세리 르빈(Sherrie Levine)의 리포토그래피(rephotography) 연구

국문 초록 (Abstract)

본 논문은 모더니즘 미술가들의 작품을 사진으로 찍어 미술 작품으로 제시한 세리 르빈의 리포토그래피에 관한 연구이다. 1970년대 말부터 다양한 이론적 패러다임을 통해서 사진에 대해 논의하는 것이 시작되었고, 미국 미술계에서 『옥토버』를 중심으로 활동한 이론가들은 후기구조주의에서 영향을 받아 기계 복제 시대의 예술인 사진이 모더니즘 미술을 전복시킬 수 있는 매체임을 인식하면서 사진의 역할을 강조했다. 이러한 태도는 1980년대의 사진 비평과 동일 선상에 있는데, 당시의 사진 비평은 1950년대와 1960년대에 모더니즘 미술로 재규정된 사진에 대해 이의를 제기했고, 특히 미술계가 1970년대의 경제 불황을 극복하기 위해 재평가하고 흡수한 사진들이 사진적 실천의 다양성과 차이를 무시한 편협한 범주였다는 사실에 주목했다. 본 논문에서는 이와 같은 미술계의 변화를 배경으로, 차용 행위로 간주되는 르빈의 리포토그래피가 포스트모더니즘 미술 작품으로 인정받을 수 있는 이유를 크게 두 가지 면에서 살펴보고 있다. 우선, 르빈의 리포토그래피는 모더니즘 미학의 붕괴를 표명하고 있다. 미술 작품의 독창성과 저자성은 모더니즘 미술의 원동력이자 신조이다. 그러나 르빈은 미술 작품에서 근본적으로 독창적인 것이 있을 수 없다는 입장을 취하는데, 이러한 르빈의 태도는 마르셀 뒤샹의 레디메이드, 다다의 콜라주와 몽타주, 팝 미술가들이 대중 매체에서 가져온 이미지 등에서 이어진 역사적인 맥락을 갖고 있다. 그러므로 미술 작품의 사진 복제품을 재촬영한 르빈의 리포토그래피는, 현존하는 사진 이미지의 재순환을 보여주면서 미술 작품에서 독창성이 더 이상 필수적인 요
소가 아님을 주장하는 포스트모더니즘 미술이다. 이러한 르빈의 리포토그래피는 미술가의 죽음을 선언하고 있다. 자율적 주체에 대한 후기구조주의의 문제 제기에서 발전된 저자의 죽음이 르빈의 리포토그래피에서는 미술가의 죽음으로 표현되며, 그 결과 관객이 탄생한다. 즉, 작품의 출전을 밝히는 제목과 함께 제시된 르빈의 리포토그래피는 고정되고 통일된 원천으로서의 개성있는 미술가라는 낭만적인 개념에 이의를 제기하고, 이와 동시에 미술 작품의 의미를 창조하고 완성하는 능동적인 관객의 역할을 강조한다. 다음으로, 르빈의 리포토그래피는 지배적 가치 체계에 대한 저항으로 평가할 수 있다. 서양미술사가 남성의 욕망을 찬양하는 장이며 그러한 결과물의 역사이기에, 르빈이 모더니즘 미술의 위대한 남성 대가들의 작품과 그 속에 담긴 타자의 이미지를 차용함으로써 여성 미술가인 자신의 입지를 구축하기가 얼마나 어려운지를 보여준 것은 분명 페미니즘 미술로 간주되는 점이다. 또한 모더니즘 미술의 신조들을 파기한 르빈의 리포토그래피는 바깥 세상과 밀접한 관계를 맺고 있는 사진 고유의 속성을 무시한 모더니즘 사진과의 결별이자 미술관 제도에 관한 비판으로 여겨진다. 다시 말해, 르빈의 리포토그래피는 미술관의 존립 근거인 독창적인 미술 작품, 개성있는 미술가라는 개념이 지니는 취약함을 폭로하면서, 사진은 복합적이고 다층적이며 예술 사진 이외의 다른 담론들에 유용하다는 사실을 증명하고 있는 것이다. 하지만 남성 미술가의 작품만을 차용하는 르빈의 행위는 정신분석학적인 차원에서 여성성이라는 가면으로 보여질 수 있는데, 이는 르빈이 그들에 대한 사랑과
존경을 표현하는 가면을 쓰고 이미 미술사에서 검증받은 그들의 이름과 작품을 자신이 받고자 하는 인정으로 이용하고 있는 것으로 해석할 수 있기 때문이다. 아울러 르빈의 작품이 여타의 다른 포스트모더니즘 미술 작품들처럼 미술관에 흡수되었을 때, 리포토그래피가 가졌던 비판적인 효과가 유효한지도 재고해 보아야 한다. 르빈의 리포토그래피가 오히려 원작의 가치를 올리고 또 하나의 독창적인 미술 작품이 되어 상품 문화에 순응할 때, 차용이라는 전략이 예전에 가졌던 파괴적이고 비판적인 능력을 계속해서 유지하기 어렵다는 점을 주목해야 할 것이다.

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

In the late 1970's, art historians began to discuss photography using
diverse theoretical paradigms. Theoreticians associated with October
magazine, greatly influenced by poststructuralism, recognized that
photography can subvert modern art and emphasized its function.
Their position is consonant with photography criticism in the 1980's
that called into question the definition of photography as modern art
during the 1950's and 1960's. Such photography was later
reappraised and has even been credited with overcoming the
economic recession of the art world during the 1970's. However, it
is an insular category that neglects the multiplicity of photographic
practice.

My thesis is a study of Sherrie Levine's rephotography, a technique
whereby the artist photographs reproductions of the art works of
modern masters and then shows the photographs as her own work.
I examine the reasons why Levine's rephotography, as a work of
appropriation, constitutes postmodern art.

First, I acknowledge that Levine's rephotography demonstrates the
collapse of modern aesthetics. Originality and authorship are both the
motives and the tenets of art in the modern era, but Levine posits
that an original work cannot exist in the artwork fundamentally.
Levine's position has its historical roots in Marcel Duchamp's
Readymade, the Dada practice of collage and montage, and in Pop
Art's mass media images. She utilizes a recycling of existing
photographic images and asserts that the originality of artwork is
not an essential element of the form. Levine's rephotography
announces "the death of the artist". The concept of "the death of the
author" developed from poststructuralism, which addresses the notion
of an autonomous subject. Levine's rephotography works refute the
romantic concept of the individual artist as having a fixed character
and place of origin. At the same time, her work emphasizes active
viewing in order to create the meaning of the artwork.

Second, I examine Levine's rephotography as a resistance to a
system that values the works of masters at the expense and
exclusion of other artists. Western art history epitomizes the praise
of man's desire and its results, so Levine's rephotography, which
appropriates only the works of great modern male artists and the
images of "the Other" in their works, expresses how difficult it is to
be a woman artist. Her rephotography deconstructs the tenets of
modern art. It represents a break with modern photography rejecting
photography's traditional relationship to the outside world and
criticizes the museum as an institution. Her rephotography exposes
the concepts of original artwork and the personal artist, elements
that form the basis of art museums, demonstrating that photography
is complex, multi-layered, and central to discourses other than "art
photography".

Last, I consider whether the critical effect of rephotography is valid.
Levine's appropriation of exclusively male artists' works represents
"womanliness as a masquerade". Her behavior may be interpreted as
the use of famous names and works in order to gain recognition for
herself. When Levine's work is treated by museums in the same
manner as other postmodern art works, it enhances the value of the
original work of art as well as becoming another original work
itself. Her work accommodates itself to the marketplace of art. We
must conclude that the strategy of appropriation can hardly maintain
its deconstructive and critical powers when it joins the mainstream
of culture.