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          • 한국 현대수묵화(水墨畵)의 회화성(繪畵性)에 대한 연구 - Identity적 관찰(觀察)을 중심으로 -

            장준석,Chang,Jun-Seok 한국조형예술학회 2005 조형예술학연구 Vol.7 No.-

            수묵화는 동양뿐만 아니라 우리 미술을 대표하는 중요한 축 가운데 하나로서 한국 미술의 얼굴이자 현대 미술과도 불가분의 관계를 갖고 있다. 그런데 서양 현대 회화의 다양함이나 실험성, 생경함 등에 밀려 구시대적 유물 정도로 인식되고 있는 듯 하며 , 제대로 된 이론적 바탕을 완벽하게 마련하지 못하고 있다. 현대 수묵화는 한국 미술의 여느 분야보다도 훌륭한 한국성과 예술성 및 정신성을 지니고 있으며 미적인 독창성을 구축하기 위해 노력해야 할 것이다. 이를 위해서는 대상에 대한 진지한 관찰, 수묵화의 여러 특성이나 예술성, 한국인의 삶과 현장성, 또는 그림의 양식에서 나타나는 기호적인 선이나 형상을 바탕으로 한 접근 등이 필요할 것이다. 더 나아가 보다 독창적인 한국의 수묵화를 창출하고 미의 상징성을 확보하기 위해서는 우리의 경험과 시각에서 대상의 본질을 파악하는 것이 무엇보다 중요할 것이다. 이처럼 열악한 한국의 현대 수묵화를 보다 세계적인 미술로 승화시키는 것은 한국 미술의 발전을 위해서도 중요한 문제라 할 수 있다. 한국 미술의 Identity를 확립 하는 것은 곧 한국 미술의 발전을 위해서도 중요한 문제가 될 것이다. This is the one concept of the Korea paintings which defines the korea Art sprite. The line of korea painting is very important. It is impressions, korea artist had mastered the difficult art line of representing movement. That offers the important motive, that is discovery of Identity. this korea painting's line is like to meditation. To meditate is to think and ponder about the same holy truth for many hours on end, to fix an idea in one's mind and to look at it from all sides without letting go of it. That is the purpose behind the greatest of the korean landscape paintings Futhermore that is the purpose Shui-Mo paintings. This is the most important. What the korean value most highly in art. There is something wonderful in this restraint of Korea art, in its deliberate limitation to a few simple motifs of nature. But today, anyone did not interested in this motif. So that Shui-Mo paintings did not concerned too. Therefore, we consider it childish to look for details in pictures and then to compare them with the real world. We masters to acquire such a facility in the handling of brush and ink that write down their vision while their inspiration was still fresh.

          • 아르누보양식의 조형적 특성연구 - 르네랄리크.에밀갈레.루이스 컴포트 티파니.빅토르오르타의 작품을 중심으로 -

            김은정,Kim,,Bun-Jung 한국조형예술학회 2007 조형예술학연구 Vol.11 No.-

            예술을 논함에 있어 '과학의 진보'와 '인간의 정서'라는 두 가지 문제의 상충은 끊임없이 대두되었다. 과학의 편리성, 그 이면에 존재하는 인간본연의 감성인 '자연'은 점차 크게 자리잡아갔다. 20세기말부터 성행하던 다소 삭막하게 느껴지는 미니멀리즘을 벗어나 점점 인간과 자연이 하나가 될 수 있는 자연주의가 강조되었고, '자연'은 21세기를 살아가는 우리에게 주어진 가장 중요한 화두로 떠올랐다. 기계와 과학에 의해 삶이 양적으로 향상되어질수록, 삶의 질을 향상시키고자 하는 '자연'에 대한 향수가 인간에게 더욱 절실하게 되었다. 이에 '자연'을 좀 더 효과적으로 나타내고자 아르누보양식의 표현요소를 도입하여, '자연'을 현대적으로 표현한 조형적 특성을 연구하였다. 아르누보는 자연물의 유기적인 형태로부터 모티브를 찾아 이것을 양식화하여 장식미술로 적용하였다. 이는 과거의 양식에서 인용과 절충을 반복하는, 역사주의적 전통을 과감히 개혁함으로써 현대디자인의 문을 열었고, 더불어 미술을 모든 생활에 실용화하려는 점에서 커다란 역사적 의미를 갖는 양식이다. 신예술을 의미하는, 19세기말부터 20세기 초에 걸쳐 번성했던 아르누보는 한 세기가 지난 현재에 와서 재평가되고 수용되어 다양하고 새롭게 나타나고 있다. '자연주의'를 근본으로 하는 아르누보 양식은 현대에 오면서 내추럴리즘이 주류를 이루고, 여성스런 로맨티시즘이 유행하면서 패션, 가구, 유리 공예, 보석 공예 등의 다양한 장르의 예술에서 모티브로 부활하고 있다. 이에 본 연구에서는 아르누보에서 나타난 식물모티브를 적용한 다양한 분야의 아르누보작가들의 작품을 중심으로 형태적 요소와 표현요소의 특성을 다양하게 해석하고, 이를 바탕으로 나타난 공통된 조형미를 분석하고자하였다. 아르누보양식에서 나타나는 섬세하고 화려한 곡선의 장식미와 형태의 부드럽고 유려한 곡선표현의 효과적인 디자인적용가능성을 살펴보고, 이를 통해 창의적으로 분석된 조형이미지로의 아르누보 식물모티브를 디자인에 새롭게 시도하는 계기가 되고자 한다. When it comes to art, the two conflicting themes of 'scientific progress' and the 'nature' have often motivated the advent of the new mode of arts. By the late 20th century, uniform and simplified mode of arts, inspired by scientific and technological progress of that time, was gradually disillusioned by the contemporaries due to the adverse effect of science on human life. In this context, naturalism pursuing for harmony of human and the nature came up as an alternative to those living in the 21st century. The pendulum has swung from minimalism to naturalism. Though the quantitative improvement of human life cannot be denied, the uprise of such problems as environmental pollution and exhaustion of natural resources degraded the quality of human life, which, eventually, shifted the attention to the theme - 'revival of naturality.' Therefore, this thesis intends to represent the modem interpretation of the 'revival of naturality' by applying the major expressions of Art Nouveau that also emphasized naturalism. Art Nouveau found its motifs from organic figures of natural beings and put them to designs of decorative arts. This carries a historical significance in that Art Nouveau boldly revolutionized historicism, which only repeated adoption and modification of the existing modes of arts, and opened it to the modem design with new attempts to practical applications of the arts. Art Nouveau, which means 'new art', prospered from the late 19th century to the early 20th century, and even after one century, it is highly appreciated, reviving as novel and vivid forms in this contemporary art. Art Nouveau based on naturalism has revisited our contemporary period when naturalism and feminized romanticism came into fashion and its common motifs revive in different jenre of arts such as fashion, furniture, glass works, and jewelry works. This study illustrates and analyzes the works of four major artists who gave a specific attention to botanical motifs of Art Nouveau and applies decorative beauty of highly sophisticated and organic curved lines and the expressional forms of botanical figures to design. Art Nouveau proved this; the nature herself is as beautiful as she can be. Within Art Nouveau, the true humanism can be revitalized with the 'revival of naturality'. This study rediscovered the boundless potential of modern interpretation and application of Art Nouveau in decorative art and design.

          • Environment as an Indicator in the Buddhist Art of Asia

            이정희,Lee,,Jung-Hee 한국조형예술학회 2008 조형예술학연구 Vol.13 No.1

            불교와 불교미술은 인도에서 발원하였지만, 그것들은 각 나라에 전파되면서 국제적인 환경을 만들어 냈다. 불교는 각 나라에 일종의 꾸러미의 형식으로 전파되었다. 예를 들면 불경, 불상과 불화의 도상과 양식, 건축과 그 기법, 복잡한 의식, 승려나 여승이 기거하는 사찰에서 건축적 요소와 그 기법들이 함께 소개되었다 불교의 시작은 인도의 아쇼카 왕조시기(reign of King Asoka)로 거슬러 올라가지만, 이후 각 나라의 정치적, 지적, 예술적, 종교적, 사회적, 자연적 환경, 지리적, 지질적 환경에 맞게 전개됐다. 불교미술은 토착화하면서 그 지역민을 닮은 상이 만들어 졌고, 또 지역마다 독특한 특색을 나타내면서 발전하기 시작했다. 스투파(stupa)와 차이챠 홀(chaitya hall)은 수도원의 독특한 분위기를 만들어 내곤 중앙아시아의 대상인들은 인도의 문화가 중국에 전해지는데 공헌했을 뿐만 아니라, 그들이 지나던 교역루트의 자연환경 덕분에 화려한 색채의 벽화들이 제작되고 보존될 수 있었다. 불교와 불교 미술이 중국과 한국, 일본에 전해졌을 때, 불교는 국가 제도와 사회적 조직의 일부가 되었다. 정치적 목적에 의해 거대한 불상들이 산속의 동굴에 만들어 지기도 했다. 중국은 스투파를 사각형의 기둥으로 변형시켰고, 기와를 얹은 지붕 형식의 탑을 만들어 냈다. 한국은 불교미술을 중국에서 일본으로 전파시켰을 뿐만 아니라, 고유한 방식으로 그것을 변형시켰다. 석굴암의 깊은 명상에 잠긴 듯한 보살상들의 이미지가 그 좋은 예이다. 중국에서는 신유교 철학이 국-가의 공식적인 이념이 되면서 선종의 부흥하기도 했으며, 일본의 선승들은 신도들의 명상을 북돋기 위해 선종 형식의 정원을 만들어 냈다. 티벳의 밀교에서도 불교미술의 중요한 발전양상을 확인할 수 있다. 밀교의 미술은 예술적 환경 뿐만 아니라, 지적이고 종교적인 것에도 속한다. 한편 티벳의 신들이 그들의 배우자를 안고 있는 모습은 신과 신자들의 융합을 상징하기도 한다. 불교미술은 독창적인 환경을 만들어 냈고, 여라 나라에 전파되면서, 상당한 변화를 낳았다. Buddhism and Buddhist art originated in India, but when they were introduced to different countries, they created an international environment. Buddhism was introduced as cultural package, with written texts, visual images, rituals, and the organization of monasteries. Buddhist art originated in India during the reign of King Asoka and then was developed under the political, intellectual, artistic, religious, social and natural environments of the regions. The stupa and the chaitya halls create monastic environment. The natural environment of the trade routes and caravans in the Central Asian deserts preserved brilliant-colored murals and helped spread tram India to China. When Buddhism and Buddhist art were introduced to China, Korea, and Japan, Buddhism became a part of government institution and social organization. Gigantic statues were carved in caves in mountains for political purposes. The Chinese transformed the stupa into a square pillar and created pagodas with tiled roofs in tower forms. Koreans not only transmitted the Buddhist art from China to Japan, but it also changed it with originality in the iconography of the pensive bodhisattva images and in the architecture of Seoggulam. The official ideology of Neo Confucian philosophy brought the rise of Chan Buddhism. Zen monasteries in Japan created unique environments by establishing the Zen Buddhist garden. to prompt believers to meditate. An important development in Buddhist art is the Esoteric Buddhist art in China and Tibet. This category belongs to the intellectual, religious as well as artistic environments. The Tibetan deities with consorts in their embrace symbolize the union of the god and the devotees. Buddhist art created a unique environment that was spread out to many nations and changed greatly over time.

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