피에르 조들로프스키(Pierre Jodlowski)의 「Series for Piano and Soundtrack」연구

김진아 이화여자대학교 대학원 2026 국내석사

본 논문은 피에르 조들로프스키(Pierre Jodlowski, 1971~)의「Series for Piano and Soundtrack」을 중심으로 피아노와 사운드트랙의 상호작용을 분석하고, 각 곡의 주요한 음악적 특징과 예술적 함의를 고찰하였다. 이 시리즈는 총 일곱 곡으로 구성되어 있으며, 각 곡에서 작곡가는 특정 색채로부터 환기되는 개인적 감정과 이미지를 기반으로, 음악적 주제를 발전시킨다. 이러한 개인적 탐구는 인간의 폭력성, 욕망, 양면성과 같은 보편적 주제로 확장된다. 2005년부터 시작된 조들로프스키의「Series for Piano and Soundtrack」은 피아노와 사운드트랙의 관계가 상호보완적이면서도 동등하며, 두 매체의 결합을 통해 음향과 공간감을 확장한다. 사운드트랙은 어쿠스틱 악기의 물리적 한계를 보완하고, 반대로 피아노는 실제 연주 행위를 통해 실연을 전제로 하지 않는 고정매체 음악의 특성을 보충한다. 각 곡은 고유한 특징과 정체성을 지니며, 두 매체의 결합을 통해 하나의 완전한 작품이 완성된다. Série Noire(검정색 시리즈)는 스릴러 영화의 장르적 특성을 음악적으로 구현하려는 시도에서 출발한다. 이 곡은 다양한 영화의 단편적 대사를 중심으로 전개되는 사운드트랙과 대사 속 인물의 정서와 분위기를 표현하고 다음 장면을 암시하는 피아노로 구성된다. 이때 전체주의를 다룬 영화 대사들은 음악적 긴장감을 형성하는 핵심 재료가 되며, 이러한 요소는 결과적으로 체제의 폭력성이라는 보편적 주제로 확장된다. Série Blanche(하얀색 시리즈)는 장 지오노의 소설《권태로운 왕》에 묘사된 공간적 배경의 이미지로부터 영감을 받아 작곡되었다. 이 곡은 피아노가 제시하는 25개의 짧은 음형을 사운드트랙의 피아노 음향이 모방하며 전개된다. 사전에 제작된 사운드트랙의 루프(Loop)들은 각각 끊임없이 반복하며 누적되어 거대한 음향 덩어리를 형성하고, 이러한 누적된 음향은 반복되는 일상 속에서 축적된 인간의 무력감과 무감각함이 내재된 폭력성으로 전이되는 과정을 상징한다. Série C(C 시리즈)는 이 시리즈 중에서 색채의 표제를 갖지 않는 유일한 작품으로, 존 케이지(John Cage)의 프리페어드 피아노 작품《외로운 섬의 딸들》에서 영감을 받아 작곡되었다. 작곡가는 이 곡에서 장치된 음과 비장치 음을 혼합적으로 사용하여 선율을 구성하며, 전기적인 음향과 영화 속 인물의 대화 음향을 사운드트랙 속에 배치하는 등 자신만의 색채로 재해석하며, 프리페어드 피아노의 음색을 확장시킨다. Série Rose(분홍색 시리즈)는 연인 사이의 사적인 대화와 포르노그래피적 이미지에서 영감을 얻었으며, 이를 통해 작곡가는 사랑이라는 감정의 이면에숨겨진 욕망에 주목하였다. 이 곡은 연주자의 신체적 퍼포먼스를 포함하며, 단편적 대사·대화·호흡소리의 음향적 재료와 대사 속 인물의 정서를 표현하는 피아노가 결합되어 전개된다. 특히 작곡가는 사운드트랙 속에서 상이한 인물들의 관계를 병치시키며, 사랑의 어두운 면을 적나라게 드러낸다. 결국 이 작품은 개인의 사적인 이야기를 넘어, 인간이 가지는 욕망이라는 보편적인 주제로 그 의미를 확장한다. Série Bleue(파란색 시리즈)는 이브 클랭(Yves Klein)의 <파란색 단색화>에서 영감을 받았다. 작곡가는 표면상 완벽해 보이는 단색 회화 속에서 발견되는 미세한 균열을 음악적 아이디어로 삼아, 미세한 전자적 요소들에 의해 음악이 변질되어 가는 과정을 구현하였다. 또한, 작품을 바라볼 때 내면에서 일어난 자신의 양가적인 감정들에 주목하여 이를 음악적으로 표현하고자 하였다. 이 곡은 성긴 짜임새와 전기 베이스에 기반한 전자적 음향 그리고 피아노의 다양한 음형 패턴이 특징이다. Série Rouge(빨간색 시리즈)는 다양한 영화와 연극에서 접한 피의 이미지에서 착안하여, 피가 지닌 생명력과 파괴성이라는 두 가지 속성을 음악적으로 구현하고자 하였다. 이 곡은 무대 조명을 활용한 시각적 연출을 동반하며, 음 향적 블록들의 콜라주 형식을 취하다가 곡의 중반부 이후부터는 강렬한 리듬 중심으로 전개된다. 특히 심장 박동을 연상시키는 리듬을 핵심적 소재로 활용하며, 작곡가는 안정에서 혼돈으로 변화하는 흐름을 통해 생명과 파괴가 공존하는 피의 양면성을 드러낸다. 결국, 이 곡은 빨간색에서 연상된 ‘피’라는 이미지를 넘어, 상반된 성질이 공존하는 인간 본연의 모순성에 대한 탐구로 확장된다. 마지막으로, Série Cendre(회색 시리즈)는 작곡가가 회색으로부터 죽음 이후 남는 흔적인 ‘재’(Ashes)를 연상하여, 죽음을 끝이 아닌 형태를 바꾸어 지속되는 순환의 과정으로 바라본 작품이다. 이 곡은 조명 연출과 더불어 피아노의 물리적 소리를 사용하는 기악적 구체화, 시 낭송, 신체적 퍼포먼스를 포함한다. 특히, 사운드트랙 속 시 낭송과 신체적 퍼포먼스는 각각 프롤로그와 에필로그적 장치로 기능하며, 이를 제외한 나머지 부분은 죽음과 관련된 표제를 지닌 여덟 부분으로 구성되어 유기적으로 연결된다. 이렇듯, 조들로프스키의「Series for Piano and Soundtrack」의 7곡은 색채로부터 연상된 이미지와 감정을 바탕으로 작곡가 내면을 성찰하는 자기 탐구적인 시선에서 시작한다. 작곡가는 이러한 개인적인 생각과 감정을 음악적 주제로 삼으며, 이를 사운드트랙과 결합해 음향적 제한을 두지 않고 자신을 가감 없이 드러낸다. 결과적으로, 개인의 탐구에서 출발한 이 곡들은 체제의 폭력성, 인간의 무력감 속 내재된 폭력성과 욕망, 이중성과 존재의 모순성 그리고 죽음과 순환이라는 큰 주제로 연결되며 그 의미를 확장한다. This study analyzes 7 pieces in Pierre Jodlowski’s (1971~)⌜Series for Piano and Soundtrack⌟, focusing on the interrelation between the piano and the soundtrack and examining the musical characteristics and artistic implications of each pieces. Each of seven pieces was inspired by the emotions and the imagery evoked by a specific color, through which the composer seeks to articulate social and philosophical themes by combining the piano and the soundtrack. In ⌜Series for Piano and Soundtrack⌟, the roles of the piano and the soundtrack are both complementary and equal. Through the interaction, Jodlowski expands sonic possibilities and spatial perception. The soundtrack compensates for the physical limitations of the acoustic piano, while the piano, through live performance, restores the performative vitality absent in a fixed-media music. Although each piece possesses its own distinctive identity, and the two media form together form a single, unified artistic whole. Série Noire(Black Series)stems from an attempt to musically implement the genre characteristics of thriller films. The composition unfolds through a soundtrack centered on fragmentary film dialogues, complemented by the piano, which expresses the emotions of the characters and foreshadows subsequent scenes. Film dialogues concerning totalitarianism serve as core materials for creating musical tension, ultimately expanding into the universal theme of systemic violence. Série Blanche(White Series) was inspired by the spatial imagery in Jean Giono’s novel A King Without Distraction. The piece develops as the piano sounds in the soundtrack imitate 25 short motifs presented by the live piano. Pre-recorded soundtrack loops repeat and accumulate to form a massive sonic mass, symbolizing the process where human helplessness and apathy, accumulated in repetitive daily life, transition into inherent violence. Série C (C Series) is the only work in the series that is not associated with a color. Jodlowski reinterprets John Cage’s ⌜Daughters of Lonesome Isle⌟(1945) for prepared piano, combining prepared and unprepared registers to create melodic lines and to expand the instrument’s timbral possibilities. Série Rose (Pink Series) draws inspiration from private conversations between lovers and pornographic imagery, focusing on the desires hidden behind the emotion of love. Incorporating physical performance, the piece combines acoustic materials—such as fragmentary dialogues and breathing sounds—with the piano's emotional expression. By juxtaposing the relationships of different characters, the composer exposes the dark side of love, expanding the work's significance into the universal theme of human desire. Série Bleue (Blue Series) was inspired by Yves Klein’s Blue Monochromes. Taking the subtle cracks found within seemingly perfect monochromatic paintings as a musical idea, the composer implements a process where the music is transformed by minute electronic elements. It captures the ambivalent emotions experienced when viewing the artwork, characterized by a sparse texture, electronic sounds based on electric bass, and diverse piano patterns. Série Rouge (Red Series) focuses on the imagery of blood encountered in films and plays, aiming to musically realize its dual nature of vitality and destructiveness. Accompanied by visual staging using stage lighting, the piece employs a collage of sonic blocks before shifting into a rhythm-centric development. Using heart-pounding rhythms as a core motif, the composer reveals the ambivalence of blood, where life and destruction coexist, moving from stability to chaos. Consequently, it expands beyond the image of blood into an inquiry into the inherent contradiction of existence. Série Cendre (Grey Series) associates grey with "ashes"—the traces remaining after death—viewing death not as an end, but as a cycle that continues by changing form. The work includes instrumental concretization using physical piano sounds, poetry recitation, and physical performance alongside lighting. While the poetry and performance serve as prologue and epilogue, the rest of the piece consists of eight organically connected sections concerning death. In conclusion, each of the seven pieces in Jodlowski’s ⌜Series for Piano and Soundtrack⌟originate from a self-exploratory perspective, reflecting on the composer’s inner self through images and emotions evoked by color. By integrating personal contemplations with soundtracks to transcend acoustic limitations, the composer reveals himself without reservation. Consequently, these works, which begin with intimate exploration, eventually connect through broader themes—systemic violence, the inherent violence within human helplessness, desire, the duality and contradiction of existence, and the cycle of death and rebirth—thereby expanding their overall significance.

팔레스트리나(G. P. Palestrina)의 미사 아드 푸감(Mass Ad Fugam) 분석

한주연 이화여자대학교 대학원 2010 국내석사

In the 15th ~ 16th century, a cultural movement named Renaissance emerged around Europe. Renaissance called for returning to ancient Greek and Roman culture, which had actively pursued human nature. Like other culture and arts during the era, there were many new trends in Renaissance music that are different from those of Middles Ages music, like birth of various types of secular music and development of polyphony and instrumental music. Renaissance music started with the emergence of the Burgundian school based on France, and greatly flourished as it embraced the Flemish school. Some major composers of the Flemish school include Johannes Okeghem (1430-1497) and Josquin Des Prez (1440~1521). Unlike music of the Middle Ages that focused on strict liturgical music of the Catholic Church, musicians of the Renaissance era intended to create church music that not only praised the God but also appealed to audience. In other words, the Reformation in the 16th century transformed music driven by priests and theological students into music consumed by audience, mainly in protestant churches. However, as church music adopted cantus firmus melodies from secular music such as chanson and madrigal to encourage participation of audience and became more secularized, the Counter Reformation movement erupted to reverse the trend. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594) is one of the most prominent composers of the Renaissance era, who established the style of the 16th century Roman Catholic Church music. Palestrina left more than 100 pieces of missa, 500 strong church music works including motet, and other secular music works including madrigal. Among them, the genre that most clearly shows the characteristics of his music is missa. He stuck to traditional style of the Flemish school instead of new musical styles of the late 16th century, and his music featured diatonic scale harmony and melody, regular rhythm, and dissonant tone. Most cantus firmus melodies of Palestrina’s missa were adopted from the Gregorian chant and he established his unique style by mixing melodic elements of the chant and imitative counterpoint of the Franco-Flemish school. His famous missa <Mass Ad Fugam, 1567> is a “double canon” in which two main melodies are played in canon style. With regular rhythm and diatonic style, Palestrina intended to achieve better conveyance of words, the issue that was heavily argued during the Counter Reformation era. This paper will touch upon music of the Renaissance era and the Franco-Flemish school that Palestrina was involved, and study musical characteristics and styles of his missa pieces to achieve comprehensive understanding of missa during the Renaissance era. This paper also plans to analyze musical idioms such as lyrics, melody progress, and mode used in Palestrina’s missa by closely looking into Kyrie, Hosanna, Benedictus, and Agnus Dei of Missa Ad Fugam, one of his early works. 음악의 역사를 시간적 단위로 정확히 나눈다는 것은 매우 어려운 일이다. 왜냐하면 어느 시대의 음악가들이라도 이전의 창작 방식을 버리고 새로운 방식으로 바꾸어 채택하는 것이 아니기 때문이다. 따라서 시대의 구분은 음악적 사건과 괄목할만한 시대적 양상에 따라 나누어지는 경우가 대부분이다. 이러한 의미에서 15~16세기 유럽을 중심으로 확대된 르네상스는 교회중심적인 우주관에서 벗어나 인간의 본성을 재발견하는 인본주의적인 시대 의식을 추구하는 문예부흥운동으로, 중세와 비교되는 큰 특징을 드러내며 하나의 시대로 구별되기에 충분하다. 르네상스 시대는 음악사에서 중세와 바로크 시대를 연결하는 시기로, 15세기 후반 요하네스 오케겜(Johannes Okeghem, 1430-1497)을 중심으로 한 플랑드르 악파에 의해 하나의 양식으로 자리잡게 되었다. 르네상스 음악은 구조적으로 테노르 성부 아래 바수스 성부가 더해지면서 4성부이상의 다성부 구조가 주를 이루었고, 모방대위법이 발달하면서 모든 성부가 동일한 주제적 선율을 공유하고 동등한 자격을 갖게 되었다. 뿐만 아니라 수직적으로 3도와 6도 음정이 협화적으로 사용되면서 바수스가 분명하게 선법적 화성 윤곽을 가질 경우에 조성음악 3화음의 기본형이나 제1전위형과 같은 화음형이 종종 나타났다. 또한 무지카 픽타 외에 반음계의 사용을 금하면서 가사의 내용 전달에 관심을 갖게 되었다. 앞에 언급된 바와 같이 르네상스 시대 대위법을 확립한 대표적인 작곡가로는 팔레스트리나(Giovanni Pierluigi da Palestrina, 1525-1594)가 있다. 그는 전통적인 르네상스 음악 양식을 완성한 작곡가이자 음악가로, 다수의 교회음악과 세속음악을 남겼다. 팔레스트리나는 음악에 있어 새로운 기법을 추구하는 것이 아니라 플랑드르 악파의 음악기법을 계승·발전시켰으며, 그의 대위법은 정선율을 테노르에 두고 엄격한 다성부 구조로 진행하는 것으로서 후세에까지 대위법의 기초가 되고 있다. 그는 초기 미사곡인 <미사 아드 푸감>을 통해 전통적인 음악양식과 더불어 르네상스 시대에 나타난 진보적인 성향의 음악양식을 보여준다. <미사 아드 푸감>은 팔레스트리나의 미사 양식 중 두 개의 주제적 선율이 카논으로 이어지는 이중 카논 미사로, 키리에·호산나·베네딕투스·아뉴스 데이의 총 네 곡으로 구성되어 있다. 이 작품은 순차진행 위주의 선율·불협화음의 취급과 다양한 종류의 3화음형 사용을 비롯하여 교회음악의 경건성을 유지하기 위한 가사와 선율의 밀접한 관계 등 르네상스 음악의 특징과 팔레스트리나 양식이 잘 나타난 미사곡이다.

프랑스 고전 오르간 음악의 이해 : Nicolas de Grigny의 Veni creator 를 중심으로

강다영 이화여자대학교 대학원 2007 국내석사

본 논문은 오르간 음악사에 있어서 독자적인 음악적 표현을 바탕으로 가장 통일성 있는 양식을 구축한 17, 18세기의 프랑스 오르간 음악, 즉 프랑스 고전 오르간 음악의 전반에 대하여 알아보고, 이 시기의 정점에 위치했던 음악가 니콜라 드 그리니(Nicolas de Grigny, 1672 -1703)와 그의 작품 「임하소서 성령이여(Veni Creator)」에 대하여 살펴봄으로써 그 이해를 깊게 하는 데에 목적을 두고 있다. 종교개혁의 물결에서 제외되어 있었던 프랑스의 오르간 음악은 가톨릭 전례와 밀접한 관계 속에서 발전하였다. 전례 안에서 오르간의 비중이 매우 컸던 만큼 오르간 음악의 대부분이 전례를 위하여 작곡되었으며, 이러한 오르간 곡들은 주로 그레고리오 성가의 선율을 바탕으로 작곡되었다. 반면 형식적인 면에서는 당시 유행하던 세속 음악의 영향을 받기도 하였다. 궁정음악가 륄리(Jean-Baptiste Lully 1632-1687)의 오페라 중 프랑스 서곡 양식, 춤곡, 아리아와 레치타티보 등이 전례 음악에 유입되어 오르간 미사곡과 오르간 성가들에도 위와 같은 양식이 적용되었다. 이 시대의 오르간은 프린치팔(Prinzipal)계열과 플루트 계열의 완전한 음색 군을 바탕으로 배음과 믹스쳐(Mixture), 다채로운 솔로 음색들을 지니고 있었다. 또한 음악 양식과 밀접한 관계를 갖고 있어, 이들 음색의 명칭과 음색조합은 음악양식과 함께 곡의 제목으로 쓰이기까지 하였다. 대표적인 오르간 제작자로는 티에리(Alexander Thierry 1646-1699)와 끌리꼬(Robert Clicquot 1645-1719)가 있다. 프랑스 고전 오르간 음악을 연주하는 데에 있어 숙지해야 할 것은 바로 음악과 언어의 연관성이다. 언어의 특성상 강약보다 장단(이 더욱 중요시 되는데 이러한 언어적 특징은 음악에서 불균등(Inegalite), 즉 음의 길이에 변화를 주는 연주기법을 통해 표현되고 있다. 그 밖에도 화려하고 우아한 장식음은 프랑스 고전 오르간 음악에서 없어서는 안 될 중요한 표현 수단으로서 멀리는 바흐에게까지 큰 영향을 주었다. 프랑스 고전 오르간 음악의 전성기에 활동한 그리니(Nicolas de Grigny 1672- 1703)의 「오르간곡집 (Livre d'Orgue)」은 바흐(J. S. Bach 1685- 1750)가 이 작품집을 필사한 것으로 알려져 그 중요성이 더욱 부각되고 있다. 미사와 5개의 그레고리오 성가를 바탕으로 한 이 작품집에 수록된 「임하소서 성령이여(Veni Creator)」의 첫 악장은 성령 강림절에 불렸던 같은 제목의 성가를 정선율(Cantus firmus)로 하여 작곡되었고, 그 밖에 5성 푸가, 오페라에서 유래한 춤곡, 레시타티브, 서곡을 포함하여 5개의 악장으로 이루어졌으며 프랑스 고전 오르간 음악에서 가능한 다양한 음색과 표현들을 담고 있다. 본문에서는 앞서 요약한 프랑스 고전 오르간 음악의 배경 및 특성을 보다 자세히 연구하고 이를 바탕으로 그리니의 「임하소서 성령이여」에 나타난 음악적 표현, 즉 장식음, 리듬의 불균등성이 실제로 어떻게 연주될 수 있는지에 대해 살펴봄으로써 그 이해를 돕고자 한다. 그리니로 대표되는 프랑스 고전 오르간 음악은 일률적인 음악이 아닌 통일성 안에서 연주자의 기호에 따라 무한한 가능성을 지닌다는 데에 그 의의가 있다. 그럼에도 불구하고 프랑스 고전 오르간 음악을 처음 접하고 생소함과 어려움을 느끼는 오르간 학도들이 그 위대함을 알고 올바로 재현하는 데에 본 논문이 적게나마 기여하기를 바란다. This thesis is about the French organ music of the 17th, 18th century, which was built up as the most unique style of the organ music history. To understand the basics of French classical organ music, it is necessary to know about Nicolas de Grigny(1672~1703) and analyze his work 「Veni Creator」. Whereas the German music had close relationship with the Religion Revolution, the French organ music had close relationship with the catholic ritual. Since the emphasis of the organ was important in the ritual itself, almost all the organ music was composed for the ritual and these organ music were based on the melody of gregorian chant. On the other side, the form of the music was influenced by the secular music, which was popular in those days. In the opera the court musician, Jean-Baptiste Lully (1632-1687) created the French overture style, ballet, aria and recitative. These were included in the ritual music and were applied in the organ mass and organ hymn. In this period, the organ possessed the perfect group of principal and the flute, mutation, mixture and various solo registration. Also, since it had a close relationship with the music style, the registration itself became the title of the song along with the music style. As for the typical organ builder there were Alexander Thierry (1646-1699) and Robert Clicquot(1645-1719). The important point when playing the French classical organ music is knowing the relationship between music and language. The characteristics of French language gives more importance in the rhythm rather than the dynamics, which appears in the Inegalite, inequality of note value. In addition, the brilliant and elegant ornamentation, which influenced Bach, is an important way for expression which cannot be excluded in the French classical organ music. Nicolas de Grigny(1672- 1703)'s 「Livre d'Orgue」, which contained one mass and five Latin hymn, gained more value because Bach made himself a manuscript from this work. 「Veni Creator」is included in this organ book. The first movement is based on Cantus firmus of the hymn 'Veni Creator', which was sung in the Pentecost. Moreover, the rest of the movements include a fugue with five voices, a piece of dance music, recitative, and French overture. This work contains various registration and expressions of the French classical organ music.

마르셀 뒤프레의 오르간 음악에 대한 고찰 : 노엘 주제에 의한 변주곡, op.20을 중심으로

박소연 이화여자대학교 대학원 2013 국내석사

본 논문은 19세기부터 20세기 초의 프랑스 음악에서 중요한 위치를 차지하는 까바이예 꼴 오르간과 이 오르간의 영향을 받은 마르셀 뒤프레(Marcel Dupré, 1886-1971)에 관해 연구하였다. 그리고 뒤프레의 대표적인 오르간 작품인 「노엘 주제에 의한 변주곡, Op. 20」(1922)(Variations sur un Noël)의 분석을 통해 뒤프레의 업적을 고찰했고 그의 오르간 음악의 특징을 구체적으로 연구하였다. 뒤프레는 19세기와 20세기를 연결하는 프랑스의 작곡가로서, 오르간 연주가, 교수, 작가, 그리고 편집자로서도 널리 알려진 인물이다. 특히 오르간 즉흥연주에 뛰어났던 뒤프레는 지금까지도 전설적인 인물로 인정받고 있다. 뒤프레는 비도르(Charles Marie Widor, 1844-1937)의 뒤를 이어 슐피스 성당(St. Sulpice)의 오르가니스트로 있으면서 그 성당에 설치된 당시 프랑스 최대의 까바이예 꼴(Cavaillé-Coll) 오르간의 영향으로 훌륭한 오르간 작품을 많이 작곡하였다. 뒤프레의 오르간 음악은 이 까바이예 꼴 오르간의 절대적인 영향 아래 있었으며 신고전주의적 성격과 표제음악, 심포닉 스타일, 그리고 그레고리안 성가의 영향을 받았다. 그 외에도 반음계, 기교적인 테크닉, 색채주의 등은 그의 주된 음악적 특징이라고 할 수 있다. 까바이예 꼴 오르간의 음색을 바탕으로 작곡활동을 하던 뒤프레는 새로운 국면을 맞이하게 된다. 그는 프랑스 외 영국, 미국, 캐나다 등지로 연주여행을 떠나며 까바이예 꼴 오르간에서는 불가능했던 메모리 시스템을 접하고 신선한 충격을 받게 되었다. 즉, 영국과 미국 오르간 제작자들이 만들어놓은, 전기를 이용하여 오르간의 모든 건반의 스탑을 한 순간에 바꿀 수 있는 새로운 장치(general piston)를 알게 되었던 것이다. 이러한 오르간의 새로운 가능성을 배경으로 뒤프레는 「노엘 주제에 의한 변주곡, Op. 20」 을 작곡하였다. 이 작품은 프랑스의 크리스마스 캐롤 “노엘 누블렛(Noël Nouvelet)”에 기초한 곡으로, 하나의 주제와 10개의 변주로 구성되어 있다. 주제는 A-B-A'의 3부분 형식을 갖고 있으며 10개의 변주들을 통해 다양한 형식으로 발전된다. 이 변주들은 주제가 뚜렷이 들리는 반면 주제가 전혀 들리지는 않지만 주제와 같은 구조 안에서 발전되어 그 본질을 갖고 다양하게 구성되어 있다. 또한 대위적으로 모방되는 캐논 기법과 스타카토 음형, 반음계의 사용, 손건반의 화려한 기교적 테크닉, 색채적인 음색 등 뒤프레의 음악적인 특징들이 잘 나타나 있다. 「노엘 주제에 의한 변주곡, Op. 20」은 뒤프레의 오르간 음악을 공부하고자 하는 오르가니스트들에게 매우 적합한 짜임새 있고 다양한 난이도를 가진 작품이다. 특히 각 변주곡에서 사용된 다양한 변주기법과 작곡가가 제시한 음색 배합은 이 작품을 더욱 빛나게 만드는 요소라고 할 수 있다. 즉, 이 곡은 오르간이란 악기, 그리고 오르간 연주자가 보여 줄 수 있는 모든 가능성을 담고 있다고 평가되며 뒤프레의 오르간 음악을 접하기를 원하는 오르간 연주자들에게 적극 추천할 수 있는 곡이라고 할 수 있다. 뒤프레는 다른 작곡가들에 비해 많이 연구되지 못하고 있지만, 어린 나이부터 음악을 사랑하고 평생 동안 오르간을 연주하던 훌륭한 음악가로서 그의 많은 제자들은 그의 음악을 계승하였으며 현재에도 그의 작품들은 연주홀에서 꾸준히 연주되고 있다. This essay contains a research on Cavaillé-Coll, which represents an important music culture in France from 19th century to 20th century, and Marcel Dupré (1886-1971) who were deeply influenced by this organ. Throughout an in-depth analysis of 「Variations sur un Noël, Op.20」(1922), research on Dupré’s achievements and his characteristics on his organ masterpieces were conducted. Dupré is a well-known French composer, organ musician, professor, author, and editor in 19th and 20th century. He was exceptional especially in an improvisation, and he is still respected as a legendary musician today. Followed by Charels Marie Widor (1844-1937), Dupré became a organist in St. Sulpice and produced many organ masterpieces with Cavaillé-Coll, which was the greatest organ in France. Dupré’s music was completely under the influence of Cavaillé-Coll. Moreover, other factors such as, Neo-classicism, symphonic style, and gregorian choir have influenced him as well. A chromatic scale, artful techniques and colorism describes his music style very well. While working with Cavaillé-Coll, Dupré faced a new situation. He traveled France, England, America, and Canada and performed his music. During his journey of music performance, he experienced a memory system. This was something he could not see on Cavaillé-Coll; therefore, he was surprised by that system. This was produced by English and American organ builders. It was named general piston, which was produced by American and English organ builders. It used electricity to change all the stops of organ at the same time. With this new technology, Dupré produced his masterpiece, 「Variations sur un Noël, Op.20」. 「Variations sur un Noël, Op.20」 had its roots on Christmas carol, “Noël Nouvelet”. This masterpiece was composed of 10 special variations. The main contained a form of A-B-A’s 3 parts and through 10 variations, it develops in variety of ways. While these variations heard clearly, the main theme could not be heard. However, variations developed with main theme in the same structure. Moreover, variations well-demonstrate Dupré’s Cannon technique, staccato, use of chromatic scale, an artful technique of hand-keyboard, colorful music tone. 「Variations sur un Noël, Op.20」 is recommended for organists who desire to study Dupré’s organ masterpieces, because it is extremely concise and has a variety of difficulties. These variations are still respected today because of their diverse playing techniques and registration used in each variation. This masterpiece has the ability to demonstrate organists’ every techniques and possibilities. Therefore, it is strongly recommended for organists who want to experience Dupré’s organ music. Dupré is not being analyzed compared to other respected composers; however, he is still respected as a great musician. In addition, many students of Dupré studied his music and inherited his masterpiece. His masterpieces are continuously played in many recitals today.

윤이상의 초기가곡집 「달무리」에 관한 연구 분석

문현진 이화여자대학교 대학원 2001 국내석사

한국 작곡가로서 유일하게 세계적인 위치에 오른 현대음악의 거장 중 한사람인 윤이상 (1917-1995)은 반평생을 조국을 잃은 유랑민으로 살다가 끝내 분단된 조국의 현실을 극복하지 못하고 세상을 떠난 재독 음악가이다. 그는 정신적으로는 동아시아의 원천에 서서 한국 전통적인 음의 이미지를 현대 서양 작곡 기법의 도움을 얻어 독창적인 음악표현의 방법으로 구축하였다. 150여곡의 작품에서 그는 도교 사상을 철학적·사상적 배경으로 삼았는데, 이를 '주요음기법'이라는 동양적 음향의 개념으로 삼아, 서양의 작곡기법을 사용하여 서양 악기로 표현하였다. 본 논문의 연구대상인 『달무리』는 1950년 발표되었으며, 5개의 가곡(고풍의상, 달무리, 추천(그네), 편지, 나그네)을 수록하고 있다. 가곡집 『달무리』는 윤이상이 유럽의 음악을 접하기 전이었던 1940년대에 한국에서 작곡한 초기작품이다. 따라서 그가 후에 완성시켰던 '주요음기법'과 같은 특유의 작곡기법들은 나타나지 않는다. 하지만 작품에서 그가 평생동안 추구하였던 한국의 전통적인 음악과 서양의 현대음악의 결합에의 모색은 이 작품을 통해서도 보여지고 있다. 특히 선율, 리듬, 기법 면에서는 우리 나라 전통음악의 소재를 사용하면서 전통 음악적인 느낌을 살리려 노력하였고, 동시에 화성이나 음계, 선법 등을 사용하면서 당시 한국 현대음악으로서는 아주 진보적인 서양 음악적 요소를 나타내었다. 이와 같이 전통적 소재를 재료화하여 서양 음악으로 표현하는 등의 작업은, 당시 태동기에 있었던 한국 가곡의 발전에도 큰 영향을 주어 이후의 한국 현대음악 발전에도 이바지하였다. 따라서 본 논문에서는 윤이상의 삶과 음악에 대하여 살펴봄으로써 세계적인 작곡가인 그의 음악에 대한 이해와 폭을 넓히고, 그의 작품 중에서 초기가곡집『달무리』를 연구함으로써 이 작품을 소개하고, 이를 연주하는 많은 성악인들이 작품을 이해하는 데 도움을 주고자 한다. The only world-famous Korean composer and one of the greats of modern music history, Yun, Isang (1917-1995), was a Korean musician resident in Germany who had lived half of his life as a displaced person and had passed away without overcoming the fact of his divided mother country. He established his own creative music style with the traditional Korean music character and modern Western composing techniques. He composed more than 150 works. He used Taoism as a philosophical and idealogical background which he was called 'Haupttone technique' and expressed it by Western instruments. 'Dal-Moo-Ri', the subject of this paper, was released in 1950 and contains five songs ("Go-Poong-Ui-Sang", "Dal-Moo-Ri", "Geu-Ne", "Pyun-Ji", "Na-Geu-Ne") which were written before and after Korean Independence in 1945. It was one of Yun's early works and written before he studied in Germany. 'Haupttone technique', which combined Eastern thought and Western music, does not appear in this work. However, Yun did try to combine traditional music and Western music in this work. He tried to show the traditional music expressions by using Korean traditional music themes, especially in metre, rhythm, techniques. At the same time, he employed Western harmony, musical scales, and modes which resulted in showing a progressive Western music factor in Korean modern music at that times. A work like this expressed in Western music by using traditional themes, had a great impact on the development of Korean song, and eventually contributed towards the growth of Korean modern music. Therefore, by studying and analyzing Yun's life and his collection of songs, 'Dal-Moo-Ri' through this paper, anyone who studies music can expand their knowledge and understand his music better to perform this great masterpiece.

J. Brahms 6 Klavierstücke, op. 118의 분석 연구

함지현 이화여자대학교 대학원 2015 국내석사

본 논문은 낭만주의 시대에 활동한 작곡가 브람스(Johannes Brahms, 1833-1897)의 후기 피아노 소품인 「6곡의 피아노 소품(Klavierstücke), Op. 118」을 분석연구 한 것으로, 이를 위해 브람스의 생애와 전반적인 음악작품에 대해 살펴보고 그의 작품들 중 피아노 음악과 그 특징을 연구하였다. 19세기 후반에 활동했던 브람스는 낭만시대의 대표적인 작곡가로 가곡과 실내악곡 중심으로 다양한 유형의 작품을 발표했다. 그 중에서 피아노 작품은 다른 작품들과 마찬가지로 당시의 음악과는 다른 고전적인 경향을 보인다. 즉, 브람스는 낭만주의 시대에 유행했던 표제음악과 새로운 음악양식이 아닌 절대음악과 낭만 이전시대의 음악양식을 중요시했다. 또한 낭만시대의 기교적인 화려함 보다는 음악적으로 깊이 있는 내용을 추구하며 절제된 성향을 보였다. 이러한 브람스의 피아노 작품은 연대순으로 세 개의 시기로 나뉘는데 제 1기와 제 2기에는 각각 소나타와 변주곡을 중심으로 작곡했으며, 말년의 시기인 제 3기에는 낭만시대에 유행했던 소규모 피아노 소품들을 작곡했다. 하지만 브람스의 피아노 소품은 그 당시의 것들과는 다르게 곡 자체의 분위기는 나타내지만 표제적 이거나 감정적이지 않고 보편적인 성격을 지닌다. 이러한 경향은 그가 피아노 소품에서 사용했던 제목들을 통해서 알 수 있다. 즉, 브람스는 대부분의 곡들에 간주곡이라는 의미인 ‘인터메초(Intermezzo)’를 자주 사용하였으며, 이러한 곡들을 ‘피아노 소품(Klavierstücke)’라는 일반적인 명칭을 사용해 하나로 묶음으로서 절제되고 침착한 성향을 보여주었다. 또한 제 3기에 작곡된 후기 피아노 소품에서는 브람스의 고전적인 경향은 물론이고 제 1기와 제 2기의 작품들에서 보여주었던 자신만의 낭만적인 음악어법들이 다듬어져 나타난다. 「6 Klavierstücke, Op. 118」은 한 개의 발라드(Ballade)와 한 개의 로만체(Romanze), 그리고 네 개의 인터메초(Intermezzo )를 포함해 총 6곡으로 구성되어 있다. 대부분이 3부 형식으로 구성되며 카논(Canon), 전위(Inversion) 등의 대위적 기법이 자주 사용되어 브람스가 예전의 형식과 기법을 중요시하는 고전적인 특성을 보여준다. 또한 넓은 음역의 선율구조, 기본 3화음에 기초하였지만 여러 비화성음에 의한 불협화적인 효과, 감7화음과 독일 6화음 등을 통한 자유로운 화성의 사용, 다양한 리듬의 사용, 주제적 변형 기법(Thematic transformation)에 따라 각각의 모티브(Motive)가 발전되는 것 등은 브람스의 낭만주의적 특성을 잘 나타낸다. 즉, 이 작품은 브람스가 자신의 고전적인 특성에 당시의 낭만적인 음악어법을 결합시킨 작품으로 브람스 후기 피아노 소품의 특징이 잘 나타난다. 본 논문에서는 그의 후기 피아노 소품 중 「6 Klavierstücke, Op. 118」을 브람스 피아노 소품의 특성과 피아노 음악의 특징 연구를 기반으로 분석했으며, 이를 통해 후기 피아노 소품에서 나타나는 브람스 음악의 특징을 이해하고자 했다. This dissertation is to study the romanticism musician Johannes Brahms' (1833-1897) piano music. For this purpose, His life and overall works was studied. And 「6 Klavierstücke, Op.118」 of the late piano pieces was intensi vely analyzed. by studying the piano works and the characteristics. Brahms who actived in the late 19th century composed the piano works of Sonata, Scherzo, Ballade, Variation, Piece. His piano works is not program music that was popular at that time but absolute music. And he thought that Baroque or the previous musical styles are more important than new music form of ‘New German School’. Also he liked a calm and moderation rather than grandeur and virtuosic of Chopin and Liszt and Wagner music. 「6 Klavierstücke, Op.118」 of the late piano pieces consists of one Ballade. one Romanze, and four Intermezzo. Unlike with Romantic ‘Characterpiece’ at that time, he revealed a generality and universality without programmatic and emotional by using mainly a title ‘Intermezzo’ that means a musiacal interlude through this piece. Also, Ballade and Romanze show only an atmosphere of work and haven't a particular story. And Brahms told ‘Klavierstücke’ that is gathered these pieces. This strengthens a generality and universality of this work and there is no connection with the literature. Also, Brahms's music features appear well in this work because this work was composed in the late. In other words, Brahms music's romantic feature revealed through melody structure of a broad range, a variety of dissonance and chord of change, the use of various rhythm like synciopation, hemiola, polyrhythm, thematic transformation. And Brahms music's classical feature revealed through a use of ternary form that is previously established type, couterpoint like canon, inversion Brahms shows classical form and technique and romatic feature with general character that is appeared in the late piece through this work. Therefore this work shows Brahms's piano music feature of the late very well.

Benjamin Britten의 On this island, Op.11에 관한 반주 및 분석 연구

박선주 이화여자대학교 대학원 2015 국내석사

본 논문은 벤자민 브리튼(Benjamin Britten, 1913-1976)의 연가곡 「이 섬에서 On this island Op.11」(1937)에 관한 분석 연구이다. 이 논문에서는 먼저 영국성악 음악의 전반적인 흐름을 알아보고 브리튼의 음악과 삶의 영역에 있어서 큰 영향을 끼친 시인 오든 (Wystan Hugh Auden, 1907 – 1973)에 대해 살펴보고자 한다. 이후에 브리튼의 생애와 음악을 짚어보고 그의 연 가곡「이 섬에서 On this island Op.11」를 집중 분석하여 그 특징들을 알아봄으로 이 작품을 연주하고자 하는 연주자들의 이해를 돕고자 한다. 브리튼은 20세기 영국을 대표하는 뛰어난 작곡자, 피아니스트, 지휘자로서 여러 분야의 곡을 작곡하였지만, 그 중에서도 80여곡이 넘는 성악음악을 작곡함으로 퍼셀 (Henry Purcell, 1659-1695) 이후 영국 성악 음악 발전에 큰 기여를 한 인물로 손꼽힌다. 특히 브리튼은 연가곡 분야에 많은 주력을 하였고 가곡작곡에 있어서 그는 시의 내용을 매우 중요하게 생각하여 음악에서 시적인 표현과 묘사에 많은 초점을 두었다. 이 논문에서 다루어진 브리튼의 연가곡 「이 섬에서 On this island Op.11」는 그의 초기 연가곡으로 1930년대 영국을 이끈 대표적 시인 오든의 시집「보라, 나그네여! Look, Stranger!」에서 영감을 얻어 작곡된 최초의 피아노 반주 연가곡이다. 이 곡은 5개의 노래로 구성되었지만 시적, 음악적 서로 연속성을 가지지 않으며 각 곡마다 각기 다른 다양한 독립된 형식을 취하고 있음을 알 수 있다. 이 연가곡 연구를 통해 먼저는 영국성악음악의 시대별 특징들을 알아보았고, 시를 매우 중요시 하는 브리튼의 음악을 이해하기 위해서 시인인 오든의 생애와 그의 시에 대해 살펴보았다. 브리튼은 이 작품에서 가사마다 의미를 부여하려하고 그것을 음악적으로 표현하려는 음회화기법(word painting)을 사용하였으며 각운의 음악적 배치와 다이나믹 변화를 통해 이를 더 효과적으로 표현하였다. 또한 17세기 바로크 시대의 장식리듬에 의한 변형방법을 사용하였고 장조와 단조의 전통적인 조성체계를 유지하였으며 고전적 대위법 기법들을 사용하여 전통적 선율들을 전개하였다. 그리고 조성 파악이 애매모호한 현대적 기법과 불협화음을 통한 독특한 소리의 구현, 재즈풍의 리듬 등 현대적인 여러 가지 기법들도 사용하였는데, 이 방법들은 브리튼이 전 통적인 선율과 현대적인 기법의 절충적 양식을 추구한 것임을 알 수 있다. 우수한 음악적 감각으로 시어들을 그만의 음악 속에 담아내는 표현들과 이전 시기 작곡가들의 음악 기법을 현대적 기법과 더불어 자신이 원하는 음악적 재료로 활용한 독특한 방법들은 브리튼이 성악 음악에서 인정받는 작곡가임을 확인 시켜주며 「On this island」를 비롯한 그의 가곡들은 그 당시부터 지금까지 높이 평가되어지는 작품들이다. This paper presents an analysis on Benjamin Britten’s song cycle 「On this island Op.11 (1937)」 . Following the exploration on the overall flow of British vocal music, this paper will examine the poet Wystan Hugh Auden who had great influence on Britten’s music and life. Then I will go over Britten’s life and music before focusing on analyzing the characteristics of 「On this island Op.11 (1937)」 in means of helping vocalists’ understanding of the piece. Benjamin Britten composed various pieces as a composer, pianist, and conductor of the 20th-century but he is best known as one of the most influential figures to contribute in British vocal music, writing over 80 vocal pieces, after Henry Purcell (1659-1695). Britten especially focused on song cycles and as he considered the contents of the poems important, he concentrated much on the musical delivery of poetic expressions or descriptions. This paper discusses one of the very first song cycles of Britten, 「On this island Op. 11 (1937)」, that was inspired by Auden’s book of poems 「Look, Stranger!」; this is the first accompanied song cycle. While this song cycle is consists of five songs, each has an independent structure different from one another. For full comprehension of Britten’s music, this paper has studied the features of British vocal music periods along with Auden’s life and his work. In 「On this island Op.11(1937)」 Britten uses a musical technique, word painting, to show his intention of adding meaning to lyrics and was also able to effectively express this by using the end rhymes arrangements and dynamic changes. In addition, he applied variation from 17th century Baroque ornamentation, maintained the traditional major-minor tonality, and used classical counterpoints to stretch out the traditional tune. Britten’s pursuit to find a eclectic style between traditional tonality and modern technique can be found in using modern techniques which tonality are hard to trace, unique sound made from dissonance, jazz rhythms, etc. Britten used his gifted talent in music to serve poetic diction in music and tried to be as original as he can by applying traditional and modern musical techniques as his materials, and this is what confirms his position as Britain’s most significant composers in vocal music history. 「On this island Op.11 (1937)」 is one of his many brilliant pieces that received attention.

바흐의 세속 칸타타에서 보이는 혼합적(Hybridity) 특성들 : J. S. 바흐 사냥 칸타타 <나의 즐거움은 오직 사냥 뿐! (Was mir behagt, is nur die muntre Jagd!)> BWV 208을 중심으로

강민지 이화여자대학교 대학원 2016 국내석사

본 연구의 목적은 바흐(Johann Sebastian Bach, 1685-1780)의 현존하는 세속칸타타 중 가장 오래 된 작품인 <나의 즐거움은 오직 사냥 뿐!(Was mir behagt, is nur die, muntre Jagd!)> BWV 208을 음악과 가사의 관계를 중심으로 분석하여, 그의 초기 대규모 성악곡의 음악적 특성을 시대적 사회문화적 콘텍스트 안에서 탐색하는 것이다. 특히 당시 만연했던 다양한 민족적 음악 양식들이 어떻게 융합됐으며, 한편의 오페라도 작곡하지 않은 작곡가가 서사적인 칸타타 장르에 어떻게 극적인 요소들을 혼합하여 라이프치히 칸타타 사이클로 정점을 이루는 극적인 음악 장르를 만들어 냈는지, 그 과정을 알아보는 것이 가장 큰 주안점이다. 본 논문은 먼저 바흐가 바이마르시기의 창작 활동환경의 배경을 문헌을 중심으로 알아보고, 이전 시기와 비교해서 새로운 환경의 어떤 다른 점들이 칸타타 작곡에 영향을 미쳤는지 확인한다. 이는 바흐가 ‘칸타타’라는 새로운 장르를 작곡하기 시작할 때 이 장르에 대한 그의 생각과 계기를 이해하기 위함이다. 다음으로 이탈리아에서 탄생한 18세기 세속 칸타타의 총체적인 특징을 간단하게 서술하고, 바흐 세속 칸타타의 독특한 유형과 특징을 탐구하여 ‘사냥칸타타’라고도 불리는 바흐의 세속칸타타 <나의 즐거움은 오직 사냥 뿐!> BWV 208의 음악사적인 위치를 다시 생각해 볼 것이다. 본 연구자는 작품 분석에서 음악과 가사와의 관계를 집중적으로 분석한다. 특히 바흐가 가사를 효과적으로 전달하기 위해 사용한 가사 그리기(word- painting)의 가장 단순한 기법에서부터 동일한 대상에 상징적 모티브를 부여하는 등의 현저하게 뛰어난 작곡 기법에 이르기까지의 다양한 시도를 면밀하게 분석한다. 바흐는 그의 악보집에서 현존 하는 20곡의 세속 칸타타 작품을 크게 두 가지, 즉 음악극(dramma per musica)과 칸타타(cantate) 유형으로 서로 다른 명칭을 부여하며 분명히 분류한다. 그런데 이 곡은 단지 칸타타로 명명했음에도 불구하고 초기 오페라의 주제였던 신화의 주인공을 포함하고, 곡의 시작 부분에 ‘행위(action)’로서 극적인(dramatic) 요소를 부여하는 등의 오페라의 전신인, 음악극에서 볼 수 있는 특성들이 포함되어 장르의 혼합을 보여준다. 바흐의 혼합(hybridity)의 시도는 음악 양식의 융합에서도 볼 수 있다. 즉 이탈리아 음악에 만연한 가사의 설득력 있는 표현, 프랑스식 관현악 합주에서 보여주는 붓점 리듬과 위엄 있는 느린 템포의 사용은 코랄식의 노래 부르기의 독일 양식과 적절하게 혼합되며, 후에 라이프치히 교회 칸타타 사이클에서 정점을 이룬 음악적 성취로 이제껏 볼 수 없었던 대규모 성악 작곡의 새로운 가능성을 제시한 중요한 시도라 판단된다. 본 연구자는 이 연구가 그 동안 간과되었던 세속 칸타타의 음악적 특성을 볼 수 있었다는 점에서도 중요하지만, 초기 세속 칸타타인 ‘사냥 칸타타’연구를 통해 당시 성악곡의 음악적 양상은 물론 작곡가의 성악곡 작곡가로서의 진화를 볼 수 있는 계기를 재공 했다는 점에서 큰 의의가 있다고 본다. 특히 오페라를 한편도 작곡하지 않은 바흐에 대한 의견이 분분한 가운데, 그는 칸타타라는 장르를 통해서 극적인 요소를 부여하며 그의 교회에서의 직책이 허용하지 않았던 때도 있었지만, 그의 창의적 욕구가 양식과 장르의 혼합을 통해 어느 정도 해소 됐을 것이라 추측해 본다. The purpose of this study is to analyze “The Hunting Cantata” (Was mir behagt, is nur die muntre Jagd!) BWV 208 by Johann Sebastian Bach (1685-1780) in terms of the relationship between the music and lyrics in order to explore the characteristics of his early large-scale vocal music within historical and socio-cultural contexts. In particular, this study attempts to investigate how a variety of national music styles were integrated and how a composer who never composed any opera combined dramatic components into the narrative cantata genre. First, this study investigates the background of Bach’s creative environments during the Weimar period, based on relevant literature. It also identifies the ways in which the new environment affected his cantata compositions compared with previous periods, including his opinion of the genre itself and specifically what prompted him to begin writing his own cantata. Next, the study describes the general characteristics of secular cantata in the 18th century and examines the unique types and features of Bach’s secular cantata, thereby contextualizing the position of “Was mir behagt, ist nur die muntre Jagd” BWV 208 (sometimes call “The Hunting Cantata”) within music history. The focus of this study is an analysis of the relationship between the music and lyrics. In particular, it analyzes a variety of devices employed by Bach to enhance the meaning of the text, from the simplest technique of word-painting, which was utilized for the effective delivery of the lyrics, to more elaborate composition techniques, such as granting symbolic motives to a specific object. In Bach’s music books, he clearly classified the existing 20 secular cantata into the two categories, namely, ‘drama per musica’ and ‘cantate,’ with different titles in general. However, although the “Hunting Cantata” was designated as a cantate, it representes a mixture of genres, given that it includes mythical characters that served as themes in operas and provided dramatic components of action in the beginning of the piece. It can thus be surmised that the nature of the musical drama, therefore, mirrors the format of an opera. Bach’s attempts at hybridity is revealed in his integration of musical styles. For example, the persuasive expression of the lyrics that were prevalent in the Italian music—the dotted rhythm and the application of a slow tempo with dignity—appeared in French orchestral music and was then appropriated and combined with a German style of choral-singing. This was a significant attempt to introduce the new possibilities of large-scale vocal music compositions, which did not yet existed, but which eventually culminated in the musical achievement of the Leipzig church cantata cycle. This study is significant in that it identifies the musical characteristics of secular cantata, a topic that has been thus far neglected. Moreover, it also provides an opportunity to observe a composer’s development as a vocal music composer, as well as the musical aspects of vocal music at that time based on the exploration of the secular Hunting Cantata. In particular, there are divided opinions regarding Bach’s lack of opera compositions, yet it can be surmised that he was able to resolve his creative desire to compose in a genre that was otherwise forbidden by the Church by combining various styles and dramatic components within the secular cantata, which were deemed acceptable.

Francis Poulenc의 Sonata for oboe and piano(1962)에 대한 분석 연구

김현정 이화여자대학교 대학원 2014 국내석사

Francis Poulenc, a member of Les Six who opposed Romanticism and Impressionism, is one of most representative French composers conforming neoclassical style in the early 20th century. F. Poulenc who composed various genre of music such as religion, song, instrument, opera and so on expresses traditional classic harmony as well as regular theme composition and the accompanied melody is the most important component in his music. The Period of Francis Poulenc's works consists of 4 phases according to his musical characteristic; 1st Phase(1916-1922), most works shows style of compact and simple. In the second phase from 1923-1935, he established his musical talent based on Igor Stravinsky(1882-1971)’s neoclassical music. The third phase, the period of imitating Romantic era(1936-1952), there were used of various express techniques across overall works of art and the fourth phase (1953-1963), the time with expressing unconstrained, he used contemporary technique however the works were basically based on neoclassical form. This study investigates, through theoretical background prior to music analysis, French Les Six’s musical trend which influenced on Poulenc’s neoclassical music and reviews each movement’s structure, thematic melody, counterpoint technique and harmonic progression throughout analyzing⌜Sonatas for Oboe and Piano⌟(1962) which belongs to his musical 4th phase. Thus the author states following result as below; This work comprises of three movements(A-B-A') and each movement connotes center-composition that its type uses continuous fundamental-note, though key signaures are not belong to all movements. Thematic melody is regularly repeated and its motives based on the melody are developed in associating with rhythmical and interval structure. Counterpoint technique which appears in start of work expresses thematic copy, interleaved melodies, melodic sequence and parallel motion. Harmonic sequence, being used as expanded type such as 7, 9, 11 and 13 chords on the basis of classic, shows compound harmony with Leading tone and commentative sound by mixture. On this wise, Francis Poulenc’s (1899-1963) work, ⌜Sonatas for Oboe and Piano⌟(1962), is considered a typical Oboe repertoire of 20th Centruty's French music which combines melody and harmony with classic style and contemporary muscial technique. 뿔랑은 낭만주의와 인상주의에 반대하는 프랑스 6인조(Les Six)의 일원으로서 20세기 초반의 신고전주의 음악양식을 따르는 프랑스의 대표적인 작곡가이다. 종교음악, 성악곡, 오페라, 기악곡 등 모든 분야에 걸쳐 다양한 곡을 작곡한 뿔랑의 음악은 고전적인 화성과 규칙적인 주제구성을 나타내고 있으며 선율은 그의 음악에 있어 가장 중요한 음악적 요소이다. 뿔랑의 작품 시기는 음악적인 특징에 따라 크게 네 가지의 범주로 나눌 수가 있는데 제1기(1916-1922)는 6인조 음악 확립의 시기로서 작품 대부분이 간결하고 단순한 형식이었으며 제2기(1923-1935)는 스트라빈스키(Igor Stravinsky, 1882-1971)의 신고전주의 음악양식을 바탕으로 명확한 형식과 선율 중심의 작품세계를 확립하기 시작하였다. 제3기(1936-1952)는 낭만주의 모방의 시기로 작품 전반에 걸쳐 다양한 음악적 표현기법이 사용되었고 제4기(1953-1963)는 자유로운 표현의 시기로 현대적인 음악기법이 많이 사용되었으나 기본적으로 신고전주의 형식에 근거하고 있다. 본 연구에서는 곡 분석에 앞서 이론적 배경을 통하여 뿔랑의 신고전주의 음악에 영향을 끼친 프랑스 6인조의 음악성향에 대하여 알아본 후 그의 작품시기 중 제4기에 속하는 ⌜오보에와 피아노를 위한 소나타⌟(1962)의 분석을 통해 각 악장의 형식구조, 주제적 선율, 대위적 기법, 화성진행에 대해서 살펴보았으며 그 결과는 다음과 같다. 이 작품은 총 3악장으로 자유로운 3부형식(A-B-A')을 나타내고 있으며 모든 악장은 조표를 갖고 있지 않지만 각 악장마다 중심조성을 내포하고 있다. 주제선율은 규칙적으로 반복되고 선율을 중심으로 나타나는 동기들은 리듬, 음정의 구조 등이 연관성 있게 발전한다. 곡의 전개에 있어 가장 많이 나타나는 대위적 기법은 주제 선율의 모방, 선율교차, 병진행, 동형진행으로 나타나고 화성진행은 고전적인 화성에 근거하여 7화음, 9화음, 11화음, 13화음의 확장된 형태로 사용되며 이끈음, 부가음을 첨가한 혼합화성이 나타난다. 이와 같이 뿔랑의 ⌜오보에와 피아노를 위한 소나타⌟(1962)는 선율과 화성을 고전적인 양식과 현대적인 음악기법에 혼합한 작품으로 20세기 프랑스 음악의 대표적인 오보에 레퍼토리로 손꼽힌다.

M. Ravel의 Le tombeau de Couperin 분석 연구

이유화 이화여자대학교 대학원 2014 국내석사

본 논문은 프랑스 인상주의의 대표적인 작곡가인 모리스 라벨(Maurice Ravel, 1875-1937)의 마지막 피아노 독주곡인 쿠프랭의 무덤『Le Tombeau de Couperin』(1917)에 관한 연구이다. 이 곡은 총 6곡으로 이루어진 모음곡이며, 인상주의 및 신고전주의적 경향을 잘 반영하는 작품이다. 인상주의 음악은 프랑 스 인상주의 회화와 상징주의 문학의 영향을 받았으며, 낭만주의 음악으로부터 현대음악으로 향하는 가장 중요한 전환점을 이룬 음악적 사조이다. 끌로드 드뷔시(Claude Achille Debussy, 1864-1918)를 시작으로 발전한 인상주의 음악은 라벨을 통해 더욱 독자적인 음악 기법으로 발전 하였으나 라벨의 음악은 드뷔시의 음악과 다르게 고전주의 전통적인 음악 양식을 바탕으로 명확하고 뚜렷한 형식과 선명한 선율을 지니고 있으며 자신만의 개성적인 음악 양식 을 확립하였다. 이러한 그의 음악적 특징은 <쿠프랭의 무덤>에서 특히 잘 나타나는데, 바로크 시대에 유행했던 하프시코드 모음곡과 연관되어 형식적인 면에서 엄격하게 18세기적 스타일을 따른 전형적인 신고전주의 곡으로 볼 수 있다. 프렐류드(Prelude), 푸가(Fugue), 프를란(Forlane), 리고동(Rigaudon), 미뉴엣(Menuet), 토카타(Toccata)의 6개의 곡으로 구성되어 있는 이 작품은, 제1차 세계대전 중 조국을 위해 전사한 친구들을 회상하기 위해 쓴 곡으로 6곡에 각각 다른 표제를 붙인 것이다. 프렐류드는 바로크 시대의 프렐류드처럼 2부 형식으로 되어있으며 5음음계로 이루어진 주제를 기초로 16분 음표의 셋잇단음표 리듬형이 곡 전반에 걸쳐 나타나 통일감을 주었다. 푸가는 라벨의 유일한 푸가로 전형적인 3성 푸가이다. 포를란은 바로크 시대에 즐겨 쓰던 2박자 계통의 활기찬 춤곡 형식으로 선법적 선율의 사용과 반음계적 진행이 두드러지게 나타난다. 리고동은 2/4박자의 쾌활한 춤곡으로 3부분 형식이며, 미뉴엣 역시 3부분 형식의 3/4박자 무곡으로 이루어졌다. 토카타는 처음부터 끝까지 16분음표의 빠른 음형을 사용하는 무궁동 형태를 이루며, 점점 음역이 확대되면서 역동적인 느낌을 주는 기교적인 곡이다. 본 논문에서는 라벨이 인상주의 작곡가이기는 하지만 작품<쿠프랭의 무덤>은 초기 20세기의 신고전주의(Neo-classicism)와 연관지어 볼 수 있으므로 이러한 역사적 중요성을 논함과 동시에 라벨의 피아노 음악의 특징을 알아봄으로써, 이 곡을 연주 또는 연구하는데 있어 학문적 바탕을 이루게 하는데 목적이 있다. This thesis studied 『Le Tombeau de Couperin』(1917), the last piano solo work by Maurice Ravel (1875-1937), a major representative French impressionist composer. 『Le Tombeau de Couperin』is a suit of 6 pieces and effectively shows the style of impressionism and neoclassicism. Impressionist music was influenced French impressionistic paintings and symbolic literature and is a key musical trend at the turning point from romantic music to modern music. Impressionist music, starting from Claude Debussy, was further developed as a unique musical technique by Maurice Ravel. He succeeded Debussy’s impressionism but still established his own musical style showing clear structure and melody based on the traditional Classicism he had inherited. Such characteristics of Ravel’s music are exposed especially well in Le Tombeau de Couperin』as the piece is related to harpsichord suits which were a major trend in Baroque period and strictly followed 18th century musical style in its structure. The suit is consisted of 6 pieces of Prelude, Fugue, Forlane, Rigaudon, Menuet, and Toccata. It was composed to remember a friend who perished in battle during the 1stWorld War and different titles were given to each 6 piece. In the Prelude, just as the prelude in the Couperin period, is structured in 2 parts and based on the theme in a pentatonic scale along with sixteenth note triplets appearing throughout the track to maintain consistency. The Fugue is the only fugue of Ravel and a typical tonal fugue. The Forlane is an animated 2-beat piece of dance music, remarkable for its mode melody and chromatic scale. The Rigaudon is a 2-beat lively piece of dance music structured in 3 parts. The Menuet also is a 3-beat dance music in 3 parts. The Toccata is in perpetual motion using quick-patterned sixteenth notes and gives an artful impression of dynamic excitement as its register is gradually widened. In this thesis, we looked at the background and significance in music history of 『Le Tombeau de Couperin』and examined its structure, chord, melody tune, and rhythmic patterns to study Ravel’s musical characteristics of Impressionism and Neo-Classicism.