J.Brahms의 Piano Rhapsody에 관한 악곡분석 및 연주기법에 대한 연구 : Op. 79, No.2를 중심으로

이숭실 공주대학교 교육대학원 2004 국내석사

브람스는 형식을 중시하던 고전파 음악 위에 서정적이며, 주관적인 낭만파 경향을 가미시켜 낭만적 고전파로써 그의 음악 세계를 구축하였다. 본 논문에서는 브람스의 생애와 일반적인 음악의 특성, 피아노 음악의 시대별 흐름과 성격적 스타일을 알아보았고 또, 랩소디 Op.79, No.2의 악곡분석 및 연주기법을 통해 다음과 같은 결론을 얻었다 그의 피아노 작품은 그 형식의 특성에 의해 소나타로 구분되는 초기와 변주곡으로 대표되는 중기, 소품집으로 구분되는 후기로 나눌 수 있고, 각 시기에는 뚜렷한 특징이 나타난다. 이에 랩소디 Op.79, No.2는 후기에 속하는 곡이다. 브람스 피아노 음악의 성격은 선율이 성부의 중간에 내재하는 것이 많고 여러 개의 프레이즈가 같이 얽혀 있는 것을 볼 수 있다. 반주부분의 처리에 있어서 분산화음을 즐겨 쓰고 3도, 6도, 8도 등으로 선율이 중복되어 밀집된 구조를 이룬다. 또한 9도, 11도, 13도 등의 넓은 음역들을 사용하였고 반음계적 음계, 복합리듬·교차리듬과 당김음의 사용, 다양한 화성 및 전조 등으로 풍부한 기교를 나타내고 있다. 또, 각 성부간의 대위법적 요소를 사용하였고 액센트와 당김음을 사용해 일시적인 박자의 변화를 주고 있다. 랩소디 Op.79, No.2는 전형적인 고전파 소나타 형식에 바탕을 두면서 낭만파의 자유로운 감성과 표현기법을 잘 보여주고 있다. 제시부에서의 모티브가 각 성부에서 모방, 확대 등으로 발전·반복되어 곡 전체에 걸쳐 순환주제로 나타나는 주제발전기법을 사용하여, 각 부가 동등하게 다루어지고 있다. 리듬에 있어서도 규칙적인 리듬을 탈피하고 당김음과 교차리듬 등을 사용하여 보다 다양한 리듬적 변화를 보이고 있다. 화성은 폭넓은 분산화음과 옥타브, 3도, 6도 중복에 의한 선율의 사용으로 음향을 더욱 더 풍부하게 하고, 잦은 전조의 사용으로 조성을 모호하게 하기도 한다. 대위법적인 요소에도 주의를 기울이는 등 전체적인 윤곽은 작을지라도 여러 면에서 브람스의 완숙된 작곡기법이 잘 나타나 있다. 이를 바탕으로 한 연주기법에 있어서는 템포 설정은 작곡자가 정한대로 하되 각 부 내에서의 속도변화는 정해진 템포 안에서 민감하게 이루어져야 한다. 브람스의 선율들은 특별히 꾸미지 않더라도 이미 그 자체로 표현성을 지니고 있다. 따라서 주제 선율을 뚜렷이 표현하기 위해서는 우선 과장됨이 없이 프레이즈를 고려하여 음악의 자연스러운 흐름에 주의하여야 한다. 대부분의 레가토 선율에서는 연결 페달의 사용과 함께 손가락에 의한 레가토가 선행되어 투명하고 명확한 음색을 표현해야 한다. 동시에 리듬(셋잇단음형, 점음표음형 등)들은 먼저 그 음가를 정확히 나타내고 고른소리가 나도록 주의하며, 리듬적 감각을 몸으로 감지할 수 있어야 한다. 풍부한 음향 표현을 위해서는 올바른 페달링과 더불어 손목과 손이 릴렉스(relax)된 상태에서의 타건기술이 필요하고 적절한 다이나믹의 조절을 통해 다양한 감정의 표현들을 나타내어야 한다. 아울러 연주자는 항상 작곡가가 표현하고자하는 의도를 올바르게 전달하기 위해서 어떤 기교상의 어려움도 극복하고 개발해야 함이 바람직한 연주자의 자세일 것이다. 이와 같이 브람스 피아노 랩소디 Op.79, No.2에는 단순하면서도 엄격한 작곡 기법에 중점을 두어 낭만파적 감정을 고전파 구조에 의해 표현하는 브람스의 양면적 특성이 잘 조화되어 나타난다. 따라서, 연주함에 있어 소리의 깊이와 느낌을 다루는 테크닉이 필수적이나 기교적 표현의 치중보다는 자신의 깊이 있는 내적 감정들을 음악으로 전달할 때 브람스의 신고전주의적 입장을 보다 더 정확하게 표현할 수 있다. 가장 브람스적인 연주를 하기 위해서는 그의 작품 연구와 음악 특성을 잘이해하여야만 가능하다. 지금까지 본 논문에서 연구한 내용들을 통하여 피아노 랩소디 Op.79, No.2에 대한 악곡의 이론적 이해와 그에 따른 보다 효과적인 연주에 많은 도움이 되었으면 한다. Belonging to romantic classicism, Brahms constructed his musical world by adding the lyrical and subjective trend of romanticism to the classic music which put importance on form. Examining the life of Brahms, property of general music and trend and characteristic style of piano music in each age, this dissertation has made the following conclusion through analysis of musical piece and performance technique of rhapsody Op.79, No.2. Based on the property of form, his piano works can be divided into the initial stage represented by Sonata, middle stage represented by Variation and final stage represented by Character Piece, each of which has distinguished feature. This piece Rhapsody Op.79, No.2 belongs to the final stage. The character of piano music composed by Brahms is that melody is usually positioned in the middle of part and several phrases are intermixed together. In treating the part of accompaniment, arpeggio is mostly used and melody is in overlapped and crowded structure in 3 degree, 6 degree and 8 degree. Moreover, wide musical range such as 9 degree, 11 degree, 13 degree, etc. as well as scale in the property of chromatic scale, Poly rhythm?Cross rhythm and syncopation are used and exuberant technique is manifested by various harmony and modulation. In addition, Contrapuntal factor is used between each part and temporary rhythmical change is realized by accent and syncopation. Based on the typical sonata form of classicism, Rhapsody Op.79, No.2, a piece of the final stage, well shows the free sensibility and expressional technique of romanticism. The motive in the exposition is developed and repeated in each part by imitation and expansion to appear as the circulatory theme in whole piece. With this thematic development technique, each part is treated equivalently. When it comes to rhythm, more various rhythmical variation is exhibited by avoiding regular rhythm and employing syncopation and Cross rhythm. With wide arpeggio and employment of melody overlapped by octave, 3 degree and 6 degree, harmony makes the sound still exuberant and frequent modulation obscures the composition. Paying attention to contrapuntal factor as well, Brahms well exhibits his mature composition technique in various aspects though the overall outline may be small. With regard to the performance technique based on this point, tempo must be set as designated by the composer, but the variation of velocity in each part must be sensitively made within the established tempo. Though not particularly decorated, the melody of Brahms already has expression in itself. Thus, in order to clearly express the thematic melody, attention must be paid to the natural flow of music without exaggeration, considering phrase. In most legato melody, legato by fingers must precede to express transparent and clear tone, using the connecting pedal. At the same time, attention must be paid to rhythm (triplet sound pattern, dotted notes sound pattern etc.) to correctly indicate the phonetic value and ensure even sound and the rhythmical sense must be felt by body. For exuberant sound expression, finger attack with relax wrist and hand accompanied by correct pedaling is required and diversified emotions should be expressed by appropriate dynamic regulation. Furthermore, player must overcome any technical difficulty to correctly transmit the intent that composers want to express. As shown above, the Piano Rhapsody Op.79, No.2 of Brahms well harmonizes and describes the ambivalent property of Brahms in which romantic emotion is expressed by classic structure with emphasis on simple and austere composition technique. Therefore, though technique to treat the sound depth and feeling is indispensable in performance, the neoclassicism of Brahms can be expressed more exactly when the deep internal emotion of player is musically transmitted instead of emphasizing technical expression. The works of Brahms can be performed best only with studying his works and understanding his musical characteristic. The author wants the contents studied in this dissertation to contribute much for theoretic comprehension of musical piece on Piano Rhapsody Op.79, No.2 and more effective performance.

Johannes Brahms Cello Sonata No.1 in e minor, Op.38에 대한 연구

신은주 이화여자대학교 대학원 1998 국내석사

19세기 낭만음악은 절대음악과 표제음악으로 크게 나누어지는데 Johannes Brahms(1833-1897)는 고전주의 형식 위에 낭만주의적 이념을 결합해서 표현하려고 했던 작곡가이다. 그는 동시대에 주류를 이루었던 극음악이나 교향시 등의 표제예술에 대항하여 전통적 고전주의 형식의 교향곡과 실내악을 선호하였다. J. Brahms의 음악적 특성들은 특히 교향곡과 실내악곡에 잘 나타나 있는데, 그는 실내악 양식의 진수라고 할 음질의 본질적인 융합을 낭만주의 시대의 누구보다도 잘 표현하고 있다. 본 논문에서는 J.Brahms의 Cello Sonata 작품들 중 No.1 in e minor, Op.38을 연구하였으며, 이 작품의 분석과 아울러 J. Brahms의 생애와 음악적 특성을 살펴보았다. Cello Sonata No.1 Op.38은 전성기인 제2기에 쓰여진 작품으로 전형적인 낭만주의 음악이면서도 고전적 형식을 중요시한 작품이다. 이 곡은 3개의 악장으로 이루어져 있는데, 제1악장은 고전시대의 Sonata양식을 그대로 유지하면서 형식적, 조성적으로 발전된 변화를 보여준다. 제2악장은 Trio를 갖는 Menuetto로서 복합 3부분형식으로 되어 있으며 Da-capo의 사용으로 곡의 흐름에 통일성을 준다. 제3악장은 Fugue의 기법을 이용한 복합 3부분형식으로 Fugue에 사용된 주제들과 그 동기들이 다양한 형태로 발전되고 있다. Johannes Brahms (1833-1897) was the composer who tried to express the romantic sentiments based upon the form of Classicism. In the nineteenth century, the Romantic music was classified into the Absolute music and the Program music. He preferred the symphonies and chamber music in the form of traditional Classicism rather than the prevailing Program music such as the dramatic music and the symphonic poem. He contains the characteristics of his music in his chamber music and symphonies, and he presents the fundamental harmony of tone quality better than any other one in the 19^(th) century, which is the essence of his chamber music. The objective of this thesis is to analyze J. Brahms' Cello Sonata No.1 in e minor, Op. 38. Besides this, his life and musical characteristics are also reviewed. This work was written in his best days, the second period of his musical career and put an emphasis on the traditional form even if it was a typical romantic music. This work consists of three movements; the first movement shows harmonically improved form and the keys, althought maintaining the traditional Sonata form. In the second movement, Menuetto with Trio of compound ternary form, uses Da Capo to make the musical stream consistent. In the third movement which is the compound ternary form using the Fugue form, the themes and pieces are used in the typical Fugue form developed into various forms.

J. Brahms Viola Sonata No.1 in F minor에 관한 분석 및 연구

신현 이화여자대학교 대학원 2024 국내석사

The purpose of the study is an analysis and study on the Viola Sonata Brahms Sonata for Viola and Piano Op. 120 No. 1 in F minor composed at the latest among the chamber music works of Johannes Brahms. (1833-1897) Brahms, one of the leading Romantic era composers, built neoclassicism by reviving the clarity of traditional classicalism such as Johann Sebastian Bach and Ludwig van Beethoven in the rapidly changing music trend of the Romantic era. He rejected the Program music of the Romanticism and pursued the absolute of the classicism. J.Brahms composed a significant number oh works in traditional genres such as symphonies, concertos, and chamber music, instead of composing operas. However, simultaneously, he demonstrated a dualistic inclination, embodying Romantic sentiments within his music. While rejecting the Romanticist musical style, Brahms's compositions often reveal elements of Romanticism, reinterpreted through various musical techniques and components. J.Brahms composed a total of 24 chamber music works, among which the "Brahms Sonata for Viola and Piano Op. 120, No. 1 in F minor" stands as one of his later works. This piece was dedicated to the clarinetist Richard Mühlfeld (1856-1907) in 1894 by Brahms, 55 who showed affection for the clarinet. It was composed as a song and then directly arranged and published as a work for viola. Therefore, this piece is structured into four movements based on Classical form. The first movement, Allegro appassionato, is composed in the traditional Classical sonata form. The second movement, Andante in poco Adagio, is characterized by a slow tempo and a lyrical melody in ternary form. The third movement, a fast-paced scherzo, follows a compound ternary form. The fourth movement, Vivace, adopts a fast rondo form. This composition exemplifies Brahms' mature and distinctive compositional style, seamlessly blending elements of Classical and Romantic music, which are characteristic features of his chamber music. The interplay between the viola and piano parts demonstrates a harmonious integration of musical techniques. 본 논문은 요하네스 브람스(Johannes Brahms, 1833~1897)의 실내악 작품 중 후기에 작곡한 비올라 소나타〈Brahms Sonata for Viola and Piano Op. 120, No.1 in F minor〉에 대한 분석 및 연구이다. 브람스는 독일 낭만주의 작곡가 중 가장 중요하게 평가 받는 낭만주의 작곡가 중 한 명이다. 그는 낭만시대의 급변하는 음악 사조에 바흐, 베토벤과 같은 전통적인 고전주의의 명맥을 되살려 신고전주의를 구축하였다. 낭만파에서 빈번하게 시도하던 표제음악을 거부하고 고전파의 절대음악을 추구해서 오페라를 작곡하지 않고 주로 교향곡, 협주곡, 실내악 등의 전통적인 장르의 곡들을 많이 작곡하였다. 하지만 동시에 낭만주의적인 감성을 지닌 이원적 성향을 볼 수 있는데 낭만파의 음악어법을 재해석하면서 다양한 음악기법과 요소들이 그의 음악에서 나타난다. 브람스는 총 24곡의 실내악곡을 작곡하였는데 그 중〈Brahms Sonata for Viola and Piano Op.120, No.1 in F minor〉는 가장 후기 작품이다. 본래는 클라리넷을 위한 소나타 No.1,2로 작곡되었으나 후에 작곡가 자신이 비올라를 위한 작품으로 편곡 후 출판하였다. 본 논문에서는 Viola Sonata 1번의 작품 배경과 Brahms의 음악적 특징, 각 악장에서의 음악 기법들을 분석해서 곡 해석에 도움이 되고자 한다.

J. Brahms의 連歌曲 'Zigeunerlieder' Op.103 에 대한 分析 硏究

이경아 대구가톨릭대학교 대학원 2000 국내석사

The researcher performed J. brahms's 'Zigeunerlider' Op. 103 at graduation recital of graduate school of music in May 1999. In preparing the performance, the researcher studied to understand Brahms's musical thought and the Hungarian gypsy music, and could recognize the importance of piano accompaniment in interpreting the gypsy music. The purpose of this study was to discover characteristics out of 'zigeunerlider' in perspectives of Hungarian gypsy and to understand how the characteristics of Hungarian gypsy music and folk song were applied to Brahms's song. Followings are the results of analyzing 'Zigeunerlider' on the ground of concepts of Hungarian gypsy music and folk song. First, 4-line poems of Hungarian gypsy folk song are used as words. Each poem has an end lime and has accent on the first syllable. The words are passionate and cheerful and expresses the love and life of gypsy. Second, all of the 8 songs have a clear structure, 2-part form. The form of poem ensures the structure of song. The songs are repeated or take form of verses. Third, main triads on the ground of classical harmony are frequently used. Hungarian scale is also used a lot and harmonized well with modes. Fourth, it suggests an evidence of gypsy that theme motive is developed repeating and the range of melody is relatively narrow. Especially, the structure of descending melody is a characteristics of the folk song of Hungarian gypsy. Lastly, as for the accompaniment part, there is hardly a prelude or postlude and the use of arpeggio represents a romantic atmosphere. In conclusion, it was found out that 'Zigeunerlider Op.103' expresses the characteristics of Brahms's song in which the elements of Hungarian folksong and gypsy music are fused well. The whole music shows the intense inspiration of gypsy and tone color. When performing, singers should take account of the cheerful rhythm of dance music style at the accompaniment, syncopation rhythm, the fact that there is hardly a prelude or postlude and the vital element of gypsy that a short motive is repeated over the whole music without transformed. A unique and individual work on the ground of Brahms's personality and musicality, 'Zigeunerlider Op. 103' will be of much help in understanding Hungarian gypsy music.

Brahms의 Klavierstucke에 관한 연구 : Op.118을 중심으로

강상희 전남대학교 대학원 1999 국내석사

절대음악의 작곡자이며 신고전주의의 대표자로 불리우는 Johanne Brahms (1833∼1897)는 낭만주의 시대 속에서 고전주의적 이상을 버리지 않고 독자적인 작품세계를 구축했던 19세기의 위대한 작곡가이다. 그는 교향곡 및 실내악곡, 합창곡, 예술가곡, 독주곡 등 거의 모든 분야에 있어 폭 넓은 창작 활동을 하였으며 또한 민요를 통해 소박하고 순수한 민중의 슬픔과 기쁨을 표현하였다.그의 작품은 대체로 고전적인 이념아래 표제적인 경향과 강렬한 표현방법을 피하고 풍부한 화성과 온화한 감성으로 낭만주의적 서정성을 나타내고 있다. 그는 인생 전반에 걸쳐 200여 곡 정도의 피아노 작품들을 남겼는데 웅장함과 화려함보다는 견고한 기교, 내면적인 일관성을 지닌 작품을 표현하려 하였다. 그의 마지막 20년 사이에 쓰여진 성격적 소품들은 그의 말년의 고뇌, 염세(厭世)적 정신세계, 원숙한 작곡 기법들이 잘 융합되어 나타난 걸작들이다. 기교적이며 외향적인 화려함보다는 간주곡 중심의 소품들로 내면적이고 사색적임을 알 수 있다. 브람스 성격소품들의 일반적 특징으로는 리듬에 있어 복합리듬을 많이 썼으며 당김음이나 악센트의 전이 등의 방법으로 리듬상의 변화를 주고, 왼손과 오른손이 서로 엇갈려 나오는 경우가 많다. 멜로디는 내성부에 내재하는 것이 많고, 화성에 있어서는 폭 넓은 분산화음과 3도, 6도의 병진행을 사용하였다. 지속음을 자주 이용하고 대위법적 기법을 보여주는 확대, 전위, 캐논 둥의 수법이 자주 나타난다. 본 논문에서는 그의 Klavierstucke Op.118을 분석해 본 결과 여러 가지 특징적인 면을 찾을 수 있었다. 4곡의 Intermezzo와 1곡의 Ballde, Romanze로 구성되었으며 Intermezzo의 성격은 악장에 삽입되는 경과적 소곡이 아닌 하나의 독립적인 기악곡 형태로 이루어져 있다. 제목에 있어 특별한 문학적, 표제적 의미를 갖지 않는 중립적 색채를 띄고 있으며 극적 표현보다는 내면적 심오함을 중시하였다. 또 브람스 피아노음악의 특징들―Arppegio음형, 내성에 등장하는 주제선율, Syncopation, Hemiola 등―이 등장하여 내성적(內省的)이며 안정된 분위기를 나타내고 있다. 효과적인 음악표현을 위한 독특한 Fingering, 주의깊은 Pedaling의 고도의 기술이 요구되는 수준높은 작품이다. Johannes Brahms (1833-1897) who is called a composer of absolute music as well as a representative of neoclassicism is a great composer in the 19th century, who did not discard classical ideal and constructed his own art world in the Romanticism era. He played an active part in creating music widely in almost all of the field such as Symphony, Chamber music, Chorus, Art song, Solo and so forth, and expressed simple and pure public sorrow and pleasure through Folk songs. His works generally represent Romantic lyricism by means of abundant harmony and mild emotion, avoiding programmatic trend and intense method of expression under the classical ideology. He left about 200 piano opuses through his life where he tried to express music which has solid technique and inner spiritual consistency rather than grandeur and magnificence. His characteristic short pieces of music which had been composed during his late 20 years are masterpieces which expressed agony in his end of life, pessimistic spiritual world and mature composing techniques by means of being well harmonized each other. Through those opuses, we can see that his works are short pieces of music which is centered on Intermezzos rather than technical and outerly grand works, from which we can see that his works are inner spiritual and speculative. The general features of Brahms's characteristic short pieces of music are the facts that the compound rhythms are much used as for rhythm, rhythmical variation was given by means of syncopation or accent shift, and the left and right hands are taken turns alternatively each other. As for melody, there is much underlying melody in the inner part, and as for harmony, wide broken chords and parallel progression of third and sixth degrees are used. There tenuto notes are much used and the techniques such as magnification, avant-guard and canon are much appeared which show counterpoint techniques. In this thesis, we could find many characteristic aspects as a result from analyzing his work Klaierstucke Op. 118. It consisted of four Intermezzos, one Ballade and Romance. The characteristic of Intermezzo is composed of one independent instrumental music form rather than a transient short piece of music which is inserted between movements. As for theme, it represents the neutral feature which doesn't have particular literary or programmatic sense, and valued inner spiritual abstruseness rather than dramatic expression. Furthermore, the characteristics of Brahms's piano music such as Arpeggio tune, Thematic melody which appears in the inner part, Syncopation, Hemiola, etc. are appeared so that his music represents introspective and stable atmosphere. It is a work of very high level where high degree of techniques such as unique fingering, careful pedaling are required for effective musical expression.

Johannes Brahms의 Violin Sonata Op.108의 분석연구

장정순 이화여자대학교 교육대학원 1987 국내석사

Johannes Brahms의 가사셋팅에 관한 연구 : Vier ernste Gesaenge. Op.121을 중심으로

이은주 이화여자대학교 교육대학원 1999 국내석사

19세기 초기의 독일가곡은 슈베르트(F. P. Schubert 1797-1828), 슈만(R. Schumann 1810-1856)에 이어 브람스(J. Brahms 1833-1897), 볼프( H. Wolf 1860-1903)를 거치면서 전통적인 독일풍의 예술성 높은 리트로 발전·계승되어 왔다. 브람스는 일생동안 약 300여 곡의 가곡을 작곡하였으며, 낭만주의자로 출발하였다. 그러나 그는 오래지 않아 베토벤(L. V. Beethoven 1770-1827), 모차르트(W. A. Mozart 1756- 1791), 하이든(F. J. Haydn 1732-1809), 헨델(G. F. Handel 1685-1759), 바하(J. S. Bach 1685-1750), 하인리히 쉿츠(H. Schutz 1585-1672)와 같은 전 시대의 작곡가들의 음악양식을 흡수·통합하였다. 브람스는 낭만주의 시대 속에서 고전시대에 사용하던 음악양식을 흡수하는 동시에 신·구 음악양식의 흐름을 독창적으로 이룩했던 작곡가로서, 낭만주의 흐름속에서 고전적 균형과 조화의 형식미, 조성미를 중요시하는 작품을 썼다. 본 논문에서는 브람스의 「네 개의 엄숙한 노래」 (Vier ernste Gesange op.121)를 중심으로 첫째, 19세기 낭만주의 시대의 예술가곡을 중심으로 한 시대적 배경과 특징, 예술가곡의 개괄적인 흐름 및 대표적인 작곡가들을 다루었고, 둘째로, 브람스의 성악음악과 가곡의 특징과 「네 개의 엄숙한 노래」의 형식구조를 포함한 음악적 특성, 시와 음악의 연관성 및 성악성부와 반주성부의 관계성 등을 중점으로 다루었다. 본 논문의 분석내용을 정리하면 다음과 같다. 각 곡의 형식은 선율간에 긴밀한 연관성이 있는 통작형식이다. 각 곡은 모두 성서에서 가사를 취하고 있으며 빠르기가 Andante, 제 3곡을 제외하고는 4/4, 3/4 박자, 2마디 전주사용으로 곡과 곡사이의 연관성을 보여준다. 그리고 제1곡과 제4곡의 음악구조가 갖춘마디, A B A′B′형식, Andante 빠르기로 동일하게 나타나고 있다. 또한 두 곡의 가사내용이 질문응답식의 긴밀한 통일성을 가진다. 단3도 하행진행으로 만들어지는 동형진행은 이 연가곡에서 “죽음의 동기”로 해석 할 수 있고, 펼친화음으로 이루어진 아르페지오 선율이 많이 나타난다. 브람스 가곡에서 선율이 가사(시)보다 우선적 위치를 차지하나, 이 작품에서는 극적인 낭독의 효과를 잘 나타내고 있다. 변박과 불규칙적인 악구는 다양한 리듬형태를 통해 표현되고, 당김음의 사용이 지배적이다. 이 연가곡에서 반주성부는 지속적인 페달음 사용, 잦은 전조로 인한 조성의 모호성, 종지의 Ⅰ^(4)_(6)화음, 감7화음, 차용화음, 부속화음의 사용 등으로 가사와 노래의 분위기를 잘 표현하고 있다. 브람스의 가곡인 「네 개의 엄숙한 노래」는 낭만주의 음악의 독창적인 장르인 예술가곡으로서 브람스 가곡의 전반적인 특징을 잘 함축하고 있다. 또한 이 곡은 죽음의 내용을 성서에 근거를 두고 있는 종교적인 곡으로서 잘 짜여진 구성적 구조를 가진 그의 대표적인 작품이다. The early nineteenth century German Songs developed and succeeded traditional German-Styled ‘Lied’ with high artistic values by Franz Peter Schubert(1797-1828) and Johannes Brahms (1833-1897). Robert Alexander Schumann(1810-1856) followed by Johannes Brahms(1833-1897) and Hugo Wolf(1860-1903). Brahms composed about 300 songs during his life, and he first started as a romanticist, but soon devoted himself to Beethoven, Mozart, Haydn, Handel, Bach and Heinrich Schutz, and even into the 15th and 16th century none absorbed the formal element of the classicism in times of Romanticism, and also uniquely created the flow of the old and new music mode, and written works of classical balance and harmony in flow of Romanticism. This paper examines art songs focusing on 「Vier Ernste Gesange」 Op. 121 (the four solemn songs). First, it looks at the time setting, the flow of art songs and Brahms´s musical characteristics as a theoretical background, and analyze his musical characteristics including the formal structure, melody, rhythm, theme of 「Vier Ernste Gesange」, relation between poems and music, and vocal part and musical accompaniment. As a result, the form of each piece has closely related integration, the sequence with descending related integration. The sequence with a descending process of 3 degree is expressed as “the motif of death” (footnote : this paper consists of notes made by 2-3 consecutive descending processes in 3 degrees as a form, and this form of note is called ‘the motif of death’ as the meaning of the abstract). It has unique arpeggio melody made of a chord. Though melody goes prior to lyrics in Brahms´s Songs, in this piece it shows well the effect of dramatic reading. Changing beat and irregular musical drama makes various forms of rhythm, and the use of drawn notes are prevails. The accompaniment of this song expresses well the mood of lyrics and songs well alongs with the use of continuous pedal notes, the obscurity of composition caused by frequent modulation, and the use of I^(4)_(6) harmony, diminished 7 harmony, borrowed and subordinate harmony at the end. Brahms´s 「Vier Ernste Gesange」 implies the overall charact eristic of his songs, and it is his representative work with solid composition, which deals with the contents of death based on the Bible.

Johannes Brahms의 Piano Sonata op. 5의 분석적 고찰

권미경 이화여자대학교 교육대학원 1990 국내석사

Johannes Brahms Cello Sonata No. 1 in e minor, Op. 38에 관한 연구 분석

장정숙 연세대학교 음악대학원 2018 국내석사

The romanic vocabulary in the Romantic era is derived from the French source language ‘Le Roman.’, which is a romance of this middle-aged Frence. It is not appropriate to use the term, ‘romantic’ in the music age category. However, if we understand that the music of the 19th century is deeply related to literature, it is possible to recognize the appropriateness of using the term, ‘romantic’ as a name to classify the age of music. In the era of music history, the new era begins with the rejection or reform of the music of the former era, but the Romantic era music has no sense of rejection against the previous era. Rather, it can be seen in the succession and development of classical music. Brahms(Johannes Brahms, 1833-1897) is a representative composer of the Romantic era and showed a fusion of classical and romantic music. Being a pianist, conductor and composer, he left various works for piano, voice, chamber music and symphony except for symphonic opera. Major works include ‘Hungarian Dance WoO.1, Symphony No.4 in e minor Op.98, Violin Concerto in D Major Op.77, Piano Concerto No.1 in d minor Op.15, Cello Sonata No.1 in e Minor Op.38 , Academic Festival Overture in c minor Op.80, and Variation on a Thema of Paganini, Op.35’. Schauffler(1879-1964) described, "One of the most important achievements of Brahms is that he left a chamber music, especially a quartet for two or three instruments." Among Brahms' chamber music works, his cello sonatas are regarded as one of the representative works. The reason why many performers are performing to today is not because his cello sonata is only two works, but it shows characteristics of the Romantic era. This thesis is dealing with Brahms' cello sonata (Op.38, No.1) which consists of a total of three movements. The first movement is a sonata form, the second movement is a complex three-part form, and third movement also shows a complicated three-part form with the fugue. This work was premiered on January 14, 1871 in Leipzig, Germany by Carl Heinrich Carsten Reinecke(1824-1920) who is the chief cellist of the Gewandhaus Orchestra. It was dedicated to Joseph Gansbacher (Joseph Gansbacher, 1829-1911), Brahms' friend and music teacher. 낭만주의의‘로망’이라는 어휘는 프랑스의 어원‘Le Roman(이야기)’에서 유래되었는데 이는 중세 프랑스의 서사시(romance)이다. 음악의 시대적 분류에 낭만이라는 단어를 사용하는 것이 적절하지 않을 수 있으나, 19세기의 음악이 문학과 깊은 관련이 있었다는 것을 이해하면 낭만주의라는 용어를 음악의 시대를 분류하는 이름으로 사용하는 것의 타당성을 인정할 수 있다. 보통 음악사적 시대분류에서 새로운 시대는 전(前)시대 음악에 대한 거부 또는 개혁에 의해 시작된다. 그러나 낭만주의음악은 이전시대에 대한 거부감이 아닌 고전주의 음악의 계승과 발전으로 볼 수 있다. 작곡가 요하네스 브람스(Johannes Brahms, 1833-1897)는 낭만주의 시대의 대표적인 작곡가로, 고전주의와 낭만주의의 음악 융합을 보여주었다. 피아니스트이자 지휘자, 작곡가이기도 했던 그는 오페라를 제외한 다양한 성악곡과 실내악곡, 교향곡 및 피아노 작품들을 남겼다. 대표작품으로는 ‘헝가리 무곡 WoO.1, 교향곡 제 4번 e단조 Op.98, 바이올린 협주곡 D장조 Op.77, 피아노 협주곡 제 1번 d단조 Op.15, 첼로 소나타 1번 e단조 Op.38, 대학축전 서곡 c단조 Op.80, 파가니니 주제에 의한 변주곡 Op.35’ 등이 있다. 셔플러(Schauffler, 1879-1964)는 “브람스의 가장 중요한 공적 중의 하나는 실내악 특히 둘 혹은 세 악기를 위한 중주곡을 남긴 데 있다.”고 기술했다. Robert Haven Schauffler, The unknown Brahms: His life, Character and Works (Greenwood Press, 1972), 372. 브람스의 실내악 곡 중 첼로 소나타가 그의 대표작으로 손꼽히며 오늘날까지 많은 연주자들에게 연주되는 이유는 그의 첼로 소나타가 단 두 곡뿐이기 때문이 아니라, 낭만주의 시대의 대표적인 첼로 소나타로 인정받기 때문이다. 본 논문에서 다룰 브람스의 첼로소나타(sonata for Cello and Piano in e minor, Op.38 No.1)는 총 3개의 악장으로 구성되어 있으며, 1악장은 소나타형식, 2악장은 복합 3부분 형식, 3악장은 푸가형식을 활용한 복합 3부분 형식으로 작곡 되었다. 이곡은 1871년 1월 14일 독일의 라이프치히에서 피아니스트 카를 라이네케(Carl Heinrich Carsten Reinecke, 1824-1920)와 당시 게반트하우스 오케스트라(Gewandhaus Orchestra)의 수석 첼리스트에 의해 초연되었고, 브람스의 친구이자 음악 교사였던 겐스바헤르(Joseph Gansbacher, 1829-1911)에게 헌정 되었다.

Johannes Brahms의 가곡 Zigeunerlieder Op.103 분석 연구

김지영 성신여자대학교 대학원 2002 국내석사

낭만파음악 시대의 신고전주의 작곡가 Johannes Brahms(1833~1897)는 19세기 예술 가곡사에서 독특한 위치를 차지하고 있다. Brahms는 동시대의 개혁파였던 F.Liszt(1811~1886)와 R.Wagner(1813~1883)같이 음악적인 개혁을 추구하기보다는 고전적인 양식과 화성, 선율에 민요적인 요소를 사용하여 평생에 걸쳐 가곡을 작곡하였다. Brahms의 가곡은 거의 유절 형식으로 되어있으며, 비교적 중후하면서 구성적인 작품이 많다. 이는 F.Schubert(1789~1828)와 R.Schumann(1810~1856)의 영향을 많이 받았기 때문이다. Brahms는 예술가곡의 기초를 민요에 두었다. 특히 독일 민요에 관심이 많았던 Brahms는 가곡 작곡을 하는데 있어 민요적 요소를 많이 사영하였고, 민요들을 번역하여 민요집을 만들기도 하였다. 그의 많은 작품들이 민요적인 색채가 강한 것도 바로 이 때문이다. 독일 민요뿐만이 아니라 Hungary 민요를 독일어로 번역하여 만든 작품이 있는데, 바로 본 논문에서 연구 분석하고자하는 <Zigeunerlieder(집시의 노래) Op.103>이 그 중 하나이다. 이 곡은 Hungary 집시를 소재로 쓴 작품으로 모두 8곡으로 구성되어 있다. Brahms의 음악적 스타일과 <Zigeunerlieder(집시의 노래) Op.103>에서 볼 수 있는 민요적인 색채를 알아보기 위해 본 논문에서는 먼저 Brahms의 생애와 가곡의 특징, 시기별 가곡 작품에 대해 알아보고, 이 가곡의 음악적 특징을 연구한다. 그리고 <Zigeunerlieder(집시의 노래) Op.103>의 가사번역, 형식, 선율, 리듬, 화성, 피아노반주, 연주표현을 자세히 분석하고 살펴보겠다. Johannes Brahms(1811-1886) who was a neo-classicalism composer in the period of romantic music occupies a special position in the history of art song of the 19th century. Brahms composed songs through his life by using folk elements in addition to classical style, harmony and melody unlike pursuing musical reform by F.Liszt(1811-1886)and R.Wagner(1813-1883) who belong to contemporary reform school. He based art song on folk song. As for in Brahms who had much interest in Germany folk song, folk song was like thought. The reason why his many works showed strong color of folk song lies in that. The song of Brahms was made of articulation, and he wrote many works to be relatively grave and compositional. This aspect shows that he was influenced by F.Schubert(1789-1828) and R.Schumann(1810-1856) very much. We can find the musical feature of Hungarian folk song in the song of gypsy, <Zigeunerlieder Op.103>. In this thesis, I examine these features in detail, the lifetime and song feature of Brahms and the song works by periods so as to understand and play it easily. I analyze and examine the few atures of word translation, form, melody, rhythm, harmony, piano accompaniment, and performance expression of <Zigeunerlieder Op.103> in detail. Through this research, I can find that Hungarian folk song is of 2/4 time of style of Hungarian dance music. 2 part form and the expression of dot and syncopation are the typical form of Hungarian folk song(AABA). Melody showed order progression almost, and rhythm was of relatively simple form that only some change was made. As for harmony, only tone change was frequently used in music with the structure of diatonic scale. And, as for accompaniment, prelude and postlude were short absent, and accompaniment part is gorgeous in comparison with the rhythm of simple vocal music part. Thus, I can feel romantic atmosphere in this music. As the word contents are of the passionate and free music of gypsys on the subject of love, a singer has to sing with a little strained passion at performance. Especially, the connection of long phrase is important. It can be said that the maintenance of breath is also very important.