Lu Xun is not only made achievements in the field of literature but also left a distinctive footprint in the field of design, which significantly impacted the history of Chinese art. When Lu Xun was studying in Japan, he realized that the problem of Chinese people was not physical fitness but the lack of independent personality. Therefore, he started his literary enlightenment after returning to China. After experiencing the Revolution of 1911, the New Culture Movement, and the May 4th Movement, which were revolutionary events in the old and new cultures alternated sharply, Lu Xun gradually found his ideological values. These thoughts and values formed the future enlightenment thought, the thought of equality, the thought of individual self-reliance, and the thought of integrating Eastern and Western cultures. He tried to help the Chinese people to build themselves and establish correct values. While absorbing advanced Western ideas, Lu Xun also noticed the critical revolutionary consciousness of enlightenment and resistance brought by the creation of prints in the West. Thus, he introduced western prints into China and launched a modern woodcut movement. He founded China's first woodcut workshop in Shanghai in 1931, a symbolic starting point for China's modern woodcut movement. Through the continuation of traditional Chinese woodcut and the absorption of the advantages of Western woodcut, He formed a modern woodcut movement with Chinese characteristics. Under the promotion of Lu Xun, the emerging woodcut quickly formed an artistic revolutionary front in China. In developing the modern woodcut movement, Lu Xun used his ideas and ideas to beautify the aesthetic characteristics. He differentiated the modern woodcut from traditional Chinese woodcut and Western-created woodcut. Emphasizing the reality and integrity of woodcut leads to an art form that serves the public as its core group. As China's education was hindered by war and social factors, the number of illiterates in China increased sharply, and the enlightenment of literature was no longer the only way for China's reform. Coupled with the influence of Cai Yuanpei's aesthetic education thought, Lu Xun began to find the answer to China's development in art. Later, when he came into contact with Kaysik Lewitz and Soviet prints, Lu Xun discovered that new woodblock prints could shoulder the task of enlightening the Chinese public on a large scale, thereby promoting the democratization of art. Moreover, his modeling concept advocates the sublimation of personality through art, enlightening the public to establish correct values. Modern woodcut, as the new media needed by China, also confirmed Lu Xun's design concept of emphasizing the utilitarian nature of art. In the process of globalization, Chinese design had fallen behind. In the development of modern China, the modern woodcut movement led by Lu Xun successfully integrated Eastern and Western art to form an inherent Chinese art medium. Therefore, his design concept in the modern woodcut movement has a high research value. Today, the study of Lu Xun's literary field is still very active. However, the exploration of his design concept has yet to receive a due evaluation. This research evaluates the modern woodcut through the background of Lu Xun's growth, the ideological changes brought about by the eastern and western social environments during his activities, and his communication with modern woodcut artists in the modern woodcut movement. In addition, based on Lu Xun's artistic evaluation and related references to Kathe Kollwitz and Soviet prints, combined with Lu Xun's thoughts and the characteristics of modern woodcut as a new mass media, this research summarizes two inherent design concepts. One is the popularization of art, and the other is the essence of Chinese design. Popularization of art includes art enlightenment, art democratization, and the common interests of art. The essence of Chinese design involves establishing Chinese identity, modernizing traditional Chinese elements, and improving the irrationality of social structures. As an important symbol of Chinese society in the process of China's modernization, Lu Xun devoted his whole life to advancing Chinese public thought. The modern woodcut movement also reflects that he was a figure who emphasized the integration of Eastern and Western art and culture and led the diversification of literature and art. Although China's modern design lagged in internationalization, modernization vitalized the world's modern design concepts. Lu Xun's design concept is the thought that leads the world trend. Therefore, through the multi-faceted analysis of his design concept, we can understand the spiritual origin of the modern Chinese design concept. 루쉰(1881-1936)은 중국의 계몽 발전 시기의 저명한 문학가, 사상가, 교육자이다. 루쉰은 문학 영역에서 성과를 거두었을 뿐 아니라 디자인 분야에서도 뚜렷한 발자취를 남기어 중국 예술사에 커다란 영향을 주었다. 루쉰은 일본 유학시절 중국인들의 문제가 결코 신체적인 부분에 있는 것이 아니라 독립적 인격 결여에 있다는 것을 깨닫고 귀국 후 문학 계몽의 길에 올랐다. 신해혁명, 신문화 운동, 5·4운동과 같이 신구(新舊) 문화가 급격히 교체되는 혁명을 거친 후 루쉰은 자신의 사상과 가치관을 찾아가며 계몽사상, 평등사상, 개인의 자립 사상, 동서양 문화 융합사상을 형성해 중국 국민들이 자아를 찾고 건전한 가치관을 확립하는데 큰 도움이 됐다.  루쉰은 서양의 선진 사상을 흡수하는 동시에 서양 창작 판화의 계몽적, 반항적인 혁명정신에 주목했다. 그리하여 서양의 창작 판화를 중국으로 도입 시켜 신흥 목판화운동을 이끌었다. 1931년 중국 상해에서 중국의 첫 번째 목각 강습회(木刻講習會)를 열었는데 이는 중국 신흥 목판화운동의 상징적인 출발점이었다. 루쉰은 중국의 전통 판화를 계승하고 서양 판화의 장점을 흡수하며 중국 특색의 신흥 목판화운동을 형성했다. 신흥 목판화는 루쉰의 지도 아래 순식간에 중국 국내의 예술 혁명을 일으켰다. 신흥 목판화운동의 전개 과정에서 루쉰은 자신의 “만물” “자기인식(思理)” “미화” 미학적 특성을 이용하며 신흥 목판화와 중국의 전통 판화, 서양 창작 판화를 구분했고 목판화의 사실성과 총체성을 중시하며 대중 중심의 예술 형식을 이끌었다. 중국 교육이 전쟁과 사회적 문제의 영향을 받아 중국 내 문맹의 수가 급증했기에 문학 계몽은 중국 개혁의 유일한 방법이 되지 못했다. 게다가 채원배(蔡元培)의 미육사상(美育思想)의 영향으로 루쉰은 예술 영역에서 중국 발전의 해답을 찾기 시작했다. 그 뒤로 케테 콜비츠(Kathe Kollwitz)와 소련 판화를 접하며 루쉰은 신흥 목판화가 중국 국민의 대규모 계몽을 실현시킬 수 있다는 것을 깨달았고 예술의 민주화를 추진하기 시작했다. 루쉰의 조형관은 마침 예술로 인격을 승화시켜 대중들의 건전한 가치관을 형성하자는 주의였다. 신흥 목판화는 중국에 필요한 신매체로서 루쉰이 강조한 예술의 공리적 디자인관을 증명했다.  중국 디자인은 세계화 과정에서 다소 뒤처진 모습을 보였다. 그러나 근대 중국의 발전 과정 속에서 루쉰이 이끌었던 신흥 목판화운동은 동서양 문화를 융합하여 중국 고유의 예술 매체를 탄생시키는데 성공했다. 그렇기 때문에 신흥 목판화운동 과정에서의 루쉰의 디자인관은 연구 가치가 매우 높다. 지금까지도 루쉰의 문학 영역에 관한 연구가 활발하게 진행 중이다. 그러나 루쉰의 디자인관 탐구는 제대로 된 평가를 받지 못했다.  본문에서는 루쉰의 성장 배경을 살펴보며 그가 활동했던 시기의 동서양 사회환경이 어떤 사상적 변화를 가져왔는지, 루쉰이 신흥 목판화운동에서 목각가들과 어떤 교류가 있었는지를 통해 신흥 목판화 작품을 평가한다. 또한 케테 콜비츠와 소련 판화에 대한 루쉰의 예술적 평가와 관련 참고 문헌을 기초로 루쉰의 사상과 대중 매체로서의 신흥 목판화의 특성을 결합하여 두 가지 고유의 디자인관으로 종합했다. 첫 번째는 예술의 대중화 사상이고 두 번째는 중국 디자인의 정체성이다. 첫 번째 예술의 대중화는 예술을 통한 민중 계몽, 예술의 민주화, 예술의 공리성을 포함한다. 두 번째 중국 디자인의 정체성은 중국적 아이덴티티(identity) 확립, 중국 전통 요소의 현대화, 사회구조의 불합리성 개선이 포함돼 있다. 루쉰은 중국 근대화 과정 속 중국 사회의 중요한 상징적 인물로, 그는 한 평생 중국 국민들의 사상을 발전시키는데 힘써왔다. 신흥 목판화운동은 루쉰이 동서양 문화의 융합을 중시하고 문학과 예술의 다원화를 이끈 인물이라는 것을 보여준다. 현대 중국 디자인은 국제화 과정에서 낙후성을 보이고 있지만 근대화 시기에는 세계 현대적 개념의 디자인이 활성화시켰고 루쉰의 디자인관이 바로 세계적인 흐름을 선도하는 사상이다. 따라서 루쉰의 디자인관을 다방면으로 분석하여 현대적 개념의 중국 디자인의 정신적 뿌리를 이해와 의의를 발견하였다.

대학가 노후주택을 활용한 코하우징 디자인에 관한 연구 : 건국대학교 주변을 중심으로

김효진 건국대학교 예술디자인대학원 2024 국내석사

대학가 노후주택을 활용한 코하우징 디자인에 관한 연구 건국대학교 주변을 중심으로 한국의 경제 성장과 더불어 저출산, 인구 고령화, 비혼 등의 영향으로 오 늘날의 1인 가구는 가장 상승률이 높은 인구 유형으로 자리 잡았지만 최근 집값 인상 가속화로 1인 가구들에게 주거에 대한 고민은 늘어갔다. 정부는 이러한 인구 변화에 대응하기 위해 주거비 부담은 줄여주되 안정적인 주거 환경을 제공할 수 있는 주택 정책들을 발표하고 있지만, 현실적으로 반영된 대안이 부족한 실정이다. 최근 동향을 살펴보면 1인 가구는 학교 또는 직장 때문에 자연스럽게 살아가게 되는 이유도 있지만, 혼자만의 라이프 스타일 을 추구하며 개인적인 프라이버시를 보호받기 위해서 자발적으로 선택한 경 우도 늘어가고 있다. 사회적으로 청년층에 해당하는 1인 가구들은 현대 주 거 트렌드가 반영된 신축 건물의 라이프 스타일을 추구하지만 부담스러운 주거 비용을 감당하기 어렵다. 증가하는 1인 가구들에게 현실적인 경제 상 황을 고려한 다양한 주거 환경을 제안하여 그들의 주거의 삶의 질을 높일 수 있는 주거 대안이 필요하다. 이 논문의 범위는 1인 가구들이 가장 많이 거주하는 주거지역인 대학가 주변을 중심으로 분포되어 있는 노후주택을 활용하여 그들을 주거 문제의 대안을 제시한다. 대학가 주변에 방치되어 있는 노후주택을 활용함으로써 1 인 가구의 주거만족도를 높이고 주변 거리 환경을 개선시키고자 한다. 또한 1인 가구의 특성을 고려하여 개인적인 프라이버시를 지키되 사회적 인격체 로 살아가기 위한 외로움을 해소할 수 있도록 공유공간의 유형인 코하우징 특성을 도입하여 노후 주택에 적용한 디자인을 제시한다. 이 연구는 대학가 주변을 중심으로 노후주택의 구조적 특징을 조사하고 코하우징에서 도출된 특성을 결합하여 노후주택에 적용할 코하우징 디자인 을 적용시켜 1인 가구를 위한 주거 디자인을 제시한다. 제시한 디자인은 1 인 가구에게 환경적·사회적으로 영향을 주도록 목표한다. 환경적으로 개선 된 개인의 주거 공간은 1인 가구의 주거만족도를 상승하게 하고, 사회적으 로는 고립되지 않도록 공동체 생활을 통한 심리적 문제를 해결하게 한다. 이 연구는 대학가 주변에 방치되고 있는 노후주택을 활용하여 1인 가구들 을 위한 코하우징 디자인을 제안하였다. 코하우징 특성이 반영된 공간 활성 화를 통해 1인 가구들의 주거 환경 개선과 활발한 커뮤니티 활동을 도모하 는 디자인을 제안함으로써 대학가 노후주택의 활용 가능성을 보여준다. 주제어 : 노후주택, 공유공간, 코하우징, 1인가구, 주거공간 Along with Korea's economic growth, single-person households have become one of the fastest growing demographic groups due to low birth rates, aging population, and singlehood. However, the rapid increase in housing prices in recent years has caused many single-person households to worry about housing. In response to this demographic trend, the government has announced housing policies to ease the burden of housing costs and provide a stable living environment. However, there is a lack of realistic alternatives. Recent trends show that while single-person households are a natural consequence of education or work, a growing number of people voluntarily choose to live alone to pursue their own lifestyles and protect their personal privacy. The younger generation of single-person households seek the lifestyle of new construction, which reflects modern housing trends, but cannot afford the high cost of housing. There is a need for housing alternatives that can improve the quality of life of the increasing number of single-person households by proposing different living environments according to their realistic economic situation.The scope of this study is to propose an alternative to the housing problem by utilizing old houses around university districts, which are the most popular residential areas for single-person households. By utilizing the neglected old houses around the university area, this research aims to increase the housing satisfaction of single-person households and improve the surrounding street environment. In addition, given the characteristics of single-person households, the researcher proposes a design applied to old houses by adopting the characteristics of cohousing, a shared house, to alleviate the loneliness of living as a social person while protecting personal privacy.This study examines the structural characteristics of old houses, focusing on the university area. It presents a housing design for single-person households by combining the features derived from cohousing and applying a cohousing design to old houses.The proposed design aims to have an environmental and social impact on single-person households. Environmentally, the improved personal living space will increase the housing satisfaction of single-person households, and socially, it will solve psychological problems through community living to avoid isolation. This study proposes a cohousing design for single-person households using abandoned old houses around a university town. By proposing a design that improves the living environment of single-person households and promotes active community activities through space revitalization that applies the characteristics of cohousing, this study shows the potential of using old houses in university areas. Keywords: Old house, Shared house, Cohousing, Single household, Living space

좀비 특수분장 형식 연구 : 좀비 르네상스, 전, 후의 3시기 국내외 대표작을 중심으로

박주영 건국대학교 예술디자인대학원 2022 국내석사

좀비 영화에서 특수분장은 좀비 영화의 특수성을 명확히 표현하는 주요 수단이다. 그럼에도 국내 영화 시장에서는 그 중요성이 인식되고 있지 않으며 작품 제작도 충분히 반영되지 않고 있다. 아울러 비평이나 관련 연구도 또한 이루어지고 있지 않다. 본 논문은 국내 좀비 영화에 나타난 특수분장의 현 상황을 해외와 비교·분석하여 앞으로의 과제와 발전 방향을 제안하고자 한다. 본 논문의 구조는 다음과 같다. 2장 1절에서는 특수분장의 역사와 좀비 특수분장의 발전과정 살펴본다. 2장 2절에서는 특수분장의 여러 가지 기법 중 작품 속에서 좀비를 구현하는 데 가장 많이 사용되는 기법을 5가지 형식으로 정의하여 이후의 연구 과정의 분석틀로 제시한다. 5가지 형식은 프로스테틱, 더미 활용, 크리처 디자인, 안구 및 구강 보형물 활용, 디지털 분장이다. 프로스테틱은 실리콘과 폼 라텍스를 사용하여 가짜 피부, 상처와 같은 보형물을 배우의 얼굴에 부분적으로 붙여 분장하는 것을 말한다. 프로스테틱은 좀비 특수분장에서 가장 많이 활용되는 기법이다. 크리처 디자인은 프로스테틱이 발전한 형태로 가면이나 전신 착용 가능한 슈트의 형식의 큰 보형물을 통해 배우의 생김새를 완벽히 바꾸는 것을 말한다. 크리처 디자인을 통해 제작된 보형물은 얼굴 전체 또는 전신에 적용한다. 안구 및 구강 보형물 활용은 특수렌즈나 특수 틀니를 배우에게 착용하여 안구와 구강의 형태를 변형하는 것을 말한다. 주로 프로스테틱이나 크리처 디자인 과정을 거친 대상에게 적용되며 이는 분장 전체의 통일감을 주어 결과물에 대한 사실적 이미지 수준을 높인다. 디지털 분장은 실제 배우의 팔이 절단된 이미지를 표현하거나 좀비로 갑자기 변모하는 과정 등 영화적 연출에서 특수분장만으로 구현하는 데 어려움이 있을 때 이를 보완하는 것을 말한다. 3~5장에서는 국내외 좀비 영화를 3시기, 즉 좀비 르네상스 이전과 좀비 르네상스, 좀비 르네상스 이후로 나누고 각 시기 대표작을 선정한 뒤 좀비 특수분장 디자인을 분석한다. 이를 통해 국내 좀비 특수분장의 현황을 진단한다. 3시기의 구분은 해외의 잭 스나이터 감독의 <새벽의 저주>를 좀비 르네상스 시기로 선정한 뒤 이전과 이후로 분류한다. 국내 영화의 경우 연상호 감독의 <부산행>을 좀비 르네상스 시기로 선정한 뒤 이전과 이후로 분류한다. 3장에서는 좀비 르네상스 이전 시기의 해외 대표작 <렛 슬리핑 콥시즈 라이>와 국내 대표작 <괴시>에 나타난 좀비 특수분장 디자인을 비교·분석한다. 3장의 분석 결과를 보면 좀비 르네상스 이전 국내 좀비 영화 <괴시>는 <렛 슬리핑 콥시스 라이>를 원작으로 하여 그보다 6년 후에 제작되었음에도 안구 변형 이외의 좀비 특수분장 형식을 찾기 어렵다. 4장에서는 좀비 르네상스 시기의 해외 대표작 <새벽의 저주>와 국내 대표작 <부산행>에 나타난 좀비 특수분장 디자인을 비교·분석한다. 4장의 분석 결과를 보면 좀비 르네상스 시기 국내 좀비 특수분장은 3차원적인 특수분장보다 에어브러시를 사용한 2차원적인 드로잉 기법이 주를 이루는 것을 알 수 있다. 5장에서는 좀비 르네상스 이후 시기의 해외 대표작 <아이 엠 어 히어로>와 국내 대표작 <#살아있다>, <반도>를 비교·분석한다. 5장의 분석 결과를 보면 과거 <부산행>보다는 3차원적인 특수분장의 적용 사례가 보인다. 다만, 해외 좀비 영화에 비하면 적용 사례가 적고 디자인에서도 부족한 모습을 보인다. 본 연구는 국내 좀비 캐릭터의 특수분장 수준을 디자인의 기초형식에서 각 대표작의 디자인을 분석하고 평가했다는 점에서 의의가 있다. 이번 연구를 통해 국내 좀비 영화의 특수분장 적용 형식의 미흡한 현 상황을 진단하고 발전 가능성을 모색한다. 국내 특수분장 디자이너들의 노력과 업계의 열린 소통, 영화계의 실험적인 투자가 병행될 때 관객들은 더 발전된 좀비영화와 특수분장 디자인을 감상할 수 있다. 본 연구자는 이번 연구를 통해 특수분장 디자이너를 비롯한 영화업계 종사자들이 특수분장 형식부터 관심을 두길 바란다. 나아가 영화산업에서 특수분장 분야의 기술적 이해가 관계자들에게 충분히 공유되고 이를 통해 발전된 좀비 디자인을 구현할 수 있는 현실적인 조건이 마련되었으면 한다. In zombie movies, SFX makeup(Special Effect Makeup) is a major method of expressing the specificity of zombie movies. Nevertheless, its importance is not recognized in the domestic film market, and the production of works is not sufficiently reflected. In addition, no criticism or related research has been conducted. This thesis compares and analyzes the current situation of SFX makeup in domestic zombie movies with overseas and proposes future tasks and directions for development. The structure of this paper is as follows. In chapter 2:1, the history of SFX makeup and the development process of zombie special makeup were investigated. In chapter 2 and section 2, among the various techniques of SFX makeup, the technique most commonly used to implement zombies in work is ...

카를로 스카르파의 실내디자인에 나타난 시공 디테일 특성에 대한 연구

강병윤 건국대학교 예술디자인대학원 2020 국내석사

Carlo Scarpa is an Italian regionalism architect, who had worked since 1920s. While then architectural trend was mainly led by rationalism focused on functional and technical aspects, Scarpa built his own formative world with designs and materials that reflected the region of Venice and its historical and cultural characteristics. His architectures included multi-cultural factors and expressions of regionalism that reflected the urban characteristics of Venice, and artisan technique from the experiences of glass art. Based on those, his designs had the detailed expressions to build his own area of art. He continued to complete his own design philosophy by reflecting the influences from Frank Lloyd Wright and interests in Japanese culture via exhibitions with various artists and space designs and architectures. The delicate details close to craftwork that reflects those original design characteristics were alienated from the architects and critics of the times. Later, however, they were recognized of the originality and attracted the attention of many architects and interior designers. In this context, this study aims to induce the detailed characteristics of his works from the viewpoint of interior design focusing on his architectures' interior spaces, and analyze cases to make a comprehensive conclusions as well as seeking the possibility of application in the modern world. The results of the analysis can be summarized as follows: Firstly, the details in stairs and stabs which are shown upward are expressed by having spaces between stairs or putting in a slim support or a pole under the lifted slab. He also used various expressions with various methods of details such as expressing the flotation of the slab or the stairs by hanging on the wall or the ceiling via integrated step boards and handrails by banding steel materials. He used the appropriate physical characteristics of materials to express the flotation via visual lightness of the materials or the spaces between them, which allowed him to express the details of the design. Secondly, he used details for separation and segmentation of boundaries mainly to stress the differences. Using different materials on the joints where different materials meet together, and expressing separations and segmentations, he adopted the design of a framed metal molding or a steel plate on the outer side or stressed the design with different levels in detail. Thirdly, as per the joint details for doors and space factors, he made the design so that the door can be recognized as a part of the space to make an object of the space factors of the wall, the open part or the door, or, so that people can feel the object when they open and close the door by using fixed joints and hinged joints on the wall or the pole that contain equipment, etc. inside. Fourthly, as for the details to express orientalism, he mostly adopted the linkage of a circular form, or a pair form to express the symbolic meaning of oriental Eum-Yang(Yin-Yang) philosophy. He also used a grid pattern on a Japanese style window using a curved wooden frame to express the orientalism. In addition, he also made a design that applied geological mosaic patterns on the wall and ceiling to express the feeling that the light is reflected from the space. These characteristics showed how he designed and worked with details via the analyses of the pictures and sketches. The analysis results are reflected to the artistic details of the Carlo Scarpa school these days, too. However, there have not been many studies that could help design works. As such, I hope this study may help his details to assist the designs and works in the Korean interior designs and architectures. Scarpa's artistic details are used still nowadays via these study results and I expect work details with reinterpretations of Scarpa's detail characteristics may be variously applied to interior spaces. 카를로 스카르파(Carlo Scarpa)는 1920년대부터 활동한 이탈리아 지역주의 건축가이다. 동시대의 건축 성향은 기능적, 기술적인 측면에 치중한 합리주의 경향의 건축이 주류였다면, 그의 디자인은 베니스라는 지역과 역사, 문화적 특성을 반영한 재료 사용과 디자인으로 독자적인 조형세계를 구축하였다. 그의 건축은 베니스의 도시적 특성을 반영한 다문화적 요소와 지역성의 표현, 유리공예를 경험한 장인 기술을 토대로 표현한 디자인이 나타난 디테일로 그만의 독자적인 영역을 구축하였다. 그는 여러 작가들의 전시와 공간디자인, 건축을 통하여 프랭크 로이드 라이트(Frank Lloyd Wright)의 영향, 일본 문화에 관심 등을 디자인에 반영, 자신만의 디자인 철학을 완성해 나갔다. 이런 독자적인 디자인 특성이 반영된 공예에 가까운 섬세한 디테일은 동시대의 건축가와 비평가들로부터 소외되었지만, 후에 독자성을 인정받아 많은 건축가와 실내 디자이너들의 주목 대상이 되었다. 따라서 본 연구의 목적은 그의 건축의 실내공간을 대상으로 실내 디자인 관점의 시공 디테일 특성을 도출, 사례를 대상으로 분석, 종합하여 현대시대에서 그 적용 가능성을 모색하고자 한다. 분석한 결과를 종합하면 다음과 같다. 첫 번째, 계단과 슬라브 등의 부유성의 디테일은 계단과 계단 사이 틈을 띄워서 표현하거나 슬라브를 들어 올리면서 하부에 얇은 지지대나 기둥을 세우는 방식으로 표현하였다. 또한 철재를 밴딩, 디딤판과 난간을 일체화 해서 벽이나 천정에 매다는 방식을 사용, 부유성을 표현하는 등 다양한 방식의 디테일로 시공해서 표현하게 하였다. 그는 이렇게 적절한 재료의 물성을 이용하여 틈의 이격이나 재료가 가지는 시각적인 가벼움을 통해 부유성을 표현, 디테일을 시공하게 디자인하였다. 두 번째, 재료 경계의 분리와 분절을 위한 디테일은 차이를 강조하는데 많이 사용하였다. 매스들이 만나는 조인트 부분에 다른 재료의 사용과 분리와 분절로 표현하면서 외곽의 프레임 금속 몰딩이나 철판으로 디자인하거나 레벨을 다르게 디자인한 디테일로 강조를 하는 시공을 하게 디자인하였다. 세 번째, 도어와 공간 요소의 재료 조인트 디테일로는 공간 요소인 벽 또는 개구부나 도어를 오브제화하기 위해 도어가 공간의 일부로 인식되거나 설비 등이 내장된 벽체나 기둥을 고정된 조인트, 힌지드 조인트를 사용하여 개폐했을 때, 오브제같이 느껴지게 디자인, 시공을 하게 하였다. 네 번째, 기하학, 동양 사상을 표현한 디테일로는 주로 동양의 음양 사상의 상징적인 의미를 표현하기 위해 원형의 연결이나 쌍구조의 사용으로 동양성을 표현하였다. 곡선의 목재 프레임을 이용한 일본풍의 창에 격자 패턴을 사용, 동양성을 표현하기도 하였다. 수 공간에 반사된 빛이 반영된 것 같은 느낌의 모자이크의 기하학적 패턴을 벽체와 천정에 적용시킨 디테일로 시공하게 디자인하기도 하였다. 상기한 특성들은 분석에서 사진과 스케치를 통하여 그가 어떤 방식으로 디테일을 디자인, 시공을 하게 했는지를 알게 하였다. 이러한 분석 결과들이 반영된 카를로 스카르파의 장인적 디테일은 오늘날에도 나타나고 있으나, 시공에 도움이 될 만한 연구들이 많지 않았기에 이 연구를 통해서 향후 국내 실내디자인이나 건축에서 그의 디테일이 디자인뿐만 아니라 시공에도 많은 도움이 되길 바란다. 이러한 연구결과로 스카르파의 장인적 디테일이 오늘날에도 나타나고 있고, 그의 디테일 특성을 재해석한 시공 디테일이 실내공간에 다양하게 적용되기를 기대한다.

데페이즈망 기법을 활용한 플래그십 스토어 공간 디자인 연구 : 남성 캐쥬얼 브랜드 중심으로

최소이 건국대학교 예술디자인대학원 2022 국내석사

팬데믹 시대로 인한 사회적 거리 두기로 이동이 제한되고 집안에서 생활하는 시간이 많아지면서 인간의 고독감과 피로감은 상당히 커져만 가고 있는 상황이다. 이로 인해 많은 유통이 변화하였지만 그중 변화가 가장 큰 패션 유통은 오프라인에서 온라인으로 변화하기 시작하였다. MZ 세대들은 최신 트렌드를 쫓아가려고 하며 남과 다른 색다른 경험을 추구하는 특징을 가지고 있어 시간과 비용을 투자하여 새로운 공간을 찾아다니며 감성적인 경험을 체험하고 있다. 플래그십 스토어라는 공간 안에서 새로운 경험을 할 수 있는 곳이 되어야만 기존 판매, 브랜드의 아이덴티티만 추구하던 방식에서 MZ 세대들의 주목과 관심을 이끌게 할 수 있는 유일한 방법이 되어 버렸다. 최근 MZ 세대들에게 인기가 있는 플래그십 스토어에서는 전시 공간이라고 해도 전혀 이상하지 않을 거 같은 예술적 기법이 활용되고 있었다. 공간 안에서 이질적인 재료를 쓰거나 상관없는 사물을 배치하여 공간의 의외성을 주기도 하며 스케일의 변형 왜곡을 통해 공간에서 긴장성을 느끼게도 하였다. 또 이미지 중첩과 착시를 통해 공간의 경계를 모호하게 만들었고 오브제를 고립, 물리적 변형을 통해 시공간의 변화를 주어 공간 속에서 환상을 주기도 하였다. 이러한 공간 특성은 데페이즈망이라는 초현실주의 기법 중 한가지이다. 남성 캐쥬얼 브랜드들은 2000년대 주 타겟인 X세대들은 지금과는 다르게 플래그십 스토어를 대하는 자세가 달랐다. 지금처럼 유통이 온라인 중심이 아닌 오프라인 중심인 그때 당시에는 플래그십 스토어가 브랜드의 대표적인 매장이었고 상품을 구매하러 매장을 방문하였다. 오늘날 남성 캐쥬얼 브랜드들의 주 소비자들은 MZ 세대들로 변화했지만 공간은 여전히 X세대들 겨냥한 판매 중심의 매장들뿐이다. 이러한 변화를 받아들이지 못한 남성 캐쥬얼 브랜드들은 점점 사라지게 되고 있는 실정이다. 이 연구는 사라져 가고 있는 남성 캐쥬얼 브랜드 플래그십 스토어에 데페이즈망 기법을 활용하여 많은 사람들이 잠시나마 현실에서 벗어나 색다른 경험과 예술적 감정을 느낄 수 있는 공간을 제안하고자 한다. Human loneliness and fatigue are growing considerably as movement is restricted due to social distancing caused by the pandemic era and time to live at home increases. As a result, many distributions have changed, but fashion distribution, which has the largest change, has begun to change from offline to online. The MZ generation is trying to keep up with the latest trends and has the characteristic of pursuing a different experience than others, so they are investing time and money to find new spaces and experience emotional experiences. Only when it becomes a place where new experiences can be experienced in the space of the flagship store has it become the only way to attract the attention and interest of the MZ generation in the way that only existing sales and brand identity were pursued. Recently, at the flagship store, which is popular with the MZ generation, artistic techniques that would not be strange to call it an exhibition space were being used. Foreign materials were used in the space or objects that did not matter were placed to give the unexpectedness of the space, and tension was felt in the space through deformation distortion of the scale. In addition, the boundary of space was blurred through image overlapping and optical illusion, and the object was isolated and changed in space and time through physical deformation, giving illusion in space. This spatial characteristic is one of the surrealistic techniques of the Depay network. Men's casual brands' main target in the 2000s, Generation X, had a different attitude toward flagship stores than now. At that time, when distribution was offline, not online-oriented as it is now, flagship stores were the representative stores of the brand and visited stores to purchase products. Today, the main consumers of male casual brands have changed to MZ generations, but the space is still only sales-oriented stores aimed at Generation X. Male casual brands that have not accepted these changes are gradually disappearing. This study aims to propose a space where many people can get out of reality for a while and feel different experiences and artistic emotions by using the de-phase network technique in the disappearing male casual brand flagship store.

이탈리아 윤리적 패션 및 디자인 특성

이귀연 건국대학교 예술디자인대학원 2016 국내석사

Fashion involves more than just primary production and consumption of goods. Ethical fashion is a fashion to which ethical standard is applied with the aim of realizing socio-ethical values for coexistence of man and the planet. It is also the ultimate goal of fashion in the new millennium. Unbridled consumption promoted by growth-oriented economic policies and their adverse consequences led to ethical re-evaluation of all aspects of society during the 20th century, giving rise to ethical fashion in the 21st century fashion industry. Many countries are trying to develop ethical fashion by providing policy support that is congruent with their socio-cultural environment and situation. This is necessitating researches on ethical fashion for each country. The aim of this research is to study the Italian ethical fashion and their design characteristics. Italian fashion industry was developed around small and medium size cities, which is suitable for ethical fashion, and takes advantage of tangible and intangible cultural heritage that is closely related to ethical fashion. Related literatures and case studies from various countries were studied in order to derive the Italian ethical fashion and their design characteristics. The following conclusions were obtained. First, ethical fashion is based on humanism and embraces various elements such as environment-friendliness, ecology, sustainability, LOHAS, slow fashion, etc. Second, the characteristics of ethical fashion include humanism based on love of mankind and pursuit of mutual coexistence and sharing, socio-cultural sustainability that connects social and cultural issues and environmental sustainability that tries to achieve mutual coexistence of man and the natural environment. The design characteristics of ethical fashion derived from them include the idea of social ethics, local uniqueness, multi-functionality, simplicity and environment-friendliness. Social ethics find its expression by either directly relating itself social issues or applying ethical values to the entire fashion process via fair trading, etc. Local uniqueness is about adding each country’s unique traditional techniques to modern technologies and universal aesthetical criteria. Multi-functionality is about clothes having various functions. Simplicity is about minimizing use of raw materials and design, which translates to simple style and modularity. Environment-friendliness is about using natural and organic materials, developing and reusing environment-friendly materials, up-cycle, etc. Third, the research showed that the leading countries for ethical fashion were England and Germany, where people have high consumer awareness, and the Northern European countries, where people have a tradition of pursuing mutual coexistence with the nature. The growth of ethical fashion requires high level of consumer awareness, which implies the importance of consumer education about ethical fashion. The leading ethical fashion countries were making efforts to commercialize ethical fashion by inducing continued consumer interest in ethical fashion and use of media to promote more general aesthetical values. Based on the results above and the results of literatures and case studies about ethical fashion related to Italian fashion institution, luxury brand, media and fashion events, the following conclusions about Italian ethical fashion and design characteristics were derived. First, in Italy, ethical fashion was being supported by government and public institutions. Also, the cluster fashion industry structure based small and medium companies was suitable for ethical fashion and the fashion industry as a whole was flexibly responding to the power of big fashion industry and was making a fast progress in ethical fashion. Second, Italy, which has a tradition of giving respects to each regions culture, the cultural heritage inherited from Greco-Roman and Renaissance and slow-paced culture, was particularly favorable for local uniqueness of ethical fashion design as well as its socio-cultural sustainability. They were combining modern Italian system to unique local traditional techniques not only of Italy but also other countries such as Africa to create fashion products with universal aesthetic fashion values. Third, one of the most uniquely Italian characteristics of environment friendliness is durability. Italians pursue high quality products that are timeless and values the emotional values associated with products that are finely aged. It reflects their love of “slow culture” and enjoyment of life. This research examined ethical fashion in Italy and tried to provide a guideline for ethical fashion in Korea where people have low awareness of ethical fashion. It is hope that this introductory research will contribute to growth of ethical fashion in Korea by promoting more researches on ethical fashion and its education. 지구와 인간의 상생을 위한 사회 윤리적 가치 실현을 위해 1차원적 생산과 소비가 아닌 패션의 전 행위에 있어 윤리적 패러다임이 부과되는 윤리적 패션은 새로운 밀레니엄의 패션 산업의 궁극의 지향점이라 할 수 있다. 지나친 경제 성장 위주 정책에 따른 소비 장려와 그 폐해로 인해 20세기 사회 전반에 걸친 윤리적 각성은 21세기 패션 산업에서 윤리적 패션을 등장시켰다. 이에 각 나라는 자국의 환경 및 사회 문화적 상황에 맞는 정책적 지원을 통해 윤리적 패션의 발전을 꾀하고 있으며 각 나라별 윤리적 패션에 대한 연구가 요구되어 지고 있다. 따라서 본 연구는 윤리적 패션의 특성과 밀접한 유무형적 문화자산을 바탕으로 윤리적 패션에 적합한 중소 규모의 지역 중심의 발달된 패션 산업 클러스터 구조를 가진 이탈리아의 윤리적 패션 및 디자인 특성을 연구하는 것에 목적이 있다. 이탈리아 윤리적 패션 및 디자인의 특성을 도출하기 위해 먼저 문헌자료 및 나라별 실제 사례 연구를 통해 다음과 같은 결론을 도출하였다. 첫째, 윤리적 패션은 친환경, 에코, 지속가능성, 로하스, 슬로우 패션을 포괄하는 총체적 개념으로서 인본주의를 근간으로 한다. 둘째, 윤리적 패션은 인류애를 바탕으로 한 공생공유의 인본주의적 특성, 사회적 이슈에 대한 문화적 연계의 사회문화적 지속가능성, 환경과 인간의 상생을 위한 환경적 지속가능성의 특성을 갖는다. 여기서 도출된 윤리적 패션 디자인의 특성으로는 사회윤리성, 지역고유성, 다기능성, 단순성, 친환경성이다. 사회윤리성은 사회적 이슈에 대한 직접적 표현이나 공정 무역 등을 통한 윤리적 가치를 패션 프로세스의 전 과정에 부여함으로써 표현된다. 지역고유성은 각 지역 고유의 전통 기법에 현대적 기술과 보편적 미를 가미함으로써 표현된다. 다기능성은 한 가지의 옷이 여러 기능을 가지며 표현된다. 단순성은 물질 및 디자인의 최소화에 따라 제로웨이스트, 심플 스타일, 모듈러를 통해 표현된다. 친환경성은 천연 및 유기농 소재, 친환경적 신소재 개발 및 재활용, 업싸이클 등을 통해 표현된다. 셋째, 윤리적 패션의 나라별 경향에서는 상대적으로 소비자 의식이 높은 영국과 독일, 전통적으로 자연과 자연스럽게 상생해 온 북유럽 국가들이 현재 윤리적 패션을 선도하고 있었다. 따라서 윤리적 패션의 발전을 위해서는 소비자들의 의식 수준이 큰 영향을 미치며 이를 위해 윤리적 패션에 대한 소비자 교육의 중요성이 강조 되고 있다. 또한 윤리적 패션에 대한 소비자의 지속적인 관심 유도를 위해 다 각도의 미디어 활용과 보편적 미 추구를 통한 상업화를 꾀하고 있음을 알 수 있었다. 이상의 결과와 문헌 자료 및 이탈리아의 패션 기관, 럭셔리 브랜드, 미디어, 패션 행사 등의 윤리적 패션 사례를 통해 다음과 같이 이탈리아 윤리적 패션 및 디자인의 특성을 도출 하였다. 첫째, 이탈리아 국립 협회를 중심으로 관련 정부 기관들이 윤리적 패션 산업을 지원하고, 윤리적 패션에 적합한 중소규모의 지역 기반 패션 산업 클러스터의 산업구조는 기존 패션 산업의 저항에 유연하게 대처하며 윤리적 패션 발전에 발 빠른 행보를 보이고 있다. 둘째, 도시 국가적 특징의 각 지역 문화 존중의 배경, 서양 문명의 기원인 그리스 로마 및 르네상스 시대의 문화 자산과 슬로우 문화 기반을 가진 이탈리아에서는 윤리적 패션의 사회문화적 지속가능성과 윤리적 패션 디자인의 지역고유성이 특히 부각됨을 알 수 있었다. 이는 이탈리아 국내 뿐 아니라 아프리카 같은 지역 고유의 전통 기법에 이탈리아의 현대적 시스템을 결합시켜 보편적 미의 제품을 생산하며 세계적 공감을 얻고 있다. 셋째, 윤리적 패션 디자인의 친환경적 특성 중 특히 이탈리아에서 탁월하게 보여 지는 특성은 내구성이다. 이는 타임리스 개념의 오래 지속될 수 있는 고퀄리티를 추구하며 세월의 흐름과 함께 제품에 축적되는 느림의 정서적 가치를 중시하는 슬로우 문화의 영향이 반영된 것임을 알 수 있었다. 본 연구는 이탈리아 윤리적 패션에 대한 고찰을 통해 아직 윤리적 패션에 대한 인식이 미약한 우리나라에 윤리적 패션의 정착을 위한 가이드라인으로서 의의를 갖는다. 또한 이탈리아 윤리적 패션에 대한 개괄적인 연구로서 보다 많은 개별 국가의 윤리적 패션에 관한 연구 및 윤리적 패션 교육에 대한 연구가 진행되어 우리나라의 윤리적 패션 발전에 기여하길 기대해 본다.

헤어스타일 고객선호도와 디자인 특성분석 : 2014년 방영된 TV드라마 여배우 중심으로

박인용 건국대학교 예술디자인대학원 2015 국내석사

With the increase of the customers requiring the actress hairstyle at the hair salon, there is a need to analyze their preference and design characteristics of actress hairstyle. The purpose of this study was to classify the actress hairstyle appearing in soap operas by design element and analyze the factor and hairstyle design characteristics considered for customers to get their hairstyle put. The scope of this study was confined to 76 dramas selected through the survey of contemporary pieces telecasted in MBC, KBS, KBS2, SBS, Jtbc and tvN in 2014. And it attempted to analyze a total of 460 photos of two profiles and two appearances from behind of each of 230 selected actresses appearing in dramas and conducted the in-depth interview with 30 female customers aged their 20s and 30s visiting this researcher's shop. It attempted to dividie the form into length, volume and silhouette as the criteria for analysis and to analyze the texture by dividing it into curl and straight hairstyle and the color by dividing it into hue, brightness and chroma. As a result, the following findings were obtained: First, criteria for the choice of hairstyle based on customer preference include the taste experienced by customers, the psychology of imitating the entertainer and a desire to complement the defect of their external appearance. Second, the respondents in getting their hairstyle put considered long hair, abundant volume in relation to form, natural and thick 'S' curls in relation to texture and medium brightness in relation to the color. Third, the customers gets information on hairstyle through actresses and chose hairstyle preference but chose their hairstyle on the basis of their taste and the complementation of the defects of their external appearance, This implies that marketing should be conducted by making use of many-sided counseling for their tastes and the defects of their external appearance and the characteristics of each design element. This study has its significance in that it conducted an in-depth interview for customers and design elements and suggests that it shows an possibility of the marketing strategy at the hair salon. 헤어살롱에서 여배우 헤어스타일 시술을 요구하는 고객이 증가함에 따라 여배우 헤어스타일 선호도와 디자인 특성을 분석할 필요성이 대두되었다. 본 연구의 목적은 드라마에 출연한 여배우 헤어스타일을 디자인 요소에 따라 분류하고 고객이 헤어스타일 시술을 요구할 때 고려하는 요인과 디자인 특성을 비교 분석하는 데 있다. 연구범위는 2014년도 MBC, KBS, KBS2, SBS, Jtbc, tvN에서 방영된 드라마 중 현대물을 전수 조사하여 선정한 76편이다. 드라마에 출연한 여배우 230명을 선정하여 각 앞모습, 옆모습이 캡처된 사진 2장씩 총 460장을 자료 분석하였고, 분석 대상은 연구자 샵에 내방하는 20, 30대 여성 고객 30명을 선정하여 심층 인터뷰 하였다. 분석기준은 형태를 길이, 단차, 볼륨, 실루엣으로 나누었고, 질감은 컬과 스트레이트로 구분하였으며, 컬러는 명도, 색조, 색도로 세분화하였다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째 고객 선호도에 따른 헤어스타일 선택 기준은 본인의 취향에 의한 선택, 연예인 모방심리에 의한 선택, 본인 외모 결점 보완을 위한 선택이다. 둘째, 헤어스타일을 시술하고자 할 때 형태는 길이가 긴 헤어와 풍성한 볼륨, 질감은 자연스럽고 굵은 S컬, 컬러는 중명도 계열의 디자인 요소를 고려하였다. 셋째, 고객은 여배우를 통해 헤어스타일 정보를 얻어 스타일을 선택하지만 헤어스타일 시술을 요구할 때 본인 취향과 외모결점 보완 등에 의해 선택한다. 이는 고객 취향과 외모 결점 보완을 위한 다각적인 상담과 디자인 요소에 따른 특성을 활용한 마케팅이 이루어져야 할 것이다. 연구의 제언점은 고객과 디자인 요소가 드러나는 인터뷰를 실시하였다는데 의의를 두며 헤어살롱에서 고객 맞춤 서비스의 가능성을 시사한다.

메타버스를 활용한 아이돌 무대의상 디자인 개발 : 신한복을 중심으로

이희영 건국대학교 예술디자인대학원 2023 국내석사

The Metaverse, which has grown rapidly amid the COVID-19 outbreak, is considered a promising new technology even after the declaration of endemic. As the generation Z is accustomed to handling digital devices, they become influential in the expanded digital environment, and different cultures and trends around them are quickly transmitted through SNS. In this circumstance, Korean culture, also called ‘K-Culture’ gained popularity around the world. In particular, K-pop (Korean popular music), which recently focused on idol groups, gained a lot of attention, and the their ‘Shinhanbok’ style stage costumes are also in the limelight. Reimagined young and trendy Hanbok not only increased Korean cultural pride but also opened up the possibility of development of Korean traditional clothing. At this point, it is urgently required to develop the Shinhanbok design and related contents that are suitable for the present age through in-depth research on Shinhanbok. Therefore, the purpose of this study is to develop idol stage costume design using the metaverse. To this end, the concept of the metaverse and the status of the metaverse fashion market are reviewed first, and the concept and characteristics of ZEPETO to be used as a development platform are examined in detail. The development of Shinhanbok as a stage costume are analyzed and examined through the changing process of Hanbok. From the analysis and examination, it is found that the influences of the generation MZ (Millennials and Gen Z) and the 'K-POP’ idols played a key role in huge popularity of the Shinhanbok today. The two main routes considered as the elements of play culture with Shinhanbok that enjoyed by the generation MZ through SNS activities are ‘Shinhanbok brand clothes’, which are available online marketplaces, and the 'Hanbok Costumes experience’ as part of Korean traditional palace outing program. And analysis of formative characteristics of the Shinhanbok designs is conducted in detail by shape, color, material, and pattern. In addition, the characteristics of K-POP idol girl groups and their stage costumes are examined. And the analysis is conducted on the formative characteristics of the stage costumes of 5 selected girl groups performing in the Shinhanbok and this collective analysis is reflected in the subsequent design development. In the design development, the girl group BLACKPINK is selected because they have been performing in the Shinhanbok around the world. As for the song for the stage costumes, the song <DDU-DU DDU-DU> is selected because its oriental percussion rhythm and the splendid monochromatic stage background of the rafters that appeared in the second half of the music video is suitable for expressing the stage costumes. As a result of comprehensive examination of the lyrics of the song and the overall image in the music video, the derived characteristics are images of 'freedom’, ‘challenge’, ‘confidence’, ‘sexy’, and ‘new'. And the elements of ‘Jeogori(top part of the Hanbok)’, the silhouette of Cheollik, and the shape of the ‘Daeran Chima(one of the skirts of the Hanbok)’, which are the formative elements of Hanbok analyzed in the Chapter 2, are used as major design motives to design Blackpink's stage costumes. In addition, 'sexy' and 'hip-hop' styles that are derived from the analysis of the frequency of girl group stage costumes are considered to express effectively the concept of the song, thus they are reflected in the design envelopment stage. A total of 4 stage costumes developed as ZEPETO Avatar costumes represent the formative elements of traditional Hanbok in a modern and trendy style, forming a unified stage costume collection to clearly reveal the unique color of PLACKPINK with the images of proactive and confident modern women. This study shows the possibility and necessity of using new fashion media by developing idol stage costumes as avatar costumes using traditional Korean clothes, Hanbok, in the metaverse that is attracting attention as the future world. Through this study, it is expected that the various Shinhanbok designs using the metaverse are developed and supplementary contents using them are actively created to contribute to the development of cultural sustainability. 코로나19 팬데믹으로 인해 비약적인 성장을 이룬 메타버스는 엔데믹이 선언된 이후에도 미래의 유망기술로 여겨지고 있다. 디지털 기기를 다루는데 능숙한 Z세대들은 확대된 디지털 환경 속에서 영향력을 발휘하게 되었고, 이들을 중심으로 여러 문화와 유행이 SNS를 통해 빠르게 전달되면서, 최근 한국의 문화는‘K-컬쳐’라는 이름하에 글로벌한 인기를 얻게 되었다. 특히 아이돌 그룹을 중심으로 K-POP이 뜨거운 관심을 받으며, 이들이 무대의상으로 착용한 ‘신(新)한복’역시 큰 주목을 받았다. 젊고 트렌디한 감성으로 새롭게 태어난 한복의 모습은 전통의복의 새로운 발전 가능성을 보여주었고, 우리 문화에 대한 자긍심을 높여 주었다. 이러한 시점에 신한복에 대한 깊이 있는 연구를 통해 현 시대에 맞는 디자인의 개발과 이에 대한 콘텐츠 개발이 절실히 요구된다. 따라서 본 연구는 메타버스를 활용한 아이돌 무대의상 디자인을 개발하는 것을 연구목적으로 하였다. 이를 위해 먼저 메타버스의 개념과 메타버스 패션시장 현황을 고찰하고, 개발 플랫폼으로 사용할 제페토에 대한 개념과 특징을 구체적으로 살펴보았다. 이어 무대의상으로 개발할 신한복에 대해 한복의 변천과정을 통해 분석 및 고찰한 결과 신한복이 이전과 달리 크게 유행 할 수 있었던 이유로 ‘MZ'세대와 ‘K-POP 아이돌’의 영향력이 그 배경으로 작용했음을 도출해 낼 수 있었다. MZ세대들이 SNS활동을 통해 즐기는 놀이문화의 한 요소로 이용하는 신한복의 주요경로를 온라인으로 판매되는 ‘신한복 브랜드 의상’과 ‘궁 나들이 체험의상’으로 판단하고 이들의 디자인을 형태, 색, 재질, 문양으로 구체적으로 나누어 조형적 특징을 분석하였다. 또한 K-POP 걸 그룹과 걸 그룹 무대의상의 특징을 고찰하고, 신한복을 입고 공연한 걸 그룹 5팀의 무대의상의 조형적 특징을 함께 분석해 이후 디자인 개발에 반영하였다. 디자인 개발에 있어 신한복을 입고 세계적인 공연을 해 온 걸 그룹 블랙핑크를 대상으로 하였고, 공연 의상을 위한 곡으로는 동양적인 퍼커션 리듬과 뮤직비디오 후반부에 나타난 서까래의 화려한 단청 무대배경이 신한복으로 무대의상을 표현하는데 적합하다고 판단하여 곡 <뚜두뚜두>를 선정하였다. 곡의 가사 내용과 뮤직비디오에서 느껴지는 이미지를 종합적으로 살펴본 결과 ‘자유, 도전, 당당함, 섹시, 새로운’이라는 이미지적 특징을 도출하였으며, 이와 함께 2장에서 분석한 한복의 특징적인 조형 요소 중 ‘저고리의 요소, 철릭의 실루엣, 대란치마의 형태’를 주요 디자인 모티브로 활용하여 블랙핑크의 무대의상 디자인을 진행하였다. 또한 걸 그룹 무대의상 스타일 빈도 분석 결과 도출된 ‘섹시’와 ‘힙합’을 이 곡의 컨셉을 잘 나타낼 수 있는 스타일로 판단하여 이를 반영해 디자인 개발을 진행 하였다. 제페토 아바타 의상으로 개발한 총 4벌의 의상은 전통한복의 조형적 요소들을 현대적으로 트렌디하게 잘 녹여내어 진취적이고 당당한 현대여성의 이미지를 블랙핑크만의 그룹의 색이 잘 드러날 수 있도록 하면서 무대의상으로 통일성 있는 컬렉션을 이루었다. 본 연구 결과 미래세상으로 주목받고 있는 메타버스에 한국의 전통 복식인 한복을 이용하여 아이돌의 무대의상을 아바타 의상으로 개발함으로써 새로운 패션 미디어의 활용가능성과 필요성에 대해 알 수 있었다. 본 연구를 통해 앞으로 메타버스를 활용한 다양한 신한복 디자인이 개발되고 이를 활용한 부가 콘텐츠들이 활발하게 생산되어 문화적 지속가능성의 발전에 기여하고자 한다.

식물을 모티브로 활용한 페이퍼 아트워크 윈도우 디스플레이 연출에 관한 연구 : 딥디크를 중심으로

양소원 건국대학교 예술디자인대학원 2022 국내석사

환경적 이유로 인하여 실내에 머무는 시간이 늘어나면서 식물을 이용해 쾌적한 실내 환경을 조성하는 것에 대한 관심도가 높아지고, 자연히 공간에 식물의 필요성이 증가하였다. 전에는 식물 요소를 공간에 직접 사용하여 연출하는 방식이 주를 이루었지만, 현재에는 식물을 표현할 방법들이 다양하게 발전하고 있다. 이에 대한 다양한 분야의 표현 방식으로 실내 정원, 벽면 연출, 조명. 주얼리, 소품, 페인팅 등으로 식물을 활용하여 다양한 디자인을 선보이고 있다. 식물로만 한정적으로 사용되는 것이 아닌 다양한 방법으로 많은 디자인 분야에 응용을 할 수 있다는 가능성이 보인다. 이에 본 연구의 목적은 식물을 활용한 독창적이고 예술적인 페이퍼 아트 표현 기법을 적용해 식물의 표현 한계점을 보완하고 활용 기능의 폭을 넓혀주고자 한다. 페이퍼 아트워크는 공예 재료 중에서 사용이 쉽고, 쉽게 구할 수 있으며, 단순한 제작 과정으로 이용이 가능하다. 이렇듯 표현의 폭이 넓어지고 다양한 기법 적용이 가능해짐에 따라 오늘날 페이퍼 아트는 무대 디자인, 실내 공간연출, VMD, 북아트 등 다양한 분야에서 활용 가능성이 넓어지고 있다. 페이퍼 아트도 표현 기법에 따라 접기, 자르기, 말기, 조각, 겹치기, 엮기 등 다양한 분야에서도 표현이 가능하다는 것을 알 수 있다. 위와 같은 선행 사례 분석을 통하여 식물을 활용한 페이퍼 아트워크 연출 연구를 진행하게 되었고, 식물을 모티브로 페이퍼 아트워크에 적용하여 윈도우 디스플레이에 적용하여 디자인하였다. 딥디크 브랜드를 중심으로 페이퍼 아트워크 기법 중 자르기와 겹치기를 사용하여 작품을 제작하였다. 페이퍼 아트워크를 활용한 표현방식의 특징을 다음과 같이 정리하였다. 첫째, 표현하고자 하는 방식에 따라 평면적, 입체적 표현이 가능하며 페이퍼가 줄 수 있는 아름다움을 표현할 수 있다. 둘째, 페이퍼를 활용한 디자인은 시각적 효과가 뛰어나며 다른 오브제와도 조화롭게 사용이 가능하다. 셋째, 표현하고자 하는 이미지를 확실하게 표현할 수 있고, 디자인 의도와 다양한 컬러 사용과 두께를 조절할 수 있다. 본 연구는 이러한 과정을 결과로 식물을 모티브로 활용한 페이퍼 아트워크 쇼 윈도우 디스플레이 연출에 관한 연구를 진행하였고, 식물이 공간에 한정되지 않고, 독창성을 보여줄 수 있는 페이퍼 아트워크와 같은 표현 기법과 매치하여 다른 분야에서도 식물을 활용한 디자인이 다양하게 활용하여 연출되기를 바란다. The increased hours of staying indoor due to environmental reason have brought the increased interest in creating the pleasant indoor environment using plants, and the increased need of plants in the space naturally. In the past, the type of directing that directly uses the plants in the space used to be mainstream, but the diverse methods that express plants are being developed currently. For the diverse expressions, various designs are displayed using plants with indoor garden, wall display, lighting, jewelry, props and painting. The functional features that can be applied in many design fields variously not using plants only stands out. Accordingly, the purpose of this study is to supplement the limit of plant expression and to broaden the range of utilization by applying the artistic paper art expression method. The materials of paper art work are easy to use, find and available with simple manufacturing process. Likewise, as the width of expression gets broader and the various techniques can be applied, the paper art these days is broadening the use possibility in various fields such as stage design, indoor space directing, VMD and book art. It can be seen that paper art can also be expressed in various fields such as folding, cutting, rolling, sculpting, overlapping, and weaving depending on the expression technique. Through the analysis of the preceding cases as above, a study on directing paper artwork using plants was conducted, and the plant as motif was applied to the paper artwork and applied to the window display to design. Focusing on Diptyque brand, cutting and overlapping among paper art work techniques are used to product the works. The features of expressions using paper art work can be classified as follows. First, a flat or three-dimensional way expression is available depending on the desired way, and the beauty that paper can give can be expressed. Second, the design using paper has the excellent visual effects and can be harminzed with other objects. Third, the image that you want to express can be clearly expressed, and the design intention, various colors use and thickness can be adjusted. This study conducted the study on paper artwork show window display directing that uses the plants as motive based on this result, and I hope the design utilizing plants can be utilized and directed in other fields by matching the expression technique such as paper artwork which can show the creativity.