출판을 통한 예술 실천 : 개념미술에서 아트북페어까지 = Art Practice through Publishing: From Conceptual Art to Art Book Fairs

국문 초록 (Abstract)

출판은 문자와 이미지를 매개로 예술적 사유를 기록하고 유통하는 장치로서 미술계 내부에서 중요한 역할을 지속해 왔다. 전통적으로 출판이 작품의 보조적 기록물에 머물렀다면, 1960년대 개념미술의 확산을 기점으로 출판은 창작 과정 전체를 매개하는 자율적인 예술 형식으로 변모하기 시작했다. 아티스트북, 아트북, 북워크스 등으로 명명된 다양한 실험은 작품과 출판, 저자성의 경계를 해체하며 출판 행위 자체를 하나의 예술적 개입으로 확장했다. 특히 2000년대 이후에는 아티스트북의 핵심 유통 플랫폼인 아트북페어가 전 세계적으로 확산되며 출판예술의 생태계가 비약적으로 활성화되었다. 이에 본 연구는 출판예술의 개념적 정의와 역사적 형성 과정을 살피고, 동시대 미술계에서 나타나는 실천과 유통의 양상을 광범위하게 검토한다.

연구의 전반부에서는 출판예술을 아티스트북이라는 좁은 정의에 한정 짓지 않고, 기획·편집·제작·유통·수용에 이르는 전 과정이 예술적 실천의 장으로 작동하는 상위 개념으로 규정한다. 이어 아방가르드의 출판 실험부터 플럭서스와 개념미술, 독립잡지 문화 및 네트워크 기반 출판에 이르는 계보를 추적한다. 이를 통해 민주적 복제성, 접근성, 네트워크성, 개입성이라는 매체적 특성이 제도권 미술의 경계를 어떻게 재구성해 왔는지 분석한다. 나아가 최근의 디지털 전환과 플랫폼 기반 출판 환경이 매체 혼종성과 참여적 실천을 심화시키며, 출판예술을 사회적·기술적 인프라 안에서 재조명하게 하는 조건을 형성하고 있음을 밝힌다.

연구의 후반부에서는 아트북페어를 출판예술의 생산과 유통, 수용이 중첩되는 역동적인 현장으로 분석한다. 아트북페어는 창작자와 출판자, 관람자, 기관, 커뮤니티가 상호 교차하는 공론장이자 새로운 예술 생태계의 관문으로 기능한다. 본 연구는 아트북페어를 비영리 플랫폼형, 제도 협력형, 커뮤니티 자율형의 세 가지 유형으로 분류하고, 각 유형이 지닌 조직 구조와 전시·시장의 이중성, 그리고 지역성과 국제성의 상호작용을 규명한다.

결론적으로 본 연구는 출판예술을 독립적인 미술 장르로 재정의하고, 아트북페어를 동시대 예술 담론의 필수적인 구성 요소로 위치시키는 데 의의를 둔다. 특히 한국을 포함한 동아시아의 실천을 서구 중심의 미술사 기술과 병렬적으로 조망함으로써 출판예술 담론의 탈중심화를 시도한다. 이를 통해 출판예술과 아트북페어가 단순한 주변적 활동을 넘어, 동시대 미술의 인프라적 조건과 사회적 관계망을 새롭게 구축하는 핵심적인 문화 현상임을 논증하며 향후 연구를 위한 이론적·실천적 토대를 마련하고자 한다.

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

Publishing has long played a significant role within the art world as a dispositif for recording and circulating artistic thought through text and image. Since the emergence of conceptual art in the 1960s, however, publishing has moved beyond its function as a subsidiary or documentary medium to operate as an autonomous artistic form that mediates the entire creative process. Diverse experiments encompassing artists’ books, art books, and bookworks have destabilized the boundaries between artwork and publication, and between authorship and production, expanding publishing itself into a form of action and intervention. This study undertakes a comprehensive examination of the concepts and historical formation of publishing as an artistic practice.

The first part distinguishes publishing art from the narrow definition of the artists’ book, defining it instead as a broader conceptual framework in which the entire publishing process—encompassing planning, editing, production, distribution, and reception—functions as a site of artistic practice. It then traces the genealogy of publishing art through avant-garde publishing experiments, Fluxus and conceptual art, independent magazine cultures, and network-based publishing practices. Through this analysis, the study elucidates how media-specific characteristics such as democratic reproducibility, accessibility, networked circulation, and interventionist potential have continually reconfigured the institutional boundaries of art. Contemporary processes of digital transformation and platform-based publishing further intensify media hybridity and participatory practices, re-situating publishing art within social and technological infrastructures.

Building on this framework, the latter part analyzes art book fairs as sites where the production, distribution, and reception of publishing art intersect. Art book fairs function as public arenas where artists, publishers, audiences, institutions, and communities converge, operating as gateways to emerging artistic ecosystems. This study categorizes art book fairs into three types—nonprofit platform-based, institutionally collaborative, and community-driven—and examines their respective organizational structures, the duality of exhibition and marketplace, and the interplay between locality and internationalism.

This study aims to redefine publishing art as an independent field within contemporary art and to position art book fairs as integral components of contemporary artistic ecosystems and discourse. By examining publishing art practices in East Asia, particularly in Korea, alongside rather than subordinate to Western art-historical narratives, the study seeks to contribute to the decentering of publishing art discourse. In doing so, it demonstrates that publishing art and art book fairs are not marginal activities but significant cultural phenomena that reconfigure the infrastructural conditions and social relations of contemporary art, while establishing both a theoretical and practical foundation for future research.

목차 (Table of Contents)

• 국문초록 = ⅰ
• 목차 = ⅲ
• 도판목록 = ⅵ
• 표목록 = viii
• Ⅰ. 서론 1
• 1. 연구 배경과 목적 1
• 2. 선행연구 검토 8
• 3. 연구의 범위 18
• Ⅱ. 출판예술의 개념 정립과 역사적 형성 22
• 1. 출판예술의 학술적 논의와 분류체계 22
• 1) 아티스트북과 출판예술의 구분과 한계 22
• 2) 출판예술의 매체적 특성과 정의 29
• 2. 20세기 출판예술의 계보 32
• 1) 출판예술의 서막, 아방가르드의 출판 실험(1900-1960)
• 35
• 2) 제도비평의 도구, 플럭서스와 개념미술(1960-1970)
• 38
• 3) 독립잡지와 네트워크 문화의 연결(1970-1990)
• 45
• 3. 동시대 출판예술의 지형 52
• 1) 디지털 전환과 매체 혼종성(1990-현재) 52
• 2) 플랫폼으로서의 출판 58
• 4. 한국 출판예술 담론 부재의 구조적 원인 64
• III. 출판예술의 이론적 함의와 동시대적 실천 67
• 1. DIY 문화와 독립성 67
• 2. 민주적 복제와 접근성의 정치학 70
• 3. 공동체 형성과 네트워킹 실천 75
• 1) 독립서점과 대안공간 75
• 2) 출판예술을 위한 리딩룸과 아카이브 80
• Ⅳ. 아트북페어의 형성과 전 세계적 확산 91
• 1. 포스트디지털 시대, 아트북페어의 출현 91
• 2. 아트북페어의 유형별 사례와 특징 101
• 1) 비영리 플랫폼형 102
• 1-1) 뉴욕 아트북페어 102
• 1-2) 코덱스 북페어 105
• 2) 제도 협력형 106
• 2-1) 도쿄 아트북페어 107
• 2-2) 파리 오프프린트 109
• 3) 커뮤니티 자율형 112
• 3-1) 베를린 미스리드 112
• 3-2) 서울 언리미티드에디션 115
• 3-3) 상하이 언폴드 118
• 4) 소결 121
• Ⅴ. 아트북페어의 문화적 의미와 쟁점 125
• 1. 플랫폼으로서의 아트북페어 125
• 1) 전시와 시장 플랫폼으로서의 이중 기능 127
• 2) 페스티벌로서의 아트북페어 132
• 2. 새로운 예술 생태계의 가능성 138
• 1) 생산-유통-수용의 재구성 138
• 2) 공동체와 친밀성의 경제 140
• 3. 한계와 비판적 검토 144
• 1) 제도화와 상업화의 딜레마 144
• 2) 지역성과 국제성의 불일치 148
• Ⅵ. 결론 154
• 1. 연구 결과 요약 154
• 2. 향후 연구 과제 157
• 참고도판 161
• 참고표 169
• 참고문헌 172
• Abstract 180