Enhancement of Understanding East Asian Music through Technical Innovation of the EMDB(Ewha Music Database) : 동아시아 근·현대 음악 데이터베이스와 두 가지의 혁신적인 검색 방법

Hyun Kyung Chae,Kyeung J. Lee 이화여자대학교 음악연구소 2015 이화음악논집 Vol.19 No.3

이 논문은 두 가지의 혁신적인 검색 방법이, 대용량의 자료들에서 특정한 자료를 찾아내는데, 얼마나 유용한지를 밝히고자 한다, 특히 방대한 음악자료에서 유사한 음악패턴을 찾아내어 그 유사성의 특질을 연구하거나, 또는 곡의 고유성을 알려주는 첫머리(incipit) 검색이 유사한 곡들을 찾아내어 역사적으로는 하나의 큰 문화권을 이루어 온 동아시아 지역을 이해하는데 특히 유용하다. 동아사의 근대는 지정학적으로나 문화적으로 서로 얽혀 있지만, 서로 다른 문화를 형성해 온 지역이다. 두 가지 검색 방법을 통해 이 지역의 음악의 보급과 경로를 살펴볼 수 있는 심층적인 연구는 동아시와 유사한 지역 연구에 특히 유용하다. 2011년 11월부터 이화여자대학교 음악연구소는 EMDB라는 명칭의 동아시아 근·현대 음악데이터베이스를 구축해 왔다. 첫 번째 결과물은 근대 동아시아 근대 음악교육 자료였으며, 이 자료들을 검색하는 효율적인 방법을 개발하였으며, 그 첫 번째 결과물이 곡의 고유성과 유사성을 검색할 수 있는 <첫머리 선율을 이용한 음악검색 방법 및 시스템>으로 2013년 국내 특허를 출원하였다. 또 다른 유사검색 방법인 <멜로디에 기반한 음악분류 방법 및 음악 데이터베이스를 이용하여 멜로디 라인을 추천하는 방법>이 2015년 국내에서 특허로 출원되었다. 이러한 새로운 음악검색 방법을 통해 대 용량의 데이터베이스에서 자료들을 분석하고 해석하는 과정은 음악교육과 음악문화 연구에 새로운 지평을 열어, 동아시아 학자들 간의 상호교류를 결성하고 지역 연구의 발화 지점을 수용자의 시각으로 보게 한다는 점에서 큰 의의가 있다고 본다.

초등학교 음악교육 실태조사 및 개선방안 탐색

문경숙 이화여자대학교 음악연구소 2009 이화음악논집 Vol.13 No.1

우리나라의 초등학교 음악교육은 학급담임교사에 의존하고 있다고 해도 과언이 아닐 정도로 담임교사의 비중은 거의 절대적이다. 그러나 현실적으로 비중이 큰 학급담임교사를 대상으로 하여 초등학교 음악교육의 문제를 심도 깊게 다루는 연구는 매우 부족한 실정이다. 이에 본 연구에서는 초등학교 학급담임교사에 초점을 두고 초등학교 음악교육을 담임교사에게 의존하는 데에는 문제가 없는지, 교육 일선에서 이들이 직면하는 환경적 제도적 어려움이나 문제점은 없는지, 또한 양성 프로그램에는 문제가 없는지 등을 조사 해 봄으로써 초등학교 음악교육의 문제점을 총체적으로 짚어보고 이에 대한 다양한 개선방안을 탐색해 보고자 하는데 그 목적이 있다. 본 연구에서 도출된 문제점과 개선 방안은 다음과 같다. 첫째, 학급담임교사가 차지하는 큰 비중을 고려해 교육대학교 교육과정을 재조정할 필요가 있다. 둘째, 부교재 개발을 통해 학급담임교사가 지니는 한계를 보완할 수 있는 방안을 강구해야 한다. 셋째, 음악실 및 악기 구비 등 음악시설 및 장비에 관한 지침서를 개발하여 관계자들이 참고할 수 있도록 해야 한다. 넷째, 천박한 음악교육의 중요성에 대한 인식을 각계각층을 대상으로 새롭게 바꾸어야 한다. 결론적으로 이상과 같은 제언들은 음악교육 종사자들이 현재 우리나라 초등학교 음악교육이 안고 있는 갖가지 문제점을 함께 느끼고 그것을 개선하기 위해 앞장설 때만 가능하다고 생각된다. The purpose of this study is to examine the current status of elementary music education, to investigate existing problems, and to explore alternatives for the improvement of the quality of elementary music education in Republic of Korea. For this study, the author examined the current curriculum of music education department in national universities of teacher education. Also the author analyzed survey results collected from 375 classroom teachers and examined current status of elementary music education. The following conclusions can be drawn from this study: First of all, more advanced and stronger additional training music program designed for pre-service classroom teachers should be implemented. Secondly, various music teaching resources for elementary school teachers should be developed and provided to help them to supplement their limitations in performance skills. Thirdly, guidelines for music facilities and equipment necessary for the development of a high-quality music education program in school should be developed. Finally, it is the most urgent to bring about changes in school administrators, ‘teachers’, and ‘parents’ attitudes toward the importance of music education in order to improve the quality of music education program in elementary schools.

여성선교사의 고등음악교육과 한국 여성의 새로운 정체성 찾기

허지연 이화여자대학교 음악연구소 2018 이화음악논집 Vol.22 No.1

American missionaries had great effect on the education for early generations of Korean musicians during the late Joseon Dynasty and the Japanese colonial period. Among the mission schools, Soongsil and Yeonhui for boys and Ewha for girls produced many musicians. The music education of Soongsil and Yeonhui was conducted as extracurricular activities. But Ewha which was established by Woman’s Foreign Missionary Society of the Methodist Episcopal Church (WFMS) in 1886 was differentiated in that it developed a four-year curriculum as music conservatory. Music Department of Ewha Women’s Specialized College was launched in 1925 and became the first and only higher music education institution in colonial Korea. This paper aims to investigate the contents and strategies of the higher music education at Ewha and to interpret its effects on colonial Korean society, focusing on the dual identity of Ewha as an educational institution and a mission agency. First, I reveal how Ewha’s music education was closely related to the missionary work of WFMS, by looking into faculty members, curriculum, out-of-school activities, the careers of the graduates, etc. Second, I discuss how the education of woman missionaries motivated Korean women to construct a new female identity as educated women. Thus, I argue that although the women missionaries’ higher music education was a practical education for supporting the mission work, it provided, for the same reason, Korean Christian women with the opportunities to receive higher education and work in public sphere, imprinting the identity of “professional women” in Korean society. 1880년대 중엽 입국하기 시작한 미국인 선교사들은 구한말에서 대한제국 그리고 일제강점기에 걸쳐, 정부 주도의 체계적인 서양음악교육이 부재한 상황에서, 초창기 한국 음악가의 양성에 결정적인 역할을 담당하였다. 선교사들이 설립한 미션스쿨 중에서도 특히 남자학교인 숭실과 연희 그리고 여자학교인 이화가 다수의 음악가를 배출하였는데, 숭실과 연희의 음악교육이 과외활동으로 진행된 반면 이화의 음악교육은 전문교육으로 차별화되었다. 미국 북감리회 여성이 조직한 미감리여선교회가 세운 이화학당은 이미 ‘대학과’ 시절인 1920년에 한국에 온 최초의 음악 전공 선교사인 메리 영(Mary Young)을 영입하여 음악교육의 수준을 높였으며, 1925년에 이화학당의 ‘대학과’와 ‘대학예과’를 통합하여 이화여자전문학교 음악과를 설립하였다. 이를 계기로 이화의 음악교육은 식민지 내 최초이자 유일한 고등교육기관이자 제도권 음악학교로 획기적으로 발전하였다. 이 논문은 이화여전 음악과가 갖는 교육기관이자 선교기관이라는 이중의 정체성에 초점을 맞춰 음악과에서 이루어진 교육의 내용과 목표, 그리고 그것이 한국 사회에 미친 영향을 해석하고자 한다. 첫째, 이화여전 음악과 교육의 구체적인 실제 -교원 구성, 교과과정, 교외활동, 졸업생의 진로 등- 를 분석함으로써 이화의 고등음악교육이 WFMS가 벌이는 사업과 어떻게 결부되었는가를 밝힐 것이다. 둘째, 여성선교사들의 교육이 선교현장이라는 제한된 테두리를 넘어, 한국 여성들이 새로운 여성정체성을 상상 또는 구성하는데 영향을 미쳤음을 논할 것이다. 이 논문에서 필자는 미국인 여성선교사들에 의한 고등음악교육이 선교사업에 기여하기 위한 실용적이고 방편적인 교육에 머물렀지만, 같은 이유에서 한국여성에게 고등교육을 받고 사회에 진출하는 기회를 제공하였으며 결과적으로 한국사회에 ‘전문직 여성’의 정체성을 각인시켰음을 밝히고자 한다.

1930년대 여류악단(樂壇) 형성과 구성 원리: 이화여자전문학교와 신문·잡지를 중심으로

송현민 이화여자대학교 음악연구소 2019 이화음악논집 Vol.23 No.2

During the Japanese colonial period, in 1930s, a musical scene was formed and a social organization of professional musicians were formed. This chapter distinguished ‘non-musical’ from ‘musical,’ and set a certain musical value. The principle of creation and maintenance of such a band played a similar role in the literary circle. In particular, newspapers and magazines have addressed various events that constitute the music industry of the colonial Joseon dynasty, examined the current status of musicians, suggested points of reflection for the development of the music industry, and suggested that modern media through networking. I realized the logic of forming and maintaining a musical band while selecting ‘music’ and ‘not music.’ Over time, these bands were differentiated based on various criteria such as their academic background, taste, personal interests, and worldview. In early 1930s, the so-called ‘female music scene’ was one of them. The term ‘female music scene,’ which was formed and used at the time, was a sign of female artists who are going to be gradually performing. As time went on, the contents of the ‘female musicians’ and ‘female music scene’ gradually increased in the commentary area of ​​the music world. This means that the New Home(新家庭) And in February 1934 issue of New Home(新家庭), the “Total Evaluation of Womans Music,” and was used in the context of introducing and discussing female musicians in newspapers and magazines. In this study, I think that the formation and cause of female music scene are in the modern school education at Ewha Womans College, modern media such as newspaper and magazine. Modern media formed and spread the discourse and planned and imagined a chapter. School education was a system that realizes modern education. Therefore, the formation of female music scene is related to ① the influences of women’s literature in literary circles in early 1930s, ② the graduation of Ewha Womans College established in 1925, and the advancement of society. In addition, I asked the question, “Who made female music scene?” and discussed ③ The principle behind the composition of the female music scene is the discursive role of newspapers and magazines and the resulting community of imagination. 일제강점기 중 1930년대가 되면서 음악가들의 사회를 뜻하는 ‘악단’(樂壇)이 형성되며 직업적 음악가들의 사회적 조직이 만들어졌다. 이 장(場)은 비(非)음악적인 것으로부터 ‘음악적인 것’을 구분하고 일정한 음악적 가치를 설정하는 역할을 하였는데, 이러한 악단의 생성과 유지의 원리는 문학계의 문단과도 비슷한 역할을 하였다. 특히 신문과 잡지는 식민지조선의 음악계 내부(악단)를 구성하는 여러 사건을 거론했고, 음악가들의 현황을 살폈으며, 음악계의 발전을 위한 반성의 지점과 제언을 하며, ‘근대 매체’와 ‘음악’이 상호공명적 네트워킹을 통해 ‘음악’과 ‘음악 아닌 것’을 선별하는 가운데 악단의 형성과 유지의 논리를 실현하였다. 당시 형성되어 사용하기 시작한 ‘여류문단’(文壇)이라는 말과 음악의 여류악단이라는 말은 서서히 진행될 여성예술가들의 활약을 암시하는 징후와도 같았다. 시간이 흐를수록 악단을 논평하는 지면에서도 ‘여류음악가’들과 ‘여류악단’에 대한 내용들이 점진적으로 증가하였다. 본 연구는 이러한 여류악단의 형성 원인에 있어서 큰 역할을 한 것은 ‘이화여자전문학교’라는 근대식 학교교육과 ‘신문’과 ‘잡지’라는 근대 미디어에 있음을 밝힌다. 근대 미디어는 담론을 형성·전파하며 하나의 장을 기획하고 상상하게 하였으며, 학교교육은 근대적 교육을 현실화하는 제도였던 것이다. 따라서 ‘여류악단’의 성립은 ① 1930년대 초반 문단 내 여류문단의 영향 관계와 직·간접적인 관계에 놓여 있으며, ② 1925년 설립된 이화여전 음악과 졸업생들의 사회(음악계) 진출과 그 속에서의 활약과 맞물려 있음을 논한다. 이와 함께 ‘그렇다면 누가 여류악단을 만들었는가’라는 질문을 던져 ③ 여류악단의 구성 원리로서의 신문과 잡지의 담론적 역할을 논한다.

이화여전 글리클럽 연구: 1927-1935년의 활동을 중심으로

김은영 이화여자대학교 음악연구소 2019 이화음악논집 Vol.23 No.1

This study will be mainly focused on the Glee Club at Ewha College from 1927 to 1935. Ewha Hakdang, established by Mary F. Scranton in 1886, was reorganized as the first women's specialized college with the Liberal Arts Department and the Music Department in 1925. As Choseon’s folksongs were recognized as an essential element of Choseon’s traditional culture, traditional music research and the Glee Club were introduced as a curriculum for the Music Department. Since 1927, Ehwa College, led by Mary E. Young and Gi-Yong Ahn, published Choseonminyohabchanggogjib as record albums, which was a modern act. Moreover, the concert, which toured the country by arranging Choseon folk songs in chorus, generated a syndrome so-called ‘the Folksong Choir of the Joseon New Women,’ drawing a huge public response. However, these acts of Glee-Club were criticised and condemned by patriarchal society and the Christian community. It is possible that behind the criticism has been the response of discipline authorities who have been wary of girls producing social meaning through music. Nevertheless, as of 1935, when Ewha College was relocated to Sinchon, the Glee club’s activities have turned around to reproduce and imitate Western choir music. Also, by the end of the 1930s, when the energy of war was at its peak, it was mobilized for state-led music events such as ‘National Music Night’ and ‘The Night of the Feast’ and joined the ranks of the Empire’s faithful people. Although it’s been less than 10 years, Glee Club’s movement distinguished themselves from the ‘Western music-centred community’ as they tried to achieve their goals with Korean traditional music. The criticism and condemnation by the conservative society were possibly made by their fear of Glee Club’s liberal movement. Thus, the success of the glee club project in this period and the resistance of the institutional community to this period are also signs of colonial modernity, which was once again in conflict and confusion, such as ‘traditional society’ and ‘modern society,’ ‘traditional music’ and ‘western (Christian) music,’ ‘women’s social advancement’ and ‘resistance of paternal discipline power.’ 본 논문은 1927-1935년 사이 이화여자전문학교(梨花女子專門學校) 글리클럽(Glee Club)에 대한 연구이다. 1886년 스크랜턴(Mary F. Scranton)에 의해 설립된 이화학당은 1925년, 문과와 음악과를 갖춘 여성 최초의 전문학교로 재정비한 후 조선민요를 조선 전통문화의 요체로 인식하면서 국악연구 및 글리클럽을 음악과의 커리큘럼으로 도입하였다. 1927년 이후, 이화여전 음악과는 선교사 메리 영과 안기영의 합작(collaboration)으로 『조선민요합창곡집』을 출판하고 레코드로도 전곡을 취입하는 등 매우 근대적인 행보를 이뤄내었다. 또한 전국순회 연주회를 통해 ‘조선 신여성의 민요합창’이라는 신드롬을 일으키며 대중으로부터 큰 호응을 이끌어 내었다. 그러나 이와 같은 글리클럽의 음악활동은 음악계 및 기독교계 모두로부터 비난과 공격을 받았다. 음악계에서는 조선 재래음악을 오선보로 만들고 합창음악으로 편곡하여 서구화하였다는 이유로, 기독교계로부터는 미션스쿨 여학생들의 민요합창이 기생을 연상시킨다는 이유 때문이었다. 결국 1935년 이후 글리클럽은 서구 합창음악을 재현하고 모방하는 레퍼토리로 전환하고 1930년대 말에 이르면 ‘국민음악의 밤’이나 ‘기원절봉축의 밤’ 등 관주도의 음악행사에 동원되면서 제국의 충실한 국민이 되어가는 대열에 합류하게 된다. 비록 10년이 채 못 되는 짧은 시간이었지만 이 시기 글리클럽의 활동은 서구음악의 일방적 수용자를 넘어 한국의 전통음악을 통해 선교지 현장을 반영하려고 시도했던 음악적 성취였다. 당시 제도권 사회의 공격과 반발은 글리클럽의 사회적 행보에 불편함과 위기의식을 느낀 가부장제 사회의 반발이었다고 볼 수 있다. 그러므로 이 시기 글리클럽 프로젝트의 대중적 성공과 이에 대한 제도권 사회의 저항은 ‘전통사회’와 ‘근대사회’, ‘전통음악’과 ‘서구(기독교)음악’, ‘여성의 사회진출’과 ‘가부장제 규율권력의 저항’ 등 갈등과 혼돈을 거듭하던 식민지 근대성의 징후로 해석될 수 있다.

21세기 현대음악에 나타난 디지털적 인용

원유선 이화여자대학교 음악연구소 2020 이화음악논집 Vol.24 No.2

This study aims to reveal new aspects and meanings of musical quotation that appeared with the recent spread of digital technology. Today, quotation is under active discussion across the culture at large in the environment that is based on digitalization, and music area as well is being developed based on the background different from the past. Quotation, appeared in this context needs to be highlighted in the background and musical frame different from the quotations mentioned in the past. This paper defined quotation appeared in art music as “digital quotation” with the popularization of digital technology and cultural diffusion in the Twenty-first century and looked at the causes that enabled this in technical, cultural, and aesthetic aspects, three-dimensionally. Next, this study looked at the type of art music quoting the existing materials by digital technique and considered this in more detail by analyzing Gabriel Prokofiev’s work, Beethoven Symphonic 9 Remix . From this, it was found that digital quotation in music deconstructed and fusioned the traditional texture of music freely by the medium of sampling technique, highlighted the musical elements that were not illuminated in the past, and combined popular styles, forms and materials. Such characteristics are significant in that this study reflects not only technical aspects but also cultural mores, spirit of the times, and artistic value of the present age transforming, editing and reproducing the already existing contents according to personal taste. 본 연구는 최근 디지털 기술의 확산을 토대로 부상한 음악적 인용의 새로운 양상 과 의미에 관해 밝히는 것을 목적으로 한다 오늘날 인용은 변화된 기술 환경 속에서 문화 전반에서 활발히 논의되며, 음악의 영역에서도 과거와는 상이한 배경을 토대로 전개되고 있다. 따라서 최근 등장한 음악적 인용은 과거와는 다른 배경과 음악적 틀로 조명되어야 할 필요가 있다. 본고는 세기에 디지털 기술의 대중화를 근간으로 현대음악에 등장한 인용을 "디지털적 인용"(Digital Quotation)으로 규정하고, 이를 가능케 한 원인을 기술적 문화적 미학적 측면에서 입체적으로 짚어보았다. 다음으로 디지털 기법을 활용해 기존의 재료를 인용한 현대음악을 대상으로 그 유형을 살펴본 후, 가브리엘 프로코피예프의 《베토벤 9번의 교향적 리믹스》에 대한 작품분석을 통해 이를 보다 상세히 고찰하였다. 이를 통해 음악에서의 디지털적 인용이 샘플링 기법을 매개로 음악의 전통적 텍스처를 자유롭게 해체 및 접합하고, 과거에 조명되지 않았던 음악적 요소를 부각하며 대중적 양식과 형식, 재료를 접목하고 있음을 확인할 수 있었다. 이러한 특징은 비단 기법적 측면만이 아니라, 이미 존재하는 콘텐츠를 취향에 따라 변형하고 편집하여 재생산하는 현시대의 문화적 관습과 시대정신 예술적 가치를 반영한다는 점에서도 그 의의를 찾을 수 있다.

1930년대 전반 도쿄음악학교의 작곡 교육: 1차 자료로 살펴보는 본과 작곡부의 양상

조성우 이화여자대학교 음악연구소 2021 이화음악논집 Vol.25 No.1

이 글은 일본 근대음악사를 중점적으로 연구하는 음악학자 나카쓰지 마호(仲辻真帆)의 논문 “1930年代前半の東京音楽学校における作曲教育―学校資料と初期卒業生の資料にみる本科作曲部の様相―.” 『音楽学』 65/1 (2019), 32-49.을 번역한 것이다.1) 도쿄예술대학의 전신인 도쿄음악학교는 1878년 음악취조괘(音楽取調掛)라는 국가기관으로 시작하여 오늘날에 이르기까지 수많은 음악가를 길러낸 일본 근대 음악교육의 중추적 기관이다. 특히, 1932년에 첫 입학생을 받은 본과 작곡부는 본문의 표현처럼 체계적인 일본 작곡 교육의 효시라는 평을 받는다. 나카쓰지의 논문은 1차 자료에 근거해 도쿄음악학교 작곡부의 학생 선발과 커리큘럼, 교원 등을 자세히 다루고 있으며, 그동안 한국 연구자들에게 거의 알려지지 않았던 도쿄음악학교 작곡부의 설치 당시 양상을 확인할 수 있다는 점에서 의미를 지니는 글이다. 또한, 1936년에 작곡 전공이 처음 개설되는 이화여전 음악과의 양상과 비교하며 바라보는 것도 흥미로울 것으로 생각된다. 원저자의 의도를 훼손하지 않기 위해 원문의 내용과 형식 등을 가급적 그대로 옮겼으나 한국인의 관점에서 본문을 이해하는 데 크게 중요하지 않다고 판단되는 일부 각주를 삭제했으며, 반대로 추가적인 설명이 필요한 부분에는 역자의 설명을 덧붙이고 ‘역자 주’라고 표시하였다. 흔쾌히 번역을 허락한 나카쓰지 선생에게 깊은 감사를 표한다.

17세기 독일 남부 오르간 음악에 나타난 복합성(Multi-Vältigkeit) : J.J. Froberger와 G. Muffat을 중심으로

박혜선 이화여자대학교 음악연구소 2005 하계 국제학술회의 자료집 Vol.2005 No.-

월경(越境)음악의 문화번역: 동시대 남한 전통음악계의 북한음악

김희선 이화여자대학교 음악연구소 2020 이화음악논집 Vol.24 No.2

South Korea’s view of North Korea since the Korean War has been based on anti-communism. From that perspective, North Korean musics have been seen as ideologically spoiled. Although exchange between the two Korea’s traditional arts occurred intermittently since 1985, no meaningful progress was made in exchange within the private sphere. However, in the 2000s North Korea-oriented modified musical instruments and pieces as well as players began to appear. This study examines the backgrounds, paths, and results of North Korean musics’ inclusion in the South Korean soundscape and attempts to analyze this phenomenon. North Korean music-related elements currently appearing in the world of traditional music in South Korea include several improved instruments such as daepiri, jeopiri, jangsaenap, sohaegeum, ongnyugeum, tungso and yanggeum as well as North Korean composer’s new compositions like Arirang Fantasy and Chulgang. Sanjo transmitted by players who defected to North Korea during the War period as well as folksongs of the northern part of the peninsular are also performed. These have been introduced through diaspora-musicians (including Korean-Japanese Zainichi, as well as Korean-Chinese Chaoxian artists) who had been transmitting North Korea-rooted musics. The emergence of North Korean musics created a tension within the South Korean traditional music world that had been focusing on a conservative type of performances based on “purebloodness” and “authenticity.” However, in the post-Cold War context and with globalization, diasporic artists who had been seeking new opportunities on the motherland’s stages, South Korean instrumentalists who had been interested in alternative forms of performance, and audience/markets that responded to new sounds, rapidly brought North Korean music into the system of South Korean traditional music. The transnational movement of North Korean music that has crossed ideological, state, and cultural boundaries emerged from the background of the new politics related to peace issues, as well as trans-local flows sparked by globalization. North Korean music in the needs of South Korean music scene removed its ideological elements and was then translated as tongileumak (lit. unification-music), gyeoreeumak (ethnic music), and hanminjokeumak (Korean ethnic music) and was thereby redefined as a sign of ethnic homogeneity. However, the status and location of North Korean music in South Korea is still precarious and unstable. North Korea-modified instruments are treated as substitutes for or complements to South Korean ones as part of the uncompleted modernization process of traditional music. The supply of musical pieces and instruments is still based on personal networks among individual artists. Diasporic instrumentalists are required to take a limited role (i.e, as transmitters of North Korean music) rather than reveal their diasporic identities. North Korean musics are “otherized” by a specific, fixed view of “North Korean music.” In addition, the politics of North-South relations still function as a defining factor of the boundaries of interest in North Korean music within the territory of South Korea. 분단 이후 남한에서 북한을 대하는 태도는 반공주의에 기반 하였고 전통음악분야에 있어서도 북한의 음악은 이념적으로 변질된 전통으로 치부되었다. 1985년부터 남북전통예술교류가 간헐적으로 진행되었으나, 공식적 차원을 넘어서는 민간교류는 진척이 없었다. 이런 가운데 2000년대 이후 북한의 악기 및 악곡, 이를 연주하는 연주자가 남한 전통음악계에 등장하기 시작하였다. 이 연구는 동시대 남한 전통음악계의 음악풍경의 일부가 된 북한음악 이동의 배경, 경로, 및 행위의 물질적 결과를 고찰하고 이에 대한 해석을 시도한다. 현재 남한 전통음악계에 등장한 북한음악은 대피리, 저피리, 장새납, 소해금, 옥류금, 퉁소, 양금 등의 개량악기와 《아리랑 환상곡》, 《출강》등 북한 작곡가의 창작곡, 월북 연주자들의 전승 산조와 북한지역의 민요 등이다. 이들 음악은 분단이후 북한음악을 전승해 온 일본 자이니치와 연변 조선족 등 디아스포라 음악가들을 매개로 월경(越境)하여 남한 전통음악계에 소개되었다. 북한음악의 등장은 그간 ‘순혈성’과 ‘정통성’ 을 중심으로 보수적 연행에 치중해 온 국악계에 긴장을 가져왔다. 그러나 탈냉전과 지구화의 유화적 분위기 속에서 본국의 전통음악계에서 새로운 기회를 모색한 디아스포라 예술가들, 대안적 연행에 관심을 가진 진취적 남한 연주자들, 그리고 새로운 소리에 반응한 청중/시장은 북한음악을 남한 전통음악의 제도권 안으로 빠르게 흡수했다. 이념, 국경, 문화의 경계를 넘나든 북한음악의 초국적 이동은 전지구화로 촉발된 지역 평화와 관련한 정치학과 트랜스 로컬의 흐름을 배경으로 한다. 남한으로 이동한 북한음악은 이념성이 지워지고, 남한 전통음악계의 필요와 요구에 따라 통일음악, 겨레 음악, 한민족음악으로 호명되어 민족 동질성의 표상으로 재정립되는 과정을 경과했다. 그러나 남한에서 북한음악의 위치는 여전히 위태롭고 불안하다. 북한 개량악기는 개량 국악기의 대체재로, 미완의 국악 현대화의 보완재로 정위되었으며, 악기와 음악의 수급은 여전히 개인들의 인적 네트워크에 의존한다. 디아스포라 연주자들은 디아스포라 정체성을 드러내기보다 북한음악의 전승자로 역할에 한정된다. 이들 음악은 특정 방식의 ‘북한음악’이라는 고정된 시선으로 타자화 된다. 무엇보다 여전히 유효한 남북관계의 정치학은 남한에서 북한음악에 대한 관심의 경계를 결정짓는 요인이 된다.

백병동의 실내오페라 《이화부부》(異化夫婦) 연구

최애경 이화여자대학교 음악연구소 2020 이화음악논집 Vol.24 No.2

This study is an analysis of the chamber opera Ihwa Couple (1986) by composer Paik Byung-Dong (1936- ). The ‘Ihwa couple’ meaning ‘being alienated couple’ is a work from the early period of the Korean Small Theater Opera Movement, which began in 1982, and has been the cornerstone of the creation and development of the Small Theater Opera. Based on poet Kim Young-Tae’s one-act play The Week of the Ihwa Couple (1975), this opera is an omnibus-style one unfolding the reality of our society in the 1970s and 1980s and the stories of everyday lives of ordinary citizens in seven independent scenes organized by day. The Ihwa Couple which does not follow the framework of traditional Western opera, is equally integrated into one piece of poetry, music, theater, dance, and mime. Paying attention to the ‘alienation-effect’ technique, implied by the title of the work meaning ‘being alienated couple’ this paper has focused on the symmetrical format and narrative characteristics of scripts and music, the relationship between lyrics and music that follows the rhythm and intonation of text, and the traditional acceptance method using folk songs and ‘a-play-within-a-play’ masque. By doing so, this paper has identified the meaning of Ihwa Couple in the history of Korean opera, which satirizes real society based on everyday life. 본 연구는 작곡가 백병동(1936- )의 실내오페라 《이화부부》(異化夫婦, 1986)에 대한 분석 연구이다. 《이화부부》는 1982년부터 전개되기 시작한 한국 소극장오페라 운동의 초기 시기 작품으로, 소극장오페라의 창작과 발전에 초석이 된 작품이다. 김영태 시인의 단막극 《이화부부의 1주일》(1975)을 원작으로 하고 있는 이 작품은 1970 · 80년대 우리 사회의 현실과 소시민들의 억눌린 일상적 삶의 이야기를 요일별로 구성된 7개의 독립적인 장면으로 전개하는 옴니버스 형식의 오페라다. 전통적인 서구 오페라의 틀을 따르지 않는 《이화부부》는 시·음악·연극·무용·마임의 표현 매체들이 대등하게 하나의 작품 안에 통합되어 있다. 이 논문은 ‘이화부부’라는 작품 제목을 통해 암시되고 있는 ‘이화효과’(異化效果)기법에 주목하여 대본과음악의 대칭적 형식구성과 서사극적 특성, 텍스트의 리듬과 억양을 따르는 가사와음악의 관계, 민요와 ‘극중극’ 형식의 가면극을 활용한 전통 수용 방식을 고찰하였으며, 일상의 삶을 소재로 현실사회를 풍자하는 사회비판적 성격의 실내오페라 《이화부부》가 한국 오페라 역사에서 가지는 음악사적 의미가 무엇인지 규명하였다.