전영화사적 장치의 대안적 접근 : 자동인형, 매직랜턴, 연쇄사진으로 영화 이해하기|RISS 상세보기

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This paper examines automata, magic lantern, and chronophotography among the pre-cinema devices that were popular during the period from approximately the 17th century to the late 19th century and investigates their technologies, which are related to the properties of film-based cinema, and how these devices affects at the time. The study attempts to propose an alternative history of cinema by following the methodology of an interdisciplinary study of media theories and film studies. This is because the term ‘cinema’ has extensive meanings, involving diverse and often contrasting properties. This study stresses the fact that cinema cannot be succinctly defined and thus focuses on its ambivalence instead. For this purpose, the study juxtaposes several examples that demonstrate the ambivalence of cinema, rather than consistently suggesting a single characteristic of cinema. Through this analysis, we attempt to reveal a few properties of cinema that have not been highlighted so far in mainstream history. Specifically, the paper examines life and death through automata, newness and oldness through the magic lantern,and the reproduction of reality and the transformation of reality through chronophotography.
This paper is constructed as follows. First, we contemplate the coexistence of life and death through automata. Automata, prevailed from the 18th to mid-19th centuries, would be the forerunner to film media emerged in the late 19th century. This argument is based on the perspective that automata and film are interrelated, not only in technology practices but also in persistent representation of the human body using non-human materials. In examining the mechanism of two sensational automata, The Digesting Duck of Vaucanson and The Turk of Kemplen(and Mälzel), I suggest death is fundamental and inevitable in machines reproducing living things. In other words, the impetus for life is indeed the subjugation of death. Although automata and film media attempts to overcome death, it cannot be completely removed because the mechanical components of them evoke the properties of death, which stimulate both the consciousness and unconsciousness of spectators.
Next, we cast doubt on the dichotomy that distinguishes the newness from the oldness based on chronological order through an observation of the magic lantern. Film-based cinema are new compared to magic lanterns, but they become old when compared to digital cinema. Can such a linear timeline be grounds for defining what is new and what is old? This paper investigates magic lanterns with a negative answer to this question. Based on some crucial preceding researches that viewed magic lantern as a dominant form of display that visualized moving images before the emergence of cinema, particularly focusing on Friedrich Kittler, we investigate the mutual relationship between magic lanterns and texts(books) and the effects of the motifs of fear which stimulate the senses. These two aspects are consistently observed in Athanasius Kircher, who conceptualized the magic lantern, Christiaan Huygens and Thomas Walgensten, who contributed to its structural establishment and production, Johann Georg Schröpfer, who used it for a fake session of spiritism, and Étienne-Gaspard Robertson, who established it as a mode of entertaining show. As was proven in the historical cases, these two aspects were dominant in the magic lantern era. Based on the analysis, I argue that even though the magic lantern is older than the cinema, it has both the aspects of narratives and spectacles, which are regarded as essentials of cinema, and that it preceded the sensuous experience that provokes an audience’s physical reaction.
Finally, we shed light on the ambivalence resulting from the representation of reality and the transformation of reality by looking at the chronophotography of Étienne-Jules Marey, which is a technology using serial photographs. Marey’s chronophotography made a critical contribution to the emergence of cinema in that one camera could take multiple photographs using celluloid film. In fact, chronophotography was a scientific tool for Marey to objectively demonstrate the law of motion of a subject. Such an approach is very similar to Descartes’ theory of optical devices and mechanistic physiology in the 17th century. Here, there are two ironies. One is that chronophotography did not show reality the way it was even though it certainly displayed reality. This is because reality is inevitably fabricated when storing movement in still photographs. The second is that chronophotography seems to present the human body as a machine suggested by Descartes. However, in contrast to Descartes, who tried to assert that only human beings possess ‘souls’ through the body-machine concept, human figures in Marey’s photographs do not differentiate from animals or inanimate objects. Since its technical mechanism is adopted to cinema, this analysis of Marey’s chronophotography can give a clue that indirectly demonstrates the ambivalence of cinema in which the reproduction of reality and the transformation of reality conflict and coexist at the same time.
It is true that the term, ‘pre-cinema’ implying a dichotomic meaning thatdistinguishes between an era before film-based cinema and an era after them. However, this study attempts to blur the boundary between them by focusing on their resemblances. This paper does not try to link between pre-cinema devices and cinema based only on their technical similarities. Instead, the study tries to observe the chain reaction that they induce, including its social influences and public reception in a broad sense. This does not mean merely reminiscing about a certain scene in the past. As a subject in the past reflects the current viewpoint and the critical mind, the moment one recalls a subject in the past it instantly links to the present. Although this study is limited to consideration of pre-cinema and film-based cinema history which are obviously the past, I hope that it will ultimately provoke each individual’s question about what cinema presently are.

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국문 초록 (Abstract)

본 논문은 전(前)영화사적 장치 중에서 대략 17세기에서 19세기 말 사이에 유행했던 자동인형, 매직랜턴, 연쇄사진을 대상으로 삼고 필름 기반 영화의 속성과 관련한 기술과 수용의 양상을 분석한다. 그리고 영화학과 매체학의 학제간 연구방식을 채택하여 영화의 대안적인 역사를 제안하는 것을 목표로 한다. 이러한 시도는 영화에 대한 고정된 관념에서 벗어나자는 문제의식을 바탕으로 하고 있다. 영화라는 용어가 포함하고 있는 의미는 아주 광범위하여서, 다양하고 대립되는 성질들을 포함하고 있기 때문이다. 그런 차원에서 본 연구는 영화가 간결하게 정의될 수 없다는 사실과 그 양가성을 강조하려 한다. 그러기 위해 영화의 특정 단면들을 일관적으로 구성하기보다는 그 자체로의 양가성을 드러낼 수 있는 몇 가지 예시들을 병치하는 방법론을 택한다. 그리고 이 분석을 통해 주류 역사에서는 크게 부각된 적 없었던 영화의 몇 가지 특징들을 드러내려 한다. 구체적으로 자동인형을 통해 영화의 삶과 죽음을, 매직랜턴을 통해 새로운 것과 오래된 것을, 크로노포토그라피를 통해 현실의 재현과 현실의 변형을 살펴본다.
본 논문은 다음과 같이 구성되어 있다. 가장 먼저 자동인형을 통해서 삶과 죽음의 공존에 대해 살펴본다. 그럼으로써 기계로 인간의 형상과 행위를 저장하고 재현하려 했던 실천이 궁극적으로 죽음을 극복하려는 욕망과 연결되어 있음을 밝힌다. 이 주장을 기반으로 자동인형과 영화가 외적으로 다르게 보여도 추구하려는 목표, 즉 삶의 재현을 추구한다는 면에서 역사적으로 서로 연결되어진다. 그러나 빌리에의 『미래의 이브』에서 안드로이드가 죽음을 피할 수 없었던 것처럼 자동인형과 영화는 둘다 죽음을 극복하려고 하지만 죽음이 그로부터 제거될 수는 없다. 자동인형과 영화는 살아있지 않은 기계가 살아있는 생명을 재현한다는 바로 그 지점에서 죽음이 필연적으로 발현되기 때문이다. 그리고 그것은 보는 이들의 의식과 무의식을 자극한다.
그 다음으로 매직랜턴의 분석을 통해 연대기적 순서로 오래된 것과 새로운 것을 나누는 이분법을 의심한다. 흔히 필름영화는 매직랜턴과 비교할 때는 새로운 것이고, 디지털영화와 비교할 때는 오래된 것이다. 과연 그런 선형적 시간의 흐름이 새로움과 오래됨의 근거가 될 수 있을까? 본고는 그렇지 않다는 관점에서 매직랜턴을 본다. 그리고 영화 이전에 환영을 시각화했던 지배적인 전시 양식으로서 접근하였던 선행 연구들을 기반으로, 그중에서도 키틀러를 중심으로, 매직랜턴과 문자(책)과의 상호적 관계와 공포 모티프의 감각적 효과에 대해 살펴본다. 그 두 가지 양상은 매직랜턴을 개념화했던 키르허부터, 그 구조적 확립과 제작에 기여했던 하위헌스와 발겐스텐, 그것을 강신술의 속임수로 사용하였던 슈뢰퍼, 그리고 오락 산업에서의 쇼로 정착시켰던 로베르송까지 일관되게 드러났다. 그에 대한 분석을 기반으로, 매직랜턴은 영화보다 오래된 것임에도 불구하고 영화의 새로움으로서 간주되었던 스펙터클과 내러티브가 연합되어 있고, 관객으로부터 물리적인 신체적 반응을 일으키는 감각적 경험을 선행하였다는 주장으로 이어진다.
마지막으로 연쇄사진 기술인 마레의 크로노포토그라피를 살펴봄으로써 현실의 재현과 현실의 변형이라는 양가성을 드러낸다. 마레의 크로노포토그라피는 한 대의 카메라로 다수의 사진을 촬영할 수 있고, 셀룰로이드 필름을 채택했다는 점에서 영화 기술의 탄생에 결정적으로 기여했다고 볼 수 있다. 그런데 사실 마레에게 크로노포토그라피는 대상의 운동 법칙이라는 객관적으로 드러내기 위한 과학적 도구였다. 그리고 그런 접근법은 17세기의 데카르트의 광학장치론과 몸-기계론과 상당히 흡사한 것이다. 여기에는 두 가지 아이러니가 있다. 하나는 크로노포토그라피가 현실을 드러내긴 했었지만 현실 그대로를 보여주지는 않았다는 것이다. 움직임을 정지 사진으로 저장하는 과정에서 현실이 필연적으로 조작되기 때문이다. 다른 하나는 크로노포토그라피는 인간의 몸을 기계로 보았던 데카르트의 몸-기계 개념을 광학적 장치로 시각화한 것 같이 보인다. 하지만 데카르트는 그 개념으로 궁극적으로 인간만이 영혼을 가지고 있음을 주장하려고 했는데, 마레의 사진에서의 사람은 동물이나 무생물과 다르지 않아 보인다. 그 기술적 메커니즘이 영화로 이어져 있기에, 그에 대한 분석은 현실의 재현과 현실의 변형을 대립하면서도 공존하는 영화의 양가성을 우회적으로 드러내는 단서가 된다.
사실 전영화사라는 용어는 영화의 시대와 그렇지 않은 시대를 나누는 이분법적 의미를 담고 있는 것이 사실이다. 그러나 최종적으로 본 연구는 그 둘 간의 유사성에 주목함으로써 그 경계를 지워버리려 시도한다. 단 전영화사적 장치와 영화를 그 기술적 유사성만으로만 연관시키지 않았다. 그보다 문화적이고 사회적인 수용을 포함한 기술의 연쇄적 반응들을 보다 광범위하게 관찰하고 그 과정에서 발견된 공통점으로 한데 묶어보려고 했다. 이는 단순히 과거의 한 단면을 회상하는 것에 그치지 않는다. 과거의 대상에는 현재의 관점과 문제의식이 반영되어 있기에 과거의 대상이 환기되는 순간 그것은 새롭게 현재로 연장되기 때문이다. 그런 차원에서 본 연구는 비록 전영화사라는 대과거와 필름 기반 영화사라는 과거로 시기적으로 한정되어 있지만 최종적으로 현재의 영화란 무엇인지에 대한 각자의 물음으로 이어질 수 있기를 희망한다.

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본 논문은 전(前)영화사적 장치 중에서 대략 17세기에서 19세기 말 사이에 유행했던 자동인형, 매직랜턴, 연쇄사진을 대상으로 삼고 필름 기반 영화의 속성과 관련한 기술과 수용의 양상을 분...

참고문헌 (Reference)