Image quality improvement of single shot grid-based dark-field X-ray imaging and its application

임현우 Graduate School, Yonsei University 2023 국내박사

Dark-field X-ray imaging (DFXI) is a new method based on small-angle X-ray scattering (SAXS), unlike conventional X-ray imaging, which is based on absorption contrast. This novel imaging technique can detect information about microscopic structures below the spatial resolution that cannot be detected by absorption X-ray imaging. Among the different DFXI techniques, single-shot grid-based DFXI (SG-DFXI) is suitable for commercialization and application to multiple fields because it requires a single X-ray grid and a single exposure with great simplicity and minimal requirements on the setup alignment. However, the disadvantage of this method is low-quality images owing to the low sensitivity to X-ray scattering and spectral overlap artifacts. Additionally, the lack of research on materials effective in detecting SAXS information in the SG-DFXI system makes finding a suitable application challenging. Therefore, although SG-DFXI can easily obtain dark-field images, it has low practicality. In this dissertation, for practical use, we proposed optimal design criteria for the SG-DFXI system and a motion blur technique to improve the quality of the dark-field image obtained with SG-DFXI. The optimal design of SG-DFXI could enhance the performance of the dark-field image in a limited system, and the motion blur technique removed spectral overlap artifacts. Additionally, we analyzed the material characteristics and particle size related to the dark-field signal obtained by SG-DFXI, demonstrating that SG-DFXI effectively detects objects with particle sizes of 100 nm–10 μm. Based on these properties, we applied SG-DFXI to detect low-density foreign bodies in food. Consequently, the proposed method improved the quality of the dark-field image by enhancing the performance of SG-DFXI and effectively eliminating spectral overlap artifacts. Furthermore, the dark-field image obtained with SG-DFXI showed that low-density foreign bodies with micrometer-scale porous structures could be more effectively detected than conventional X-ray images. In conclusion, the methods and analysis results proposed in this dissertation could increase the practical application of SG-DFXI. We expect the improved SG-DFXI based on the proposed method to be applied to different related fields. 암시야 X-선 촬영 기법은 기존의 흡수 기반의 X-선 촬영과 달리 소각 X-선 산란 기반의 새로운 영상 촬영 방법이다. 이 기술은 흡수 기반 X-선 영상으로 검출할 수 없는 공간 해상도 이하의 미세 구조에 대한 정보를 감지할 수 있다. 여러가지 암시야 X-선 촬영 기법 중, X-선 그리드를 사용하는 단일 촬영 그리드 기반 암시야 X-선 영상(single-shot grid-based dark-field X-ray imaging; SG-DFXI)은 암시야 영상을 빠르게 획득할 수 있고 영상 시스템 설치 비용이 적게 들기 때문에 상용화 및 다양한 분야에 적용하기 적합하다. 그러나 이 방법은 X-선 산란에 대한 민감도가 낮아서 암시야 X-선 영상의 성능이 상대적으로 낮고, 복잡한 물체를 촬영하는 경우 발생하는 스펙트럼 중첩 아티팩트로 인하여 낮은 화질의 암시야 X-선 영상이 획득된다는 단점이 있다. 뿐만 아니라 SG-DFXI 시스템에서 SAXS 정보를 검출하기 적합한 물체에 대한 연구가 부족하여 이를 효과적으로 적용할 수 있는 분야를 찾기가 어렵다. 따라서 SG-DFXI는 암시야 X-선 영상을 쉽게 획득할 수 있다는 장점에도 불구하고 실용성이 낮다는 단점이 있다. 본 논문에서는 SG-DFXI의 실용적인 사용을 위하여 SG-DFXI를 통해 획득되는 암시야 X-선 영상의 화질을 개선하고자 영상의 성능을 높일 수 있는 SG-DFXI의 최적 설계 기준과, 스펙트럼 중첩 아티팩트를 제거하기 위한 모션 블러 기술을 제안하였다. 또한 SG-DFXI에서 획득되는 암시야 신호와 관련된 물체의 특성과 입자 크기를 분석하여 SG-DFXI가 100nm에서 10μm의 입자 크기와 다공성 구조를 가진 물체를 감지하는 데 유용하다는 것을 보여주었고 이를 식품내 저밀도 이물질 검출에 적용하였다. 그 결과 제안된 방법은 SG-DFXI의 영상의 성능을 높이고 스펙트럼 중첩 아티팩트를 효과적으로 제거하여 암시야 X-선 영상의 화질을 개선시킬 수 있었다. 또한 SG-DFXI을 통해 획득한 암시야 X-선 영상은 기존 X-선 영상보다 마이크로미터 단위의 다공성 구조를 가지는 저밀도 이물질들을 효과적으로 검출할 수 있다는 것을 보여 주었고 개선된 SG-DFXI를 통해 저밀도 이물질을 더 명확하게 검출할 수 있었다. 결론적으로, 본 논문에서 제안한 방법들과 분석 결과는 SG-DFXI를 실용성을 높여줄 수 있었고, 이를 통해 SG-DFXI를 다양한 관련 분야에서 유용하게 적용할 수 있을 것으로 기대된다.

이미지 구성 체제의 원리 연구 : 중첩overlap, 겹침superimposition, 축적accumulation을 중심으로

이세옥 연세대학교 커뮤니케이션대학원 2009 국내석사

This paper analyzes overlap, superimposition, and accumulation in painting, photography, and moving image. Overlap and its variations are a way of making relations among figures and frames. According to the types of relations among components of an image, the body of this paper divides into three parts. First, I discuss overlap between figures within an image-field. In Renaissance painting, each figure is parallelly arranged in order to represent individual figure. Since Baroque era, layering of objects, however, can be depicted in represented spaces. The border lines between some figures are ambiguous and the audiences pay attention to interactions among them. Second, I concentrate on centers in an image-field. This is linked to the concept of 'frame'. Frame of an image is a boundary line of the visible world. It is also a surface of plane and a borderline of surface. Some visual elements are arranged on frame and they interact with one another under the order of power. Especially, the front-oriented gaze and flatness in a second-dimensional plane make the power of centers. The centers play a role as a symbol of the truth or a area for an authoritative figure. So overlapped and hidden centers make a noise in audiences’ gaze. It sometimes stirs up a visual sign itself and conventional ways of using it. Third, variations of overlap in moving image is discussed. Actually, in moving image, a screen itself is not only a veil but also an image. Projecting film on screen can be explained as a process of overlapping and accumulating a series of shots on an empty place. Especially, in moving image, overlap and superimposition reveal alternating relations between two shots. It can be an allegory of montage, which is not sequential but accumulative.Images that are constructed by overlap and its variations depict the concept of 'the visibility of the hidden'. It raises questions about the artistic gestures behind what is visible and what is not. As a way of looking at and understanding objects, overlap is not only an artistic technique but also an attitude to represent them. The analysis of overlap as an art form shows social and cultural context, in which this principle has used in composing an image and has been interpreted by audiences. This paper can be a complement to general ideological criticism on art work, which is conducted by analyzing contents of it. This paper suggest that author and audience can change their ways of perceiving and understanding objects by creative usages of visual signs through the techniques of overlap. 프레임은 기본적으로 화폭과 스크린의 테두리선, 즉, 가시성의 세계를 또렷하게 지정하고 있는 틀이다. 프레임의 또 다른 본질은 평면의 표면이다. 2차원 이미지는 ‘어떤 배열로 뒤덮인 평면’이다. 이것은 본고의 논의에 있어 주요한 전제이다.본고는 이미지 구성 원리로서 ‘중첩‘이 프레임 안 구성요소들의 관계 맺기 방식이라는 점에 주목한다. 이런 관계 맺기 방식은 매체의 본질을 드러내기도 하고, 매체의 본질을 전제해야만 가능한 것이기도 하다. 본문에서 분석한 이미지들은 이를 증명한다. 본문의 첫 번째와 두 번째 챕터의 이미지 분석은 프레임 안에서 가시적인 요소들이 배치되는 층위에서 이루어진다. 특히 두 번째 챕터에서는 중심성과 정면성을 중심으로 구성되어 있는 이미지들과 이를 바라보는 시선에 대해 분석한다. 세 번째 챕터에서는 프레임들 혹은 쇼트들이 관계를 맺는 방식으로서, 이중/다중인화 기법과 오버랩 기법을 분석하며, 무빙 이미지의 구축 원리를 사유한다. 그렇게 스틸 이미지의 구성 원리, 무빙 이미지의 구성 원리로서 ‘중첩’의 변주를 살펴본다.본문의 내용은 다음과 같다. 제2장의 연구 대상은 프레임 안에 들어서 있는 형태들 간의 관계이다. 이미지 장 안, 구성요소들의 중첩을 ‘불명료하게 표상’하는 것과 관련지어 살펴본다. 병치하는 것과 중첩하는 것, 선적인 것과 회화적인 것 등의 대립항을 가진 르네상스적인 회화와 바로크적인 회화의 차이에 비추어 본고의 논의를 시작한다. 또한 프레임 안에 배치되어 가시성을 획득했으나 가려진 채로 존재하여, 그것의 자세한 형태와 정체성이 묘사되지 않은 정황을 분석한다. 어떤 상황을 (구체적으로 낱낱이) 보지 않으면서, (그 존재를 똑똑히) 볼 수 있게 하는 시각적 기제로서 베일은 관람자로 하여금 단순하고 적나라한 현전과 마주하게 한다. 베일 혹은 마스크는 때로 그 구체적 상황을 공개하기 어려울만한 이유가 있음을, 혹은 그 상황의 성격 상 온전한 재현이 불가능하다는 사실까지 내포하고 있다. 베일은 펄럭이고, 꿈틀거린다. 특히 여성, 흑인, 범죄자 등이 이와 같은 시각적 도식을 통해 등장하는 경우에 주목한다.제3장에서는 대칭의 원리와 ‘중심 혹은 중앙’을 중심으로 구성하는 관습을 따르거나, 어긋나게 하는 시도들을 살펴본다. 중심성과 정면성을 동요하게 하는 기법으로서, 중첩의 원리와 이것의 속성을 활용한 형식들을 분석한다. 결과적으로는 정중앙의 중심으로 환원되는 시선일지라도, 중첩의 원리가 유도하는 시선의 경로, 시선의 행위는 단순하지 않다. 어떤 형상이 ‘가려지는’ 것은 다른 형상의 ‘드러남’에 의해 가능한 것이며, 가리고 드러나는 상반된 양태는 하나의 시각적 상황 안에서 공존할 수 있기 때문이다. 게다가 한 자리에 두 가지 이상의 형태가 중첩적으로 배치되면, 그 부위의 시각적 긴장이 높아지고, 그것은 이미지 장 안에서 한층 더 강력한 중심이 된다. 본고에서는 특히 진리를 상징하는 중심의 영역을 드러내고, 가리는 데에 활용된 중첩의 원리에 주목한다.제4장에서는 무빙 이미지를 구성하는 기본 단위인 프레임과 프레임, 쇼트와 쇼트가 관계를 맺는 방식으로서 이중/다중인화와 오버랩 기법에 접근한다. 두 개의 레이어가 겹쳐질 때, 프레임은 그 테두리선과 그 자신이 평면의 표면임을 드러낸다. 무빙 이미지에서 이중인화와 오버랩 기법은 쇼트와 쇼트의 관계에 적용시킬 수 있는 중첩의 원리로 볼 수 있다. 두 개의 쇼트를 하나의 프레임 안에 용해하여 동시에 보이게 하는 것이다. 오버랩은 둘 사이의 전이/이행 과정을 노출시킨다. 쇼트와 쇼트가 관계 맺는 방식으로써 ‘겹침’은 이전 쇼트가 새로운 쇼트로 ‘대체’되는 것으로도 설명될 수 있다. 그리고 빈자리이자, 그것 자체로 하나의 이미지인 ‘스크린’ 위에 ‘축적’되는 일련의 쇼트들의 관계는 ‘축적적인 몽타주’로 개념화할 수 있다. 2장과 3장에서도 이미지 구성 원리에 대한 분석을 통해 각 이미지의 매체성을 분석하지만, 4장에서는 이미지의 최소한의 요소인 프레임과 스크린에의 사유까지 나아간다.본고는 특히 관습적인 보기의 방식을 교란시키는 원리로서 ‘중첩’의 확장적 변주에 주목한다. 어떤 대상을 표상하는 관습적인 방식, 그것을 바라보는 시선의 욕망을 반영하는 특정 시각적 기호를 전복시키기 위해, 그 기호가 내포하고 있는 이데올로기적 기의를 드러내기만 하는 것에는 한계가 있다. 이보다, 보기의 방식과 기호 자체를 교란시키는 시각적 형식이 더 효과적이라고 생각한다. 이는 기호 체계를 파괴하고, 해체하는 것이 아니다. 이는 기호의 사용법과 해독법의 확장에 가깝다. 덧붙여, 본고의 관점에서 중첩 그리고 그것의 확장적 변주에 의해 구성된 이미지들은 소위 ‘불완전’하거나, ‘불명료한’ 이미지인데, 이는 관람자의 적극적인 참여에 의해 ‘텍스트’로 현현될 수 있다. 이는 관람자의 적극적인 참여를 유도하고, 이는 기호의 활용법, 더 나아가 기의의 변화에까지 영향을 미칠 수 있다.어떤 대상을 바라보고 이해하는 방식으로서, 중첩의 원리는 예술의 기법이자 태도일 뿐만 아니라, 그것을 재현하는 입장이고, 지각 활동이다. 그래서 ‘중첩의 원리’라는 이미지의 형식 분석은 ‘중첩의 원리’가 이미지 구성에 활용되고, 또 그것이 독해되는 사회문화적 맥락을 보여준다. 본고는 중첩의 원리라는 이미지 구성 원리의 해체 및 확장을 분석하며, 예술 작품의 내용 분석 위주의 이데올로기 비평을 보완할 수 있는 근간을 제공한다. 이렇듯 본고는 기호, 언어의 변화가 어떤 대상을 이해하는 방식의 변화를 도모할 수 있다는 일련의 정치적 입장을 내포하고 있다. 작가 혹은 관객은 이미지의 도식/형식/원리라는 체계를 수정, 변경, 개방, 부정하면서, 현실에 대한 이해와 현실 변화에 참여할 수 있다.

Binary images watermarking technique for overlapping patterns

Murasova, Yulia Graduate School of Information Management & Securi 2011 국내석사

In general, methods which are using overlapping patterns are more productive, as far as they increase the number of available for hiding patterns in several times. It allows to input more data into binary image. In this work we are presenting the overlapping patterns data hiding, reduced location map technique, and circle data hiding algorithm. The combination of this methods gives us promising results and foundation for future improvements. Pattern substitution (PS) method has been proposed by Ho et al. as a reversible watermarking schema for binary images. Originally there are two variants of PS method: for overlapping patterns and non-overlapping. Unfortunately, their algorithm for overlapping patterns is incomplete. Our schema avoids the confusions presented in PS method, so there are no limits in choosing the pattern for data hiding. The results show higher data hiding capacity without loss in distortion and visual quality.

드론 영상의 지형별 중복도 변화에 따른 정합 정확도 분석에 관한 연구

박봉근 전주대학교 문화산업대학원 2026 국내석사

무인항공기(UAV)를 활용한 항공사진 측량은 저비용·고해상도·단시간 공간정보 취득이 가능하다는 장점으로 도시계획, 재난 관리, 스마트시티, 공간정보 구축 분야 전반에서 활용이 확대되고 있다. 특히 정사영상(Orthomosaic) 및 3차원 지형 모델(DSM, Mesh)의 품질은 촬영 고도, GSD, 카메라 특성, 그리고 영상 중복도에 크게 영향을 받는다. 그러나 상용 소프트웨어에서 제시하는 70–80% 수준의 권장 중복도는 경험적 기준에 의존하고 있으며, 지형 특성을 고려한 정량적 검증은 충분하지 않은 실정이다. 또한 기존 연구는 평지 중심의 분석이 대부분으로, 고저차·수목·반복 텍스처가 존재하는 산지 환경에서 중복도 변화가 정합 안정성에 미치는 영향에 대한 체계적 연구는 제한적이다. 본 연구는 평지와 산지라는 상이한 지형 조건에서 동일한 촬영 환경을 유지한 상태로 전방·측방 중복도(50–90%)를 단일 변수로 설정하여, 정합 정확도(RMSE, Keypoint Matches, Calibrated Images), Tie-Point 연결 안정성, 정사영상 품질, 처리시간 변화를 정량적으로 분석하였다. 실험은 전북특별자치도 전주시 남고산 일대에서 수행하였으며, DJI Mavic 3 Enterprise RTK를 사용하여 고도 70 m, GSD 약 1.8 cm 조건에서 총 10개의 비행 시나리오를 구축하였다. 획득 영상은 Pix4Dmapper로 동일한 처리 옵션을 적용하여 항공삼각측량, 포인트클라우드 생성, 메쉬 재구성 및 정사영상 제작을 진행하였다. 분석 결과, 평지에서는 50% 중복도에서도 정합은 가능하였으나 AOI 외곽에서 왜곡이 발생하였다. 60–70% 중복도에서는 AOI 내부의 정합은 안정적이나 외곽부 불안정성이 잔존하였고, 80% 이상에서 AOI 전역의 Tie-Point가 균일하게 분포하며 안정적인 정사영상이 생성되었다. 반면 90%에서는 품질 향상 폭은 미미한 반면 처리시간 증가가 크게 나타났다. 이에 따라 평지 환경에서는 분석 목적에 따라 60–80% 중복도가 가장 효율적인 범위로 판단된다. 한편 산지에서는 50–70% 중복도 구간에서 AOI 내부에서도 Tie-Point 불량, Mesh 단절, Ortho 왜곡이 빈번히 발생하였다. 80%에서는 내부 정합이 일부 안정화되었으나 외곽 Canopy 영역에서는 Cross-View 부족으로 공간 왜곡이 지속되었다. 오직 90% 조건에서만 AOI 전역에 연속적인 Tie-Point 네트워크가 형성되며 왜곡 없는 정사영상이 생성되었으며, 이는 산악·수목 밀집 지형에서는 높은 중복도(90%)가 필수 조건임을 실험적으로 입증하는 결과이다. 또한 RMSE는 평지에서는 정합 품질을 비교적 잘 반영하였으나, 산지에서는 반복 텍스처로 인해 허위 특징점이 생성되면서 낮은 RMSE에도 불구하고 실제 Ortho에서 구조적 정합 실패가 관찰되었다. 이는 정합 성공이 단순 수치 지표보다 공간적 Tie-Point 연결 안정성과 관측 방향 다양성에 의해 결정됨을 의미한다. 처리시간 분석에서도 평지·산지 모두 90% 중복도에서 약 3배의 처리시간 증가가 나타났으며, 평지에서는 실무 적용 시 비효율적인 것으로 평가되었다. 종합적으로 UAV 항공사진 측량에서 중복도의 영향은 지형 특성에 따라 상이하게 나타났다. 평지에서는 60–80% 범위에서 목적에 따른 유연한 설정이 가능하나, 산지에서는 안정적 공간 정합과 정사영상 품질 확보를 위해 최소 90% 이상의 중복도가 요구됨을 확인하였다. 본 연구 결과는 향후 드론 기반 공간정보 구축에서 지형 특성을 반영한 비행 계획 수립 및 데이터 획득 가이드라인 마련을 위한 기초 자료로 활용될 수 있을 것으로 기대된다. Unmanned aerial vehicle (UAV) photogrammetry has rapidly expanded across urban planning, disaster management, smart city applications, and geospatial data acquisition due to its advantages of low cost, high resolution, and efficient data collection. The quality of orthomosaic imagery and 3D terrain models (DSM, Mesh) is strongly affected by flight altitude, ground sampling distance (GSD), camera characteristics, and especially image overlap. However, the commonly recommended overlap ratios of 70–80% provided by commercial UAV mapping software are largely empirical, and quantitative validation reflecting terrain characteristics remains insufficient. Existing studies have primarily focused on flat terrain, while systematic investigations into the effect of overlap variation in mountainous or vegetation-dense areas—where height differences and repetitive textures are prevalent—are significantly limited. In this study, forward and side overlaps (50–90%) were applied as the sole variable under identical flight conditions in flat and mountainous terrains to quantitatively analyze changes in matching accuracy (RMSE, Keypoint Matches, Calibrated Images), Tie-Point network stability, orthomosaic quality, and processing time. The experiment was conducted in the Namgosan area of Jeonju, Korea, using a DJI Mavic 3 Enterprise RTK at a flight altitude of 70 m and a GSD of approximately 1.8 cm. A total of ten flight scenarios were constructed, and all datasets were processed in Pix4Dmapper with consistent processing settings. The results indicate that, in flat terrain, image matching was achievable even at 50% overlap; however, distortions occurred along the AOI boundary. Overlaps of 60–70% produced stable matching within the AOI but still showed instability in outer regions. At 80% overlap, Tie-Points were uniformly distributed across the entire AOI, generating a stable orthomosaic, whereas 90% overlap yielded minimal additional quality improvement while significantly increasing processing time. Thus, for flat terrain, an overlap ratio of 60–80% is considered optimal depending on analysis objectives. In contrast, mountainous terrain exhibited frequent Tie-Point failures, mesh discontinuities, and orthomosaic distortions at 50–70% overlap even within the AOI. Although 80% overlap improved internal matching stability, distortions persisted in canopy-covered boundary regions due to insufficient cross-view observations. Only 90% overlap produced a continuous Tie-Point network across the AOI and resulted in distortion-free orthomosaics, demonstrating that high overlap is essential for stable spatial matching in steep or vegetation-dense environments. Furthermore, RMSE effectively reflected matching quality in flat terrain but did not reliably indicate structural matching success in mountainous areas due to false feature points created by repetitive textures. Differences in structural orthomosaic stability were evident between M80 and M90 scenarios despite similar calibration rates exceeding 99%, implying that matching success depends more on the spatial connectivity and directional diversity of Tie-Points than on numerical indicators alone. Processing time increased by approximately threefold at 90% overlap in both terrain types, with particularly low efficiency observed in flat terrain. Overall, the effects of overlap settings in UAV photogrammetry were found to differ substantially by terrain type. While flat terrain allows flexible adjustment within 60–80% depending on project objectives, mountainous terrain requires at least 90% overlap to ensure stable matching and high-quality orthomosaics. These findings provide foundational guidance for establishing terrain-specific flight planning strategies and data acquisition standards for future UAV-based geospatial projects.

Advanced Fabrication for Low Temperature Poly- crystalline Silicon to Improve the Performance of AMOLED Displays

전상호 경희대학교 대학원 2026 국내박사

Low temperature poly-crystalline silicon (LTPS) is one of the most promising technologies for the active-matrix organic light emitting diode (AMOLED) display and was already commercialized for the mass production of middle-small sized panels. However, there are still several unsolved problems, including the optical mura due to the instability in excimer laser annealing (ELA) facilities, changes in electrical properties according to the scanning direction of ELA, image-sticking affected by crystallization properties, and specific threshold voltage distribution map by the deformation of plasma enhancement chemical vapor deposition (PECVD) such as electrode gap. In this paper, kinds of solutions are suggested to improve these critical problems. Herein, we report the ultimate low grayscale optical mura in AMOLED displays, which is one of the most important display qualities, via an ELA process-based LTPS for thin film transistor (TFT) pixel circuits. This was systematically investigated through a static shot mode, and square-shaped poly-crystalline silicon grains were obviously grown at the interface between the flat-top region and steepness of the short axis in the line beam. Additionally, it was found that a new change in the structure of the high reflector and output coupler could decrease the short axis fluctuation of the laser beam, improving the fluctuation of the flat-top region in the short axis line beam, which leads to better optical mura. When looking at the shaking of the laser beam, it was confirmed that the diagonal twisted beam profile appeared in one direction of the conventional resonator was compensated in both directions with conversely twisted angle of the beam compensation resonator. In second, the entire transferring laser beam symmetry was enhanced as the irregular asymmetric center-peak fluctuation to the left or right side is nearly fixed without shift, and the flat-top slope of line beam was fluctuated with the range of ±20 in the conventional resonator, but it was stabilized to within ±10 in the beam compensation resonator. In third, the sigma value of micro photo-conductive response in the 1 cycle of gas lifetime was similar to that in the initial of gas lifetime. The fluctuations were slightly more stable in beam compensation resonator. The fluctuation up to maximum 0.73 was observed in the conventional resonator at the end of gas lifetime, but in the beam compensation resonator, it was drastically reduced to less than maximum 0.30. Consequently, the optical mura was improved by the laser-induced optical mura using the beam compensation resonator compared to the conventional resonator in the mode of W10 extremely viewing low grayscale. Secondly, it was studied the relation between the overlap effect of laser process energy required in forming the TFT pixel circuits by ELA and the image-sticking of AMOLED displays. The overlap effect of laser process energy in ELA could be classified into the increase of the overlap ratio due to the decrease in the scan pitch. In the certain size of short axis line beam, when the scan pitch decreases, the overlap ratio increases, and the spatially accumulative laser energy is also increased proportional to the overlapped repetition at the certain point. For the result, the image sticking was improved, it seems that the accumulative laser energy is highly effective to form the homogeneous grain and to cure the defect inside grains by improving the electrical conductivity for crystallization that was verified from the increase of carrier mobility in switching TFT. Also, the influence of grain growth direction on the performance of LTPS TFTs using ELA was investigated. Depending on the design of the cell layout, the structure of TFT has been rotated 90-degree to the crystallization direction, and it has been investigated the variation of TFT characteristics such as threshold voltage, sub-threshold slope, field effect mobility, and on- current etc. For this experiment, two types TFT structure of “U” and “–” shape was used as to the direction of crystallization. The structure of TFT with different crystallization directions produces characteristics differences, especially it was demonstrated that the perpendicular component to the crystallization direction exhibits the better TFT characteristics. From the spacing between protrusions, it is clear that X/Y direction spacing is different each other, Y- spacing is better homogeneous than X-spacing, it is able to expect that growth to the magnetic field has the more uniform distance between protrusions than that of electric field. In a nonmagnetic material, the reflectance coefficient is a formula of perpendicular and parallel polarization to the electric field, which are called s-polarized and p-polarized respectively. Among the line beam optics, the function of the attenuator is to control the output beam for optimized energy density which is generating the change of polarization, however it is not apparently demonstrated yet. In the future, it is necessary to review the relation between the polarization characteristics of the attenuator and the direction of protrusion formation. Finally, among the various defects of AMOLED displays, the bright spot caused by the shift of threshold voltage forms a constant map within the entire glass from time to time. Of course, this map is probably able to be caused by several other process, but the highly suspicious thing is considered the deposition process by PECVD. In this paper, the relation between the threshold voltage and hardware parameters of PECVD was reported. The upper electrode (diffuser) to uniformly spread process gas and lower electrode (susceptor) to heat the glass have the constant gap to deposit the required layer with uniform thickness, which attributes the homogeneous formation of plasma induced space, it was demonstrated that the threshold voltage can be controlled by the upper and lower electrodes gap. Also, the distribution of threshold voltage in the entire glass is able to be controlled by the flatness of upper electrode. These results create a situation in which the sudden fluctuation of threshold voltage can be controlled more effectively through the adjustment of electrode gap. Key words Low Temperature Poly-crystalline silicon, Excimer Laser Annealing, Optical mura, Image sticking, Overlap ratio, Grain growth, Crystallization direction, Threshold voltage, Polarization, Plasma Enhancement Chemical Vapor Deposition, Electrode gap.

나무표피의 이미지를 이용한 텍스타일 디자인 연구

황다움 서울여자대학교 일반대학원 2018 국내석사

나무는 인간과 가장 친밀한 자연 객체 중 하나로써 오랫동안 예술작품의 소재로 사용되었다. 나무의 요소 중 나무표피는 끊임없이 갈라짐을 반복하며 나무가 일생동안 겪는 변화의 과정을 기록한다. 이에 본 연구는 나무표피에서 발견한 ⌜생성, 성장, 노화, 소멸⌟의 이미지를 텍스타일 소재의 투명성과 불투명성을 활용한 중첩효과로 디자인하였다. 본 연구는 첫째, 이론적 고찰을 통해 나무와 표피의 생물학적 정의와 구조를 파악하였다. 나무 표피는 환경 변화에 순응과 저항을 반복하며 생성부터 소멸까지의 과정을 압축적으로 나타낸다. 둘째, 점, 선, 면, 입체, 색채, 소재의 조형 요소를 바탕으로 나무와 표피의 조형적 특성을 분석하였다. 나무표피의 형태적 특성인 갈라진 선과 거칠고 딱딱한 질감의 면, 울퉁불퉁한 균열의 높낮이 변화에서 오는 입체감을 디자인에 반영하였다. 셋째, 회화와 설치, 사진의 현대미술과 섬유예술 및 디자인 사례를 통해 나무 작품들의 다양한 이미지와 표현 방법을 분석하였다. 그 결과 여러 예술 분야에서 나무는 많이 다루어졌지만 나무표피를 주제로 한 작품은 드물었다. 선행 사례 분석을 통해 텍스타일 디자인에 있어 나무표피 이미지 연구의 필요성을 알 수 있었다. 넷째, 앞선 이론적 고찰과 작품 사례연구를 바탕으로 나무표피의 이미지를 디자인하였다. 본 디자인에 사용한 중첩효과 기법을 선과 리듬감, 면과 질감, 입체와 공간감으로 나누어 분석하였다. 실의 반복된 중첩은 선적 리듬감을 형성하고, 다양한 소재의 텍스타일을 중첩하면 독특한 질감으로 표현된다. 또한 투명한 소재의 전, 후 투과성으로 인해 깊이 있는 입체적 공간감을 연출할 수 있다. 중첩 시 머신 스티치 기법을 이용하여 텍스타일의 견고성과 강도를 높여 나무표피 이미지를 조형미 있게 표현하였다. 작품은 ⌜생성, 성장, 노화, 소멸⌟의 4단계별 이미지로 디자인하여 입체와 평면 두 가지 형태로 제작하였다. 순수한 생성 이미지는 순백의 투명한 노방실크와 광택 있는 나일론사를 중첩하여 부드럽고 깨끗한 이미지로 형상화하였다. 성장의 이미지는 생동감 있는 고채도의 푸른 색감을 가진 따뜻한 면 소재를 활용하였고, 실의 반복을 통해 리듬감을 강조하여 활기찬 이미지로 표현하였다. 메마른 노화 이미지는 저채도의 갈색, 녹색을 이용하여 나타냈고, 세리신 분해한 노방실크의 거친 질감과 울 소재를 사용하여 퇴화하는 이미지로 연출하였다. 소멸의 이미지는 흑과 백의 대비되는 무채색과 거친 표면의 울 소재를 이용하여 표현했다. 전반적인 작품 제작에 있어 노방실크의 세리신 분해, 울 분해, 홀치기염색 등 텍스타일의 화학적 변화를 통해 표현의 심도를 높였다. 더불어 가방, 의류, 프린팅 등으로도 제작하여 새로운 디자인과 가치를 추구하는 현 시대의 아트 텍스타일 프로덕트로 확장 시키고자하였다. 중첩을 통해 견고하게 표현한 나무표피 이미지의 텍스타일 디자인이 앞으로 산업 현장의 트렌드, 컬러, 소재들을 반영하여 지속적으로 개발 될 수 있도록 계속 연구하겠다. Trees are one of the most intimate natural objects of human beings, and they have been used as a source of art for a long time. Among the parts of a tree, the bark repeatedly cracks and records the process of the tree’s life-long changes. As such, this study designed the image of the ⌜formation, growth, aging, extinction⌟ found on the bark of trees using an overlapping effect between the transparency and opacity of textile materials. First, this study grasped the biological definition and structure of a tree and its bark through a theoretical study. The bark of a tree repeatedly undergoes adaptation and resistance to environmental changes, and shows the process from generation to extinction in a compact way. Second, the formative characteristics of wood and its bark were analyzed based on the molding elements of a point, line, surface, three-dimensional figure, color, and material. The cracked lines, rough and hard texture of the surface, and the changes in height of the uneven crack, which are all characteristics of the tree bark, were reflected in the design. Third, various images and expression methods of wood works through paintings, installations, and photos as shown in contemporary art, textile art, and designs were analyzed. As a result, it was noticed that many trees have been used for various fields in art, but works that use the bark of trees as its subject were rare. This case analysis showed the necessity of studying the tree bark image in textile design. Fourth, the image of the tree bark was designed based on a theoretical study and case study research. The overlapping effect technique used in this design was divided into line and rhythm, surface and texture, and three-dimensional figure and space, and analyzed accordingly. The repeatedly overlapping threads formed a curvilinear rhythm, and when textiles of various materials are overlapped, they are expressed in a unique texture. In addition, it was possible to express a three-dimensional space using the before and after effect of permeability of a transparent material. The machine stitching technique was used when overlapping to enhance the ruggedness and strength of the textiles to express the tree bark in an aesthetic manner. The work was designed and divided into 4 stages ⌜formation, growth, aging, extinction⌟ and produced in both a three-dimensional and two-dimensional structure. The pure formation image was formed by overlapping the pure-white, transparent silk yarn and a glossy nylon yarn to project a smooth and clean image. The growth image was made with a cotton material in a lively blue color with a high saturation, and rhythmic sense was emphasized through the repetition of thread to express a lively image. The barren aging image was expressed using brown and green colors with low saturation, and a degenerating image was expressed using the coarse texture of a silk yarn decomposed with sericin, as well as with wool. The extinction image was expressed using contrasting achromatic colors black and white, and with a wool material that has a rough surface. In the overall work production, the depth of expression was enhanced through the chemical transformation of textiles, such as the decomposition of silk yarn using sericin, wool decomposition, variegation, etc. In addition, bags, clothes, and printing were produced in order to expand into contemporary art textile products that pursue new design and value. Continuous study in the textile design of the tree bark that is solidly expressed through the overlap by reflecting the trends, colors, and materials of the industrial field is needed so that it can be continuously developed.

장자의 자유관을 적용한 중첩 영상 미디어아트 : 작품 『명상시간』을 중심으로

노정기 중앙대학교 첨단영상대학원 2023 국내박사

Zhuangzi's philosophical thinking system is an important part of ancient oriental philosophy. His far-reaching philosophical views cover Taoism, virtue, humanity, nature, and freedom. And "freedom" is the most representative thinking of Zhuangzi, the pursuit of which runs through his entire theoretical system. His aesthetics of freedom is prominent in the aesthetic field, it plays an important role in the artistic field in this modern society where new media technologies are gaining rapid development, and provides significant guidance to the creation and beauty-appreciation of new media art. This paper mainly discusses the application and expression of Zhuangzi's view of free aesthetics in new media art works. Taking superimposed images of new media art as the key research object, this paper analyses cases, conducts practical creation, and focusing on my superimposed image work 󰡔Meditation Time󰡕, 󰡔TWIN󰡕, 󰡔Streamer Light󰡕, analyses and deeply discusses these works with Zhuangzi's view of free aesthetics. Firstly, this paper studies the formation of Zhuangzi's aesthetics in depth. Starting from the social background and historical environment then, this paper analyses the social foundation of the formation of the view of free aesthetics, and the theoretical basis of the formation of the view of free aesthetics by papering the influence of Laozi's philosophy on Zhuangzi's thought. Then this paper breaks the view of free aesthetics into a few parts and explores in details the view of freedom from the internal and external perspectives. According to Zhuangzi, only when aesthetics is not limited by anything can infinite possible aesthetic results be created. Modern new media art requires various new media technologies and methods to realize free artistic creation and countless possibilities. New media art creation chimes in with the view of free aesthetics when it comes to the pursuit of artistic freedom. Secondly, this paper takes superimposed images in new media art as the research object and briefly analyses superimposition features and its history and development in artistic creation. In the analysis of superimposed image cases, this paper highlights the influence of superimposed image's visual features on people's aesthetic experience. The overlapped and compound visual effect of superimposed images enables people to experience and perceive more. Such works also provide more angles and freedom for people to appreciate. Additionally, this paper also analyses the presence of Zhuangzi's view of free aesthetics in these cases and how to interpret them with his view of free aesthetics. Next, it explores the relationships between Zhuangzi's view of free aesthetics and artists, visitors, and works themselves, sorting out the relationship between art and philosophy in the process of interpretation, comparison and analysis. Then this paper analyses and discusses my works from the view of free aesthetics, and from the perspectives of creative ideas, practical production, presentation effects, work concepts, ideological connotations, etc., discusses in detail the creation process and results of my works. In the analysis of the artistic expression methods and aesthetic results of my works, the inspiration of the cases to my creation and the influence of the view of free aesthetics on my creation are presented. Lastly, through comparative analysis of my works, this paper discusses the guiding role of Zhuangzi's view of free aesthetics in artistic practice, and then closes by summarizing the irreplaceability and limitations of the view of freedom in practice. The view of free aesthetics is irreplaceable because on the one hand, it develops and changes on a reliable philosophical and theoretical basis provided by Taoism, and on the other hand, the unique aesthetics of Zhuangzi's view of freedom is consistent with the essence of art, which is freedom. Therefore, the view of free aesthetics has gained high recognition and acceptance in the aesthetic circle of the art world. Despite its irreplaceability, it also has limitations, just like any other ideas. Its limitations originated from the society where it was formed. Compared with the thriving society nowadays, the one at that time was not peaceful. Due to the turbulence caused by the change of regime then, people could not live and work in peace and contentment, the culture, science and technology were seriously stunted. Additionally, people's cognition was limited. Therefore, the view of freedom produced in such an era inevitably collides with the open, progressive, innovative, practical, law-abiding, and compliant ideas of the modern society to some extent. In the artistic practice, only by taking the essence and discarding the dregs of the view of freedom can we create excellent art works with free aesthetic thoughts that fit the modern society. 장자의 철학 사상 체계는 동양 고대 철학의 중요한 구성 부분이다. 장자의 철학 관점은 도덕, 인성, 자연, 자유를 포함하여 광활한 범위를 포괄한다. “자유사상”은 장자의 가장 대표적인 사상으로서 자유에 대한 그의 추구는 그의 전반적인 이론 체계를 관통하고 있다. 그중에서도 미학 분야에서 자유관의 영향력이 두드러진다. 미디어 기술이 빠르게 발전하는 현대 사회에서 자유관은 예술 분야에서 여전히 중요한 지위를 유지하고 있으며, 미디어아트의 창작과 심미 과정에서 중요한 지도적 역할을 한다. 본 논문은 주로 장자의 자유관이 미디어아트 작품에서 어떻게 활용되고 표현되는지를 논하고자 한다. 또한 미디어아트에서의 중첩 영상을 중점적으로 사례 분석과 개인 작품의 창작을 진행하였다. 연구자의 중첩 영상작품 󰡔명상시간(冥想時間)󰡕, 󰡔TWIN󰡕, 󰡔Streamer Light󰡕를 중심으로 장자의 자유관을 이용해 이들 작품을 분석하고 해석하며 심층적으로 탐구하고자 한다. 우선 본 논문은 장자의 자유관 형성을 심층적으로 연구하였다. 당시의 사회적 배경과 역사적 환경에서 출발하여 자유관이 형성된 사회적 토대를 분석하였다. 그리고 노자의 철학이 장자 사상에 미친 영향을 연구함으로써 자유관 형성의 이론적 토대를 분석하였다. 그런 다음 자유관의 내용을 해부하여 내면과 외면의 관점에서 자유관의 상세한 내용을 각각 탐구한다. 장자는 심미가 어떠한 제한도 받지 않아야 하며 자유롭고 구속 받지 않는 이념이야말로 심미적 결과에 끝없는 가능성을 만들어줄 수 있다고 보았다. 오늘날 미디어아트의 창작 이념은 바로 다양한 미디어 기술 수단을 통해 예술 창작의 자유성과 끝없는 가능성을 실현해야 한다. 예술의 자유성을 추구하는 측면에서 미디어아트의 창작과 자유관의 이념은 서로 부합된다. 둘째, 본 논문은 미디어아트 중 중첩 영상을 연구 대상으로 하여 중첩 구조 형식의 특징과 예술에서 중첩 구조의 역사 및 발전을 간략히 분석하였다. 중첩 영상의 사례 분석 과정에서 중첩 영상의 시각적 특징이 관람객의 심미적 경험과 심미적 느낌에 미치는 영향을 중점적으로 설명하였다. 중첩 영상이 만들어낸 시각 효과는 서로 얽혀 복합적으로 나타난다. 따라서 관람객은 중첩 영상과 같은 예술 형식을 감상할 때 풍부한 인지적 경험을 얻을 수 있다. 아울러 작품이 관람객에게 제공하는 심미적 공간 역시 더욱 광범위하고 자유롭다. 연구자는 중첩 영상 예술 작품의 사례 분석을 진행하는 과정에서 장자의 자유관이 사례에서 구현된 모습을 분석하고 장자의 자유관을 이용해 이들 작품의 내용을 어떻게 해석할 것인지를 분석하였다. 예술가, 관람객, 작품 등 세 가지 관점에서 장자의 자유관과의 관계를 각각 탐구하고 해석, 대조, 분석의 과정에서 예술과 철학 간 관계를 정리하였다. 그런 다음 본 논문은 자유관의 관점에서 출발하여 연구자의 작품을 분석하고 탐구하였다. 창작 맥락, 실천 및 제작, 드러나는 효과, 작품에 담긴 이념, 사상적 의미 등 다양한 관점에서 연구자 작품의 창작 과정 및 결과를 상세히 기술하였다. 작품의 예술적 표현방식 및 심미적 효과를 분석하는 과정에서 사례 작품이 연구자의 작품 창작에 가져다준 시사점을 보여주는 동시에 자유관이 연구자의 창작에 미친 영향을 설명하였다. 마지막으로 연구자의 작품의 대조 및 분석을 통해 장자의 자유관이 예술적 실천 과정에 가져다주는 지침으로서의 역할을 탐구하였다. 그리고 실천 과정에서 자유관이 지니는 대체 불가능한 특징 및 한계점을 정리하였다. 자유관의 대체 불가능한 특징 중 하나는 도가 철학이 확고한 철학적 토대를 제공함으로써 그 발전 및 변화가 신뢰할 수 있는 이론적 토대 위에 구축될 수 있다는 점이다. 다른 하나는 예술 창작의 본질은 자유로움에 있다는 것이다. 장자의 자유관이 지니는 독특한 심미적 맥락 및 예술적 본질은 서로 부합한다. 따라서 자유관은 예술계와 미학계에서 높은 수준으로 인정받고 수용되었다. 그러나 어떤 관점과 사상에게도 양면성이 있는 만큼 자유관 역시 한계점을 지닌다. 그 한계점은 그것이 기원한 사회적 배경에서 비롯된다. 현대 사회의 번영과 비교할 때 당시의 사회적 배경은 불안정하고 평화롭지 못하였다. 당시 사회는 정권의 교체로 혼란과 불안이 계속되어 대중은 편안한 삶을 누릴 수 없었고 문화와 과학기술의 발전도 제한적이었다. 또한 당시 사람들의 교육 수준은 현대에 비해 비교적 낮았다. 이러한 시대적 배경 속에서 생겨난 자유관은 현대 사회의 개방적이고 진취적이며 혁신적이고 실용적인 모습, 법규에 충실한 사상 관념과 상충되는 측면이 있다. 예술의 실천 과정에서 자유관의 내용 중 핵심적인 부분을 취하고 불필요한 부분을 배제해야만 오늘날 사회의 자유관에 부합하는 우수한 예술 작품을 창작할 수 있다.

일상 언어와 비일상적 이미지의 관계 표현 연구 : 본인의 작품을 중심으로

김민주 국민대학교 일반대학원 2023 국내석사

본인은 일상을 살아오면서 여러 관계에서 답답함을 느껴왔다. 그중 일상에서 사용하는 언어를 비롯한 일상적 당연함이 그러했다. 그 당연함은 인간이 자라면서 받아오는 교육 즉, 훈육에 의한 발달이 대표적이다. 이런 훈육 관계는 그럴듯하게 형성되어 많은 것을 고착시키고 당연한 것으로 만들어, 언어를 사용처가 제한된 도구로 전락시켜 버린다. 언어는 우리의 표현 수단임에도 불구하고 사용 방법과 규칙에 얽매여 있는 듯하다. 통하지 않는 말은 없는 말이 되어버리고, 자연스럽게 소수와 소외된 언어는 중요하지 않은 것이 된다. 일상의 언어의 특징을 프랑수아 줄리앙의 말로 다시 하자면 “(일상의)‘확정성’은 이처럼 일체의 정립에 연루된 부정적인 것을 불러낸다. 그런데 이는 결함 때문이 아니라, 정확히 그것이 정립이고 더 이상 동요되지 않는 규범성으로서 부과되며 생산력이 없고 더 이상 가동하지 않기 때문이다.”(프랑수아 줄리앙, 『탈합치 : 예술과 실존의 근원』, 교유당, 2021, 이문세 옮김, 89p) 가동하지 않는 굳은 언어는 한계를 지닌다. 루트비히 비트겐슈타인이 말하는 언어놀이는 우리가 언어를 사용하는 데 확실한 것을 걸러주는 틀과도 같다. 본인은 일상 언어와 비일상적 이미지(회화)라는 틀을 임시로 설정하였다. 본인의 작업은 일상을 관찰하여 그린 연필 드로잉을 겹쳐서 반복과 겹을 드러내는 것이다. 그것은 일상 언어가 의사소통을 전제로 만들어진 것임에도 각자 다른 상황이나, 서로 다른 언어가 맞닥뜨리는 순간에서는 불확실해진다는 것을 보여준다. 하지만 캔버스 화면에서의 드로잉 겹은 본인의 작품에서 완전히 합쳐지지 않고, 드로잉 각각의 원래 모습을 잃지 않은 채 잠깐씩 확실한 모습을 드러낸다. 그러한 점에서 본인의 작품은 불확실함과 확실함을 오가는 그 자체 힘을 가지고 있는 열리는 중인 상태라 할 수 있다. 왜냐하면 작품에서의 이미지는 관람자가 그것을 볼 때 모호한 모습을 띠고 있지만 곧 다시 확실해지며, 불확실하기에 전혀 다른 것으로 바라봄으로의 감상을 가능하게 만들기 때문이다. 그리고 이는 그림을 보는 관람자에게서 계속해서 번갈아 나타나게 된다. 본인은 일상 언어가 작동하는 방식이 아닌 언어가 비일상적으로 작동하는 이미지를 그려낸다. 그런 이미지는 정확히 알 수 없는 형태를 하고 있지만 상상에 의해 확실한 무언가로 관람자의 일상에 자리 잡게 된다. 이것은 자크 라캉이 말하는 상상계를 드러내는 듯하지만 동시에 상징계의 흐름을 드러내 일상과 비일상의 단차를 극복하는 것이기도 하다. 그렇게 관람자는 본인의 그림을 감상하며 일상에서 비일상으로 나아가는 듯하지만, 다시 원래의 일상으로 복귀하게 된다. 다시 말해 본인의 작업은 그림을 보는 사람이 일상을 다르게 감각할 수 있도록 해준다. 또한 그러한 작업을 통해 관람자 스스로가 고착된 일상에서 벗어나 다른 일상을 만들 수도 있을 것이다. 이는 새로운 고착화로, 원래 있던 고착화를 와해시키는 것이나 다름없으며 서로 다른 고착의 조응이 된다. 이런 반복적인 운동은 관람자가 본인의 작업을 전시장에서 마주했을 때 언캐니한 이미지와 불확실한 내러티브를 보고 상상을 하면서부터 시작된다. 그리고 이 상상은 관람자 자신이 가지고 있던 기억, 과거, 보이지 않는 일상에서 시작된다. 이런 관람 방식은 상징계라는 틀을 흔들 수 있으며, 일상에서 놓쳤던 것의 실마리를 줄 수도 있다. 그렇게 현재는 더디게 흘러가며, 가능성을 잡아챌 수 있는 상태가 된다. 그렇게 이제까지 당연하게 여겨왔던 일은 의심스러운 일이 되고 마는 것이다. 이것은 본인의 작업에서 나타나는 일상을 보며 그린 이미지의 언캐니한 모습, 계속해서 해석될 여지가 있는 씌어지는 텍스트가 보여주는 특징이다. 예를 들어 “엄마 사랑해”라는 말은 사랑 옆에 있는 미안함, 미안함 옆에 있는 안심, 안심 옆에 있는 자기방어, 자기방어 옆에 있는 학습 등의 고착화된 것이 녹아내리며 그 뜻이 여러 겹의 이미지로 분화될 수 있다. 즉, 말하는 이와 듣는 이 서로의 언어는 복잡한 이미지 층끼리의 조우이다. 하지만 그럼에도 불구하고 “엄마 사랑해”는 그저 “엄마 사랑해”일 뿐일지 모른다. 사랑한다는 말뿐만 아니라 모든 언어와 몸짓은 이해의 길목에 놓여 있으며, 이는 언어의 껍데기를 드러내어 나타나는 순간에 가능한 것이기도 하다. 본인의 작업을 통해 일상을 거닐며 관찰하고 기록한 것을 다시 작업실에서 그려내 주체를 확인할 수 있다. 그리고 작가와 대상만이 있던 작품이 전시장이라는 공간에서 관람자와 마주치게 되는 순간, 그동안 본인이 스스로 표현할 수 없었던 타자를 불러일으키게 된다. 이것은 샤를 보들레르가 말한 모더니티 회화의 특징이기도 하다. 그가 예견했듯 주체와 객체는 고정될 수 없는 것이며 각각 이중적인(혹은 다중적인) 존재가 될 수밖에 없다는 것이 본인의 작업에 고스란히 담겨있다. 제한적인 존재(서구, 남성, 백인, 기독교인, 권력자, 엘리트 교육을 받은 자)인 주체의 계보는 현대에 와서 여러 담론과 맞물리며 다시 쓰이고 있다. 그리고 이것은 삶을 이해하기 위해서라면 끊임없이 행해져야 하는 것이다. 본인의 작업은 그것을 행하기 위한 수단 중 하나로 불안정함 그 자체를 나타내는 것뿐만 아니라 이를 통해 다른 그리기(쌓아 올리면서 공들이지만 확고한 재현이 되지 않는), 다른 글쓰기(원래의 내러티브가 발휘되는 방식과 다르게 써지는), 다른 보기(단순한 기억과의 대조가 아닌 곧 바뀔 현재로서의 기억으로), 다른 읽기(단번에 의미가 생기지 않는 씌어지고 읽히는 변모하는 텍스트로), 다른 느끼기(한계를 지닌 불확실함이 아닌 불확실함에서 출발하는 것으로)를 자아내고 있다. 그렇게 본인은 연필 드로잉의 겹을 통해서 했던 말을 다시 하고 그렸던 그림을 다시 그리며 놓쳤던 것을 끌어올린다. 그건 다름 아닌 본인의 작업에서 기억이 다른 형태로 보존되어 그려지기 때문이다. 그와 동시에 계속 겹쳐지며 그려질 뿐인 이미지는 완성됨에 고정되지 않고 관람자와 마주칠 때 매번 새로운 의미를 만들어낸다. 그렇게 그려진 비일상적 이미지는 일상 안에 존재하는 또 다른 일상의 단편이며, 기억은 내 안에 존재하는 타자의 단편일 것이다. 또한 관람자에게 있어서는 본인의 작업과 작가 자신도 모르는 은밀한 대화가 가능하게 된다. 그것은 이제껏 그래야만 했기에 이전과 똑같이 사용하는 언어가 아니라, 왜 그래야만 하는지 생각하는 언어이자 자유로운 언어이다. 일상과 비일상이 마치 하나의 놀이처럼 보이는 예술의 자율성은 다름 아닌 관람자가 더욱 유동적으로 작품을 느끼는 것으로 시작된다. 언어를 제한적인 도구가 아닌 그것의 불확실함을 보유하고 확실함을 유보하며 양쪽을 자유롭게 드나드는 본인의 작업은 이 시대에 있는 언어 표현을 확장하는 예술이다. I have felt frustrated in various relationships throughout my daily life. Among them was inevitability, including the language used in everyday life. The necessity is the education that humans receive as they grow up, the development by discipline. These disciplinary relationships are plausible, fixing and taking many people for granted, reducing language to a restrictive tool. Language seems to be bound by usage and rules, even though it is our means of expression. Uncertain languages become non-existent languages, and naturally few languages and marginalized languages become meaningless. This hardened language has its limits. Ludwig Wittgenstein's Language Game is like a framework for filtering out certain things in our use of language. I have temporarily set the fence of routine language and non-routine images. My work is to observe everyday life and reveal repetitions and layers of pencil drawings drawn by overlapping them. It shows that even though everyday language is created on the premise of communication, it becomes uncertain in different situations or moments when different languages meet. However, in my work, which is drawn by overlapping several drawings, the drawings do not completely merge, and the layers of the drawings that do not lose their original appearance momentarily reveal a clear appearance. In that respect, it can be said that it is in an open state that has its own power to travel between uncertainty and certainty. Because it has an ambiguous appearance, but it soon becomes clear again, and because it is uncertain, it becomes possible to appreciate it by looking at it as something completely different. And this continues to appear alternately to the viewers who see the painting. Instead of how everyday language works, I draw images in which language works strangely. Such images have a form that cannot be known exactly, but they are established in the daily life of the viewer as certain by imagination. This seems to reveal Jacques Lacan's Imagination, but at the same time, it aims to overcome the differences between daily and non-daily life by revealing the flow of Symbolic. The viewer in this way seems to move from his daily life to non-daily life while appreciating my paintings, but returns to his routine. In other words, my work allows the viewer to feel daily life differently. Such work also allows the viewer to escape from the fixed daily life and create another daily life. This is a new fixation, which collapses the original fixation and meets the other fixation. This repetitive movement begins with the viewer seeing and imagining the uncanny image and uncertain narrative when facing my work in the exhibition space. And this imagination begins with the viewer's own memory, past, and invisible daily life. This perspective can shake the fence of Symbolic and give clues about what you've missed in your daily life. The present flow is now slowing down, and it is possible to capture the possibilities. That is why what has been taken for granted so far becomes questionable. This is the uncanny image of the image drawn while looking at the daily life that appears in my work, and the written text that has room for continuous interpretation. For example, the word "Mom, I love you" melts the solidities of sorry next to love, relief next to sorry, self-defense next to relief, and learning next to self-defense, and its meaning can be divided into multiple layers of images. In other words, the language of the speaker and the listener is an encounter between complex image layers. But nevertheless, "I love you mom" may just be "I love you mom". In addition to the word "I love you," all languages and gestures are on the path of understanding, which is possible at the moment of manifesting the shell of language. Through my work, I can check the subject by walking through my daily life and drawing what I have observed and recorded again in the studio. And the moment a work that existed only for the artist and the object encounters the viewer in the exhibition space, it evokes others who have not been able to express themselves. This is also a characteristic of modernism painting that Charles Baudelaire talked about. It is contained in my work that, as he foresaw, the subject and the object cannot be fixed, and each has to be double (or multiple). These days, the genealogy of the subject(Western, male, white, Christian, power, elite educators) is being rewritten in conjunction with various modern discourses. And this is something that has to be done constantly to understand life. Not only does my work represent the instability itself as one of the means to accomplish it, but it also evokes different drawings (stacking layers but not in the form of firm representation), different writing (written differently from how the original narrative works), different views (which not only contrast with memory, but can also contrast with memories of the soon-to-be-changing present), different readings (as a writerly text and readerly text whose meaning changes), and different feelings (starting with uncertainty rather than marginal uncertainty). I repeat what I said through the layers of the pencil drawing and redraw the picture I drew to bring up what I missed. That's because memories are preserved and drawn in different forms in my work. At the same time, the images that are continuously overlapped and drawn are not only completed and fixed, but create a new meaning every time they encounter the viewer. The unusual image drawn in that way is another fragment of everyday life that exists in everyday life, and memory will be the fragment of the other that exists in me. In addition, for the viewer, it is possible to have a secret conversation that the artist himself or herself does not know. The language of these conversations is not the same language as before, the language that has to be followed, but the language that thinks why it should be, the language that is free. The Autonomy in which routine and non-routine life seem like a play begins with the viewer feeling the work more fluidly. My work of moving in and out of both sides freely, holding its uncertainty, retaining certainty, is an art that expands the expression of language in this era, rather than a limiting tool of language.

복제와 중첩을 통한 '파생정보' 이미지 연구 : 본인 작품을 중심으로

허창범 중앙대학교 대학원 2021 국내석사

이 논문은 복제와 중첩이라는 이미지 형성 과정을 통해 ‘파생정보(hyper in-formation)’라는 개념을 시각화한 연구자의 두 가지 연작에 관한 연구이다. 연구자는 현대 사회에 존재하는 다양한 정보들에 대해 의문을 갖고, 정보에 있어서 그 특성이 가변적이며 상호작용한다는 사실을 파악하고, 이를 시각적으로 나타내어 작품을 제작하였다. 각각의 연작은 정보의 복제성과 중첩성을 통해 파생정보로 생성되었다. 본 연구의 목적은 자연 철학의 관점에서 연구자의 작품이 갖는 의의와 가능성을 고찰하는 것이다. 그러기 위해서 작품의 바탕이 되는 개체화 이론과 그 모티브가 되는 두 개념인 ‘형태 부여(in-formation)’, ‘파생실재(hyperreality)’를 고찰해본다. 작품의 주제이자 연구자 작품 분석의 새로운 해석 도구로 가능성을 제기하는 파생정보는 질베르 시몽동(Gibert Simondon, 1924~1989)의 개체화 이론을 중심으로 그가 제시한 ‘정보(형태 부여)’의 관점에서 탐구한다. 그리고 장 보드리야르(Jean Baudrillard, 1929~2007)의 시뮬라시옹 이론에서 ‘파생실재’ 개념을 탐구하고 그것을 면밀히 분석하여 연구자의 작품 분석의 해석 도구로 가능성을 제기하는 파생정보로 제시한다. 그리고 연구자의 주제를 구체적으로 설명하기 위해 다양한 정보의 개념 및 정의를 서술하고, 연구자의 관점을 제시한다. 또 이미지의 인지 메커니즘을 탐구하여 인간이 정보를 어떤 과정을 거쳐 수용하고 인지하는지에 대한 연구를 헬뮤트 레더(Helmut Leder, 1963~)의 미적∙경험모델을 통해 진행하여 최종적으로 연구자의 작품론인 파생정보(hyper in-formation)를 정리한다. 결과적으로 연구자의 작품인 <복제> 연작과 <중첩> 연작은 정보가 가진 가변적 속성을 시각화하고, 이들이 내∙외부의 요인에 의해 파생정보로 변화하는 과정을 시각화한 것이다. 연구자는 정보가 가진 복제와 중첩의 성질을 작품 제작 과정을 통해 구현하였다. 그리고 이렇게 만들어진 작품을 ‘파생정보’라고 명명하였다. 이 파생정보는 작품이 전시되어 보여지고 해석되는 과정을 통해 계속해서 파생정보로 생성된다. 작품의 제작 과정에서 다양한 요인의 영향을 시각화시키는 것은 연구자의 작품이 갖는 특징이다. 연구자는 현대 사회에서 끊임없이 변화하고 상호작용하는 정보를 활용하여 인식의 확장과 시대와 환경의 변화에 따른 예술을 수행하고자 한다. 그리고 ‘파생정보’의 과정을 작품으로 제시함으로써, 현대인이 접하는 정보에 대한 본질적 고찰과 정보로서의 작품이 관람자와 관계 속에서 또 다른 영향으로 작용하는 것에 그 의의를 둔다. This paper is the study of two series in which the researcher visualized 'Hyper in-formation' through Reproduction and Overlapping. The researcher questioned the various information existing in modern society, identified that its characteristics were variable and interacting with the information, and visually represented the work. This study aims to examine the significance and possibilities of the researcher's work from natural philosophy. To that end, we look at the two concepts, "in-formation" and "hyperreality," based on the work and its motifs. Hyper in-formation, the subject of the work and the researcher's concept, is explored from the perspective of "in-formation," he suggested, focusing on the theory of individualization by Gilbert Simondon (1924-1989). Moreover, in Jean Baudrillard's (1929-2007) Simulation theory, he explores 'Hyperreality' and criticizes the problem, and presents the alternative as Hyper in-formation. Moreover, he describes the concepts and definitions of various information to explain the researcher's subject in detail and presents the researcher's perspective. It also explores the cognitive mechanism of the image and researches how humans accept and perceive information, and finally organizes 'Hyper in-formation,' which is the researcher's work theory. As a result, the researchers' works, "Reproduction" and "Overlapping," visualize the variable properties of information and visualize the process by which they change into Hyper in-formation due to internal and external factors. The researcher implemented the nature of Reproduction and Overlapping of information through the production process. Moreover, this work was named 'Hyper in-formation.' This Hyper in-formation is continuously generating as derived information through which works are displayed, shown, and interpreted. Visualizing the influence of various factors in a work's production process is a characteristic of a researcher's work. Using information that continually changes and interacts in modern society, researchers want to carry out the art of expanding awareness and changing times and environments. Furthermore, by presenting 'Hyper in-formation' as a work, it is meaningful that the work as information acts as another influence in the viewer's relationship.

디지털 가상공간의 회화적 표현 연구 : 나의 작품을 중심으로

설고은 서울대학교 대학원 2021 국내석사

이 연구에서 나는 2019년부터 2020년까지 제작한 작품을 대상으로 디지털 이미지(digital image)와 회화의 간극을 탐색하기 위해 내가 선택한 작품의 소재와 이미지, 시각화 방법을 분석한다. 나는 붓, 물감, 캔버스와 같은 물질을 사용해서 만들어진 회화를 단단하고 매끄러운 액정 위의 디지털 이미지로 볼 때 종종 위화감을 느끼곤 한다. 이 위화감은 크게 두 가지에서 비롯된다. 하나는 회화와는 다른 디지털 이미지의 시각적 특성이며, 다른 하나는 디지털 이미지를 볼 때 사용하는 감각과 회화를 볼 때 사용하는 감각의 폭이 다르다는 것이다. 회화는 단순히 캔버스 위에 그려진 이미지가 아니다. 나는 회화 작품을 볼 때 붓이 지나가는 압력에 의해 밀려나며 쌓이는 물감의 두께에 주목하고, 물감에 섞인 미디엄의 농도 차이에 따라 한 작품 안에서도 미묘하게 달라지는 그림의 광택을 살핀다. 작품이 전시된 공간을 거닐며 옆에 있는 다른 작품과의 관계에서 작품을 감상하기도 하며, 작품의 측면에 서서 캔버스 옆면을 관찰하기도 한다. 나는 창문이 있는 공간에 전시된 그림일 경우 시간과 날씨에 따라 달라지는 빛에 의해 변화하는 그림의 색채를 보기위해 여러번 전시를 찾기도 한다. 이와는 달리 핸드폰이나 컴퓨터의 화면에서 무언가를 볼 때 이것이 어디에 놓여있는지 중요하지 않다. 오직 중요한 것은 네모난 액정 안에 떠오르는 이미지로 화면의 안과 밖을 구분하는 것은 무의미하며 실제 공간과의 관계는 단절된다. 작품의 디지털 이미지는 회화를 구성하는 여러 요소의 복합적인 작용을 제거하고, 질감이 부재한 매끄러운 정면 이미지만을 전달한다. 이와 같은 회화와 디지털 이미지의 근본적인 차이에도 불가하고 현대의 디지털 시각환경은 회화에 비가역적인 변화를 일으키고 있다. 디지털 디바이스의 보급, 특히 스마트폰과 같은 모바일 디지털 기기의 확산은 현실 세계의 대상들을 보는 것보다 더 많은 시간을 화면 위에 떠오르는 디지털 이미지를 보는데 할애하게 만든다. 작품의 이미지를 인터넷으로 확인하고 디지털 페인팅 프로그램을 활용하여 그림을 그리는 것이 낯설지 않다. 양립할 수 없다고 생각하는 것들이 복잡하게 얽히며 공존하는 상황에서 나는 이 둘의 관계를 보다 명확히 탐색해야 할 필요성을 느낀다. 이를 위해 나는 디지털 이미지의 특성을 기반으로 하는 회화를 만들고, 둘 사이에 필연적으로 존재하는 차이를 바탕으로 회화와 디지털 이미지의 관계에 대해 생각한다. 나는 디지털 가상공간을 소재로 디바이스의 스크린을 보는 것과 같은 이미지를 회화에서 만든다. 그리고 디지털 가상공간의 몇 가지 특징을 포착하여 이를 시각화 할 수 있는 회화의 언어로 치환한다. 디지털 가상공간은 현실의 물리법칙이 적용되지 않는 가상의 세계이며, 공간의 제약없이 무한히 확장하며 비선형적인 구조로 구축 되었다는 특징을 가진다. 또한 사용자들이 수평적인 네트워크를 형성하며, 이 공간을 구성하는 이미지들은 고정되어 있거나 불변하는 것이 아닌 찰나에 흩어지고 모이며, 나타나고 사라지는 일시적인 모습을 보인다. 나는 이러한 가상의 세계를 표현하기 위해 추상 이미지, 특히 기하학적인 도형을 주요 이미지로 사용한다. 기하도형은 논리적이고 기계적인 디지털 공간을 연상시킬 뿐만 아니라 디지털 이미지의 무한한 복제성을 나타내기에 적합하다. 나는 이미지들을 변형하고 복제하여 화면안에 고르게 분산시키고, 이를 통해 모든 방향으로 끝없이 확장하는 디지털 가상공간의 모습을 표현한다. 그리고 레이어의 순서를 교란하여 디지털 가상공간안에서 시간의 비선형적인 흐름과 공간의 불연속성을 표현한다. 실제로 그림이 그려진 레이어의 순서와 이것이 보여지는 시각적인 순서를 의도적으로 뒤섞고 뒤집어서, 그림의 어느 부분에 초점을 맞춰 보는지에 따라 공간의 논리적 순서가 뒤바뀔 수 있는 유동성을 남긴다. 결과적으로 내 그림은 비물질성, 고채도의 색, 평면성, 매끄러운 질감과 같은 디지털 이미지의 특성을 일부 구현하지만, 디지털 가상공간의 확장성, 복제성, 불연속성 등의 특성을 표현하기 위해 사용하는 방법은 이렇게 만들어진 그림이 실제 공간에서 볼 때 비로소 총체적으로 경험될 수 있게 한다. This paper investigates the subject matter as well as the images and visualization methods of my work from 2019 to 2020. Through this analysis, I aim to explore the gap between a digital image and a painting. Every time I see a painting-a physical object made of various materials-displayed as a digital image on a slick glass surface, I am often struck with a sense of unease. In the passage from material to immaterial, what was once tangible is now transformed into a flat image on a radiant screen. This transformation juxtaposes two fundamentally different mediums in a forceful manner, disregarding two important factors in the process: first, digital image and painting each possess distinct visual characteristics; second, they activate different range of sensual spectrum. A painting is not just an image on a canvas. What draws me more than the image is its materiality and transient nature. When I look at a painting, I carefully gauze the depth of each paint layer, forged by the gentle pressure from each time a brush leaves its trail on the canvas; I observe how, in a single painting, sheen and luminosity can vary depending on the amount of medium used. When I visit a gallery, I admire a painting in relation to the space and works displayed next to it; I walk around the room to see it from various positions, taking a close look at all four sides of the canvas. Sometimes I even visit the show more than once to see how light and weather conditions would alter the hue of the work. In contrast, digital image is constructed with rows of pixels that emanate light on their own. It maintains the same level of hue and saturation regardless of where it is. When looking at something on a smartphone or a computer screen, it becomes irrelevant where that phone or computer is placed—what matters is the image on a rectangular screen. Simply put, digital image severs relationship with the physical reality. An image of a painting, translated into digital image, eliminates complex visual and spatial experience of perceiving a painting. Instead, what is left is a flat, glossy image on the screen, devoid of any texture. Yet, despite fundamental differences between a painting and a digital image, the increasingly digital visual environment of the current era has prompted irreversible changes to the notion of a painting. Rapid growth of smartphone use in the recent decade has made people to spend more time looking at digital images on their phones rather than looking at paintings in real life. Artists today commonly employ digital media, looking up art works online, advertising their works on various social media platforms, and utilizing digital painting programs in their creative process. In this intricate situation where seemingly incompatible things are intertwined together, I feel the necessity to explore and clarify their relationship. I capture some of the essential characteristics of a cyberspace and reconstruct it with a painterly language. Cyberspace is a boundless space without any restraints of a physical reality. It can expand beyond the bounds of a physical space and surpass the linearity of time and space. In a web-like network of users and information, images are gathered and dispersed in a fraction of a second, perpetually floating around this space, untethered to any fixed or permanent spot. I use abstract geometric in recreating the cyberspace in my work. Geometric shapes are analogous to a logical and mechanical structure of a technology based on which cyberspace is constructed, and are efficacious in representing unlimited replicability of digital images. I select a unit image, transform it, and paint it repeatedly on a canvas to show omnidirectional expansion of the digital space. In the process, I subvert the order of layers to express the nonlinearity of time and discontinuity of space. By jumbling and reverting the actual order of layers and how they are shown, I create a flexible space on canvas in which the order of layers may differ based on where viewers focuses their attention. As a result, while my painting partially embodies certain characteristics of digital images, such as highly saturated color, flatness, and smooth texture, the methods I use in my work express expandability, replicability, and non-continuity of the virtual digital space. In such manner my work reminds what is increasingly being lost in today’s highly digitized world. The only way to fully appreciate the totality of a painting is not by looking at it as an image on a screen but by experiencing it as a material object in space.