오르간 연주법의 체계적 접근과 적용에 관한 연구 = Systematic Organ Playing and Its Application

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This study is about a systematic approach to organ performance to understand how the combined knowledge of the instrument and player’s technique enhances playing. It has emphasis on some of the key elements such as player’s posture, technique, and musical expression. The study proposes an integrated performance model tailored to the unique characteristics of pipe organ and installation and organizing environments. The study ultimately seeks to improve player’s performing capabilities.
The organ is an instrument of which the size, the built, and the installation significantly influence performance. Since organist’s performance vary depending on the instrument's scale, structure, and the acoustics of the performance hall, organists must understand the characteristics of the instrument when selecting and preparing repertoire. The number of manuals, the type of pedal board (flat or radiating), the layout of the stops, and the acoustic conditions of the venue are to be thoroughly studied. This requires the performer a great adaptability in order to formulate strategic plan for maximum quality performance.
I try to identify components of systematic organ performance method that can meet the diverse playing environments. It is structured around applying theoretical insights directly to musical works. Following a discussion of the study’s purpose, background, literature review, and methodology are in the introduction, Chapter II focuses on player’s posture and balance. This chapter emphasizes the importance of acquiring proper posture to prevent injury and to enhance technical efficiency. It also addresses physiological condition of players which is often overlooked in traditional organ pedagogy. Chapters III and IV focus respectively on the manual and pedal techniques such as touch, substitution, glissando, and independent foot motion. Whereas existing studies tend to focus narrowly on manual technique or analysis of organ sound, I try to offer an integrative approach by addressing the highly complex coordination of hands and feet. Chapter V discusses articulation and registration, emphasizing that the depth of sound is not from the force of keystrokes but from the art of articulation and sound-making work. It shows how the finger movement of legato, non-legato, and staccato articulation can be applied to the playing. In Chapter VI, I chose as an example Cesar Franck’s Choral No. 1 in E major played on two distinctly different organs to explain how these techniques are applied. The first organ was in Kim Young ui Hall in Ewha Womans University’s College of Music and the second one was at Ahyeon Methodist Church. It empirically demonstrates how performance techniques and sound differ on both organs. In conclusion, I argue for the systematic and integrative approach that combines theoretical understanding of the instrument and organist’s physiology and techniques that would, I argue, help generate a fuller and more complete organ music

국문 초록 (Abstract)

오르간은 악기의 규모와 설치 공간의 특성이 연주에 큰 영향을 미치는 악기이다. 악기의 크기와 구성, 연주 장소의 음향 조건에 따라 연주의 방식이 달라지기 때문에 연주자는 작품을 선택하고 준비할 때 연주할 악기의 특성을 파악해야 한다. 손 건반의 수, 발 건반의 형태(일자형 또는 방사형), 음색(stop)의 배치, 연주 장소의 음향적 조건 등을 정확히 이해하고 이에 따라 연주 계획을 세워야 한다. 이는 단순한 연주기술의 습득을 넘어, 연주자가 악기마다 다른 조건에 능동적으로 적응하고 연주 전략을 수립하는 능력을 요구한다.
오르간은 이처럼 연주 시에 고려해야 할 요소들이 많음에도 불구하고, 같은 건반악기인 피아노와 비교할 때 오르간연주자들이 참고할 수 있는 연주법과 관련된 체계적인 문헌이나 연구가 부족한 실정이다. 이에 본 논문에서는 파이프오르간 연주에 있어 핵심이 되는 연주 자세와 기술, 그리고 음악적 표현 요소들을 체계적으로 분류하고 각 요소에 대한 연주법을 제시하였으며, 이 방법론을 실제 작품에 적용하여 오르간연주자의 연주능력 향상에 도움이 될 수 있음을 검증하였다.
본 논문의 본론은 크게 5개 장으로 구성되어있으며 I장 서론에서는 연구의 필요성과 목적, 그리고 선행연구 및 연구방법 등 연구의 방향성을 제시하였고, II장부터 V장까지는 연주자가 습득하여야 할 주요 오르간 연주기법을 다루고 있다. 오르간 연주의 완성을 위해서는 많은 세부적인 요소들이 있지만, 연주자가 레슨 등을 통해 훈련받을 때는 각각에 대한 연주법과 연주 지식이 산발적으로 전수되므로, 연주기술 습득의 효율성과 연주능력 향상을 위해서는 체계적인 연주법의 제시가 필수적이다. 따라서 본 논문에서는 연주법으로서 중요한 핵심 요소들을 특성에 따라 분류하고 각각에 대한 이론적 배경과 구체적인 연주법을 제시하였다.
II장에서는 가장 기초가 되어야 할 연주자들의 신체의 균형과 연주 자세에 대해 다루고 있다. 이는 오르간 연주에 있어 간과되기 쉬운 부분이나, 연주자의 부상 방지와 연주기술의 효율성을 높여준다는 측면에서 매우 중요하다.
Ⅲ장과 Ⅳ장은 각각 손과 발 건반의 연주기법을 다루고 있다. 손 건반 연주의 경우, 오르간은 악기의 특성상 누르기와 떼기, 운지법, 손가락 교체, 글리산도 등이 타 건반악기와 다르게 운용되어야 하며, 이는 곡의 표현을 좌우할 수 있는 요소이며, 발 건반은 오르간만이 가지고 있는 악기의 구성품이므로 발의 독립적인 움직임과 응용 방식 등, 올바른 연주는 아무리 강조해도 지나치지 않다. 또 기존 연구가 손 건반 중심의 연주법이나 특정 테크닉, 작품 분석에 단편적으로 집중되었던 반면, 본 논문은 손과 발의 기능을 통합적으로 고찰하고 실제 작품에 적용했다는 점에서 차별성을 지닌다.
V장에서는 아티큘레이션(articulation)과 음색 조합(registration)에 관해 설명하고 있다. 적절한 아티큘레이션을 위한 레가토, 논 레가토, 스타카토 등의 연주 역시 오르간 연주에서만 특별히 고려해야 할 기법이 존재하므로 음색의 선택은 오르간 음악의 표현 전체를 결정하는 대단히 중요한 요소이다.
Ⅵ장에서는 앞서 고찰한 연주기법들을 종합하여 세자르 프랑크(César Franck, 1822-1890)의 《코랄 제1번》(Choral No. 1 in E Major)에 적용하였다. 특히, 오르간 연주는 어떤 악기를 연주하는가에 따라 연주의 방법이 크게 달라질 수 있으므로, 이화여자대학교 음악대학 김영의 홀과 아현감리교회에 설치된 오르간을 대상으로, 서로 다른 구조와 음색을 지닌 두 대의 오르간에서 동일한 작품을 연주할 때 연주법이 어떻게 달라지는지를 실증적으로 제시하였다.
결론에서는 본 연구의 결과를 종합하고, 오르간 연주법 및 실기 훈련에서 이론과 실천을 통합한 접근이 왜 필요한지를 논증하였다. 지금까지의 오르간 음악과 관련된 연구가 개별 테크닉이나 작품 해석에 국한되었던 점과 달리, 본 논문은 자세, 손과 발 건반, 아티큘레이션, 음색, 연주환경까지 종합적인 연주법을 체계적으로 제시함으로써, 연주자와 교육자 모두에게 효율적인 오르간 연주법의 습득과 연주력 향상에 큰 도움이 되는 논문이다.

목차 (Table of Contents)

• Ⅰ. 서론 1
• 1. 연구의 필요성 1
• 2. 연구의 목적 3
• 3. 선행연구 및 연구방법 4
• Ⅱ. 오르간 연주 자세 7
• 1. 자세의 중요성과 신체의 균형 7
• 2. 연주를 위한 자세 10
• Ⅲ. 손 건반의 효과적인 연주법 16
• 1. 손 건반 연주법의 이해의 중요성 16
• 2. 손 건반 연주의 기초 18
• 3. 손 건반의 연주기법 23
• 3. 1. 건반 누르기와 떼기 23
• 3. 2. 운지법 29
• 3. 3. 손가락 교체 35
• 3. 4. 손가락 글리산도 38
• Ⅳ. 발 건반의 효과적인 연주법 41
• 1. 발 건반 연주법 이해의 중요성 41
• 2. 발 건반 연주의 기초 50
• 3. 발 건반의 연주기법 54
• 3. 1. 건반 누르기와 떼기 54
• 3. 2. 발 건반의 교체 64
• 3. 3. 발 건반의 글리산도 69
• Ⅴ. 오르간의 음악적 표현 72
• 1. 아티큘레이션 72
• 2. 음색 조합 81
• Ⅵ. 오르간 연주법의 체계적인 접근과 적용 88
• 1. 세자르 프랑크(Csar Franck, 1822-1890)의 생 클로틸드(St. Clotiode) 오르간과 코랄 제1번(Choral No. 1 in E Major) 88
• 2. 이화여대 김영의홀 오르간과 아현감리교회 오르간 92
• 3. 프랑크 코랄 제1번 연주법의 체계적인 접근과 적용 96
• Ⅶ. 결론 125
• 참고문헌 127