“님은 언제 다시 오나”: 노래하는 여성과 노래의 정치학

송화숙 ( Song Hawsuk ) 이화여자대학교 음악연구소 2023 이화음악논집 Vol.27 No.4

한 노래의 존속력이 노래 자체의 질뿐만 아니라 그를 둘러싼 사회적, 문화적, 정치적 맥락에 의해 결정되곤 하는 현상이 대중음악범주에서 낯선 것은 아니지만, <하일군재래>(何日君再來)라는 노래는 이례적이라 할 만큼 기나긴 노래의 생명력을 이어왔고, 60여 년 이상에 걸친 이 노래의 역사에는 그 만큼에 해당하는 중국 근현대 정치ㆍ문화사가 매개되어 있다. 1930년대 상하이 모더니즘을 배경으로 탄생한 이 노래는 ‘시대곡’, 즉 서양음악과 중국 전통음악의 혼종인 중국의 대중음악 스타일을 따르고 있으며, 가사 면에서 대중가요에 흔한 이별을 주제로 하고 있다. 1938년 한 영화에 등장했던 이 단순한 노래가 뜨거운 논쟁의 중심에 서게 된 것은 ‘님은 과연 누구인가’의 문제로, 이러한 논란을 더욱 가중시켰던 것은 이 노래의 화자가 여성이라는 점이었다. 본문을 통해 저우쉬안으로부터 리리리, 리샹란, 덩리쥔에 이르기까지, 여성음악가의 목소리를 통해 발화된 한 노래가-모순적ㆍ대립적으로-다층화되며 굴절되는 과정을 살펴본다. It is common in popular music that the persistence of a song is often determined not only by the quality of the song itself but also by the social, cultural, and political context surrounding it. However in the case of “When Will You Come Back Again 何日君再來” the vitality of the song has continued for an unusual long time; the song, which spans more than 60 years, mediates the modern and contemporary political and cultural history of China. Set against the backdrop of Shanghai modernism in the 1930s, the song follows the Chinese popular music, a hybrid of Western and traditional Chinese music, and its lyric focuses style on the common theme of breakups in popular songs. It was the question of “who is ‘you (君)’” that made this simple song the center of a heated debate, and what made it even more controversial was that the narrator was a woman. From Zhou Xuan to Li Lili, Li Xianglan to Deng Lijun, this article explores the multilayered and contradictory refractions of a song through the voices of female musicians.

지나간, 잊힌, 잃어버린 소리: 음악적 복고주의의 미디어 기호학

송화숙 ( Song Hawsuk ) 세계음악학회 2017 음악과 문화 Vol.36 No.-

Although recalling or looking back at past time is not only an academic category but a category of universal human behavior, since the turn of the 21st century, so-called retro tendencies have been more intense than ever. Despite the constant warnings that retro, perfume, past, and old-fashioned phenomena are only temporary fads, over the past twenty years, retro has been one of the key words of Korean popular culture and has been transforming itself continuously through this period. Now, even in the media, such as movies, dramas, TV programs, performances, festivals, and various cultural spaces, retro has become a solid area beyond simple fashion. In Korean popular culture, the flow of retro has had a long and lasting influence, and popular music plays a key role in this retrograde trend. The intensity and magnitude of the emotional impact that is transmitted through music function not only when it is individual music itself, but also important in other forms of media, such as movies and dramas - even overwhelming narrative structures and actors to be. Indeed, today`s culture has been addicted to the past, which means it is regressive and regressive? Is it the inevitable departure of the current present in the dead end, the present without the future? Is there no newness to pop music, is there no further progress or innovation? In spite of all these doubts about past-oriented retro, why we are attracted to the message they throw? Is this a romantic and emotional painkiller for the current anxiety, loss and deprivation, and a strategy for the cultural industry to sell even emotions? In order to reach these problems, this paper attempts to describe the meaning of retro as the Off-Modern, as well as the characteristics of retro as media symbols that are reflected by the coexistence and conflict of medial biases.

“이 죽일 놈의 사랑” : 발라드의 성정치학

송화숙 ( Song Hawsuk ) 한국음악학학회 2017 음악학 Vol.25 No.1

대중음악에서 사랑이야기는 흔한 주제이지만, 다양한 대중음악 장르 중 오직 사랑이야기만을 다룬다는 점에서 발라드는 독특한 장르이다. 본 논문은 1980년대 `주로 남성(적) 화자에 의한 사랑노래, 서정적인 선율, 화려한 화성과 반주 그리고 극적인 절정부`라는 장르적 전형을 완성한 발라드가 특히 1990년대 후반을 경과하며 격정적으로 강화되는 양상에 주목한다. 이 격정화의 특징은 첫째 음악적 내러티브 측면에서 수잔 맥클러리가 칭한 `서정적 절박성`이 더욱 고도화되어 가는 방식, 둘째 가사 (및 이미지)의 내러티브 측면에서 타자의 죽음이나 삭제를 통해 화자의 슬픔, 좌절, 고통을 강화시키는 방식으로 요약될 수 있다. 본 논문에서 이러한 발라드의 격정화와 그 서정적 절박성은 낭만적 사랑 이념의 성립 및 위기, 그리고 남성성과의 관계 속에서 서술된다. In popular music, love story is a common theme, but ballad is a unique genre in that it deals only with love stories among various popular genres of music. Particularly this paper pays attention to the aspect that the ballad, which completed in the 1980s a genre typology of love songs by mainly male narrators, lyrical melodies, brilliant harmonies and accompaniments, and dramatic climax, is fervently intensified by the late 1990s. The characteristics of this fervent ballad are as follows: first In terms of musical narrative, “lyric urgency” by Susan McClary becomes more sophisticated. Secondly, in the narrative aspect of the lyrics (and images), the grief, frustration, and pain of the masculine speaker are strengthened through death or deletion of the other. In this paper, the emotional urgency of this fervent ballad and its lyric urgency are described in the perplexing of the ideation of romantic love and its crisis on the one hand, establishment and identification of maleness on the other hand.

“So cool, so hot” 1990년대로의 전환기 한국대중음악에 대한 매체문화사적 고찰

송화숙(Song, Hawsuk) 한국대중음악학회 2010 대중음악 Vol.- No.5

축음기에서 라디오, 워크맨, 테이프, 텔레비전, 컴퓨터, 인터넷, MP3에 이르기까지 새로운 매체의 도입은 대중음악의 발전과 급속한 전파력에 결정적인 역할을 수행해왔다. 대중음악의 생산과 전유는 매체기술을 통한 ‘복제가능성/재생산가능성’을 전제하고 있으며, 무엇보다 주목해야 할 지점은 이러한 기술적 발전의 음악적 수용이 단지 새로운 음악생산/재생산 방식의 도입이라는 차원에 머무르지 않았다는 점이다. 여타의 음악장르와 달리, 대중음악은 이들 새로운 생산방식을 적극적으로 내재화했으며, 이를 항상 음악적으로 ‘매체/감각’화했다. 달리 표현하면, 대중음악은 미디어적 영향력을 근간으로 새로운 음악적 재료 및 음악하기 방식을 만들어냈으며, 새롭고 광범위한 차원의 대중음악적 문화형성체를 끊임없이 구성했다. 그리고 결정적으로, 이를 전유하는 새로운 감각방식을 형성해냈다. 이러한 대중음악의 매체적 특성(Mediality)을 바탕으로 이 논문은 한국대중음악, 특히 1980년대에서 1990년대로의 전환기에 주목해 두 시기 간의 변화과정을 매체문화사적으로 고찰한다. From gramophone, radio, walkman, tape, television, computer, internet to MP3 the introduction of new media have played in the development and rapid dissemination of popular music a decisive roll. The possibility of reproduction based on the media technology is prerequisite for the production and appropriation of popular music. The most interesting site is that this musical adoption of technical development is not merely remained in the dimensions of introducing ‘a new (re) production system of popular music’, but popular music has internalized and medialized those new production systems. In other words, popular music has made a new musical material and musicing method, it constructed constantly a new cultural formation of pop-musicality, and above all it formed a new way of music perception. Based on that medial character of popular music, this paper focuses on the period of transition from 1980s to 1990s on the perspective of pop-musical mediality.

신체의 타자화, 타자화된 신체 : 댄스-음악-공간의 미학과 사회사

송화숙 이화여자대학교 음악연구소 2018 이화음악논집 Vol.22 No.3

본 논문은 한국의 댄스음악 시기적으로는 , 근대성의 형성과 밀접한 관련이 있는 개화기부터 1940년대에 이르는 기간을 중점적으로 다룬다. 댄스음악은 다른 어떤 대중음악 장르보다 육체와 가장 밀접한 연관관계를 가지고 있고, 바로 이 때문에 가장 문제적 장르로 인식되어 왔다. 주관, 감정, 육체, 자연에 대해 객관, 이성, 정신, 문화를 우위에 두는 서구의 이항대립적 사고체계의 전통에 의해 육체와 육체성은 오랜 기간 동안 억압 및 배제의 역사를 걸어와야 했고 이에 따라 댄스음악이 드러내고 있는 육체성은 직접적인 제재가 가해지는 대상이었다. 이 글에서는 그 어떤 대중문화의 장보다 몸이 가장 직접적으로 드러나고, 몸에 대한 두려움/공포/억압/통제, 또 이에 대한 저항이 가장 첨예하게 부딪히는 곳이었던 춤추는 신체, 그리고 이것이 실질적으로 펼쳐졌던 댄스공간이 중점적으로 다뤄진다. 춤추는 신체는 ‘신체를 타자화’ 시키는 강력한 수단인 동시에 ‘타자화된 신체’를 ‘주변부화된 신체’에 덧씌워, 육체성을 제한하고 한정시키는 수단이기도 했다. 이는 대체로 세가지의 양상으로 나타나는데, 첫째 ‘서구화된 신체’, 둘째 ‘성성을 띈 신체’(Sexualized Body), 셋째 ‘새로운 젊은 세대의 신체’가 그것이다. 이들은 선명하게 구분된다기 보다 혼재되거나 중첩되어 나타났다고 보는 편이 타당하며, 이들을 둘러싸고 담론이 작동하는 양상 및 이것이 실질적인 규제로까지 이어지는 과정들을 살펴본다. This paper focuses on Korean dance music, the period from the time of enlightenment to the 1940s, closely related to the formation of modernity in Korea. Dance music is most closely related to the body than any other popular music genre, and it has been recognized as the most problematic genre for this reason. By the tradition of the Western dualistic thinking system which presupposes objectivity, reason, spirit, and culture over subjectivity, emotion, body, and nature, the body and bodyness had to walk through the history of repression and exclusion for a long time. Accordingly, the bodyness of dance music was subject to direct sanctions. This article covers the subjects of the dancing bodies, which are the most directly exposed the bodyness than any other popular culture, and where fear/suppression/control of the body and resistance to it was most acutely encountered, as well as dance floors, where this colflict is practically unfolded. The dancing body was a powerful means of ‘Otherizing the body’ and at the same time to limit the body, covering the ‘Otherized Body’ with the peripheral Bodies’. This is generally expressed in three aspects: first, the ‘Westernized body’; second, ‘Sexualized Body’; and third, ‘the new younger body’. It is reasonable to assume that they appear to be mixed or overlapping rather than clearly distinguished. This article looks at the way in which discourse works around them and the process by which they lead to substantive regulation.

“광인들의 배” : 대중음악의 생산과 전유에 대한 사운드-퍼포먼스적 접근

송화숙 이화여자대학교 음악연구소 2015 이화음악논집 Vol.19 No.1

As Foucault pointed out, in any society and culture the norms have existed, which distinguish between normal and abnormal, but the ways of handling were different historically. Based on his theoretical deliberation this study aims to examine the concept of ‘sound-performance’ in popular music. The aspect of sound-performance has been the subject of a kind of exclusion and isolation in the age of reason, that is time and space of Modernity. Especially in nineteenth and twentieth centuries restrictions and controls of sound-performance of music have engaged with process of otherizing, that imposed on whole domain of the popular. Popular domain, which has been regarded as madness or abnormal, had appropriated the aspect of sound-performance to expose its identity in opposition to art music, which managed popular music and its sound-performance as the Other to ensure its legitimacy. Given the increasingly blurred (or still suspended) boundaries between art and popular music, performance may need to be redefine as actual act itself and sensual experience process rather than as fixed ‘text’. For that reason this study argues that popular music experience need to be approached as performance instead of musical text, and sound instead of musical tone.