2010년대 한국의 제작 기반 작가주의 디자인 현상 연구 = A Study on the Phenomenon of Design Auteurism of South Korea Grounded in Making Practices in the 2010s

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This study focuses on making-based design auteurism that emerged within the design field in South Korea during the 2010s. By examining its background and specific practices, it seeks to clarify the characteristics of making-based design auteurism in this period. The term ‘design auteurism’ refers to works authored by designers that embody creative ideas and messages as part of artistic practice, independent of client and market demands. The term ‘making-based design auteurism’, extending this notion, denotes the practices and works of designers who directly engage in the act of making themselves, explore the process of making, and present their works within an artistic context.
The temporal scope of the study encompasses the 2010s, while its analytical focus is placed on the activities of designers who presented their works through exhibitions in South Korea. Case study subjects were selected based on their prominent identities as making-based auteur designers. A comprehensive examination was conducted, involving the analysis of their portfolios, exhibition catalogues, interview materials, writings, and academic papers. This was accompanied by field visits to various solo and group exhibitions, talks, and seminars to understand the characteristics of their practices.
The emergence of making-based auteur designers in the 2010s was significantly influenced by shifts in the art market, the spread of making culture driven by the maker movement originating in the United States, and growing interest from public institutions. In particular, the contemporary art market, centred on galleries, began to engage with collectible design. Subsequently, as the maker movement was introduced in South Korea, ‘making’ rapidly emerged as a key discourse. Governmental and local authority policies promoted making as both a component of the Fourth Industrial Revolution and a solution to youth unemployment, leading to increased attention on makers. A variety of public institutions opened opportunities for designers to participate in product development and held exhibitions focused on making practices, often linking these projects to craft.
Analysis of their practices across the contexts of work, design practice, and design consumption reveals several defining characteristics. Firstly, in the context of work, designers employ a wide range of materials and new technologies, such as 3D printing. Their works deliberately reveal traces of handcraft. In addition, designers engage in collaboration with artisans or are inspire by elements of traditional crafts, including materials, techniques, and forms. Furthermore, presenting works that foreground the value of upcycling, by utilising discarded objects, waste materials, or eco-friendly resources, constitutes another notable tendency.
Secondly, within the context of designer practice, the process from idea sketching to making is employed not merely as a linear design process, but as a methodological mode of design thinking. Moreover, designers tend to exhibit outputs generated during the design process, such as drawings, models, and renderings, alongside final artworks, granting them equal status. This practice serves to expand the meaning of the act of making. Designers’ studios can be interpreted as complex spaces in which the production, circulation, and issues related to gentrification intersect.
Finally, from the perspective of consumption, a differentiation emerged in the form of collectible design and direct-to-consumer brands. Mass media contributes to the visual consumption of their ‘identity as makers’, while the ‘hip place’ trend on social media strongly influences the expansion of their practices into F&B commercial space projects.
Based on the characteristics outlined above, this study proposes a new materialist perspective that understands design as an outcome generated through networks of diverse human and non-human actors. By situating making-based design auteurism within its social and material conditions, the study highlights the significance and potential of making practices in an era of accelerating digitalisation. In doing so, it contributes to the expansion of design discourse in South Korea by revealing the backgrounds and characteristics of making-based design auteurism practices in the 2010s.

국문 초록 (Abstract)

본 연구는 2010년대를 기점으로 한국 디자인 영역에서 나타난 제작 기반 작가주의 디자인을 주목하고 그 등장 배경과 구체적인 실천 행위를 고찰함으로써 해당 시기 제작 기반 디자인의 특성을 밝히는 데 목적을 두고 있다. 작가주의 디자인은 클라이언트와 시장의 요구에 종속되지 않고 예술적 실천의 일환으로 창의적인 아이디어와 메시지를 담는 디자이너들의 저작물을 의미한다. 그리고 제작 기반 작가주의 디자인은 그 연장선에서 스스로 제작에 참여하면서 제작 행위와 과정을 탐구하고 이를 예술의 맥락에서 보여주는 디자이너의 실천과 그 저작물을 가리킨다.
연구 범위는 2010년대를 시간적 범위로 취하고 있으며 내용적으로는 국내에서 전시를 통해 작품을 발표한 디자이너들의 활동을 주목한다. 이들 중 제작 기반의 작가주의 디자이너로서 정체성이 두드러지는 주체들을 사례 연구 대상으로 선정했다. 이들의 포트폴리오, 전시 도록, 인터뷰 자료, 저술, 논문 등 다양한 문헌 자료를 살펴보는 동시에 여러 개인전, 단체전, 토크, 세미나 등 현장 답사를 병행하여 그 특징을 파악하고자 했다.
2010년대 제작 기반 작가주의 디자이너의 등장에는 크게 미술시장의 변화, 미국 메이커 운동이 추동한 제작 문화의 확산, 공공기관의 관심 확대 등이 영향을 끼쳤다고 할 수 있다. 즉, 미술시장에서 현대미술 갤러리를 중심으로 컬렉티블 디자인을 주목하는 움직임이 나타났고 이후 미국의 메이커 운동이 국내에 수입되면서 이를 4차 산업혁명의 일환이자 청년 실업 문제를 위한 해결책으로 바라본 정부 및 지자체의 정책에 따라 ‘제작’이라는 키워드가 급부상하면서 메이커들을 주목하기 시작했다. 각종 공공기관에서는 공예와의 연결선상에서 디자이너들이 여러 상품개발 프로젝트에 참여하거나 전시할 수 있도록 기회를 열어주었다.
이들의 실천을 작품, 디자인 활동, 디자인 소비의 맥락에서 분석한 결과, 먼저 작품의 맥락에서는 다양한 소재를 작품에 활용하거나 3D 프린팅과 같은 신기술을 활용하는 특징을 보였다. 또한 작품에 수작업의 흔적을 드러내는 동시에 장인들과의 컬래버레이션, 혹은 전통 공예의 소재, 기법, 형태를 차용한 작품을 제안하기도 했다. 버려진 사물이나 폐기 대상 재료를 활용하거나 친환경 재료를 사용함으로써 업사이클링 가치를 드러내는 작품을 선보이는 움직임도 나타났다.
디자이너 활동의 맥락에서는 그리기에서 만들기로 이어지는 과정이 선형적인 디자인 프로세스로서가 아닌 일종의 사유하기의 방법론으로 활용되고 있음을 알 수 있었다. 또한 제작 행위의 의미를 확장하기 위해 스케치, 모형, 렌더링 이미지 등 디자인 과정에서 발생한 산물을 전시에서 결과물과 동등하게 제시하는 경향도 포착됐다. 이들의 작업실은 작품 생산, 물류 이동, 젠트리피케이션 문제 등이 교차하는 복합적 장소로 해석될 수 있다.
마지막으로 소비의 측면에서는 컬렉티블 디자인과 직영 브랜드라는 형태로 분화되는 특징을 드러냈다. 대중매체는 이들의 ‘제작자로서의 정체성’이 시각적으로 소비되는 데 일조하는 한편, 소셜 미디어의 ‘힙 플레이스’ 트렌드는 F&B 상업 공간 프로젝트로 영역을 확장하는 데 있어 막강한 영향력을 행사하고 있다는 점을 확인할 수 있었다.
위와 같이 도출된 특징을 토대로 본 연구는 다양한 행위자들의 네트워크가 만들어내는 산물로 디자인을 바라보는 신유물론적인 관점을 제안하는 한편, 디지털화가 가속되는 오늘날 제작 행위가 갖는 의미와 잠재력을 조명한다는 점에서 의의가 있다. 2010년대 제작 기반 작가주의 디자인 실천의 양상과 특징을 드러내는 본 연구를 통해 한국 디자인 담론의 확장을 도모하고자 한다.

목차 (Table of Contents)

• 제1장 서론 1
• 제1절 연구 배경 및 목적 1
• 제2절 연구 범위 및 방법 4
• 제3절 선행연구 검토 6
• 제4절 논문의 구성 9
• 제2장 작가주의 디자인의 이해 11
• 제1절 작가주의 디자인 11
• 1. 미술과 디자인의 관계 11
• 2. 작가주의 디자인의 개념· 15
• 제2절 2000년대 한국 작가주의 디자인 18
• 1. 계기로서 디자인미술관 18
• 2. 작가주의 디자인의 등장· 21
• 3. 주요 작가주의 디자이너의 활동 31
• 4. 소규모 디자인 스튜디오 현상 38
• 제3장 2010년대 제작 기반 작가주의 디자인의 등장 배경 43
• 제1절 미술시장의 변화 43
• 1. 디자인을 예술로 다루는 컬렉티블 디자인 갤러리의 등장 43
• 2. 아파트 인테리어 및 생활 오브제로서 가구 48
• 3. 미술관과 갤러리 외에 확장하는 전시 공간 53
• 제2절 제작 문화의 확산 59
• 1. 미국 메이커 운동의 국내 수용 59
• 2. 제작의 가치에 주목하는 전시 64
• 3. 디지털 시대 핸드메이드의 가치 72
• 제3절 공공기관의 관심 확대 77
• 1. 통영시의 ‘크래프트 12’와 전주시의 ‘온’ 브랜드 77
• 2. 한국공예·디자인문화진흥원의 상품 개발 프로젝트 82
• 3. 서울디자인재단과 중구청의 ‘By 을지로’ 프로젝트 94
• 제4장 제작 기반 작가주의 디자이너들의 실천· 100
• 제1절 이광호 100
• 1. 꼬고 엮어서 제작하는 가구 100
• 2. 칠보와 옻칠을 적용한 가구 105
• 3. 가구의 유형을 벗어난 오브제 107
• 제2절 SWBK 109
• 1. 업사이클링 가구 브랜드로 주목받은 매터앤매터 109
• 2. 레그 체어를 통한 확장과 실험 115
• 3. 디자이너의 자아실현으로써 전시 118
• 제3절 길종상가 124
• 1. 새로운 쓸모로 거듭난 키치적 사물 124
• 2. 일반적인 스튜디오가 아닌 ‘길종상가’ 사용설명서 128
• 3. 전시장에서 작품과 상품의 경계를 해체하기 129
• 4. 재료와 표현의 확장 133
• 제4절 제로랩 137
• 1. 선언으로써 첫 개인전 137
• 2. 물성을 경험할 수 있는 장치로써 제작 142
• 3. 전시 집기에 대한 새로운 접근 143
• 4. 스툴을 경유한 재료·형태·접합 방식 무한 탐구 144
• 제5절 최정유 151
• 1. 제3세계 수공예와 연결된 셀프 프로덕션 151
• 2. 박물관에서 집으로, 삼베와 옹기 156
• 3. 업사이클링이라는 가치 157
• 4. 장인과의 협업 프로젝트 160
• 제6절 김현주 163
• 1. 친환경적 메시지를 담은 한지문화상품 163
• 2. 컬렉티블 디자인으로써 석공예 작업· 166
• 3. 한지 부채와 대형 한지 오브제 169
• 제7절 서정화 173
• 1. 서로 다른 소재의 ‘합’을 찾는 작업 173
• 2. 한국적 소재를 활용한 오브제· 177
• 3. 공간에서 조명까지 확장하는 작업 영역 181
• 제5장 2010년대 제작 기반 작가주의 디자인의 특징 184
• 제1절 디자인 작품의 맥락· 184
• 1. 소재의 복합성과 기술의 적극적 활용 184
• 2. 수공 제작 흔적의 가시화 189
• 3. 전통 공예의 현대적 해석 192
• 4. 다양한 방식의 업사이클링 활용 202
• 제2절 디자인 활동의 맥락· 208
• 1. 사유 과정으로서 그리기와 만들기 208
• 2. 작품으로서 디자인 과정 212
• 3. 교차적 장소로서 작업실 215
• 제3절 디자인 소비의 맥락· 221
• 1. 컬렉티블 디자인과 직영 브랜드의 분화 221
• 2. 제작 활동을 주목하는 매체의 시선 227
• 3. 소셜 미디어의 영향력 강화 232
• 제6장 결론 239
• 참고문헌 242
• ABSTRACT 269