19세기 피아노음악에서의 인터메초 연구

차호성 ( Hosung Cha ) 연세대학교 음악연구소 2015 음악이론포럼 Vol.22 No.2

There are a variety of 19th century piano music under Character Piece along with Sonata. Intermezzo, once a part of vocal music, is categorized as a Character Piece for piano. There are not many research done on its detailed characteristics, but Intermezzo has acquired musical role and significance in numerous works through Mendelssohn, Schumann, Brahms, and Beethoven. The paper contains research on the birth and the transition process of Intermezzo, studies of its primitive types appeared on the works of Dussek and Beethoven, and its formation as a genre through Mendelssohn and Schumann’s works. The paper provides various examples of musical pieces, showing that the Brahms’ piano music completes Intermezzo as an independent genre. In conclusion, the paper not only is an example of research on the diverse genre of 19th century piano music, but also provides piano players accurate information on Intermezzo.

슈베르트 종교음악 창작과 작품 고찰

차호성 ( Cha Hosung ) 민족음악학회 2020 음악과 민족 Vol.0 No.59

슈베르트는 1812년 이후부터 꾸준히 종교적 성격의 작품에 관심을 가지고 생애 말년까지 꾸준하게 작곡하였다. 비록 그 가운데 많은 수의 작품들이 미완성으로 남았거나, 초연조차 되지 못했지만, 종교음악은 그의 음악적 발전과 변화를 살펴볼 수 있는 영역으로 인정할 수 있을 것이다. 슈베르트가 종교음악 장르 가운데 가장 비중을 두었던 것은 미사로 여겨진다. 그가 남긴 9곡의 미사음악은 작곡자의 음악적 발전과정을 들여다 볼 수 있는 중요한 자료로 간주할 수 있다. 초기의 습작 2곡을 제외한 7곡 가운데 6곡은 전통적인 미사음악의 유형을 가지며, 다른 한 곡은 독일어 가사를 가지면서 전례용 음악의 범주를 벗어난 모습을 가진다. 전통적인 미사음악에 속하는 6곡의 경우 1814년부터 2년간에 걸쳐 작곡된 초기의 4곡과 1822년과 1828년에 각각 한 곡씩 작곡된 2곡이 어법적인 면에서 나뉠 수 있다. 초기의 미사음악작품들은 하이든이나 모차르트, 베토벤과 같은 비엔나 고전주의음악의 영향뿐만 아니라, 슈베르트의 스승이었던 살리에리의 영향까지도 보여주면서 아직 작곡자의 독자적인 작곡기법이나 어법을 충분히 드러내지는 못하고 있다. 하지만 후기의 전통적인 미사음악 2곡과 독일어 가사에 의한 미사음악은 슈베르트 자신만의 종교음악적 경향을 서서히 드러내기 시작했다. 슈베르트의 종교음악은 미사음악뿐만 아니라 규모가 작은 종교적 성격의 작품들도 다수 작곡했다. 그 가운데에는 성경이나 시편을 가사로 하여 리트적인 성격을 가진 작품이나, 살베 레지나나 탄툼 에르고와 같이 찬미가의 일부 구절을 가사로한 종교적 성격의 합창곡이나 성악앙상블 작품 그리고 오라토리오 등이 있다. 주목할 만한 점은 이러한 작품들 거의 대부분이 관현악 반주를 가지고 있는 점이며, 이는 슈베르트가 미사음악에서의 음악적 사고를 다른 종교음악 작곡 과정에서 항상 고려했을 것이라는 추측이 가능한 것이다. 또한 그의 후기 미사음악뿐만 아니라 대부분의 종교적 성격의 작품들은 전례용이 아닌 예술적 차원에서 접근해야할 작품들로 여겨진다. Schubert has been interested in works of religious nature since 1812 and continuously composed them until the end of his life. Although many of them remained unfinished or were not even premiered, his religious music could be acknowledged as an area to examine Schubert’s musical development and changes. The most important genre of religious music for Schubert was the Mass. The nine pieces of Mass music he left behind can be regarded as an important material to look into the composer's musical development. Excluding the first two practice pieces, six of the seven works are in the traditional form of Mass music while the other one has German lyrics and is out of the range of liturgical music. For six songs belonging to traditional Mass music, the initial four pieces composed over two years from 1814, and two works composed in 1822 and 1828, respectively, can be divided in terms of musical language. Early mass works have yet to fully reveal the composer’s independent style of composition or musical language, showing not only the influence of Viennese classical music such as Haydn, Mozart and Beethoven, but also the influence of Salieri, who was the teacher of Schubert. However, the latter two pieces of traditional Mass music and the other one with German lyrics have slowly begun to reveal Schubert’s own religious musical inclinations. Schubert composed a number small scale works of religious nature besides Masses. Among them there are works with a lyrical character using Bible or Psalm as text, and other choral or vocal ensemble pieces of religious character, such as < Salve regina > or < Tantum ergo >, which have text passages from the Hymn. Noteworthy is that most of these pieces have orchestral accompaniment, and it is assumed that Schubert may have always considered musical thinking in Mass music in the course of writing other religious music. Also, most of works in religious character, as well as his later Mass music, are considered as works that need to be approached at an artistic level, not as works for liturgical purpose only.

F. 슈베르트의 오페라 창작과 장르적 특징 고찰: 《알폰소와 에스트렐라》(Alfonso und Estrella, D.732)를 중심으로

차호성 ( Cha Hosung ) 서울대학교 서양음악연구소 2020 음악이론연구 Vol.34 No.-

슈베르트는 모두 21편의 무대음악 작품을 남겼으며, 그 가운데 오페라는 8편이 있다. 《알폰소와 에스트렐라》는 그가 완성한 오페라 2편 가운데 하나이지만, 그의 생전에 초연은 성사되지 못한 작품이다. 《알폰소와 에스트렐라》에 관한 창작배경이나 기본적인 공연정보를 시작으로 작품 내에서의 슈베르트만의 음악적인 특징을 짚어내기에는 주목할 만한 사항은 많지 않다. 이 작품은 그가 가장 관심을 가졌던 징슈필과 비교될 수밖에 없으며, 음악적인 면에서 각 장르의 특성에 따른 차이점이 나타나는데, 연극적인 성격이 강한 징슈필과 달리 오페라에서는 모든 것을 음악적인 차원으로 변환해야 했기에, 그에 따른 슈베르트의 창작기법이나 어법을 확인할 수 있었다. 일단 작품의 규모 면에서 3개의 막으로 구성된 점이나, 각 막에 다시 몇 개의 장면들로 나뉘어 진행되면서 대부분이 단막으로 이루어진 징슈필과 차이를 보였다. 오페라에서는 반주 없는 연극적인 장면이 없기에, 레치타티보와 아리아, 성악앙상블, 합창 등이 음악적인 흐름을 연결시키고 있으며, 관현악이 나름대로의 역할을 담당하고 있다. 징슈필에서의 장면과 같은 부분들을 음악적으로 표현하기 위해 레치타티보나 아리아 등을 사용하는 경우에도 슈베르트는 간결한 대사와 프레이즈 그리고 그것들을 방해하지 않는 관현악 반주를 보였다. 그리고 아리아나 합창에 주어진 선율들은 대부분이 기교적인 면을 배제한 가곡풍의 유형을 보이는데, 그 가운데 일부 곡들은 그의 말년작인 연가곡에서 다시 사용되기도 했다. 아리아나 합창뿐만 아니라 2중창이나 3중창과 같은 성악앙상블이 자주 사용되었는데, 이는 극의 흐름에 대사를 중시하는 연극적인 요소를 음악적으로 연계시키려는 면으로도 해석할 수 있다. 하지만 줄거리에 음악적인 부분을 우선으로 만들다보니 곡들이 가지는 분위기는 오라토리오적인 면도 나타난다. 이러한 면들이 궁극적으로 슈베르트의 오페라 작품이 크게 주목받지 못했던 이유 중에 하나로 볼 수 있다. 슈베르트의 오페라는 분명 또 다른 가치를 가진다. 그것은 그의 오페라가 모두 독일어 대본을 취하고 있으며, 연극적인 면을 음악적으로 표현하면서 다양한 시도가 담겼기 때문이다. 이러한 그의 시도는 이후 독일어권의 오페라 발전에 중요한 요소로 작용했다. 징슈필에서의 연극적인 장면을 단순히 음악적으로 치환하려는 시도에서 나아가 슈베르트는 이탈리아적인 오페라에서 벗어나 연극적인 요소가 담긴 독일풍의 오페라를 보여 주었다. 이는 19세기 중반 바그너의 음악극까지 연계해서 생각할 수 있는 요소이다. Schubert left a total of twenty-one stage music, and eight of which are operas. Alfonso und Estrella, D.732 is one of the two operas he completed, the premiere was not accomplished in his lifetime. Starting with compositional background or basic performance information about Alfonso und Estrella, D.732, there is not much to note about Schubert's unique musical characteristics in the work. The piece had to be compared to Singspiel, which he was most interested in, and there were obvious differences in terms of musical aspects because of the disposition of each genre. Unlike Singspiel, which had a strong theatrical personality, opera had to convert everything to a musical dimension, so Schubert's creative techniques and musical language could be identified accordingly. In terms of the size of the work, it was divided into three acts, and several scenes on each act, which differed from Singspiel mostly composed of single act. Since there are no theatrical scenes without accompaniment in opera, the recitativo, aria, vocal ensemble, and the chorus connect the musical flow, and orchestral music plays its own role. Even when using recitativo and arias to express musically parts such as Singspiel scenes, Schubert employed a simple dialogue and phrase as well as an orchestral accompaniment that did not disturb them. The melodies given to aria and chorus show the type of music that excludes most of the virtuoso aspects, some of which have been reused in his later-year song-cycle. Not only arias and chorales but also vocal ensembles such as duet or trio were frequently used, which can also be interpreted as a way of musically associating the theatrical elements that value the lines in the flow of the play. However, as the musical parts are composed in preference to the plot, the mood of the songs also appears to be an oratorio. These aspects can be seen as one of the reasons why Schubert's opera ultimately didn't get much attention. Schubert's opera certainly has another value. That's because all of his operas are based on German scripts, and various attempts are included while musically expressing the theatrical aspects. His attempts like this later served as an important factor in the development of German language operas. Moving on from his attempt to merely replace the theatrical scene in Singspiel with musically abundance ones, Schubert broke away from Italian opera and showed a German-style opera with theatrical elements. This is a factor that could be associated with Wagner's Musikdrama in the mid-19th century.