무대연기와 영화연기의 비교 연구

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

Generally speaking, many of talented play actors cannot adapt to acting in multimedia environment, and eventually fall behind due to the fact that acting education in Korean has been carried out on-stage acting based on the tradition of play-acting. Both the play acting and film acting have distinctive different characteristics and it is crucial that actors have to understand those differences for better performance. Therefore, this study is to suggest some ideal methods in which play actors can adapt to visual mass media by looking at comparison of differences in acting between on-stage and on camera.
With the advancements in techniques in camera and the introduction of close-up, play acting and film acting have had different points of view on way of expression and communication. In films, the actors’ performance is filmed through a lens of camera, and edited, before the film is delivered to the audience. Hence, it is required a fundamental different expression from the plays in which actors directly present themselves on the stage. It is not allowed any exaggerated and falseness acting in zoomed screen due to the fact that the camera clearly captures action and facial expression of actors. Moreover, a small gesture of an actor is magnified, so that more simple, natural and sincere acting are required. However, the camera does not always show the close-up scenes. For instance, the camera can be placed at any distance from actors. In this case, the actors sometimes have to exaggerate their actions to be recognized. Actors in play adopt different acting techniques depending on the size and conditions of theater. Likewise there are different acting techniques in film depending on the size and a shot of a camera. These techniques are compulsory for the film actors. More importantly full understanding of camera and technological characteristics to act appropriately are crucial.
On the other hand, the biggest factor that determines the play actors and the film actors is the space issue, namely the difference in the distance of delivery. In a play, owing to spatial distance between the stage and seats, there is a wide range of transformation in acting for actors. Furthermore if the actors’ voice and body are flexible enough in their role, their acting abilities can overcome all conditions such as appearance, body, age, and even nationality. In contrast with acting in a film, the transformation of the actors is limited as everything is carried out through the camera lens. The camera can create any desired images by adjusting the location of filming without requiring the actors to move. In a film where everything occurs within the screen, there is a continuous movement of objects and acting is only a factor that comprises of shots along with the set, clothes, make-up, small objects, and lighting. Unlike the play where can express everything through the lines and acting of actors, in a film actors can possibly express feelings through their eyes. Thus the actors should focus more on detailed expression of feelings rather than big movement and clear vocal in a play due to the fact that the lines can be supplemented with technological techniques.
Actors in a play, whom present performance through their body, can control and manage their body based on regular training and control themselves, while sometimes the natural actor in a film shows a brilliant performance without any special training. If the actors in a film possess the individual charms and the power of expression that can grab audience’s attention, it is possible to act without learning the techniques as the play actors. In a film, facial and physical matters that fit the camera are more important than acting skills because their image and characteristics are likely magnified. This is because as audiences can see even actors’ pores or the trembling of the actors’ pupils, the face on the screen itself is the strongest technique for expression that any other acting.
Actors are the most important in a play so called 'the art of actor'. They concretize a work of writer within a limited stage, and act according to the sequence of time based on its theme. However, a film is created by the camera technologies, style of actors are less reflected than the play. It can say that the actors are only a factor that comprises the film and the acting almost entirely depends on a director’s approach to the material. A play is an art that is created by the acting of actors whereas the acting styles are determined by the presentation of the director in a film. ‘Meeting the actors in real life.’ is the greatest charm and the advantage of the play. This allows it to survive without losing their popularity in these days despite the appearance of powerful visual mass media, such as films or television. A great actor should prepare for the best performance no matter act on television, a film and a play.
As the acting training until today has been emphasized on the stage, it would be hard to understand the distinct characteristics of acting in film. The stage actors should escape from the traditional play acting and understand the technological mechanism of the film to naturally express their emotions on camera through more camera-familiar training environment even from the very basic trainings. Personally, I hope this study contribute to the actor’s acting technique training that will allow for the maximal expression of feelings in any types of acting, in a time that needs not only more institutions and materials for acting, but also to introduce the new methods for education that an meet the expectations of the new age of mass media.

국문 초록 (Abstract)

지금까지 우리나라의 연기교육은 연극적 전통 속에서 무대를 중심으로 이루어져왔기 때문에 연극 출신의 뛰어난 배우들이 매체연기에 적응하지 못하고 도태되어지는 문제점을 안게 되었다. 무대연기와 영화연기는 각기 매체가 갖는 특성들 때문에 연기술이 달라질 수밖에 없고, 좋은 연기를 하기 위해서는 당연히 매체가 가진 특수성을 이해해야한다. 본 연구는 무대연기와 카메라 앞에서의 연기의 핵심적인 특성에 대해 알아보고 실질적인 비교 고찰을 통해 리얼리즘의 미학이라 불리는 영화에서 연기를 하는 배우들이 연극적 관습에서 벗어나 자연스러운 있는 그대로의 자신을 카메라 앞에서 솔직하게 드러낼 수 있도록 하기 위한 메소드, 즉 무대배우들이 영상매체에 적응할 수 있는 효율적인 방법들에 대해 고찰해보았다.
카메라 기술의 발전과 클로즈업의 도입으로 무대연기와 영화연기는 표현방식과 그 전달방법에 있어 분명한 차이점을 지니게 되었다. 영화에서는 배우가 카메라의 눈을 통해 연기를 하며 촬영된 연기는 편집 등의 후반작업을 거쳐 스크린을 통해 관객에게 간접적으로 전달되기 때문에 배우들이 무대에 직접 출연하여 실연(實演)을 하는 무대연기와는 본질적으로 다른 표현방식이 요구되는 것이다.
카메라는 배우의 표정과 동작을 현미경처럼 명료하고 디테일하게 담아내기 때문에 대형 스크린 속에 확대된 배우의 연기는 조금의 과장이나 가식도 용납되지 않는다. 영화에선 배우의 ‘작은’ 제스처 하나도 확대되어 보이기 때문에 아주 소박하고 자연스러우며 진실한 연기가 필요하다. 그렇다고 항상 카메라가 배우에게 접근하는 클로즈업을 보여주는 것은 아니다. 카메라는 대상들로부터 어떤 거리에든 위치할 수가 있다. 카메라로부터 멀리 떨어진 배우는 자신의 모습을 인지시키기위해서 연극보다 더 과장된 제스처를 사용해야만 하는 경우도 있다. 무대공연에서도 극장의 크기와 조건에 따라 같은 작품이라도 다른 연기술이 적용되듯이 영화에서도 카메라의 다양한 사이즈와 쇼트에 따라 연기술은 달라진다. 영화배우라면 이 두 극단적인 거리감에 적응하는 연기술을 익혀야한다. 또한 카메라에 대한 이해와 기술적인 특성을 몸에 익히고, 카메라를 적절히 이용하여 연기하는 것이 무엇보다 중요하다.
무대배우와 영화배우의 연기 스타일을 결정짓는 가장 큰 요인이 바로 공간적인 문제, 즉 전달거리의 차이다. 연극에선 무대와 객석의 공간적 거리감 때문에 배우의 변신 폭이 넓고, 시각(視覺)에서의 의존도가 낮은 까닭에 배우의 목소리와 신체가 배역에 적응할 수 있을 정도로 탄력성만 있다면 배우의 연기력으로 외모, 신체, 나이, 국적 등 모든 조건을 초월할 수 있다. 반면, 영화에서는 모든 것이 카메라의 눈을 통해 이루어지기 때문에 배우의 변신은 제한적일 수밖에 없다. 카메라는 배우의 움직임을 요구하지 않고도 촬영 위치를 조정함으로써 원하고자 하는 이미지를 창출해낼 수 있다. 화면 안에서 모든 것이 이루어지는 영화에선 끊임없는 사물들의 움직임을 볼 수 있고, 연기는 세트, 의상, 분장, 소도구, 조명과 함께 쇼트를 구성하는 요소에 불과하다. 연극에서는 배우의 대사와 몸짓이 모든 것을 전달해주지만, 영화에선 배우의 눈동자만으로도 감정표현이 가능하고, 기술적인 테크닉으로 배우의 대사까지 보완해주므로 무대연기와 같은 큰 동작과 명료한 발성보다는 세부동작을 통한 섬세한 감정표현에 더욱 신경을 써야한다.
무대배우는 항상 몸 전체로 보여 지기 때문에 평소 자신의 신체도구에 대한 꾸준한 훈련과 관리에 신경을 쓰고 어느 정도 정확하게 자신의 신체를 통제할 수 있어야한다. 하지만 영화에선 전문적인 훈련을 받지 않은 자연파 배우들이 영화에 기용되어 훌륭히 연기를 보여주기도 한다. 관객을 흡입할 수 있는 개성적인 매력과 표현력만 있다면 무대배우와 같은 테크닉을 익히지 않고서도 연기가 가능하다. 무대연기와 달리 영화에선 배우의 이미지와 개성이 더욱 부각되기 때문에 배우의 연기력보다는 카메라에 맞는 얼굴과 신체조건이 매우 중요하다. 배우의 땀구멍, 눈동자의 떨림까지 볼 수 있는 영화에선 화면에 비친 배우의 얼굴 자체가 그 어떤 연기보다 강력한 표현수단이 되기 때문이다.
연극은 배우예술이라 불릴 만큼 배우는 연극에 있어 가장 중요한 존재이다. 무대라는 한정된 평면의 공간에서 작가의 작품을 구체화하고, 작품의 주제를 시간적 경과로 분석한 행동에 의하여 표현하는 사람이 바로 배우인 것이다. 반면, 영화는 카메라 기술에 의해 작품이 만들어지므로 배우의 연기관이 연극에 비해 적게 반영된다. 영화에서 배우는 영화를 구성하는 하나의 요소로서 인식되고, 연기는 거의 전적으로 소재에 대한 감독의 접근방식에 달려있다고 해도 과언이 아니다. 연극은 배우의 연기에 의해 이루어지는 예술이지만 영화는 감독의 연출에 의해 연기 스타일이 결정되기 때문이다. ‘살아있는 배우를 직접 만날 수 있다’는 것은 연극의 가장 큰 매력이자 장점으로서 오늘날 영화나 TV와 같은 위력적인 영상매체의 등장에도 불구하고 연극이 대중의 인기를 잃지 않고 존속할 수 있는 가장 큰 이유가 되고 있다. 훌륭한 배우는 그것이 텔레비전이든 영화든 연극이든지간에 각 매체에서 성공적으로 맡은 역할을 다할 수 있게 준비를 하여야한다.
지금까지의 배우훈련은 무대를 중심으로 이루어져왔기 때문에 영화연기의 특수성을 이해하는 데는 적지 않은 어려움이 있을 것이다. 무대배우들이 연극적 관습에서 벗어나 영화의 기술적인 메커니즘을 이해하고 카메라 앞에서 자연스럽게 자신의 감정을 표출할 수 있도록 하기 위해서는 기초적인 연기훈련과정에서부터 보다 카메라 친화적인 교육과 훈련이 필요하며, 연기교육기관의 시설 및 기자재 확보와 함께 영상시대에 부응할 수 있는 새로운 연기교육방식의 도입이 요구된다. 이 논문이 어떠한 형식의 연기라도 적절히 대응하여 자신의 감정을 최대한 표출시킬 수 있는 배우의 연기술 훈련에 조금이나마 도움이 되었으면 하는 바람이다.

목차 (Table of Contents)

• Ⅰ. 서 론 1
• 1. 문제제기 및 연구목적 1
• 2. 연구의 방법과 내용 2
• Ⅱ. 배우예술의 성생과 연기이론의 발전과정 3
• 1. 배우의 기원 3
• 2. 배우예술의 특성 4
• 3. 연기이론의 변천 9
• (1) 가장(假裝)의 연기 9
• (2) 존재(存在)의 연기 10
• (3) 형식주의 연기 12
• (4) 스타니슬라브스키의 메소드 12
• (5) 브레히트의 서사극 연기술 14
• Ⅲ. 영화연기의 발전과정과 영화연기의 특성 16
• 1. 영화연기의 발전과정 16
• (1) 무성영화시대 16
• (2) 발성영화시대 21
• (3) 텔레비전의 영향 23
• (4) 메소드 연기의 대두 23
• (5) 할리우드 스타시스템 25
• 2. 영화연기의 특성 26
• (1) 클로즈업의 예술 26
• (2) 셔레이드 28
• 3. 연기의 유형으로 본 특성 31
• (1) 성격파 배우The Character Actor 32
• (2) 개성파 배우The Personality Actor 34
• (3) 육체파 배우The Physical Actor 35
• (4) 자연파 배우The Natural Actor 36
• Ⅳ. 무대연기와 영화연기의 비교 고찰 39
• 1. 매체상의 특성 39
• 2. 연기형태상의 특성 43
• (1) 공간-전달거리의 차이 43
• (2) 배우의 조건 46
• (3) 감정표현 50
• (4) 연출자와 감독 52
• 3. 기술적인 요인 54
• (1) 카메라의 앵글과 쇼트 54
• (2) 카메라 앞에서의 연기 58
• (3) 편집에 대한 고려 63
• Ⅴ. 결론 70
• 참고문헌 73
• 국문초록 76
• ABSTRACT 79