현대 그래픽디자인의 몰형식성에 대한 리오타르의 숭고미학적 해석 = (An) analysis of the formlessness of contemporary graphic design regarding lyotard's of the sublime

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

Art and design always represent the era with a new method. This means the form of presentation which is constructed in an era is the detonator that dismantles the meaning of the past era and produces a new form of presentation. Coming into the late 20th century, the presentation aspect of modern graphic design is repeating the radical change process in the influence of the electric technology. Contemporary graphic design is expressing the individuality which was repressed all these years by the design rules, and it is producing a more subjective and original presentations as a result of a more open, diverse, and comprehensive challenge by borrowing the so called art forms. I have stipulated the innovative presentation aspects that are comprehensively appearing in modern graphic design including anti-reproduction, unclear, no meaning, and no shape, and I attempted an analysis for this.
This study is a new theoretical category for the analysis of modern graphic design’s Formlessness, and the sublime aesthetic of postmodern art philosopher Lyotard is hypothesized as the core theory. Lyotard assembled his sublime aesthetic by applying the early 20th century avant-garde art’s experimental mind based on Kant’s theory of sublimity to sublime analysis. Kant’s sublimity explains mathematical or mechanical sublimity confined to great nature and coercive natural phenomena, and on the other hand, Lyotard is presenting the sublime aesthetic based on a subject that is the empirical side of the appreciator on the avant-garde art piece. According to Lyotard, the avant-garde’s experimental art piece cannot be explained by the past art rules. Lyotard’s s sublime debate shares the same context with Kant in a way that it regards the Formlessness of avant-garde art piece, and it is providing a decisive clue to the interpretation of the modern graphic design’s the Formlessness.
For this study, I had to grasp the situations of the presentation aspect that bring about the Formlessness of modern graphic design. These are the extension of the presentation range followed by the development of technology, dissolution of traditional customs and standards, authorship of independent ego base, de-centralization of the presentation subject, ambiguity of image and uncertainty, multilayer of meaning and openness, and etc. The conclusion that analyzed designs that take on the Formlessness aspect through Lyotard’s sublime aesthetic is summarized to these four parts.
First, it proposes a critical mind of design tradition and notion as an experimental attitude, and Formlessness of contradiction makes one to aim a vivid originality. As a result, in design, a sublime requisites which are ‘unexpectedness and shock’ happen as in the avant-garde art piece that was noticed in Lyotard’s sublime aesthetic. This sublimity of representation disapproval happens because in the existing design idea and rule category, representation is disapproved.
Second, the development of electric technology showed radical propensity and sublimity of non-reproducibility on modern graphic design’s presentation aspects. Lyotard sees sublimity as a ‘radical event’ which did not exist in the concept and understanding before, and this is prescribed much as a ‘event’ and gets the essential factors of the generation of sublimity.
Third, in the modern graphic design, the authorship’s restoration which was asleep is rediscussed. The approval of authorship in graphic design means the approval of the designer as an individual being. Lyotard rejects the wholeness of simplification or standardization on human beings that meta-narrative leads and emphasizes the sublimity of individual’s discordance and difference. The graphic designer today is not buried on commercial logics and creates new visual vocabularies through active thinking and constant self-renewal. This is an individual being that a designer has and is created based on the sublimity of difference.
Fourth, the attempt of the Formlessness produces the sublimity of contradiction between multifactorial and heterogeneous constituents, and it aims for the originality of a new design form. Lyotard’s sublime aesthetic is frankly called ‘negative description of slublimity’, and this is always based on contradictional tension between sensual experience and ability of spiritual recognition in the experience of sublimity. In the attempt of graphic design’s Formlessness, the mutual consent of concept and sensuality with meaning and expression is not the object, and it is seen that sublimity happens in the case when contradictional situation between heterogeneous elements, which is mentioned above, continues.
This study has its significance in ordaining the presentation aspect of modern graphic design’s Formlessness and introducing Lyotard’s sublime aesthetic as the new theoretical category. The Formlessness that is showing broadly in modern graphic design had limitations in interpreting with the object of aesthetical suitability of harmony and proportion. To over come this limitation, this study analyzed the Formlessness of modern graphic design as the concept of sublimity which is represented by de-concept, Formless, and disagreement. In conclusion, this study is suggesting that Liotard’s sublime aesthetic can be the opportunity to expansively understand the Formlessness presentation aspect of current graphic design.

국문 초록 (Abstract)

예술과 디자인은 늘 새로운 방법으로 시대를 표상한다. 이는 한 시대에 구축된 표현의 형식이 이전 시대의 표현 의미를 해체하고, 새로운 표현 형식을 탄생시키는 기폭제가 됨을 의미한다. 현대 그래픽디자인의 표현양상은 20세기 후반으로 넘어오면서 전자적 테크놀로지의 영향 속에서 급진적 변화과정을 거듭하고 있다. 동시대의 그래픽디자인은 그동안 디자인의 규칙에 억눌렸던 개성의 창발을 그대로 표출시키고 있으며, 소위 예술의 형식을 빌려 보다 더 개방적이고 다양하며, 포괄적인 도전의 결과로 인해 한층 더 주관적이고 독창적 표현들을 양산하고 있다. 연구자는 현대 그래픽디자인에 있어서 포괄적으로 나타나고 있는 비재현, 비명료, 비의미, 비형상 등의 혁신적 표현의 양상을 ‘몰형식성’으로 규정하고 그에 대한 해석을 시도하였다.
본 연구는 현대 그래픽디자인의 몰형식성 해석을 위한 새로운 이론적 범주로서 포스트모던 예술철학자인 리오타르의 숭고미학을 중심이론으로 상정하였다. 리오타르는 칸트의 숭고론에 기초하여 20세기 초의 아방가르드 미술의 실험정신을 숭고분석에 적용함으로서 자신의 숭고미학을 정립하였다. 칸트의 숭고는 거대한 자연과 위압적인 자연현상에 국한하여 수학적 혹은 역학적 숭고를 설명하고 있는 반면, 리오타르는 어떤 대상, 즉 아방가르드 미술작품에 대한 감상자의 경험적 측면을 바탕으로 한 숭고미학을 제기하고 있다. 리오타르에 의하면 아방가르드의 실험적 미술작품은 이전의 미술규칙으로 설명되지 않는 것이다. 기존의 관념과 미술 규칙으로 이해하기 어려운 상황, 즉 구상력의 한계에서 오는 구상력과 이성이념 간의 이질적 상충성의 결과로서 ‘새로운 실험적 측면’에 매력을 느끼고 숭고감이 발생한다는 것이 리오타르의 숭고개념이다. 리오타르의 숭고논의가 아방가르드 미술작품의 몰형식성에 주목하고 있다는 점에서 칸트와 그 맥락을 같이하며, 현대 그래픽디자인의 몰형식성 해석에 결정적 단서를 제공하고 있다.
본 연구를 위해서 연구자는 현대 그래픽디자인의 몰형식성을 야기하는 표현양상의 국면들을 파악할 필요가 있었다. 그것은 테크놀로지의 발달에 따른 표현범위의 확장, 전통적 관례와 규범의 해체, 개별주체적 자아 기반의 저자성, 표현주체의 탈 중심화, 이미지의 모호성과 불확정성, 의미의 다층성과 개방성 등이다. 이와 같은 몰형식성의 양상을 띠는 디자인들을 리오타르의 숭고미학을 통해서 해석한 결과는 다음의 4가지로 요약된다.
첫째, 실험적 태도로서 디자인적 전통과 관념에 대한 문제의식의 제기와 부정의 ‘몰형식성’은 새로움의 창안을 지향케 한다. 그 결과로서의 디자인에서는 리오타르의 숭고미학에서 주목하였던 아방가르드 미술작품에서처럼 ‘의외성과 충격’이라는 숭고의 요건이 발생한다. 이는 기존의 디자인적 관념과 규칙의 범주로는 표상이 불가하기에 표상불가성의 숭고가 발생하게 되는 것이다.
둘째, 전자적 테크놀로지의 발달은 현대 그래픽디자인의 표현 양상에 급진적 성향과 비재현성의 숭고감을 나타나게 하였다. 리오타르는 숭고를 이전의 개념과 인식 속에는 없었던 ‘급진적인 사건’으로 본다. 테크놀로지의 영향은 새로운 경험 방식과 판단 형식을 통해서 급진적이며 비재현성을 특성으로 하는 혁신적 결과들을 나타나게 하였으며 이는 다분히 ‘사건’적으로 규정되어 숭고감 발생의 요건을 갖추게 된다.
셋째, 현대 그래픽디자인에서는 잠자고 있던 저자성의 부활이 재론된다. 그래픽디자인에 있어서 저자성의 인정은 곧 개별적 존재로서 디자이너에 대한 인정이다. 리오타르는 메타서사가 주도하는 인간에 대한 단일화 혹은 획일화의 총체성을 거부하며 불일치와 차이의 숭고함을 강조한다. 오늘날의 그래픽 디자이너는 상업성의 논리에 매몰되지 않고 능동적 사유와 부단한 자기 갱신을 통해 새로운 시각 어휘들을 만들어낸다. 이는 디자이너가 갖는 개별 존재로서 불확정적 자아의 상이성에 따른 차이의 숭고함을 바탕으로 하여 창출된다.
넷째, 몰형식성의 시도는 다원적이며 이질적 요소 간의 상충성의 숭고감을 발생시키며 새로운 디자인 형식의 창안을 목적으로 한다. 리오타르의 숭고미학은 단적으로 ‘숭고의 부정적 묘사’라 불리우며 숭고 경험에 있어서 감각적 경험과 정신적 인식 능력 간의 상충적 긴장이 늘 전제된다. 그래픽디자인의 몰형식적 시도에서는 ‘개념’과 ‘감성’, 그리고 ‘의미’와 ‘표현’의 합의가 목적이 되지 않으며 앞서 언급한 이질적 요소 간의 상충적 상황이 지속된다는 점에서 숭고감이 발생한다고 보는 것이다.
본 연구는 현대 그래픽디자인의 표현양상을 ‘몰형식성’으로 규정하였으며, 그 해석에 있어서 리오타르의 숭고미학을 새로운 이론적 범주로 도입하였다는 데 그 의의가 있다. 현대 그래픽디자인에 있어서 폭넓게 나타나는 몰형식성은 조화와 비례의 미적 정합성을 목적으로 하는 기존의 규칙과 형식론으로는 해석에 한계가 있었다. 본 연구는 이와 같은 한계를 극복하고자 탈개념, 몰형식, 불일치로 대표되는 숭고의 개념으로 현대 그래픽디자인의 몰형식성을 해석하였다. 결과적으로 리오타르의 숭고미학은 동시대 그래픽디자인의 몰형식적 표현양상을 포괄적으로 파악하는 계기가 될 수 있음을 시사하고 있다고 하겠다.

목차 (Table of Contents)

• Ⅰ. 서론 = 1
• 1. 연구의 배경과 문제제기 = 1
• 2. 연구의 목적 = 3
• 3. 선행연구의 검토 = 4
• 4. 내용의 구성 및 연구의 방법 = 6
• Ⅱ. 숭고미학에 대한 개념사적 고찰 = 8
• 1. 숭고의 개념 = 8
• 2. 칸트 이전의 숭고논의 = 10
• 3. 칸트의 숭고론 = 13
• 3.1. 『판단력 비판』에서의 숭고 = 13
• 3.2. 취미판단에서 숭고판단으로의 이행 = 16
• 3.3. 수학적 숭고와 역학적 숭고 = 18
• 4. 리오타르의 숭고미학 = 22
• 4.1. 포스트모던 예술철학자, 리오타르 = 22
• 4.2. 칸트 숭고론과의 차이 = 26
• 4.3. 뉴만 예술론을 단초로 한 아방가르드적 숭고 = 29
• 4.4. 숭고의 부정적 묘사 = 35
• 4.5. 리오타르의 숭고미학의 핵심적 계기들 = 36
• 4.5.1. 권위에의 도전으로서 급진성 = 38
• 4.5.2. 의외성과 충격의 표상불가성 = 39
• 4.5.3. 공약불가능성과 이견 = 41
• 4.5.4. 무질서와 몰형식의 비재현성 = 43
• 4.5.5. 긴장과 불일치의 상충성 = 45
• 4.5.6. 예기치 못한 경험으로서 사건 = 47
• Ⅲ. 현대 그래픽디자인의 양상과 숭고논의의 의의 = 50
• 1. 현대 그래픽디자인의 표현양상 = 50
• 1.1. 그래픽디자인 양상 변화의 역사 논의 = 51
• 1.1.1. 실험적 기치로서 아방가르드와 그래픽디자인 = 52
• 1.1.2. 다원적 형식의 인정으로서 포스트모던과 그래픽디자인 = 57
• 1.2. 현대 그래픽디자인의 개념 확장과 표현양상의 변화 = 61
• 1.2.1. 그래픽디자인의 전통적 개념과 표현양상 = 61
• 1.2.2. 비주얼 커뮤니케이션 디자인으로 개념 확장 및 표현양상의 변화 = 63
• 2. 현대 그래픽디자인에서 숭고논의의 의의 = 68
• 2.1. 기존논의의 과정 = 68
• 2.2. 숭고 논의의 유용성 = 73
• Ⅳ. 현대 그래픽디자인의 몰형식성 = 75
• 1. 몰형식성에 대한 이해 = 75
• 1.1. 몰형식성의 개념과 숭고미학에서의 몰형식성 = 75
• 1.2. 현대 그래픽디자인의 몰형식성에 대한 정의 = 77
• 2. 현대 그래픽디자인에서 몰형식성의 국면들 = 79
• 2.1. 테크놀로지의 발달에 따른 표현범위의 확장 = 80
• 2.2. 전통적 관례와 규범의 해체 = 82
• 2.3. 개별주체적 자아기반의 저자성 = 85
• 2.4. 표현주체의 탈 중심화 = 88
• 2.5. 이미지의 모호성과 불확정성 = 90
• 2.6. 의미의 다층성과 개방성 = 91
• Ⅴ. 현대 그래픽디자인의 몰형식성에 대한 숭고미학적 해석 = 94
• 1. 디자인 해석의 절차 = 94
• 1.1. 해석 대상 디자인의 선정 = 94
• 1.2. 디자인 해석방법 = 95
• 2. 디자인 해석 = 96
• 2.1. 권위에의 도전으로서 실험 = 96
• 2.1.1. 전통과 관례의 해체-표상불가성 = 96
• 2.1.2. 직관의 커뮤니케이션-총체성의 거부 = 104
• 2.1.3. 모순과 역설의 디자인-패러독스의 탐구 = 111
• 2.2. 외연적 형식과 양상에 대한 해석 = 117
• 2.2.1. 이미지의 모호성과 불확정성-이미지 해석의 다원성 = 117
• 2.2.2. 다층적 이미지 표현-의미와 표현의 공약 불가능성 = 123
• 2.2.3. 테크놀로지의 적극적 활용-재현성의 부정 = 129
• 2.3. 오래된 경계의 침식과 새로운 변종의 형성 = 134
• 2.3.1. 자기 표현적 개성의 장착-스타일의 내재적 생성 = 134
• 2.3.2. 예술적 비순응 주의-급진적 실험성의 미학 = 140
• 2.3.3. 표현범위의 확대-현시(顯示)하지 않는 대상의 현시 = 148
• Ⅵ. 연구의 결과 = 155
• 1. 디자인적 전통과 규칙에 대한 부정으로서 표상불가성의 숭고 = 155
• 2. 전자적 테크놀로지를 바탕으로 한 무질서와 몰형식의 사건적 숭고 = 157
• 3. 디자이너의 저자성 인식과 발현의 기제로서 불확정적 자아의 숭고 = 160
• 4. 새로운 디자인 형식의 창안을 목적으로 하는 상충성의 숭고 = 161
• Ⅶ. 결론 = 164
• 1. 연구의 결론 및 시사점 = 164
• 2. 연구의 한계 = 169
• 참고문헌 = 171
• 그림목차 = 178
• 표목차 = 179
• ABSTRACT = 180