중앙대학교 예술대학원 석사학위논문에 관한 메타분석 : 1999년-2010년 연극·영화 분야를 중심으로

차재영 중앙대학교 예술대학원 2011 국내석사

본 논문의 목적은 중앙대학교 예술대학원 공연영상학과 연극과 영화 분야 석사학위 논문의 경향을 분석하는 것이다. 본 논문의 메타분석에는 처음 석사학위가 발표된 1999년부터 2010년 봄 학기까지 나온 연극과 영화 전공분야의 72편의 논문이 연구대상이 되었다. 중앙대학교 예술대학원 공연영상학과가 석사학위를 배출한지 11년이 되었고, 배출한 학위논문 수가 총 830편이 되었지만, 어떠한 학문적 발자취를 갖고 있고 있는지에 관한 연구가 없었다. 그래서 이번 기회에 본 연구자는 그동안의 학문적 역사를 돌아보고, 현재와 미래를 위한 도약의 의미에서 연구자의 전공분야인 연극·영화 분야 논문 72편을 메타분석하게 되었다. 중앙대학교 예술대학원 공연영상학과 연극·영화 분야에서 11년 동안 배출된 석사논문 72편중 연극전공 논문이 38편이고, 영화전공 논문이 34편으로 비교적 비슷한 수치를 보이고 있으며, 논문 주제 면에서는 72편이 모두 다 색다른 주제를 다루고 있을 정도로 다양성을 나타내고 있다. 그런 면에서 중앙대학교 예술대학원 공연영상학과 연극·영화 분야 논문은 우리나라 연극·영화 분야의 학문적 보고(寶庫)라 칭할 수 있다. 전공별로 논문주제를 살펴보자. 38편의 연극 전공자들의 논문주제를 보면, 영화전공자들보다 주제면으로 훨씬 더 다양성을 보여주고 있다. 너무 다양하여 영화처럼 몇 가지로 범주화하기 어려울 정도이다. 특징적인 주제를 나열하면 다음과 같다: 연극 작업일지, 전통탈, 판소리, 얼굴분장, 성우, 뮤지컬, 패션쇼, 마술, 조명, 가극, 연기훈련 등이다. 영화는 34편으로, 주제를 세분화해보면 크게 세 가지로 나눌 수 있다: 영화제작, TV드라마 제작, 영화 비평 및 분석. 연구방법 측면에서 보면, 문헌연구(47.2%)와 사례연구(44.4%)가 매우 높은 비율을 차지하고, 그 외의 비교연구(6.9%)와 실험연구(2.7%)는 가장 적게 활용된 연구형태이다. 본 연구는 중앙대학교 예술대학원 연극·영화 분야의 최초의 메타분석적 연구논문이며, 지금까지 졸업생들이 발표한 모든 논문의 흐름을 한 눈에 살펴 볼 수 있는 객관적이고 통합적인 데이터를 도출했다는 점에서 큰 의미가 있다. 본 연구를 기초로 앞으로도 연극·영화 분야 전반에 관한 경향분석 및 메타분석이 꾸준히 연구되길 바란다. The purpose of this thesis is to analyze master's theses(from years 1999 to 2010) in the fields of theater and film of The Graduate School of Arts at Chung-Ang University. In this meta-analytic study, 72 theses in the two fields are utilized. Among the 72 theses, the theses are rather evenly divided in terms of the majors: 38 in theater, and 34 in film. Interestingly, the topics of the theses are so diverse that almost all of the theses deal with different topics. Among the 34 theses in the field of film, there are three major topics: film production, TV drama production, and film criticism and analysis. In the field of theater, there were more diverse topics than in film. The topics of the master's theses are diverse indeed; they can be categorized into a few sub-areas: daily logs of productions, traditional masks, pansori(Korean traditional style operas), make-up, voice acting, musicals, fashion shows, magic shows, lighting, North Korean operas, acting training, performances, etc. In addition, the quality of each thesis is sufficiently high to be used as good research data for future research in the fields. In the light of research methods, these are relatively skewed; researchers mostly used the methods of literature review (47.2%), and case study (44.4%), followed by comparative study (6.9%), and experimental research (2.7%). This thesis is the first meta-analytic thesis in the field of theater and film of The Graduate School of Arts at Chung-Ang University. In that sense, this work is meaningful since it shows an objective bird's-eye view of the all theses in the two areas. It is this researcher's hope that further meta-analytic research in the fields of theater and film would be continued, based upon this study.

문화행정 혁신을 위한 중앙문화행정 공무원 연수 설계 및 구현

김정이 중앙대학교 예술대학원 2005 국내석사

지금 우리가 살아가고 있는 21세기 지식정보사회는 인터넷을 통해 시간과 공간의 개념을 초월한 개방화된 글로벌 시대로서 매일 같이 그 변화속도가 급변하고 있으며 모든 영역이 무한경쟁으로 치닫고 있는 상황이다. 이러한 환경변화에 효율적으로 대응하기 위하여 중앙문화행정의 조직 혁신은 새로운 지식사회의 패러다임을 문화영역에서 선도적으로 구축하는 첫 시발이 될 수 있다는 점을 감안하여 추진되어야 한다. 즉, 중앙문화행정의 조직 혁신은 사람의 변화가 기본이 되는 자발적 혁신의 방법으로 시행되어야 하며 혁신의 내용은 교육시스템을 통한 개인의 역량강화가 되어야 한다. 본 연구는 문화의 창조와 향유를 통한 창의성 제고가 인적자원의 지식기반 사회 적응을 고무함으로써 국가경쟁력을 높일 수 있으며, 이를 위해 문화예술 매개자, 특히 공무원의 역량 강화와 이에 따른 행정조직의 혁신이 필요하다는 대전제 하에 논의를 진행하였다. 본 논문의 내용은 다음과 같이 요약될 수 있다. 첫째, 21세기 지식기반사회에서 창의성은 예술, 과학, 산업, 교육, 그리고 공동체의 발전에 핵심적인 것일 뿐만 아니라, 부자와 가난한 자, 다수자와 소수자, 학식 있는 자와 문맹자 모두의 자산이다. 이러한 창의성의 원천은 문화예술이다. 둘째, 정보화 사회로의 이행하게 됨에 따라 촉발된 환경의 변화는 사회적 위기를 가중시키고 행정의 혁신을 불러일으켰다. 셋째, 행정의 역량은 곧 구성원의 역량이며, 지속적인 혁신을 위해서는 자발성이 담보되어야 한다. 조직혁신은 시스템과 사람의 변화가 동시에 추진되어야 하며 문화적인 방식으로 전개되어야 한다. 넷째, 문화예술 전문인력을 창조자, 매개자, 향유자로 나누어 교육방안을 모색해야 한다. 중앙문화행정 공무원은 문화예술 매개자이다. 본 연구에서는 문화예술 매개자를 분류한 뒤 각각의 역량모형을 도출하였다. 역량모형을 통해 제시된 필요역량을 토대로 중앙문화행정 교육프로그램 매트릭스에 근거한 교육과정을 설계하였다. 다섯째, 역량모형을 토대로 설계된 중앙문화행정 Deep Change Program에 대한 효과성을 분석하였다. 효과성 분석을 통해 연수과정이 사람의 변화를 촉진한다는 사실과 역량모델에 의한 맞춤형 교육과정의 타당성을 검증할 수 있다. 본 연구과정을 통해 기대되는 점은 다음과 같다. 첫째, 문화예술 전문인력 양성이란 주제에 보다 세부적으로 접근할 수 있게 된다. 둘째, 문화예술 교육 대상자 중 문화예술 매개자에 대한 업무수행별 분류과정은 문화예술 매개자 수요를 계량적으로 환산할 수 있게 하며, 이러한 계량적 환산을 통해 문화예술 전문인력 중 매개자에 대한 전문교육이 필요한 곳에 필요한 내용으로 적시에 공급되고 있는지를 파악할 수 있게 된다. 셋째, 역량모델은 맞춤교육 운영을 위한 과정설계의 토대로서의 기능과 더불어 공공재로서 교육제공의 중복성을 줄이게 함으로써 효율성을 꾀할 수 있게 된다. 중앙문화행정 D.C.P.의 효과성 검증을 바탕으로 21세기 새로운 환경에 대처하기 위한 새로운 패러다임의 학습모델을 제안하고자 한다. 첫째, 자신의 능력 중 부족한 부분을 스스로 찾아 학습할 수 있는 자기주도 학습을 설계해야 한다. 자기주도 학습은 문제해결과정의 총본산이자 문화생태지킴이로서의 연수원의 입지와 역할을 드러낸다. 둘째, 조직구성원의 자율적 능력개발에 의한 조직혁신은 빠르고 복잡한 사회변화에 적응하기 위한 필수요소이다. 중앙문화행정 조직은 다양한 연구모임을 지원함으로써 문화적 조직혁신 사례를 창출해야 한다. 셋째, 교육운영의 효과를 높이기 위해 사이버교육과 집합교육을 연계하는 Blended Learning의 도입이 모색되어야 한다. 넷째, 창의력의 원천으로서의 문화예술의 확산을 위해서 타 부처 공무원에 대한 문화예술교육이 확대, 시행되어야 한다. 문화예술교육은 행정의 역량강화를 불러일으킨다. 다섯째, 기업의 인재개발시스템에 비해 문화예술계의 인적자원개발에 대한 접근은 비체계적이며 단선적이다. 따라서 문화예술 매개자의 전문성을 강화하기 위해서는 교육기관의 네트워크를 형성함으로써 교육기관별 프로그램과 시스템에 대한 교류와 제휴를 통해 체계적이고 과학적 데이터에 근거한 프로그램을 제시해야 한다. 여섯째, 장기적이고 전략적인 관점에서 인적자원 개발과 문화예술 핵심 인력을 육성해야 한다. 이를 위해 (가칭) 문화예술인재개발센터를 설립함으로써 변화와 개혁을 리드하고 자발적이고 지속적인 혁신의 동력으로 삼아야 한다. 앞으로 중앙문화행정 공무원 즉, 문화예술 매개자에 대한 교육훈련의 방향은 과거 수동적이고 단편적인 시각에서 벗어나, 인적자원 개발과 핵심 인력육성이라는 장기적, 전략적인 관점에서 재조명해 나가야 할 것이다.

公演藝術 觀客開發에 關한 硏究 : 國立劇場을 中心으로

김광집 中央大學校 藝術大學院 2003 국내석사

이 논문은 공연 예술 관객 개발에 관한 연구이다. 그리고 이 연구는 특별히 국립중앙극장에 관하여 집중적으로 분석 연구하였다. 이유는, 국립중앙극장은 우리 나라를 대표하는 극장이고 우리 나라 공공극장 운영 의 표본이기 때문이다. 이에 문제점을 지적하고 또한 국립중앙극장은 주변 경관이 수려하고, 서울의 중심부에 위치하고 있음에도 불구하고 국립중앙극장 자체조사에서 세종문화회관 이나 예술의 전당에 비해서 관객인지도가 아주 현저히 떨어지는 것은 교통이 불편한 것이 주된 요인으로 평가하고 있다. 그래서 그 원인을 면밀히 조사하여 문제점을 지적하고자 한다. 국립극장은 1950년 창립한 공공극장으로서 가장 오랜 역사와 전통을 갖고 있다. 2000년부터는 `책임운영 기관`체제로 전환하여 예술성과 공공성 경영의 효율성도 도모해야 하는 과업을 안게 되었음에도 관객유치에 상당한 어려움을 겪고있는 것은, 공연예술에서 가장 중요한 요소 중의 하나인 공연 내용 의 문제점 일 것이다. 현재"책임운영기관"체제로 전환한 후 국립중앙극장 자체에서 많은 변화를 시도하고, 내부시설 또한 대대적인 보수, 수리를 했음에도 불구하고, 관객들의 반응이 그전체제와 별다른 차이를 보이지 않고 특히 젊은 층의 외면은 전통예술공연을 집중적으로 하는 것도 원인이라 할 수 있겠으나, 전통예술공연을 장, 노년층의 향수심을 불러일으키는 데에만 중점을 두는 경향이 있기 때문이다. 또한, 국립중앙극장은 우리 나라를 대표하는 공연장이므로 전통예술공연에 있어서 대중예술공연에(속악俗樂)많은 비중을 두지 말고 순수예술공연(정악正樂)에 더 많은 비중을 반드시 두어야 할 것이다. 조선조, 성종 때 예조판서`성현`선생이 저술한 `악학궤범(樂學軌範)`서문에 `일부 부녀자들이 음란해지고, 일부 젊은이들이 들뜨는 것은 음악정책을 바로잡지 못한데 그 원인이 있다` 라고 언급했다. 영리가 주목적인 일반 사설 극장이 아닌 국가를 대표하는 국립중앙극장은 필연적으로 오 천년 역사의 맥을 면면히 이어온 우리의"정악(正樂)"이 주된 공연이어야 할 것이다. 현재 우리 나라의 공연 문화는 상당히 협소하여 단시일 내에 선진국처럼 국민의 70 ~ 80%가 공연장을 찾는 문화로 전환하기는 실제로 어려운 상황이다. 그 이유로는 입시 위주의 교육제도, 시시각각으로 변하는 경제상황, 등이라 할 수 있다. 즉 정신적 여유를 가질 시간이 적다는 것이다. 이제는 국립중앙극장이 예술의 전당 과, 세종문화회관 과 같이 관객들이 선호하는 극장으로 전환해야할 것이다. 국립중앙극장이 교통이 불편한 것 때문에 관객이 외면하는 것으로 자체조사에서 언급했지만, 실제로 관객은 공연내용이 충실하면 불편한 교통쯤은 충분히 감수한다. 이 시대의 사람들은 맛있는 음식을 먹기 위해 몇 시간씩 소비하면서 찾아가기도 한다. 그렇기 때문에 공연장은 반드시 수준 높은 공연과 서비스를 함께 제공한다면 그 공연장을 찾을 것이다. 또한 국립중앙극장은 우리 나라를 대표하는 극장이므로 단순한 인기위주의, 오락적인 공연물보다는, 격이 있고 수준 높은 공연 이 이루어져야 만 중장기적으로 관객의 수가 늘어날 것이다. 본 논문은 공연장의 관객개발은 물론 국립중앙극장의 문제점과 개선책을 연구하고, 더 나아가서, 문화 선진국이 될 수 있는 방안을 모색하는 데 중점을 두고 연구되어져야 한다는 것을 지적하고자한다.

공연예술축제 자원봉사자의 참여동기가 활동몰입을 통해서 지속참여의지에 미치는 영향 연구 : 서울거리예술축제를 중심으로

김봉석 중앙대학교 예술대학원 2019 국내석사

본 연구는 공연예술축제 분야에서의 자원봉사자들의 조직적 효율성을 확보하는 방안의 일환으로 이들 자원봉사자들의 심리적 측면으로서 참여동기와 지속참여의지 간의 영향관계 및 활동몰입의 매개적 역할에 대한 검증을 실시하고자 하는 목적에서 실시한 연구이다. 이를 위해 서울거리예술축제 2018 참가 자원봉사자들 255명을 대상으로 설문조사를 통한 실증적 연구을 실시하였다. 연구결과 첫째, 공연예술축제에 참가한 자원봉사자들의 참여동기는 지속참여의지에 유의한 정적(+)영향을 미치는 것으로 확인됐다. 참가동기의 하위요인 중에서는 사회관계참여동기, 내재적 참여동기, 외부적 변화 참여동기가 지속참여의지에 유의한 정적(+)영향을 미치는 것으로 확인됐다. 둘째, 공연예술축제에 참여한 자원봉사자들의 활동몰입과 그 하위요인 중 정서적 몰입과 규범적 몰입이 자원봉사자들에게 참여동기가 지속참여의지에 정적(+) 영향을 미칠 때 매개적 역할을 수행하는 것으로 검증되었다. 이상의 연구결과에 따라 다음과 같은 시사점을 제시할 수 있다. 첫째, 공연예술축제에서도 자원봉사자들의 내면적 심리적 요소들의 중요성이 확인되었다고 할 수 있다. 둘째, 공연예술축제에 참여하는 자원봉사자들의 심리적 요인의 중요성을 다시 한번 확인하는 것으로서 이들에 대한 조직관리에 있어 심리적 상황을 강화시킬 수 있는 방안의 모색이 필요하다고 할 수 있다. 셋째, 연구를 결과를 통해 공연예술축제 자원봉사자들의 연령별 구성비로 볼 때 20대의 비중이 매우 높게 형성되어 있는 것을 확인할 수 있었다. 따라서 20대들의 참여동기의 변화와 다양성을 면밀히 분석하고, 각각의 동기 유형별로 선발, 교육, 현장에서의 적절한 업무 배치와 관리운영이 이루어진다면 공연예술축제 제작비용 절감 효과뿐만 아니라 관람객 서비스의 질적인 발전, 축제의 질적 성장으로 이어질 것이다. 넷째, 매년 지속적으로 개최 되고 있는 공연예술축제의 추세를 고려한다면 축제 운영의 지속적 노하우 축적과 참여 인력의 연속성이 무엇 보다 중요하다. 따라서 자원봉사의 질적 향상과 지속성을 고려한다면 20대 중심의 운용 보다 다양한 연령층으로의 확대가 필요하다. 결론적으로 본 연구는 사회적 변화와 시민참여의식의 변화에 따른 공연예술축제 자원봉사자들의 참여동기의 변화와 다양성을 면밀히 분석하고, 이를 통해 각각의 동기 유형별로 선발, 교육, 적절한 업무 배치와 관리 운영에서 보다 효율적인 시스템 구축을 위한 실무적인 자료로 활용되기를 기대한다.

한국과 영국의 아동·청소년 문화예술교육 협력관계 비교연구

김누리 중앙대학교 예술대학원 2022 국내석사

1980년대 이후에 세계적으로 국민들의 문화예술에 대한 욕구가 상승하여 국민문화향수권과 문화복지를 중점으로한 문화예술정책의 확대를 이루었다. 한국의 문화예술교육 정책은 2004년에 문화체육부와 교육부가 공동으로 시행한 “문화예술교육 활성화 종합 계획”을 시행하며 2005년 문화예술교육지원법이 시행되면서 정책적으로 본격 시행되었으며 2006년에는 한국문화예술진흥원을 설립하여 문화예술교육은 매년 더욱더 확대되고 있다. 문화예술교육은 정부정책의 흐름 가운데서 이루어졌으며 문화예술교육의 변화를 읽어낼 수 있는 시각을 갖기위해서는 시대의 흐름에 따른 변화에 대해 이해하는 것이 필요하다. 한국과 함께 연구를 하는 영국 문화정책의 목표는 국민들이 문화예술을 통해 국민들이 '최고의 것'을 얻게 하는 것이다. 영국의 신노동당의 집권 시기에 문화정책기조가 '창의성'이였고 문화예술교육정책도 함께 이와 같은 방향으로 나아가 그때부터 '창의성'을 정책가치로 펼쳐졌다. 한국에서는 참여정부 이후로 문화예술교육정책이 본격적으로 추진되어 양국의 비슷한 시기에 펼쳐진 아동청소년 문화예술교육을 살펴볼 필요가 있다. 또 양국의 문화예술교육 정책들은 대부분 정부가 사업 추진의 주체로써 시행되고 있다는 점도 참작할 필요가 있다고 생각된다. 우리나라는 지역을 기반으로 하는 시설과 다양한 연관 체계를 통한 문화예술교육이 추진되고 있지만 각 지역에서의 문화예술교육이 진행될 때 주변의 관련 기관들과의 협력 네트워크를 형성하는 수준과 형태가 모두 각기 다르게 나타나고 있다. 그러한 수준을 결정하는 요인이 무엇인지 파악해야 할 필요성이 있다. 본 연구의 목적은 영국과 한국에서 펼쳐졌던 문화예술정책과 시대의 흐름을 조사하고 그 흐름 속에서 시행된 정책과 예술교육과의 연관성을 살펴보는 것, 양국의 시행했거나 시행하고 있는 대표적인 문화예술교육 협력관계가 이루어지는 프로그램 사례의 운영, 내용, 목적 등을 협력관계의 요소라는 분석의 틀로 사례들 사이의 공통점과 차이점 및 한계점을 다각도로 분석하여 훗날 우리나라에서 현실적으로 이상적이고 미래지향적인 아동·청소년 문화예술교육 프로그램을 실행하는데 도움을 주고자 하는 목적이 있다. 연구의 방법은 아동·청소년 문화예술교육정책들과 협력관계에 관한 자료를 바탕으로 하는 논문, 보고서, 단행본을 포함한 문헌 연구 및 사례 비교로 하여 협력관계에 관한 요소들을 제시해보고자 한다. 본 논문에서는 아동·청소년 문화예술교육을 시대의 흐름에 따라 실행되었던 문화예술정책과 함께 살펴보며 문화예술교육이 펼쳐지는 협력관계에 대해 주목하였다. 정부가 주체로 아동·청소년의 문화예술교육을 진행하는 사례들을 비교해보면서 지역과의 어떠한 협력을 형성하고 있는지에 대한 연구를 진행하였다. 연구를 하며 내적으로는 문화예술 코디네이터의 역할이, 외적으로는 지역과 관계를 형성할 때는 지역과의 긴밀한 협력과 효율적으로 관계를 형성할 수 있는 거점기관이 필요하다는 것을 알 수 있었다. 이를 토대로 국내에서의 아동·청소년 문화예술교육의 지역 협력 체계를 구성할 때 필요한 요소를 갖추고 현실적인 아동·청소년 문화예술교육 사업을 실행하는데 도움을 주고자 한다. After the 1980s, people's desire for culture and arts increased worldwide, and culture and arts policies focused on national culture enjoying benefits and cultural welfare were expanded. Korea’s culture and arts education policy was implemented in earnest with the implementation of the Cultural Arts Education Support Act in 2005, followed by the implementation of the “Comprehensive Plan for Cultural Arts Education” jointly implemented by the Ministry of Culture and Sports and the Ministry of Education in 2004. With the establishment of the Promotion Agency, culture and arts education is expanding every year. Culture and arts education was conducted amid the flow of government policy, and to have a perspective that can read the changes in culture and arts education, it is necessary to understand the changes according to the flow of the times. The goal of British cultural policy researching Korea in the text is to enable the people to obtain 'the best' through culture and art. When the New Labor Party came to power in England, the cultural policy guiding principle was 'creativity', and the culture and arts education policy also went in the same direction, and 'creativity' was the policy value from then on. In Korea, culture and arts education policies have been promoted in earnest after the participatory government, and it is necessary to look at the arts and culture education for children and adolescents that took place at the same time in both countries. In addition, it is necessary to take into account the fact that most of the cultural arts education policies of both countries are being implemented by the government as the main body of project promotion. In Korea, culture and arts education is being promoted through regional-based facilities and various related systems. However, when culture and arts education is conducted in each region, the level and form of forming a network of cooperation with related institutions in each region are all different. There is a need to figure out what factors determine such a level. The purpose of this study is to investigate cultural arts policies and the flow of the times in England and Korea, and examine the relationship between the policies implemented in the flow and arts education, and examine the representative culture and arts education implemented in both countries. Operation of program cases in which partnerships are made, within by analyzing the differences, and limitations between the cases from various angles within the framework of analysis of use and purpose as elements of a cooperative relationship, will help to implement realistically ideal and future-oriented cultural arts education programs for children and youth in Korea in the future. There is a purpose to give. As a method of research, we intend to present the elements of cooperative relationships by researching literature and case studies, including papers, reports, and books, based on data on cooperation with cultural arts education policies for children and youth. In this paper, we looked at the cultural arts education for children and youth along with the cultural arts policies that were implemented according to the times and paid attention to the cooperative relationship in which arts and culture education is unfolding. A study was conducted on what kind of cooperation the government is forming with the region by comparing cases where the government is conducting cultural arts education for children and young people. Through the research, it was found that the role of the culture and arts coordinator was internally important, and externally, when forming a relationship with the region, it was necessary to establish strong cooperation with the region and a base institution that could effectively form a relationship. Based on this, we intend to provide the necessary elements to form a regional cooperation system for cultural and artistic education for children and youth in Korea and to help propose practically implementing arts and culture education projects for children and youth.

포항시립연극단 35년사 연구 : 공연활동을 중심으로

윤주미 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

English poet George Gordon Byron said: “The best of prophets of the future is the past.” His saying seems to mean that based on the experience in the past, one must further develop what he did well in the past but improve what he did wrong, thus being able to proceed to a better result in the future. However, if there is no record of the past, the prediction of the future is inevitably difficult. In more than 100 year history of Korean theatre, numerous theatre companies have come and gone. However, there have been some theatre companies which have endured unfavorable times and circumstances for culture and art and produced works endlessly. In this vein, studies on the history of theatre companies which are the main agent of the theatre and play the role of a central axis within the circles of theatrical art are an indispensable measure to predict the future of Korean theatre. In particular, the documentation of activities of regional theatre companies which function as a capillary vessel of Korean theatre can enrich the contents of Korean theatre history and comprehensively penetrate into contemporary theatre as well. In this regard, to document and examine the history of Pohang Municipal Theatre Company which has played the role of a representative of theatrical activities in Pohang for more than 35 years seems to be meaningful for the history of theatre. The Pohang Municipal Theatre Company was founded in 1983 in which even the era of full-fledged local autonomous government was still unrealized. And it has continued to carry out performing activities actively so far as a Pohang citizen’s theatre company. In the examination of 35 year history of Pohang Municipal Theatre Company, the author focused on the change of standing producers, thus dividing times. Based on this method of classification, there were (1) a jumping period during which the popularization of theatrical art was extensively pursued under the supervision of Kim Sam-Il standing producer; (2) a proliferation period during which the campaign of theatre expansion started, although there was no standing producer; (3) a stabilization period during which the Pohang Municipal Theatre Company carried out performing activities vigorously under the supervision of Kim Sam-Il standing producer, who was appointed again, thus seeking for its identity as a public theatre company; (4) a changing period during which a variety of theatrical experiments were attempted through a visiting producer; and (5) a re-jumping period during which the Pohang Municipal Theatre Company prepared for re-jumping under the supervision of Kim Ji-Yong artistic director. The Pohang Municipal Theatre Company exists for Pohang citizens. Therefore, its status can be established through the realization of public interest and its identity can be achieved with the security of regional interest. Due to the problem of production conditions, its works have been difficult to be performed, but it has introduced many works of which artistic value is very high and spared no efforts in approaching audience with public-friendly works. In addition, it operates a visiting theatre which visits culturally estranged classes and then provides them the opportunity of enjoying culture and art, together with children’s musical academy with which children can grow up through artistic experience, while communicating with peers, adolescents and performers, thus trying to make many people have cultural benefits, and improve their living quality. In addition, it has produced performance contents based on regional cultural resources, thus trying to inculcate self-esteem and sense of belonging into local residents as a main agent of local culture. By doing so, it has tried to offset the local image of steel city, increase local resident’s cultural pride, and achieve an educational effect of local figures and history. Therefore, the Pohang Municipal Theatre Company has tried to achieve such values as the public interest as a public theatre company, regional interest as a local theatre company, and artistry and publicity as an art group which exists for audience, and these efforts are still under progress. In order for the Pohang Municipal Theatre Company to be developed continuously in the future, the author proposes following measures: It is necessary (1) to establish the environment of creation of works in which an artistic director can realize his artistic visions; (2) to cooperate with outside experts routinely; (3) to grope after a stepwise growth, thus making the performance contents of local culture a local brand; (4) to introduce not a simple numerical assessment system, but a multilateral post-assessment system of performances; (5) to expand art experience programs and art education programs with which local residents can experience culture directly; and (6) to develop the method of active marketing through various media. The Pohang Municipal Theatre Company has experienced take-off, stability, crisis, stagnation and change diversely during the past 35 years, and overcome them, thus achieving its growth. The accumulation of the power of local culture can be functioned as the power of Korean culture. In this vein, when the capability of local theatre companies is reinforced, the foundation of Korean theatre will become solid. The author hopes the Pohang Municipal Theatre Company will provide the directivity of local theatre company to other companies for the future 35 years and more by carrying out novel and continuous attempts for it. 영국의 시인 바이런은 “미래에 대한 최선의 예언자는 과거이다”라고 했다. 과거의 경험을 토대로 잘한 점은 성장시키고 잘못은 개선함으로써 미래에 더욱 나은 지점으로 나아갈 수 있다는 의미이다. 그러나 과거에 대한 기록이 남아있지 않다면 미래에 대한 예측도 어려울 수밖에 없다. 한국 연극 100여 년의 흐름 동안 많은 극단이 태어나고 또 사라졌다. 하지만 문화와 예술에 친절하지 않았던 시대상황을 버텨오면서 끊임없이 새로운 작품을 생산해내고 있는 극단 또한 존재한다. 따라서 연극예술 안에서 연극 주체이자 중심축의 역할을 담당하고 있는 극단의 역사에 대한 연구는 한국 연극의 미래를 예측하기 위해 꼭 필요한 작업이라 할 수 있다. 특히 한국 연극의 모세혈관으로 기능하는 각 지역 극단 활동에 대한 기록화는 한국 연극사의 내용을 풍성하게 할 뿐 아니라 당대 연극에 대해 총체적 통찰을 가능하게 한다. 이런 의미에서 포항지역의 연극활동을 대표하여 35년의 시간을 거쳐 온 포항시립연극단의 역사를 기록하고 고찰하는 것은 연극사적으로 충분한 의의를 지닌다고 판단된다. 포항시립연극단은 지방자치시대가 본격적으로 열리기도 전인 1983년 창단하였으며 2018년 현재까지 꾸준히 포항시민의 극단으로서 공연활동을 펼치고 있다. 연구자는 포항시립연극단의 35년 역사를 고찰함에 있어 상임연출 체제의 변화에 주목하여 시기를 구분하였다. 이 구분에 맞춰 연혁을 살펴보면, 김삼일 상임연출 체제 하에서 연극예술의 대중화에 주력한 도약기, 상임연출의 공백에도 불구하고 연극확산운동을 벌인 확산기, 다시 부임한 김삼일 상임연출과 함께 왕성한 공연활동을 펼치면서 공립극단의 정체성을 찾고자 한 안정기, 객원연출 체제를 통해 다양한 연극적 실험을 시도한 변화기, 김지용 예술감독 체제로 준비하는 재도약기로 나뉜다. 포항시립연극단은 포항시민을 위해 존재하는 극단이다. 따라서 포항시립연극단의 위상은 공공성의 실현으로 확립되며 정체성은 지역성의 담보로 확보된다. 이에 제작여건의 문제로 쉽게 공연화되기는 어렵지만 예술성이 높은 작품들을 지역에 소개하여 왔으며 그와 함께 관객들에게 대중친화적인 작품으로 다가가려는 노력도 아끼지 않았다. 그뿐 아니라 문화 소외계층을 방문하여 문화예술 향유의 기회를 제공하는 찾아가는 연극, 어린이·청소년 배우들과 함께 소통하면서 아이들이 예술경험을 통해 성장할 수 있도록 한 어린이뮤지컬아카데미 등은 다수를 문화의 수혜자로 하여 삶의 질을 향상시키고자 한 노력의 일환이었다. 더불어 포항시립연극단은 지역민에게 지역문화 주체로서의 자긍심과 공동체적 소속감을 심어주고자 지역문화자원을 기반으로 한 공연콘텐츠를 제작해왔다. 이를 통해 철강도시로 알려진 지역 이미지를 상쇄하고 지역민들의 문화적 자부심을 높이면서 지역의 인물과 역사에 대한 교육의 효과를 함께 담아내고자 하였다. 이와 같이 포항시립연극단은 공립극단으로서 공공성과 지역 극단으로서 지역성, 그리고 관객을 위해 존재하는 예술집단으로서 예술성·대중성을 지향하는 노력을 지속적으로 펼치고 있으며 이는 현재진행형이다. 연구자는 포항시립연극단의 발전적 미래를 위해 예술감독이 예술적 비전을 실현할 수 있는 창작 환경의 조성, 상시적인 외부 전문가와의 협업, 지역문화 공연콘텐츠의 브랜드화를 위한 단계적 성장의 모색, 단순한 수치적 평가가 아닌 다각적인 공연 사후평가 시스템의 도입, 지역민들이 문화를 직접 체험할 수 있는 예술체험 프로그램과 예술교육 프로그램의 확충, 다양한 매체를 통한 적극적인 마케팅 방법의 개발을 과제로 제안하고자 한다. 포항시립연극단은 지난 35년의 공연활동을 거치면서 도약과 안정, 위기와 정체, 변화 등을 다양하게 겪어왔으며 굴곡의 지점을 극복하면서 성장하여 왔다. 지역문화의 역량이 모여 한국문화의 힘으로 작용한다. 그렇다면 지역 연극 즉 지역 극단들의 활동 역량이 강화될수록 한국 연극은 그 기반을 공고히 할 수 있을 것이다. 이제 포항시립연극단은 앞으로 35년 그 이상을 준비하면서 지역 공립극단으로서 타 지역 공립극단에 방향성을 제시하는 극단이 될 수 있어야 하며 이를 위해 지속적이고 새로운 시도를 멈추지 않아야 할 것이다.

예술인 정신건강 생태체계(Eco system) 변인 분석

서주연 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

본 연구는 예술인의 정신건강에 미치는 생태체계 변인에 관한 연구로 우울감과 조울감을 중심으로 조사하였다. 이는 예술인의 정신건강 증진을 효율적으로 접근하기 위한 기초자료를 제공하고자 한다. 이를 위해 본 연구의 기초 이론인 생태체계 이론을 이해하고 정신건강의 일반적 개념과 예술인의 우울증과 조울증을 살펴보았다. 또한, 예술인의 병리학적 정신질환 사례를 살펴보고 국내·외 연구동향을 조사하였다. 선행연구를 통해 개인체계 변인으로 자아존중감, 스트레스대처 방식을 도출하였고 예술인의 특징인 창의적 성향을 추가로 알아보았다. 미시체계 변인으로는 사회적지지, 정신건강 변인으로는 우울감과 조울감을 살펴보고자 하였다. 예술인복지법에 명시되어 있는 예술인을 대상으로 설문을 진행하여 분석한 결과는 다음과 같다. 첫째, 본 연구의 조사대상자인 예술인의 우울감과 조울감은 기준값보다 약간 높은 수준을 보였다. 개인체계 변인 중 자아존중감은 높은 것으로 나타났으며 스트레스에 대한 대처방식에서는 소극적 대처보다 적극적 대처를 사용하는 것으로 나타났다. 조사대상자는 높은 창의적 성향을 나타냈으며 미시체계 변인인 사회적 지지는 전반적으로 높은 것으로 나타났다. 둘째, 예술인의 인구사회학적 특징과 개인체계, 미시체계 변인에 따라 예술인의 정신건강 차이를 살펴본 결과, 인구학적 특성에서는 연령, 고용상태, 월급여가 우울감에 유의미한 차이가 있었고, 조울감에서는 연령와 월급여로 나타났다. 개인체계 중 자아존중감의 경우 자아존중감이 높을수록 우울감과 조울감이 낮아진다는 것으로 나타났다. 스트레스 대처방식에 따른 분석결과, 스트레스를 적극적으로 대처할수록 우울은 감소하였고 소극적으로 대처할수록 증가하는 것을 보였다. 반면에 조울감에서는 적극적 대처와 소극적 대처 모두에서 조울감이 증가하는 것으로 보였다. 이는 스트레스 상황에 조울감이 매우 취약함을 알 수 있었다. 창의적 성향은 높을 수록 우울감과 조울감 모두 높아지는 것을 알 수 있었다. 그러나 창의적 성향을 알아보는 1문항의 주관적인 판단으로는 우울과 조울의 차이를 설명하기에 부족하였다. 미시체계 변인인 사회적 지지와 우울감의 차이는 가족, 친구 등 주변의 사회적 지지가 높아질수록 우울감이 감소하는 것으로 나타났다. 반면 조울감과 사회적 지지는 관련이 없는 것으로 나타났다. 셋째, 예술인의 인구사회학적 특징과 개인체계, 미시체계 변인간의 상관관계를 분석한 결과, 연령이 높은 집단에서 사회적 지위가 올라가면서 전반적으로 안정된 특징을 보였다. 자아존중감이 높을수록 스트레스를 회피하기 보다는 문제 중심적, 사회적 지지, 정서중심적으로 대처했다. 위와 같이 예술인의 인구사회학적 특성과 개인체계, 미시체계간의 밀접한 연관성이 있음을 알 수 있었다. 이는 예술인 개인과 그들 주변관계가 유기적인 상호작용을 하고 있으며 개인이 성장, 발전하는데 개인체계와 미시체계가 중요한 역할을 한다는 것을 보여주고 있다. 우울감과 조울감은 예술인에게 영감을 주는 감정적 경험이다. 하지만 이것들을 그냥 방치해두거나 원인이 되는 스트레스를 적절히 해소하지 못한다면 창의적인 활동에 오히려 방해를 하게 된다. 본 연구에서 살펴본 바와 같이 스트레스상황에 적절한 대처 방식을 익히고 자아존중감을 높이는 활동을 하며 주변의 지지가 적절히 균형이 맞을 때 예술인의 우울감과 조울감을 조절하며 예술활동을 하는데 큰 도움이 될 것이라 생각한다. The current study investigates the eco system variables that influence the artists’ mental health, specifically focusing on the feelings of depression and bipolarity. The study aims to provide a basis for effective approaches to promoting mental health. For the research, the ecological systems theory was thoroughly studied along with the general concept of mental health and the cases of depression and bipolar disorder among the artists. Furthermore, the pathological cases of bipolar disorder and depression in the artists and that of domestic and international research trends were examined. In a pilot study, self-esteem and stress coping strategies were determined as individual system variables and creativity, as one of the common traits found in the artists, was additionally examined. The study considers social support as a microsystem variable and depression and bipolarity as mental health variable. The target population for the survey was the performing artists, the population defined by the artist welfare law. The research results were as follows: First, the study revealed that the subjects’ level of depression and bipolarity were slightly higher than the standard value. The self-esteem was found to be higher among the individual system variables while the use of active coping strategy was adopted more frequently than the passive coping strategy. The subjects also showed high creativity and social support. Second, when examined the mental health differences in the performing artists concerning the subjects’ sociodemographic characteristics, individual system variables, and microsystem variable, the age, employment condition, and monthly age were the variables in sociodemographic characteristics that showed significant difference in depression whereas the age and monthly wage were the variables that showed significant difference in bipolarity. Among the individual system variables, the subjects with higher self-esteem were found to have a lower level of depression and bipolarity. In stress coping strategy, the result showed that the depression level decreases when the subjects adopt an active coping strategy whereas the depression level increases when the subjects adopt a passive coping strategy. On the other hand, it was found that the bipolarity level increases in the use of both active and passive coping strategy. Such finding indicates that stressful conditions have a huge influence on one’s bipolarity. In addition, a certain pattern was found where both the level of depression and bipolarity increases as that of creativity increases. Yet, it was insufficient to explain the difference between the depression and bipolarity based on the question concerning creativity a question, which deemed subjective. The difference between the social support and the depression was that the level of depression decreases as the social support from the closed others, such as family and friends, increases. In contrast, no correlation was found between the bipolarity and social support. Third, when analyzed the correlations among the three variables (sociodemographic characteristics of the subjects, individual system variables, and microsystem variables), a stable characteristic appeared in the older groups with increasing social status. The subjects with higher self-esteem adopted emotion and problem-focused coping strategies and sought social support instead of adopting avoidance coping strategy. As stated above, the study found strong correlations among the sociodemographic characteristics of the subjects, individual system variables, and microsystem variables. Such finding clearly demonstrates that there is a systematic interaction between the performing artists and their relationships and that the individual system and micro system variables play an important role in personal growth. The depression and bipolarity are the emotional experiences that provide artistic inspiration. Depression and bipolarity are the emotions that provide inspiration to the artists. Although these can be the great sources of inspiration, the depression, bipolarity, and stress can bring a negative effect on creativity if not managed and treated. Given the findings, adopting effective coping strategies, engaging in activities that enhance self-esteem, and receiving social support from close others will help manage the feelings of depression and bipolarity while pursuing one’s career in art.

예술고등학교 연극전공 교육과정 현황 조사 및 발전 방안 고찰 : 국·공립 예술고등학교를 중심으로

정슬 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

이 연구는 국내 교육과정의 변화에 따른 전문 연극교육의 동향을 살펴보고, 현재 운영되는 국‧공립 예술고등학교의 교육과정 현황조사를 바탕으로 하여 향후 연극교육에 대한 발전 방안을 모색한 것이다. 예술 전문교육이 시작된 제5차 교육과정에서부터 2015개정 교육과정 내의 연극교육과정의 흐름과 교육원리를 분석하고, 국‧공립 예술고등학교인 국립전통예술고등학교와 경기예술고등학교의 연극전공 교육과정의 현황을 분석하여 연극교육에 대한 발전 방안을 제시하고자 한다. 연극교육의 체계화는 제7차 교육과정에서 연극영화과로 지정되면서 시작되었다. 학교별로 머물렀던 교육과정을 국가 차원에서 체계를 이루게 하고 그에 따라 교육과정을 편성 하였으나, 연극과 영화의 특성을 고려하지 않은 학과 통합으로 교육과정 개발이 이루어지게 되었다. 2015개정 교육과정에서도 이러한 문제점은 해소되지 않아 10개의 연극영화 관련 과목에서 연극교육에 적합한 과목은 5개의 과목에 불과한 상황으로 향후 전문적인 연극교육을 위해서는 학과의 분리가 필수적이라 하겠다. 본 연구자는 2015개정 교육과정을 바탕으로 한 연극교육의 실태를 국‧공립 예술고등학교을 중심으로 살펴보았다. 국립전통예술고등학교와 경기예술고등학교는 각 학교의 특성을 반영한 교육과정을 운영하고 있으나, 교과에서는 연기와 관련된 교육으로 연극교육을 하고 있어 교육의 불균형이 드러났다. 또한 창의적 체험활동에서는 현장체험과 초청강연 등과 같은 다양한 체험을 통한 교육을 하고 있었으나, 일회성 교육이 주를 이루어 연계성을 이루는 교육과정 운영이 필요해 보였다. 이러한 교육과정 운영은 연극을 구성하는 다양한 역할을 경험하고 학생 개인의 진로탐색을 하기에 충분하지 않다고 판단되었다. 이러한 문제점을 보완 하고자 국가와 지역, 학교수준에서의 연극교육 발전방안을 제시하였다. 국가 수준에서는 교육과정에 <연극>과목을 확대 편성하고, 그에 따른 교과서와 지도서 연구를 지원을 확충하여 보다 다양한 과목을 배울 수 있도록 기틀을 마련해야한다. 또한 시‧도교육청에서는 보다 전문적인 연극교육이 이루어질 수 있도록 전문가를 통한 교육과정 컨설팅에 대한 지원을 강화하고, 전문적인 교육을 위한 교‧강사의 재교육 프로그램을 구성‧운영하도록 하여 전문교육의 질을 높이는데 힘써야 한다. 마지막으로 학교에서는 선택교육과정과 창의적 체험활동을 활용한 교육과정 개발을 통하여 학생들의 진로를 지속적으로 계발할 수 있도록 환경을 마련해주어야 한다. 국가를 비롯한 지역 교육청 및 개별 예술고등학교에서 연극교육에 대해 끊임없는 관심을 기울여야 하며, 그에 따른 지원과 연구를 보다 활성화하여 다양하고 전문적인 연극교육을 이루도록 노력해야 할 것이다. The objective of this study was to examine the trend of specialized theatre education according to the changes of domestic curricula, and then look into the current status of curricula of national/public art high schools, thus working out a developmental strategy of theatrical education in the future. For this, the stream and educational philosophy of theatre education were examined from the fifth curriculum with which specialized art education was initiated to the revised curriculum in 2015, and then the current status of theatre curriculum of National High School of Traditional Arts and Gyeonggi Arts High School, namely national/public art high schools, was looked into, thus working out a developmental strategy of theatre education. The systematization of theatre education started with the designation of ‘the department of theatre and film’ in the seventh curriculum. Individual school’s curriculum was systematized at a national level and then curriculum was reorganized, but the development of curriculum was not completed until the integration of departments, and this integration did not take the characteristic of theatre and film into account. The revised curriculum in 2015 was not able to settle down these problems as well, and therefore the number of appropriate subjects for theatre education is only 5 out of 10 theatre and film related subjects. In this vein, it is necessary to separate departments, thus carrying out specialized education in the future. The author examined the current status of theatre education, based on the revised curriculum in 2015, focusing on national/public art high schools. Both National High School of Traditional Arts and Gyeonggi Arts High School had curricula onto which the characteristic of the schools was reflected, but their subjects for acting-related education only carried out theatre education, thus presenting the fact that their education was unbalanced. Besides diverse experiential education was carried out for creative experiential activities, such as field experience and guest lecture, but it was one-time education in general. In this regard, it seems to be necessary to connect those activities to the operation of curricula. Therefore, the current operation of curricula seemed to be insufficient for art high school students to experience various roles and explore their individual career. In order to supplement these problems, this study proposes a developmental strategy of theatre education at the level of schools. Central government must expand <theatre> subjects in curricula and increase supports for researches on textbooks and textbook manuals, thus establishing a base on which students can learn a variety of subjects. And metropolitan and provincial offices of education reinforce supports for specialist-oriented curricula consulting, thus achieving more specialized theatre education, and work out/execute re-training programs for teachers and lecturers, thus increasing the quality of specialized education. Finally, schools must develop curricula using elective curricula and creative experiential activities, and then establish environment for students to develop their career continuously. In conclusion, in order to conduct a more diverse and specialized theatre education, all the educational agencies, such as central government, local offices of education and individual art high schools must take interest in theatre education continuously and activate related supports and researches.

연극인 고용보험 도입에 관한 연구

이한희 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

1995년 시행된 고용보험은 사회보장보험 제도이다. 사회보험이란, 국민에게 발생하는 사회적 위험을 보험의 방식으로 대처함으로써 국민의 건강과 소득을 보장하는 제도이다. 고용보험은 실직한 근로자에게 실업급여를 지급하는 전통적인 의미로서의 실업보험, 적극적인 취업알선을 통한 재취업과 근로자의 고용안정을 위한 고용안정사업, 그리고 근로자의 직무 능력 향상을 위한 직업능력개발사업 등을 함께 실시하고 있어 국민에게 발생하는 사회적 위험을 대처하고 소득을 보장하는 보험이라고 볼 수 있다. 2003년 사망한 조각가의 예술가 경력 증명 불가를 시작으로 예술가의 노동성, 예술가의 정년, 예술가들의 소득에 대한 문제가 수면위로 올라오고 2011년 시나리오 작가가 생활고로 인한 굶주림과 지병에 시달리다 사망한 사건이 발생하면서 본격적으로 예술인들에게 사회적인 보호의 필요성을 인식하게 했다. 같은 해 제정 되어 2012년 시행된 ‘예술인복지법’은 도입 당시부터 예술인 고용보험 법안이 발의되었으나 대안반영 폐기되었다. 이후 2013년 12월, 2016년 2월, 2018년 4월에 3회에 걸쳐 예술인복지법이 개정되었으나 여전히 예술인 고용보험은 통과되지 않아 연극인들은 사회보장보험 제도의 사각지대에 놓여있다. 본 연구는 예술인복지법에 고용보험 도입이 필요한 이유를 제시하였다. 예술의 각 분야별 특성이 매우 다르고 고용형태 및 세부 분야도 다르기에 모든 예술분야를 아우르지 않고 연극 분야에 초점을 맞추어 연극인 고용보험 도입이라는 주제를 다루었다. 연구방법으로는 심층면접을 실시하였는데 이는 보다 더 실질적인 법안 마련을 위한 기초이며 동시에 연극분야에 종사하고 있는 연극인들의 고용형태 및 수익 현황을 보다 더 면밀히 분석하고자 함이었다. 심층면접은 목적표집으로 선정한 연극인, 문화체육관광부 공무원, 예술인복지재단 관계자, 정책전문가, 대학교수, 노동조합 위원장 등 16명에게 실시했으며 다음과 같은 결론을 도출하였다. 첫째, 전업연극인의 63.1%, 겸업연극인의 86.7%가 프리랜서로 종사하고 있으며 53.3%의 연극인이 낮은 소득 때문에 연극 외 활동의 직업에 종사하고 있다. 불안정한 고용과 소득의 불규칙함이 낮은 소득으로 이어지고 있어 고용보험의 적용이 불가피하다고 볼 수 있다. 둘째, 예술인 복지재단에 등록하도록 되어 있는 예술인 활동 경력 증명은 신진 연극인들에 대한 진입 장벽이 높고 연극인 스스로 경력을 증명해야 하고 경력에는 작품의 결과만 측정될 뿐 연습기간은 배제되어 있다. 신진 연극인들에 대한 보호장치와 연습시간이 인정되어야 고용보험 도입 시 적용이 가능하다. 셋째, 사업주가 되는 극단의 상황이 열악해 고용보험료가 부담이 될 수 있기 때문에 정부의 지원이 필요하다. 정부의 지원은 두루누리 사회보험과 같은 형식이 될 수도 있고 지원금 사업의 경우 예산 항목에 보험료 지원 을 책정하여 고용보험료 납부의 어려움을 해소하는 방안이 있을 수 있다. 넷째, 현재 예술인 복지재단에서 임의가입 형식으로 가입을 지원하고 있는 산재보험의 가입률이 30%도 되지 않고 있으며 똑같이 임의가입으로 가입이 가능한 자영업자의 고용보험 현황을 확인해봤을 때 연극인의 고용보험은 당연가입 형식으로 도입되어야 할 것이다. 연극인의 고용보험 도입은 기본적인 사회보장이라는 개념 외에 연극 활동이 직업이자 노동의 권리이다. 선행연구를 통해서도 불안정한 고용상태와 낮은 소득과 잦은 실업은 연극의 특수성이면서 동시에 열악한 노동환경에 최소한의 장치로서 고용보험은 도입되어야 함이 명확해졌다. 그동안 세 차례나 대안반영 폐기되었던 연극인 고용보험 도입이 보다 더 적극적으로 진행되어야 연극인들의 창작활동이 더욱 활발해지고 직업으로서의 성취감도 높아질 것이다. 본 연구는 사례조사에 한정돼 있던 선행연구와 달리 실제 현업에 종사하고 있는 연극인들과 법안 도입을 추진하는 전문가들의 인터뷰를 통해 연극 분야의 실제 현황을 보다 깊이 연구했다는 것에 의미가 있다. 심층면접을 통해 연극인들의 고용 형태와 특수성을 짚어보고 고용보험의 필요성과 도입 형태, 가입 방안과 고용보험료의 책정에 대한 방향성을 제시하여 학문적으로도 실무적으로도 기여 할 수 있으리라 기대한다. The employment insurance policy implemented in 1995 is social security insurance. Social insurance is a system that guarantees the health and income of the people by dealing with social risks that occur to them in a manner of insurance. The employment insurance is the traditional definition of providing unemployment benefits to the unemployed and the ability to cope with job security, such as job security, job security, and job security. Problems regarding artist movement, artist retirement age, and artist income were raised to the surface of the water and scenario writers were struggling in 2011. The " Artist's Welfare Act, " enacted in 2012 and enforced in the same year, had proposed an artist's employment insurance bill since its inception, but it was repealed. Since then, the artist welfare law was revised three times in December 2013, February 2016, and April 2018. This study suggested the need for employment insurance in the Artist's Welfare Act. Because each field of art has very different characteristics and employment types and details are different, the topic " introduction of actors ' employment insurance " was covered with a focus on the field of play and theater. An in-depth interview was conducted as a method of study, which was the basis for a more substantive bill and also for a more detailed analysis of the employment form and profit status of performers working in the theater field. The in-depth interview was conducted on 16 people, including performers, officials at the Ministry of Culture, Sports and Tourism, officials at the Foundation for the Arts, policy experts, university professors and labor union leaders, and the following conclusions were drawn. First, 63.1% of full-time performers and 86.7% of professional actors work as freelancers, and 53.3% are engaged in non-stage activities because of their low income. The application of employment insurance is inevitable because unstable employment and irregular income lead to low income. Second, the artist career certificate, which is supposed to be registered with the Foundation for the Arts, has a high entry barrier for young theatergoers, has to prove their own careers, and the career only measures the outcome. The protection and practice time for young performers must be recognized before employment insurance can be applied. Third, government support is needed because the extreme situation of becoming a business owner can burden employment insurance premiums. Government support can be in the form of a dual state social insurance, or in case of a subsidy project, a measure can be taken to address the difficulty of paying employment insurance premiums by assigning insurance support to the budget items. Fourth, less than 30 percent of industrial insurance, which is supported by the Foundation for the Arts and Welfare, is subscribed to the industrial insurance system. In addition to the basic concept of social security, theatrical activities are the right to work and to work. Even in previous studies, it became clear that unstable employment conditions, low income and frequent unemployment were the specialities of theater and that employment insurance should be introduced as the minimum equipment for poor working conditions. If the introduction of " Employment Insurance, " a play that has been scrapped three times in the past, becomes more aggressive, creating creative activities and enhancing the sense of accomplishment as a profession. In this study, unlike previous work that was limited to case study, the actual status of play field was studied more deeply through interviews with performers and experts who are seeking to introduce the bill. It is also possible to make an academic contribution to the need for employment insurance, introduction of employment insurance, and the direction of entry and arrangement of employment insurance premium through in-depth interviews.

「영화 및 비디오물의 진흥에 관한 법률」 일부개정법률안 핵심 쟁점에 관한 연구 : 수직결합 분리, 상영 상한제, 예술영화전용관 쿼터를 중심으로

임희진 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사