여성선교사의 고등음악교육과 한국 여성의 새로운 정체성 찾기

허지연 이화여자대학교 음악연구소 2018 이화음악논집 Vol.22 No.1

American missionaries had great effect on the education for early generations of Korean musicians during the late Joseon Dynasty and the Japanese colonial period. Among the mission schools, Soongsil and Yeonhui for boys and Ewha for girls produced many musicians. The music education of Soongsil and Yeonhui was conducted as extracurricular activities. But Ewha which was established by Woman’s Foreign Missionary Society of the Methodist Episcopal Church (WFMS) in 1886 was differentiated in that it developed a four-year curriculum as music conservatory. Music Department of Ewha Women’s Specialized College was launched in 1925 and became the first and only higher music education institution in colonial Korea. This paper aims to investigate the contents and strategies of the higher music education at Ewha and to interpret its effects on colonial Korean society, focusing on the dual identity of Ewha as an educational institution and a mission agency. First, I reveal how Ewha’s music education was closely related to the missionary work of WFMS, by looking into faculty members, curriculum, out-of-school activities, the careers of the graduates, etc. Second, I discuss how the education of woman missionaries motivated Korean women to construct a new female identity as educated women. Thus, I argue that although the women missionaries’ higher music education was a practical education for supporting the mission work, it provided, for the same reason, Korean Christian women with the opportunities to receive higher education and work in public sphere, imprinting the identity of “professional women” in Korean society. 1880년대 중엽 입국하기 시작한 미국인 선교사들은 구한말에서 대한제국 그리고 일제강점기에 걸쳐, 정부 주도의 체계적인 서양음악교육이 부재한 상황에서, 초창기 한국 음악가의 양성에 결정적인 역할을 담당하였다. 선교사들이 설립한 미션스쿨 중에서도 특히 남자학교인 숭실과 연희 그리고 여자학교인 이화가 다수의 음악가를 배출하였는데, 숭실과 연희의 음악교육이 과외활동으로 진행된 반면 이화의 음악교육은 전문교육으로 차별화되었다. 미국 북감리회 여성이 조직한 미감리여선교회가 세운 이화학당은 이미 ‘대학과’ 시절인 1920년에 한국에 온 최초의 음악 전공 선교사인 메리 영(Mary Young)을 영입하여 음악교육의 수준을 높였으며, 1925년에 이화학당의 ‘대학과’와 ‘대학예과’를 통합하여 이화여자전문학교 음악과를 설립하였다. 이를 계기로 이화의 음악교육은 식민지 내 최초이자 유일한 고등교육기관이자 제도권 음악학교로 획기적으로 발전하였다. 이 논문은 이화여전 음악과가 갖는 교육기관이자 선교기관이라는 이중의 정체성에 초점을 맞춰 음악과에서 이루어진 교육의 내용과 목표, 그리고 그것이 한국 사회에 미친 영향을 해석하고자 한다. 첫째, 이화여전 음악과 교육의 구체적인 실제 -교원 구성, 교과과정, 교외활동, 졸업생의 진로 등- 를 분석함으로써 이화의 고등음악교육이 WFMS가 벌이는 사업과 어떻게 결부되었는가를 밝힐 것이다. 둘째, 여성선교사들의 교육이 선교현장이라는 제한된 테두리를 넘어, 한국 여성들이 새로운 여성정체성을 상상 또는 구성하는데 영향을 미쳤음을 논할 것이다. 이 논문에서 필자는 미국인 여성선교사들에 의한 고등음악교육이 선교사업에 기여하기 위한 실용적이고 방편적인 교육에 머물렀지만, 같은 이유에서 한국여성에게 고등교육을 받고 사회에 진출하는 기회를 제공하였으며 결과적으로 한국사회에 ‘전문직 여성’의 정체성을 각인시켰음을 밝히고자 한다.

Enhancement of Understanding East Asian Music through Technical Innovation of the EMDB(Ewha Music Database) : 동아시아 근·현대 음악 데이터베이스와 두 가지의 혁신적인 검색 방법

Hyun Kyung Chae,Kyeung J. Lee 이화여자대학교 음악연구소 2015 이화음악논집 Vol.19 No.3

이 논문은 두 가지의 혁신적인 검색 방법이, 대용량의 자료들에서 특정한 자료를 찾아내는데, 얼마나 유용한지를 밝히고자 한다, 특히 방대한 음악자료에서 유사한 음악패턴을 찾아내어 그 유사성의 특질을 연구하거나, 또는 곡의 고유성을 알려주는 첫머리(incipit) 검색이 유사한 곡들을 찾아내어 역사적으로는 하나의 큰 문화권을 이루어 온 동아시아 지역을 이해하는데 특히 유용하다. 동아사의 근대는 지정학적으로나 문화적으로 서로 얽혀 있지만, 서로 다른 문화를 형성해 온 지역이다. 두 가지 검색 방법을 통해 이 지역의 음악의 보급과 경로를 살펴볼 수 있는 심층적인 연구는 동아시와 유사한 지역 연구에 특히 유용하다. 2011년 11월부터 이화여자대학교 음악연구소는 EMDB라는 명칭의 동아시아 근·현대 음악데이터베이스를 구축해 왔다. 첫 번째 결과물은 근대 동아시아 근대 음악교육 자료였으며, 이 자료들을 검색하는 효율적인 방법을 개발하였으며, 그 첫 번째 결과물이 곡의 고유성과 유사성을 검색할 수 있는 <첫머리 선율을 이용한 음악검색 방법 및 시스템>으로 2013년 국내 특허를 출원하였다. 또 다른 유사검색 방법인 <멜로디에 기반한 음악분류 방법 및 음악 데이터베이스를 이용하여 멜로디 라인을 추천하는 방법>이 2015년 국내에서 특허로 출원되었다. 이러한 새로운 음악검색 방법을 통해 대 용량의 데이터베이스에서 자료들을 분석하고 해석하는 과정은 음악교육과 음악문화 연구에 새로운 지평을 열어, 동아시아 학자들 간의 상호교류를 결성하고 지역 연구의 발화 지점을 수용자의 시각으로 보게 한다는 점에서 큰 의의가 있다고 본다.

1930년대 여류악단(樂壇) 형성과 구성 원리: 이화여자전문학교와 신문·잡지를 중심으로

송현민 이화여자대학교 음악연구소 2019 이화음악논집 Vol.23 No.2

During the Japanese colonial period, in 1930s, a musical scene was formed and a social organization of professional musicians were formed. This chapter distinguished ‘non-musical’ from ‘musical,’ and set a certain musical value. The principle of creation and maintenance of such a band played a similar role in the literary circle. In particular, newspapers and magazines have addressed various events that constitute the music industry of the colonial Joseon dynasty, examined the current status of musicians, suggested points of reflection for the development of the music industry, and suggested that modern media through networking. I realized the logic of forming and maintaining a musical band while selecting ‘music’ and ‘not music.’ Over time, these bands were differentiated based on various criteria such as their academic background, taste, personal interests, and worldview. In early 1930s, the so-called ‘female music scene’ was one of them. The term ‘female music scene,’ which was formed and used at the time, was a sign of female artists who are going to be gradually performing. As time went on, the contents of the ‘female musicians’ and ‘female music scene’ gradually increased in the commentary area of ​​the music world. This means that the New Home(新家庭) And in February 1934 issue of New Home(新家庭), the “Total Evaluation of Womans Music,” and was used in the context of introducing and discussing female musicians in newspapers and magazines. In this study, I think that the formation and cause of female music scene are in the modern school education at Ewha Womans College, modern media such as newspaper and magazine. Modern media formed and spread the discourse and planned and imagined a chapter. School education was a system that realizes modern education. Therefore, the formation of female music scene is related to ① the influences of women’s literature in literary circles in early 1930s, ② the graduation of Ewha Womans College established in 1925, and the advancement of society. In addition, I asked the question, “Who made female music scene?” and discussed ③ The principle behind the composition of the female music scene is the discursive role of newspapers and magazines and the resulting community of imagination. 일제강점기 중 1930년대가 되면서 음악가들의 사회를 뜻하는 ‘악단’(樂壇)이 형성되며 직업적 음악가들의 사회적 조직이 만들어졌다. 이 장(場)은 비(非)음악적인 것으로부터 ‘음악적인 것’을 구분하고 일정한 음악적 가치를 설정하는 역할을 하였는데, 이러한 악단의 생성과 유지의 원리는 문학계의 문단과도 비슷한 역할을 하였다. 특히 신문과 잡지는 식민지조선의 음악계 내부(악단)를 구성하는 여러 사건을 거론했고, 음악가들의 현황을 살폈으며, 음악계의 발전을 위한 반성의 지점과 제언을 하며, ‘근대 매체’와 ‘음악’이 상호공명적 네트워킹을 통해 ‘음악’과 ‘음악 아닌 것’을 선별하는 가운데 악단의 형성과 유지의 논리를 실현하였다. 당시 형성되어 사용하기 시작한 ‘여류문단’(文壇)이라는 말과 음악의 여류악단이라는 말은 서서히 진행될 여성예술가들의 활약을 암시하는 징후와도 같았다. 시간이 흐를수록 악단을 논평하는 지면에서도 ‘여류음악가’들과 ‘여류악단’에 대한 내용들이 점진적으로 증가하였다. 본 연구는 이러한 여류악단의 형성 원인에 있어서 큰 역할을 한 것은 ‘이화여자전문학교’라는 근대식 학교교육과 ‘신문’과 ‘잡지’라는 근대 미디어에 있음을 밝힌다. 근대 미디어는 담론을 형성·전파하며 하나의 장을 기획하고 상상하게 하였으며, 학교교육은 근대적 교육을 현실화하는 제도였던 것이다. 따라서 ‘여류악단’의 성립은 ① 1930년대 초반 문단 내 여류문단의 영향 관계와 직·간접적인 관계에 놓여 있으며, ② 1925년 설립된 이화여전 음악과 졸업생들의 사회(음악계) 진출과 그 속에서의 활약과 맞물려 있음을 논한다. 이와 함께 ‘그렇다면 누가 여류악단을 만들었는가’라는 질문을 던져 ③ 여류악단의 구성 원리로서의 신문과 잡지의 담론적 역할을 논한다.

초등학교 음악교육 실태조사 및 개선방안 탐색

문경숙 이화여자대학교 음악연구소 2009 이화음악논집 Vol.13 No.1

우리나라의 초등학교 음악교육은 학급담임교사에 의존하고 있다고 해도 과언이 아닐 정도로 담임교사의 비중은 거의 절대적이다. 그러나 현실적으로 비중이 큰 학급담임교사를 대상으로 하여 초등학교 음악교육의 문제를 심도 깊게 다루는 연구는 매우 부족한 실정이다. 이에 본 연구에서는 초등학교 학급담임교사에 초점을 두고 초등학교 음악교육을 담임교사에게 의존하는 데에는 문제가 없는지, 교육 일선에서 이들이 직면하는 환경적 제도적 어려움이나 문제점은 없는지, 또한 양성 프로그램에는 문제가 없는지 등을 조사 해 봄으로써 초등학교 음악교육의 문제점을 총체적으로 짚어보고 이에 대한 다양한 개선방안을 탐색해 보고자 하는데 그 목적이 있다. 본 연구에서 도출된 문제점과 개선 방안은 다음과 같다. 첫째, 학급담임교사가 차지하는 큰 비중을 고려해 교육대학교 교육과정을 재조정할 필요가 있다. 둘째, 부교재 개발을 통해 학급담임교사가 지니는 한계를 보완할 수 있는 방안을 강구해야 한다. 셋째, 음악실 및 악기 구비 등 음악시설 및 장비에 관한 지침서를 개발하여 관계자들이 참고할 수 있도록 해야 한다. 넷째, 천박한 음악교육의 중요성에 대한 인식을 각계각층을 대상으로 새롭게 바꾸어야 한다. 결론적으로 이상과 같은 제언들은 음악교육 종사자들이 현재 우리나라 초등학교 음악교육이 안고 있는 갖가지 문제점을 함께 느끼고 그것을 개선하기 위해 앞장설 때만 가능하다고 생각된다. The purpose of this study is to examine the current status of elementary music education, to investigate existing problems, and to explore alternatives for the improvement of the quality of elementary music education in Republic of Korea. For this study, the author examined the current curriculum of music education department in national universities of teacher education. Also the author analyzed survey results collected from 375 classroom teachers and examined current status of elementary music education. The following conclusions can be drawn from this study: First of all, more advanced and stronger additional training music program designed for pre-service classroom teachers should be implemented. Secondly, various music teaching resources for elementary school teachers should be developed and provided to help them to supplement their limitations in performance skills. Thirdly, guidelines for music facilities and equipment necessary for the development of a high-quality music education program in school should be developed. Finally, it is the most urgent to bring about changes in school administrators, ‘teachers’, and ‘parents’ attitudes toward the importance of music education in order to improve the quality of music education program in elementary schools.

이화여전 글리클럽 연구: 1927-1935년의 활동을 중심으로

김은영 이화여자대학교 음악연구소 2019 이화음악논집 Vol.23 No.1

This study will be mainly focused on the Glee Club at Ewha College from 1927 to 1935. Ewha Hakdang, established by Mary F. Scranton in 1886, was reorganized as the first women's specialized college with the Liberal Arts Department and the Music Department in 1925. As Choseon’s folksongs were recognized as an essential element of Choseon’s traditional culture, traditional music research and the Glee Club were introduced as a curriculum for the Music Department. Since 1927, Ehwa College, led by Mary E. Young and Gi-Yong Ahn, published Choseonminyohabchanggogjib as record albums, which was a modern act. Moreover, the concert, which toured the country by arranging Choseon folk songs in chorus, generated a syndrome so-called ‘the Folksong Choir of the Joseon New Women,’ drawing a huge public response. However, these acts of Glee-Club were criticised and condemned by patriarchal society and the Christian community. It is possible that behind the criticism has been the response of discipline authorities who have been wary of girls producing social meaning through music. Nevertheless, as of 1935, when Ewha College was relocated to Sinchon, the Glee club’s activities have turned around to reproduce and imitate Western choir music. Also, by the end of the 1930s, when the energy of war was at its peak, it was mobilized for state-led music events such as ‘National Music Night’ and ‘The Night of the Feast’ and joined the ranks of the Empire’s faithful people. Although it’s been less than 10 years, Glee Club’s movement distinguished themselves from the ‘Western music-centred community’ as they tried to achieve their goals with Korean traditional music. The criticism and condemnation by the conservative society were possibly made by their fear of Glee Club’s liberal movement. Thus, the success of the glee club project in this period and the resistance of the institutional community to this period are also signs of colonial modernity, which was once again in conflict and confusion, such as ‘traditional society’ and ‘modern society,’ ‘traditional music’ and ‘western (Christian) music,’ ‘women’s social advancement’ and ‘resistance of paternal discipline power.’ 본 논문은 1927-1935년 사이 이화여자전문학교(梨花女子專門學校) 글리클럽(Glee Club)에 대한 연구이다. 1886년 스크랜턴(Mary F. Scranton)에 의해 설립된 이화학당은 1925년, 문과와 음악과를 갖춘 여성 최초의 전문학교로 재정비한 후 조선민요를 조선 전통문화의 요체로 인식하면서 국악연구 및 글리클럽을 음악과의 커리큘럼으로 도입하였다. 1927년 이후, 이화여전 음악과는 선교사 메리 영과 안기영의 합작(collaboration)으로 『조선민요합창곡집』을 출판하고 레코드로도 전곡을 취입하는 등 매우 근대적인 행보를 이뤄내었다. 또한 전국순회 연주회를 통해 ‘조선 신여성의 민요합창’이라는 신드롬을 일으키며 대중으로부터 큰 호응을 이끌어 내었다. 그러나 이와 같은 글리클럽의 음악활동은 음악계 및 기독교계 모두로부터 비난과 공격을 받았다. 음악계에서는 조선 재래음악을 오선보로 만들고 합창음악으로 편곡하여 서구화하였다는 이유로, 기독교계로부터는 미션스쿨 여학생들의 민요합창이 기생을 연상시킨다는 이유 때문이었다. 결국 1935년 이후 글리클럽은 서구 합창음악을 재현하고 모방하는 레퍼토리로 전환하고 1930년대 말에 이르면 ‘국민음악의 밤’이나 ‘기원절봉축의 밤’ 등 관주도의 음악행사에 동원되면서 제국의 충실한 국민이 되어가는 대열에 합류하게 된다. 비록 10년이 채 못 되는 짧은 시간이었지만 이 시기 글리클럽의 활동은 서구음악의 일방적 수용자를 넘어 한국의 전통음악을 통해 선교지 현장을 반영하려고 시도했던 음악적 성취였다. 당시 제도권 사회의 공격과 반발은 글리클럽의 사회적 행보에 불편함과 위기의식을 느낀 가부장제 사회의 반발이었다고 볼 수 있다. 그러므로 이 시기 글리클럽 프로젝트의 대중적 성공과 이에 대한 제도권 사회의 저항은 ‘전통사회’와 ‘근대사회’, ‘전통음악’과 ‘서구(기독교)음악’, ‘여성의 사회진출’과 ‘가부장제 규율권력의 저항’ 등 갈등과 혼돈을 거듭하던 식민지 근대성의 징후로 해석될 수 있다.

한국 미술 미학에 비추어 본 한국음악의 미

전인평 이화여자대학교 음악연구소 2006 이화음악논집 Vol.10 No.1

음악 문화는 사람이 만든 것이다. 사람은 자연환경 속에서 역사와 전통을 만들어내고, 지역에 따라 다른 풍속이 형성된다. 그러므로 음악이란 지리적, 정치적, 경제적 여러 조건 아래에서 생성된 총합체이다. 문화가 다르면 향수하는 미의 성격이 다르고 미의 기준이 달라 질 수 있다. 음악은 생활과 역사의 반영이란 점에서 미술과 음악은 상호 친연성이 높은 예술이다. 그러므로 한국 음악미의 논의는 음악뿐만 아니라 미술, 무용, 문학 그리고 종교와 함께 논의되어야 한다. 이처럼 한국 음악의 미는 원융과 종합의 묘가 있다. 한국음악에는 이처럼 한국인의 종합적인 미의식이 녹아있다. 필자의 이 글은 미술계에서 한국 미술의 미학 개념을 전통음악에 적용해 보자는 생각에서 시작한 것이다. 특히 권영필 외 여러 사람이 쓴 『한국의 미를 다시 읽는다』(돌베개, 2005)는 본인의 연구에 큰 의지가 되었다. 필자는 특별히 미학에 관한 연구를 해 온 것은 아니다. 이 글은 지극히 주관이고 초보적인 글이 될 수밖에 없다. 이 글의 목적은 국악을 즐기려는 보통사람들을 위한 것이다. 이를 위해서 필자는 한국음악의 미를 장려미, 웅혼미, 고결미, 간소미, 유장미, 무작위의 미, 한의 멋, 신바람과 흥의 미의 멋, 즉흥의 미, 해학미의 10 가지로 분류해 보았다. 앞에서 제시한 10 가지 아름다움을 우리 나라 그림, 건축, 벽화 등에 나타나는 아름다움과 우리 나라 음악의 악곡의 아름다움을 대비해 보았다. 그림이나 건축 등은 눈으로 직접 보이는 것이기 때문에 쉽게 아름다움을 이해할 수 있다. 그러나 음악은 추상성이 강하여 아름다움을 쉽게 간파하기 어렵다. 그래서 눈에 보이는 미술에 의지하여 눈에 안 보이는 음악의 이해를 돕도록 도와주는 것이 이 글의 목적이다. The culture of Music is made by human. Human creates history and tradition in his natural environment arid depending on the region, different customs evolve. Accordingly, Music is formed under the influence of geographical, political, econo-aesthetical and other factors. The nature and standard of the aesthetics which is appreciated and enjoyed differs from culture to culture. As music is the reflection of life and history, the fine arts and music have a high mutual affinity. Therefore a discussion on the beauty of Korean music would have to include not only music but also the fine arts, dance, literature and religion. Thus the aesthetics of Korean music has the mystery of integration. In this way, the comprehensive aesthetic sense of Koreans is recorded in Korean music. I started writing this essay with the motive of trying to apply the aesthetic concept of Korean art to traditional music. The book, 'HanguguiMirulTasiIngnunda' [reading Korea's aesthetics again], (Gweon Young-phil and others, Dolpegae publishing house, 2005), was a big help in my research. I have not been making a research especially about aesthetics. This paper can only be subjective and rudimentary. The target for this paper is the common man who wishes to enjoy traditional Korean classical music. For this I have classified the aesthetics of Korean music into 10 types-jangnyeo-aesthtics [magnificence], unghon-aesthtics [grandeur], gogyeol-aesthetics [noble-aestheticsndedness], ganso-aesthetics [simplicity], yujang-aesthtics [long line], the aesthetics of mujagwi [no artificiality], the meot of han [deep sorrow], the meot of sinbaram [excitement] and heung [pleasure, aestheticsrth], jeukhung-aesthtics [impromptu amusement], and haehag-aesthetics [refined humor]. I tried to compare the ten types of beauty presented above, to the beauty which appears in the Korean paintings, architecture and murals and the beauty in Korean musical compositions. The beauty in a painting or architecture etc can be understood easily since it is seen directly by the eye. However, as music has a strong abstractness, it is difficult to perceive its beauty. For this reason, the objective of this paper is to assist in the understanding of music, which is not perceived by the eye, by relying on the arts which are visible to the eye.

음악 수업에 대한 중학교 교사와 학생의 경험과 인식

이경언 이화여자대학교 음악연구소 2022 이화음악논집 Vol.26 No.2

The purpose of this study is to analyze the experiences and perceptions of middle school teachers and students on the music class and suggest improvements for the class implementation. To this end, in-depth interviews were conducted with 4 middle school music teachers and interviews in writing were conducted with 8 students. The interview results were derived through open and axial coding, and revised by reviewing the interviewed teacher. The following conclusions were drawn. First, in terms of overall class implementation, efforts are needed to enhance the teachers’ competency in curriculum reconstruction, lesson planning and organization, and to strengthen support for curriculum implementation such as dissemination of teaching materials and training. Second, fundamental improvement measures should be prepared so that the free year program can be operated according to the purpose. Third, there is a need for guidelines for distance class that can be used flexibly depending on the characteristics of the music subject. 본 연구의 목적은 2015 개정 교육과정에 따른 음악 수업에 대해 중학교 교사와 학생의 경험과 인식을 분석하여 수업 운영에 대한 개선점을 제안하는 것이다. 이를 위해 중학교 음악 교사 4명을 대상으로 심층 면담을, 학생 8명을 대상으로 서면 면담 조사를 실시하였다. 면담 내용에 대해서는 개방코딩과 축코딩을 통해 결과를 도출하고, 분석 결과에 대해 면담 대상 교사의 검토를 받아 수정ㆍ보완하였다. 분석 결과는 다음과 같다. 전반적인 음악 수업 운영에 대해 면담 대상 교사와 학생 사이에 인식과 경험의 차이를 보였다. 교사들은 음악 수업을 통해 학생들이 즐거움을 느끼고 음악이 생활 속에서 향유되도록 노력하고 있었지만 이러한 방향이 수업에서 잘 드러나지 않는 것으로 나타났다. 따라서 교육과정 재구성, 수업 계획 및 조직에서 교사의 역량을 제고하고, 자료의 보급과 연수 등 교육과정 운영 지원을 강화하려는 노력이 필요함을 보여주었다. 한편, 자유학년 음악 수업에 대해서는 교사와 학생 모두 프로그램 선택의 기회가 주어지지 않는다는 점을 가장 아쉬운 점으로 제시하여 자유학년의 취지에 맞는 운영이 이루어질 수 있도록 근본적인 개선책이 마련되어야 함을 나타냈다. 또한 원격수업에 대해서도 교사와 학생 모두 음악 수업의 특성을 반영하기 어려운 수업 방식이라고 지적하여 교과의 특성에 따라 융통성 있게 사용할 수 있는 원격수업 지침이 필요함을 보여주었다.

한국음악적성검사(KMAT)의 공인타당도 연구

현경실 이화여자대학교 음악연구소 2006 이화음악논집 Vol.10 No.1

음악적성검사의 목적은 원래 학생들의 잠재적 음악성취 능력을 미리 측정하여 학생들의 음악지도를 효과적으로 하는데 있다. 음악적성검사를 이런 목적으로 사용하려면 먼저 그 타당성이 검증되어야 한다. 우리나라에서 개발된 음악적성검사로는 유일하게 "한국음악적성검사" (KMAT)가 있는데, 본 연구의 목적은 아직 검증된 적이 없는, 이미 인정된 음악적성검사와의 상관도인 공인타당도 (concurrent validity) 를 측정하는데 있다. 이를 위해, KMAT과 고든의 MAP을 대구와 서울의 5개의 초, 중등학생 725명에게 실시하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 연구대상 학생들의 KMAT 평균 22.5에서 25.1에 분포되어 있었으며, MAP의 평균 26.5에서 30.7이었다. 신뢰도는 KMAT의 신뢰도는 가락이 .75에서 .87이었고, 리듬은 .74에서 .83이었다. MAP의 신뢰도는 가락이 .75에서 .82였고, 리듬은 .77에서 .84이었다. 둘째, 같은 종류의 음악적성검사인 MAP으로 측정한 KMAT의 공인타당도는 .55이었다. 이것은 통계학적으로 유의도 .001레벨에서 중요한 의미가 있었다(p<.001). The goal of this study is show the concurrent validity of KMAT (Korean Music Aptitude Test), which is the only music aptitude test developed in Korea. In this study, we measured and analyzed the concurrent validity of KMAT by administrating KMAT and Gordon's MAP to the 4th, 5th, 6th, 7th, and 8th graders. A total of 725 elementary and junior high school students in Taegu and Seoul participated in the study. The results of the study are as follows: First, the means and the reliabilities of KMAT and MAP tests show that they can be applied to these students to measure their music aptitudes. The means of the KMAT tests range from 22.5 to 25.1, and are not so different from the means indicated in the test guideline. The means of the MAP tests range from 26.5 to 30.7, and are higher than the means indicated by the test manual. The reliabilities of KMAT range from .75 to .87 in melody and from .74 to .83 in rhythm. The reliabilities of MAP range from .75 to .82 in melody and from .77 to .84 in rhythm. These reliabilities are satisfactory considering that the tests are music aptitude tests. In other words, the means and the reliabilities of KMAT and MAP show that the tests can be applied to measure music aptitude of students. Second, the concurrent validity of KMAT is .55, which is obtained by comparing with MAP, which is the same kind of test as KMAT. In other words, the correlation coefficient between the KMAT test scores (melody + rhythm) and the MAP test scores is .55. This is statistically significant in the level of .001 (.p<.001). The correlation between the melody scores of KMAT and those of MAP is .43, and the correlation between the rhythm scores of KMAT and those of MAP is .46. All these correlations are significant at the level of .001. In other words, KMAT effectively measures the music aptitude of Korean students.

Accent structure in the second movement of Dallapiccola’s sicut umbra

Ahn, Sunhyun 이화여자대학교 음악연구소 2005 이화음악논집 Vol.9 No.-

Luigi Dallapiccola (1904-1975)는 많은 인터뷰에서, 자신의 성악 음악에서는 가사가 매우 중요하다고 주장한다. 그의 문학에 관한 관심은 리듬을 통하여 강하게 표현되고 있는데, 특정한 가사의 의미를 일정 리듬의 형태로 만들어서 형상화시키는 것이 대표적인 예이다. 음악이 가사 표현의 또 다른 매개체가 된다면 음악의 구성 요소인 멜로디, 화성, 박자, 액센트, 혹은 이러한 요소의 상호 관계들 또한 가사의 의미를 내포하고 있다. 그 중 액센트의 역할은 음악뿐만 아니라 가사에서도 중요한 역할을 하고 있다. 이 분석 연구에서는 음악과 가사의 액센트 관계에 관하여 Dallapiccola의 성악곡 Sicut Umbra (1970)의 제 2악장 분석을 통하여 다루고 있다. John Roeder (1995)는 그의 논문인 "A Calculus of Accent"에서 20세기 음악에서의 액센트가 무엇이며 어떻게 인지할 수 있는지에 관한 방법론을 제시고 있다. 본 연구의 첫 부분에서는 음악의 액센트 구조를 그의 이론에 근거하여 제시되고 있다. 음악에서의 액센트 패턴은 이 곡의 형식과 밀접한 관계를 가지고 있을 뿐만 아니라 가사의 의미를 나타내는 데에도 중요한 역할을 하고 있다. 가사의 액센트 패턴과도 일치하는 액센트의 구조는 음악과 가사가 동등한 역할로 음악의 이해를 돕고 있음을 알 수 있다. Dallapiccola의 가사에 대한 충분한 이해와 이를 바탕으로 한 계획적인 음의 구조는 전체적인 형식을 구축하는 역할을 하였을 뿐만 아니라 음악의 통일성을 제시하고 있다. Luigi Dallapiccola (1904-1975) is significant as a frontier composer who was foremost introducing the twelve-tone technique to Italy and also as a successful musician whose influence spread throughout Europe and the United States during his lifetime as well as after dead. He used the twelve-tone as the primary technique, but because of his distinctive use of inventing a row and floating rhythm, Dallapiccola's composition have come to be viewed as his own musical idioms of the Italian bel canto and German Ausdrucksgesang.1) In addition, Dallapiccola's strong interest in literature enables him to focus on specific verbal expression and imagination in the rhythmic setting of his prolific vocal works. Sicut Umbra(1970), a relatively late composition, exemplifies the aspect of his music, and in addition, is considered to contain Dallapiccola's textual sensuousness and attention to poetic element. Dallapiccola gave high priority to the poetry in his songs. Music may mirror the textual narrative or it may be in conflict. If music mirrors the text, it may do so with melody, harmony, meter, accent, or any combination of musical elements. The creating accent, if it acts as a signifier, can be a powerful musical interpreter of textual narrative. In this analysis, I propose an accent narrative that parallels the text. I will examine one movement of one of Dallapiccola's most famous vocal works Sicut Umbra. In this work, he sets three poems by Juan Ramon Jimenez to music. This piece is in four movements and is scored for mezzo soprano and four instrumental groups, which are gradually expanded with respect to instrumentation through four movements.2) The second movement in particular is a setting for three clarinets, three strings, and a vocal line with the following text of forgetfulness (El Olivido).

다문화 교육의 관점에 따른 초등 음악 교과서의 세계 민요 악곡 및 학습 활동 내용 분석

김은주 이화여자대학교 음악연구소 2022 이화음악논집 Vol.26 No.2

The purpose of this study is to diagnose multicultural music education and explore future directions by analyzing foreign folk songs and learning activities, focusing on music textbooks from the perspective of multicultural education. The subjects of the study were 18 textbooks of 9 types in the 3rd and 4th grades and 16 textbooks of 8 types in the 5th and 6th grades, with a total of 34 music textbooks, and foreign folk songs and learning activities presented from a multicultural perspective were analyzed. For this research, I investigate the meaning, function, and stage of multicultural music education in order to establish them theoretically, analyzing foreign folk songs in music textbooks and learning activities and organizing the activities into types. The results of the study are as follows. First, foreign folk songs in music textbooks pursued meaningful musical experiences by presenting folk songs from various cultures at appropriate levels and ranges. Second, as a result of analyzing learning activities, activities were presented in an integrated form with various activities as well as original activities of music subjects such as singing and appreciation, and contents that could explore other countries’ cultures and languages were included. However, there was a limitation in that it was difficult to experience in-depth culture only with music and learning activities presented in music textbooks. Accordingly, it was suggested as follows. First, a system of multicultural music education is needed. Second, practical multicultural music education that reflects changes in society is required. Third, it is necessary to provide a dimensional and direct music experience using an online approach. This study ultimately helps to understand the development of multicultural music education in the direction of cultivating students’ cultural community competence. 본 연구의 목적은 다문화 교육의 관점에서 초등학교 음악 수업에 영향을 끼치는 음악 교과서를 중심으로 교과서에 수록된 세계 민요 악곡과 학습 활동을 분석해 봄으로써 다문화 음악교육을 진단하고 앞으로의 방향을 모색하는 것이다. 분석 대상은 초등학교 3~4학년 교과서 9종 18권과 5~6학년 교과서 8종 16권으로 총 34권의 음악 교과서로 하였으며, 다문화적 관점에서 제시된 세계 민요와 학습 활동을 면밀히 분석하였다. 연구 수행을 위해 다문화 음악교육의 의미와 역할, 단계를 이론적으로 정립하고, 음악 교과서의 세계 민요 악곡을 분석하였으며, 세계 민요 악곡의 주요 학습 활동을 분석하여 유형으로 정리하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 초등학교 음악 교과서의 세계 민요는 다양한 문화권의 여러 나라 민요를 적절한 수준과 범위로 제시함으로써 의미 있는 음악적 경험을 도모하였다. 둘째, 학습 활동을 분석한 결과 노래 부르기나 감상하기 등 음악 교과 본연의 활동뿐만 아니라 다양한 활동과 통합한 형태로 활동이 제시되어 있었으며 다른 나라의 문화와 언어를 탐색할 수 있는 내용도 포함하고 있었다. 그러나 음악 교과서에 제시된 악곡과 학습 활동만으로는 문화에 관한 깊이 있는 경험이 어렵다는 한계가 있었다. 이에 다음과 같이 제언하였다. 첫째, 다문화 음악교육 단계의 체계화가 필요하다. 둘째, 사회의 변화를 반영한 실질적인 다문화 음악교육이 필요하다. 셋째, 온라인 접근법 등을 활용한 입체적이고 직접적인 음악 경험 제공이 필요하다. 본 연구가 학생들의 문화적 공동체 역량을 함양하는 방향으로의 다문화 음악교육의 발전에 기여하기를 기대한다.