현대 미술관 공간 디자인에서 선종미학(禪宗美學) 의 이론과 응용에 관한 연구

정월선 상명대학교 천안캠퍼스 일반대학원 2025 국내박사

현대 미술관 공간 디자인에서 선종미학(禪宗美學)의 이론과 응용에 관한 연구 인류 사회가 발전하면서 공간의 형태는 점차 다양해지고, 재료의 구성 역시 크게 풍부해졌다. 이에 따라 사람들은 공간에 대해 신체적 요구를 넘어 영적 충족을 갈망하게 되었다. 하지만 아름다움에 대한 다양한 추구 는 과도한 시각적 자극을 일으켜, 영적 핵심의 공허함 문제를 초래할 수 있다. 오늘날 많은 미술관은 사람들의 영성 피드백을 위한 공간을 무시하 고, 설계에서 내재된 무관심 현상을 소비자 가치로 삼는 경우가 많다. 선종미학 사상은 불교, 도교, 유교 사상의 융합으로 중국 전통 문화에 깊이 뿌리내리고 있다. 이는 인문학과 미학의 발전 과정에서 아시아와 세 계 미적 스타일의 발전에 지속적으로 영향을 미쳤으며, 중국 전통 문화의 중요한 부분으로 자리하고 있다. 전통 문화의 쇠퇴와 현대 건축에서 전통 문화의 지혜를 통합하는 방법을 모색할 때, 선종은 직접적인 답을 제공하 지 않으나 선종미학이 현대 건축 디자인 미학에 참고 자료로서 중요한 역 할을 한다. 이 논문에서는 선종미학이 건축 디자인에 영감을 줄 수 있는 가능성 을 탐구한다. 먼저 선과 선종미학의 개념을 정의하고, 선과 선종미학의 관계, 그리고 선종미학이 건축 디자인에 미치는 연관성을 고찰한다. 이후 현대 미술관 디자인이 선종미학에서 어떻게 영감을 받을 수 있는지, 그리 고 선종미학의 어떤 측면이 건축 디자인에 유용하게 적용될 수 있는지를 논의한다. 이 논문에서는 선종미학은 일종의 삶의 미학으로, 선종미학이 중국 미 학 역사에서 차지하는 위상을 설명하고, 선종미학은 삶의 미학, ‘심성지 오(心性之悟: 마음의 깨달음)’, 직관 경험, ‘공’ 관념의 네 가지 특징을 지닌다는 점을 언급하였다. 그리고 선종미학의 특징을 바탕으로 ‘무 상’, ‘불이법문’, ‘공’, ‘깨달음’의 네 가지 범주를 연구 대상으로 삼았다. 이는 이론적 토대를 제공해주면서 현대의 실제 의미를 명확히 해 준다 미학 활동의 미학 주체와 미학 대상이라는 두 가지 측면에서 네 가 지 범주의 미학 사상을 심층적으로 연구하였다. 한편으로는 미학 사상 영 향을 받아 미학 주체가 예술 창작, 예술 감상, 예술 평가 등 미학 활동에 서 보이는 미학 경향과 준수하는 미학 규칙을 중점적으로 연구하였고, 또 한, 현대미술관이 선종미학 사상의 영향을 받은 것으로 예술적 특색, 창 작 기법, 디테일 표현 등을 중점적으로 연구하고, 위의 두 가지 측면을 종합해 선종미학이 현대 미술관 디자인에 시사점을 줄 수 있는 일반적인 디자인 방법을 정리하였다. 제1장에서는 논문의 주제 선정 배경과 목적을 설명하고, 현대 미술관 디자인이 한층 발전하기 위해선 혁신적인 디자인이 이루어져야 한다는 점 을 언급하였다. 인간의 욕구에서 살펴보면, 물질적 풍요와 기술 발달은 정신적 욕구의 성장을 의미하므로 현대 디자인은 문화의 반영을 더 고려 할 필요가 있다. 선종 문화는 중국 전통문화의 중요한 구성 부분으로, 매 우 풍부한 사상이 포함된다. 삶의 아름다움에 대한 관심과 삶의 시성(诗 性: Poetic nature)에 대한 고찰은 수양을 높이고 마음을 정화할 뿐만 아 니라 인간의 궁극적인 질문에 답을 제시할 수 있다. 디자인은 인간 중심 을 강조하고, 인간을 위해 더 아름다운 삶의 방식을 구축하는 것을 최종 목표 중 하나로 삼는다. 이에 따라 둘 사이에는 서로 통하는 부분과 내면 의 결합점이 많이 존재한다. 선종미학과 현대 디자인의 결합은 현대 디자 인에 더 많은 문화적 가치를 부여하고, 혁신적인 디자인 이념과 방법을 제공해 현대 건축물의 디자인 평가 체계 구축에 도움을 줄 수 있다. 또 한, 디자인라는 매개체를 활용해 선종 문화를 더 잘 계승하고 발전시킬 수 있다. 제2장에서는 선종미학 정의를 분석한 후 선종미학의 연구 범위를 명 확히 하여 선종 영향을 받아 나타나고 발전하는 미학 사상을 연구하고, 선종미학의 성질을 명확히 하여 선종미학은 일종의 삶의 미학으로 그 성 격을 논할 수 있다는 점을 언급하였다. 또한, 선종미학이 중국 미학 역사 에서 차지하는 위상을 설명하고, 선종미학은 삶의 미학, ‘심성지오(心性 之悟: 마음의 깨달음)’, 직관 경험, ‘공’ 관념의 네 가지 특징을 지닌 다는 점을 언급하였다. 그리고 선종미학의 특징을 바탕으로 ‘무상’, ‘불이법문’, ‘공’, ‘깨달음’의 네 가지 범주를 연구 대상으로 삼았 다. 이는 이론적 토대를 제공해주면서 현대의 실제 의미를 명확히 해준 다. 제3장에서는 ‘무상’ 관념을 설명하고, 선종은 ‘색신무상(色身無 常)’에 대한 관조를 통해 순간적으로 심성(心性)의 영원함을 느끼게 하여 일종의 심리적 해방감을 얻게 만든다고 언급하였다. 또한, 무상 사상 영 향을 받아 만들어진 모노노아와레와 불완전함의 미학 관념을 설명하며 불 완전한 아름다움의 본질은 완벽함에 대한 초월로서 선종 영향에 따른 ‘중정신, 경물질(重精神, 輕物質: 정신을 중시하고, 물질을 가벼이 여기 다)’의 미학 이념을 보여주고, 완벽함에 대한 또 다른 해석과 초월이라 는 점을 언급하였다. 또한, 불확실성은 사람들에게 참신한 미적 느낌을 주고, 사람들이 더 나은 삶을 갈망하고 추구하게 만든다고 언급하였다. 선종의 무상 미학 사상이 건축 공간 디자인에 폭넓게 활용되면 공간 디자 인을 위한 고유한 사고 시스템을 구축하는 데 도움이 된다. 제4장에서는 ‘불이법문’의 본질은 사물 이항 대립에 대한 초월이라 는 점을 설명하며 불이법문은 중국 고대 예술 ‘시공중구(时空重构: 시공 간 재구축)’의 창작 방법에 깊은 영향을 주었다는 점을 언급하였다. 불 이법문은 깨우침의 선종 방식이자 이항 대립에 대한 초월이다. 불이법문 의 미학 사상은 중국 고대 예술 창작에 ‘설중파초(雪中芭蕉)’와 《청명 상하도(清明上河圖)》의 ‘불합리한’ 창작과 같이 유동적인 시공간 관념 이 나타나게 한다. 그리고 이를 통해 착각과 오해를 불러일으키는 미학 관념은 예술가들 사이에서 인기를 얻고, 예술 창작과 감상 측면에서 매우 귀중한 가치를 지닌다. 불이법문에서 파생된 ‘동적과 정적의 불이’, ‘대칭과 비대칭’의 창작 기법은 높은 지혜를 가지고, 모순을 초월하며 자신의 ‘본연의 모습’에 주목한다. 제5장에서는 ‘선종’, ‘공’의 본질을 설명하며 불교는 ‘사대개공 (四大皆空: 만물은 모두 비어 있다)’을 주장하고 선학(禪學)은 ‘공’을 깨닫는 학문인데, 어떤 의미에서는 참선하여 ‘공’을 깨우치는 것이자 ‘실처개공, 공처개실(實處皆空,空處皆實: 실재하는 곳은 모두 비어 있고, 빈 곳은 모두 실재하다)’을 완전히 깨우치는 것이라고 언급하였다. 선종 의 ‘공’은 절대적 허무가 아니라 실재가 풍부한 ‘공’이다. 이 공은 어떠한 것으로도 이룰 수 없고 비교할 수 없는 풍부함을 가지고 있다. 이 는 구체적인 사물은 제한적이지만 ‘공’은 모든 것을 두루 갖추어 무한 한 내용으로 평온함을 나타내기 때문이다. ‘공’은 미학에 ‘공령’의 아름다움을 만들고 ‘여백’의 예술에 영향을 미친다. 선종미학의 ‘공’ 은 예술적 감각과 예술적 창의력에 대한 잠재의식의 확장을 크게 촉진시 킨다. ‘공’을 미술관 디자인를 지도하는 데 활용하는 것은 전시 공간의 구체적인 사물의 형상에 더 많은 내용을 전달하도록 요구하는 것이다. 한 편으로 미술관 작품에 여백, 변화무쌍의 미학 정취를 반영할 수 있고, 또 다른 측면에서 관람객에게 매우 정교하고 변화무쌍하고 미묘한 정신적 향 유의 즐거움을 선사한다. 제6장에서는 선종 ‘깨달음’의 의미를 설명하고, 깨달음의 특징인 심오함, 순간성, 직관성, 창의성 등을 정리하였다. 또한, ‘심리청크인지’ 이론을 활용해 깨달음의 세 단계를 분석하였다. 깨달음의 첫 번째 단계 ‘견산시산, 견수시수(見山是山,見水是水: 산은 산이고, 물은 물이다)’는 디자인 대상에 대한 기존 정보를 수집하고 정리해 일반적인 심리인지청크 를 구축하는 과정이다. 두 번째 단계 ‘견산불시산, 견수불시수(見山不是 山,見水不是水: 산은 산이 아니고, 물은 물이 아니다)’는 디자인 대상이 기존에 가지고 있던 일반적인 심리인지청크를 의심하고 부정하는 과정이 다. 세 번째 단계 ‘견산지시산, 견수지시수(見山只是山,見水只是水: 산은 그저 산이고, 물은 그저 물이다)’는 디자인 대상의 일반적인 심리인지청 크를 분해해 창의적으로 재구축하는 과정이다. 이 세 가지는 건축 디자이 너와 체험자의 고정관념을 효과적으로 타파하고, 혁신적인 생각을 하게 유도한다. 그리고 이를 위해선 두 사람이 깨달음을 통해 상호 이해를 해 야 한다. 키워드: 선종미학, 현대미술관, 무상, 비이원성, 공허, 깨달음 Abstract A Study on the Representation and Application of Chan Aesthetics in Contemporary Museum Design Since the development of human society. the space form is more and more diversified. the material composition is very rich. people's demands in the space are no longer confined to the physical needs. but also spiritual aspirations. However. the diversified pursuit of beauty will also produce excess visual stimulation. resulting in the emptiness of the spiritual kernel of the problem. many art museums in today's society are inevitably designed in order to achieve the consumer value of the phenomenon of embedded indifference. ignoring the space to the human spirit of feedback. Chan aesthetic thought synthesizes the great success of Buddhism. Taoism and Confucianism. which is deeply rooted in the foundation of traditional Chinese culture and always runs through the process of humanistic historical development. and the aesthetic style developed based on Chan culture is widely spread in Asia and even in the world. Faced with the problem of declining traditional culture in architecture and how to integrate the wisdom of traditional culture into modern architecture. Chan may not give us a ready answer. but the Chan aesthetics derived from the influence of Chan has become some references for contemporary architectural design aesthetics. This article studies the basic characteristics of Chan aesthetics and its basic problems related to architectural design. in the hope that Chan aesthetics can inspire architectural design. The article first answers what Chan and Chan aesthetics are. the relationship between Chan and Chan aesthetics. and the connection between Zen aesthetics and architectural design. and then tries to answer why contemporary art museum design can draw inspiration from Chan aesthetics and what aspects of Chan aesthetics may be useful for architectural design. This paper begins with some characteristics of Chan aesthetics derived from the development process of Chan Buddhism. and summarizes four important characteristics of Chan aesthetics: the beauty of “impermanence”. the beauty of “non-duality”. the beauty of “emptiness”. and the beauty of “emptiness”. The beauty of “impermanence”. “non-duality”. “emptiness” and “epiphany” are summarized. and the design connotations that these four aspects may bring to architectural aesthetics and culture are explored. By summarizing and refining the actual cases of existing buildings. we will look for aspects that can be used as a reference for the construction of contemporary new architectural design with Chan. Finally. the thesis concludes that Chan aesthetics derived from Chan Buddhism is characterized by the aesthetics of “impermanence”. “non-duality”. “emptiness” and “enlightenment”. Chan aesthetics derived from Chan Buddhism has the aesthetic characteristics of “impermanence”. “non-duality”. “emptiness”. “enlightenment”. and it summarizes some design techniques that can be integrated into contemporary art museum space design to provide some aesthetic references for contemporary architectural design. Keywords: Chan aesthetics; Contemporary art museum; Impermanence; Non-duality; Emptiness; Enlightenment;

(The) Aesthetics of Taekwondo Poomsae

Herman II, Jacob Russell 경희대학교 2012 국내석사

The purpose of this paper is not to explore the functional roots of Poomsae, but to define what can be found as beautiful in Poomsae. The methodologies, which have been exercised to determine what is aesthetically pleasing in Taekwondo Poomsae, consisted of various researches into the fundamentals of philosophical theory. After research was accomplished a common interest was found in relation of Taekwondo to an emotional exertion, which has connections to the Dionysian school of philosophy in ancient Greek Times. From this path of philosophy contemporary philosopher such as Immanuel Kant and Schopenhauer were compared to and studied to see how beauty is derived from willinglessness of the Poomsae actions and thus a connection to beauty can be established in correlation to these philosophical theories. From these points of views dance was also studies to see how a connection could be made to Rudolph Laban’s analysis to motion aesthetics which he had researched in both modern and classical dance to determine how certain positions and motion has a connection to the viewers eye to see a beautiful performance of motion. This was then compared to Poomsae Performance and the theory had established similar connections to the performance of Taekwondo Poomsae. Finally the comparison of Yin and Yang and restraint and exuberance were analyzed to see how Taekwondo Poomsae has both of these features which have a aesthetically pleasing appearance due to the control and sporadic motion of the practitioner.

(A) Study on the We Media from the Perspective of Life Aesthetics focused on Yitiao

DING XIAOQIAN 경희대학교 대학원 2021 국내석사

In the Internet environment, how can we media integrate "fast" and "slow", find a balance in the gap, abandon offensive and unbearable content, replace beauty, and exquisite to impress people, so that the audience can benefit from the ups and downs of information resources Beneficial health content has become a problem worthy of discussion in today's society.Besides, in the continuous evolution of the communication context of media integration, the state, business, and individuals use their communication rights to give new connotations to life aesthetics. However, there are only a few systematic researches on We Media and life aesthetics in academia. At present, short videos of entertainment, funny, and variety shows account for more than 90% of the Internet in China. However, short videos for life and teachings such as makeup, cooking, travel, and cycling have more than half of overseas video websites (2017). The emergence of "Yitiao" created a batch of "not funny, not entertaining, not low-end" original life short videos for China. They were very successful, which set off a frenzy of life aesthetics. Under the background of the We Media era, this paper is based on previous studies, combined with the knowledge of life aesthetics, communication, psychology, and other disciplines to explore the relationship between We Media and life aesthetics and the driving force from the perspective of life aesthetics and with the case of "Yitiao." This paper mainly consists of four parts: The introduction mainly expounds on the background and significance of the paper, topics purposes, this difference of paper and research methods. The literature review part starts with We Media, life aesthetics, and "Yitiao." Chapter 1 mainly analyzes the relationship between We media and life aesthetics from the overall perspective. The first section first explores the value and existing problems of We Media and points out the importance of reshaping the aesthetic order. The second section focuses on the current situation of life aesthetics and its development characteristics and purpose under the era of We Media. The third section proposes the dialectical relationship between We media and life aesthetics. Chapter 2 mainly uses life aesthetics, communication, psychology, and other theories to discuss the construction of "Yitiao" life aesthetics. Aesthetic features are the investigation of the characteristics of a specific thing from an aesthetic perspective. This investigation is based on a unified historical development. As one of the few domestic We media organizations of life aesthetics, the life aesthetics of "Yitiao" is an explicit level and rise to a hidden connotation. Therefore, the author first elaborates on selecting "Yitiao" cases, focusing on analyzing the life aesthetic characteristics of "Yitiao" from both explicit and implicit aspects. Chapter 3 major tentatively summarized life aesthetic characteristics from the We Media. Trying to reveal this should be the creators of "good creative ideas, poetic aesthetic style, and the ultimate craftsman spirit" and provide some practice for its creation of the aesthetic enlightenment of the author, to realize the beautiful vision of "the art of beauty" in the tide of We Media. Since the beginning of the new century, the numerous and dramatic changes in society have made people more urgently need aesthetic support in their daily lives. The future development of the We media is inseparable from the support of beauty. The We Media industry is rooted in China. Suppose you want to take the path of sustainable development. In that case, you must have the courage to step out of the framework of prominent themes such as funny, kitsch, entertainment, chicken soup, and balance the relationship between commerciality and artistry.

Combining the Historical Aesthetics of Maps with Multimodal Interaction Design : Development of Interaction Design and Connection with Traditional Chinese Green and Blue Landscape Paintings

양우연 한양대학교 대학원 2026 국내박사

Glitch art using the flawed aesthetics in new media : focused on the researcher's work 〈Flash dream〉

주연 중앙대학교 첨단영상대학원 2022 국내박사

This research discusses the development status of glitch art and the significance innovation of flawed aesthetics in the era of new media. In the previous studies for flawed aesthetics, it describes definition, development and application of glitch art as a new branch of art in the form of creation, and on this basis, further extends the aesthetic characteristics of flaws. In the content of the second chapter, this research first starts from the definition of flawed aesthetics and introduces related concepts as arguments from the theoretical systems of aestheticians of the East and West. Although the academic circle does not give a precise definition of it, we can still know that flawed aesthetics is a perception and comprehension of imperfections and incomplete forms, to obtain a stronger aesthetic experience than traditional aesthetics. Subsequently, this research discusses the history of flawed aesthetics, thus expounding the aesthetic transformation of flaws from accidentals to active behaviors. Finally, this research analyzes the three aesthetic characteristics of flawed aesthetics. First, the aesthetic of flaws is to obtain the experience of beauty by contrasting with beautiful and complete things; second, people can make up for the existence of beauty at the level of consciousness based on their own knowledge and experience through the association of the flawed parts; third, flaws always exist and cannot be avoided. They reflect the true imperfections in human life and the true feelings contained in flawed art, and express eternal pursuit of perfection of human beings at the same time. The research discusses the application of glitch art in the third chapter. First, the research gives the definition of glitch, which is usually an error phenomenon that occurs in the electronic environment and digital programs. Subsequently, based on the definition of glitch, the glitch art was defined from a technical and artistic level, that is, an artistic practice that uses failures in hardware or software to create artworks. Technically, glitch art is the product of hardware circuit-bending and datamoshing; in the side of art, glitch art inherits the formal expressions of Dadaism and Abstract Expressionism, and embodies the characteristics of digital media, thus further developing the advantages of both. Next, this research discusses the forms of visual effects in glitch art in the era of new media. In this section, the various forms of visual glitch effects are simplified into three categories: glitches and pixelation, destruction and deformation, RGB split, which combined with cases to describe from the perspective of generation methods and artistic effects. Then, this article lists the landmark works and famous artists in the field of glitch art and expounds the development process that based on it. Two aesthetic characteristics of glitch art are discussed: randomness and genuineness. Randomness is the essential attribute of glitch art. It allows people to fully realize the relative controllability of digital media art, and thus obtain a new aesthetic perspective; the genuineness is the extended attribute of glitch art. It helps artists return to the true nature of art. At the end of this chapter, the research discussed the transformation of glitch art in today's art environment. The borrowing of glitch forms and the self-generated digital biological features give unlimited vitality to glitch art. Through the expression of glitched forms, people realize that although digital technology is a kind of important and creative means of art, and what really has aesthetic significance is the thing behind the technical form that can trigger thoughts of human. In the fourth and fifth chapter, this research lists the researcher’s prior works and elaborates the production and display of the work <Flash Dream>. <Flash Dream> is an experimental video that is created with dreamland as the theme, through the interpretation of the characters, the use of code programming to produce glitch effects, projection mapping and post-editing. In the work, the linear narrative deduction combines the effects of noise and dislocation glitches, expressing the complex emotions of anxiety and struggle trapped in dreams, which arouses the imagination and reflection of the audience. Finally, this research lists and compares works similar to <Flash Dream>, analyzes their superiorities and limitations, and lays the direction for subsequent research and artistic creation. In the digital age environment, glitches always appear at random, and they truly exist in every corner of social life. We will inevitably come into contact with glitches. The nature of the glitches is the error of the system, but the way of examining the flaws has found beauty in these errors. At this point, artistic works have begun to shift toward the pursuit of imperfection, these changes also contain positive factors, that make artistic creation with more possibilities. From the perspective of human beings, if we want to get a sense of beauty from glitch, then the aesthetic attitude of actively accepting flaws is indispensable. For both artists and audiences, this is a unique enlightenment brought by art. 이 연구는 뉴미디어 시대에 글리치 아트 중의 결함이 있는 미학의 혁신에 대해 논한 것이다. 결함이 있는 미학에 대한 이전의 연구를 기반으로 글리치 아트는 뉴미디어 시대에 있는 새로운 분야로서 이에 대한 정의, 적용 및 발전을 설명할 뿐더러 결함이 있는 미적 특성을 더욱 확장시키고자 한다. 제2장 내용에서 먼저 결함이 있는 미학이 무엇인지에 대한 정의에서부터 출발하여 동양과 서양의 미학자들의 이론적 체계에서 나온 주장 및 관련 개념들에 근거하여 소개한다. 학계에서 확실한 정의를 내리지는 않지만 결함이 있는 미학은 불완전한 형태에 대한 인식과 이해를 통해 전통적인 미학보다 더욱 강한 미적 경험을 얻을 수 있다는 사실을 확인할 수 있다. 그리고 결함이 있는 미학의 발전사를 알아본 다음에 결함의 미적 변화는 우연한 사고에서 일부러 만드는 예술적 효과로 바꾸어 온 것을 밝힐 수 있다. 마지막으로 본문에서 언급한 결함이 있는 미학의 세 가지 미적 특성을 분석한다. 첫째, 결점의 미학은 아름답고 완전한 것들과 대조나 비교를 통해 다르고 신기한 미적 경험을 하게 되는 것이다. 둘째, 결점이 있는 부분에 대해서 자신의 지식과 경험을 바탕으로 인간의 상상력을 발휘하여 각자의 의식 수준에서 결점이 있는 부분을 보완하려는 인간 본능을 확인할 수 있다. 셋째, 결점은 항상 존재하고 피할 수 없다는 현실을 알 수 있다. 그러므로 결함을 없애 버리려고 애쓰기보다는 불완전함을 예술적인 방식으로 표현하여 참된 감정을 반영할 뿐만 아니라 인간은 끊임없이 완벽을 추구하는 자세도 함께 나타내고자 한다. 제3장에서 글리치 아트의 응용을 논한다. 일반적인 관점을 말하자면 전자 환경과 디지털 프로그램에서 발생하는 일종의 오류 현상이다. 이에 기반으로 글리치 아트는 기술적이고 예술적 측면으로부터 정의를 내려보도록 한다. 구체적으로 말하자면 하드웨어나 소프트웨어의 장애를 이용하여 예술 작품을 만드는 예술적 관행을 정의한다. 먼저 기술적 측면에서 글리치 아트는 하드웨어 서킷 벤딩과 데이터모싱의 산물이다. 다음으로 예술적 측면에서 글리치 아트는 다다이즘과 추상적 표현주의의 형식을 계승하면서 디지털 미디어의 특성을 구현하여 두 가지의 장점을 더욱 발전시킬 수 있다. 즉 시각적 글리치 효과인 글리치와 픽셀화, 파괴와 변형, RGB 분리 및 재구성 등 세 가지 범주로 단순화되며 생성 방법과 예술적 효과의 관점에서 대표적인 사례와 결합하여 분석하는 것이다. 그 다음으로 이는 글리치 아트 분야의 랜드마크라고 부를 만한 작품과 유명한 작가들을 나열하고 이를 바탕으로 한 발전 과정을 설명한다. 또한 이는 뉴미디어 시대에 글리치 아트의 시각적 효과 형태에 대해 논한다. 다음으로 이는 글리치 아트의 두 가지 미적 특성, 즉 무작위성과 진성에 대해 논의한다. 무작위성은 글리치 아트의 본질적인 속성이다. 디지털 미디어 아트는 상대적으로 제어 가능성이 있다는 사실을 깨닫게 하고 새로운 미적 관점을 얻게 한다. 이어서 진성은 글리치 아트의 확장된 속성이다. 그것은 예술가들이 예술의 자연으로 돌아갈 수 있도록 돕다. 이 장의 끝부분에서는 현대 미술 환경에서의 글리치 아트의 변혁이 논의된다. 글리치 형태의 차용과 자신의 생성된 디지털 생물학적 특징은 글리치 아트에 무한한 활력을 준다. 글리치 아트 형식의 표현을 통해 사람들은 디지털 기술이 중요한 예술 창작 수단이라는 것을 의식하게 되었다. 그러나 정작 미적 의미가 있는 것은 기술 형식 뒤에 인간의 사상을 불러일으킬 수 있는 것이다. 제4 장와 5장에서는 본인이 이전에 논의했던 내용을 나열하고 <Flash Dream>의 제작과 전시 과정를 다루고 있다. <Flash Dream>은 캐릭터 해석을 통해 코드 프로그래밍을 활용해 글리치 효과와 프로젝션 매핑, 사후 편집 등을 구현해 꿈나라를 테마로 만든 실험적 영상이다. 작품에서 선형적인 서술 방식은 소음과 탈구의 효과를 결합하여 꿈에 갇힌 불안과 투쟁하는 과정에서 생기는 복잡한 감정을 표현함으로써 관객들의 상상력과 반성을 불러일으키도록 한다. 마지막으로 본 연구는 <Flash Dream>과 유사한 작품을 나열하고 비교하며, 장점과 한계를 분석해서 향후 연구와 예술 창작의 방향을 제시한다. 디지털 시대 환경에서 결함은 무작위로 나타나는 특성이 있다. 그러나 사회 생활의 전반에 실제로 존재하는 결함을 우리는 불가피하게 마주한다. 시스템의 오류에 의해 결함이 나타나지만, 결함을 확인하는 과정 속에서 이런 오류에 의해 표현되는 아름다움을 발견할 수 있다. 이런 관점에서 예술 작품들은 불완전함을 더욱 추구하고자 시도하였으며, 이러한 변화들을 통해 보다 다양한 예술적인 창조가 가능할 수 있었다. 관람자가 글리치로부터 미적 감각을 얻으려면, 결점을 적극적으로 받아들이는 미적 자세가 요구된다. 예술가와 관객 모두에게 이것은 예술에서 가능한 독특한 깨달음이자 경험이다.

뉴미디어에서 결함의 미학을 이용한 글리치 아트 : 본인의 작품<Flash Dream>을 중심으로

ZHU RAN 중앙대학교 첨단영상대학원 2022 국내박사

이 연구는 뉴미디어 시대에 글리치 아트 중의 결함이 있는 미학의 혁신에 대해 논한 것이다. 결함이 있는 미학에 대한 이전의 연구를 기반으로 글리치 아트는 뉴미디어 시대에 있는 새로운 분야로서 이에 대한 정의, 적용 및 발전을 설명할 뿐더러 결함이 있는 미적 특성을 더욱 확장시키고자 한다. 제2장 내용에서 먼저 결함이 있는 미학이 무엇인지에 대한 정의에서부터 출발하여 동양과 서양의 미학자들의 이론적 체계에서 나온 주장 및 관련 개념들에 근거하여 소개한다. 학계에서 확실한 정의를 내리지는 않지만 결함이 있는 미학은 불완전한 형태에 대한 인식과 이해를 통해 전통적인 미학보다 더욱 강한 미적 경험을 얻을 수 있다는 사실을 확인할 수 있다. 그리고 결함이 있는 미학의 발전사를 알아본 다음에 결함의 미적 변화는 우연한 사고에서 일부러 만드는 예술적 효과로 바꾸어 온 것을 밝힐 수 있다. 마지막으로 본문에서 언급한 결함이 있는 미학의 세 가지 미적 특성을 분석한다. 첫째, 결점의 미학은 아름답고 완전한 것들과 대조나 비교를 통해 다르고 신기한 미적 경험을 하게 되는 것이다. 둘째, 결점이 있는 부분에 대해서 자신의 지식과 경험을 바탕으로 인간의 상상력을 발휘하여 각자의 의식 수준에서 결점이 있는 부분을 보완하려는 인간 본능을 확인할 수 있다. 셋째, 결점은 항상 존재하고 피할 수 없다는 현실을 알 수 있다. 그러므로 결함을 없애 버리려고 애쓰기보다는 불완전함을 예술적인 방식으로 표현하여 참된 감정을 반영할 뿐만 아니라 인간은 끊임없이 완벽을 추구하는 자세도 함께 나타내고자 한다. 제3장에서 글리치 아트의 응용을 논한다. 일반적인 관점을 말하자면 전자 환경과 디지털 프로그램에서 발생하는 일종의 오류 현상이다. 이에 기반으로 글리치 아트는 기술적이고 예술적 측면으로부터 정의를 내려보도록 한다. 구체적으로 말하자면 하드웨어나 소프트웨어의 장애를 이용하여 예술 작품을 만드는 예술적 관행을 정의한다. 먼저 기술적 측면에서 글리치 아트는 하드웨어 서킷 벤딩과 데이터모싱의 산물이다. 다음으로 예술적 측면에서 글리치 아트는 다다이즘과 추상적 표현주의의 형식을 계승하면서 디지털 미디어의 특성을 구현하여 두 가지의 장점을 더욱 발전시킬 수 있다. 즉 시각적 글리치 효과인 글리치와 픽셀화, 파괴와 변형, RGB 분리 및 재구성 등 세 가지 범주로 단순화되며 생성 방법과 예술적 효과의 관점에서 대표적인 사례와 결합하여 분석하는 것이다. 그 다음으로 이는 글리치 아트 분야의 랜드마크라고 부를 만한 작품과 유명한 작가들을 나열하고 이를 바탕으로 한 발전 과정을 설명한다. 또한 이는 뉴미디어 시대에 글리치 아트의 시각적 효과 형태에 대해 논한다. 다음으로 이는 글리치 아트의 두 가지 미적 특성, 즉 무작위성과 진성에 대해 논의한다. 무작위성은 글리치 아트의 본질적인 속성이다. 디지털 미디어 아트는 상대적으로 제어 가능성이 있다는 사실을 깨닫게 하고 새로운 미적 관점을 얻게 한다. 이어서 진성은 글리치 아트의 확장된 속성이다. 그것은 예술가들이 예술의 자연으로 돌아갈 수 있도록 돕다. 이 장의 끝부분에서는 현대 미술 환경에서의 글리치 아트의 변혁이 논의된다. 글리치 형태의 차용과 자신의 생성된 디지털 생물학적 특징은 글리치 아트에 무한한 활력을 준다. 글리치 아트 형식의 표현을 통해 사람들은 디지털 기술이 중요한 예술 창작 수단이라는 것을 의식하게 되었다. 그러나 정작 미적 의미가 있는 것은 기술 형식 뒤에 인간의 사상을 불러일으킬 수 있는 것이다. 제4 장와 5장에서는 본인이 이전에 논의했던 내용을 나열하고 <Flash Dream>의 제작과 전시 과정를 다루고 있다. <Flash Dream>은 캐릭터 해석을 통해 코드 프로그래밍을 활용해 글리치 효과와 프로젝션 매핑, 사후 편집 등을 구현해 꿈나라를 테마로 만든 실험적 영상이다. 작품에서 선형적인 서술 방식은 소음과 탈구의 효과를 결합하여 꿈에 갇힌 불안과 투쟁하는 과정에서 생기는 복잡한 감정을 표현함으로써 관객들의 상상력과 반성을 불러일으키도록 한다. 마지막으로 본 연구는 <Flash Dream>과 유사한 작품을 나열하고 비교하며, 장점과 한계를 분석해서 향후 연구와 예술 창작의 방향을 제시한다. 디지털 시대 환경에서 결함은 무작위로 나타나는 특성이 있다. 그러나 사회 생활의 전반에 실제로 존재하는 결함을 우리는 불가피하게 마주한다. 시스템의 오류에 의해 결함이 나타나지만, 결함을 확인하는 과정 속에서 이런 오류에 의해 표현되는 아름다움을 발견할 수 있다. 이런 관점에서 예술 작품들은 불완전함을 더욱 추구하고자 시도하였으며, 이러한 변화들을 통해 보다 다양한 예술적인 창조가 가능할 수 있었다. 관람자가 글리치로부터 미적 감각을 얻으려면, 결점을 적극적으로 받아들이는 미적 자세가 요구된다. 예술가와 관객 모두에게 이것은 예술에서 가능한 독특한 깨달음이자 경험이다. This research discusses the development status of glitch art and the significance innovation of flawed aesthetics in the era of new media. In the previous studies for flawed aesthetics, it describes definition, development and application of glitch art as a new branch of art in the form of creation, and on this basis, further extends the aesthetic characteristics of flaws. In the content of the second chapter, this research first starts from the definition of flawed aesthetics and introduces related concepts as arguments from the theoretical systems of aestheticians of the East and West. Although the academic circle does not give a precise definition of it, we can still know that flawed aesthetics is a perception and comprehension of imperfections and incomplete forms, to obtain a stronger aesthetic experience than traditional aesthetics. Subsequently, this research discusses the history of flawed aesthetics, thus expounding the aesthetic transformation of flaws from accidentals to active behaviors. Finally, this research analyzes the three aesthetic characteristics of flawed aesthetics. First, the aesthetic of flaws is to obtain the experience of beauty by contrasting with beautiful and complete things; second, people can make up for the existence of beauty at the level of consciousness based on their own knowledge and experience through the association of the flawed parts; third, flaws always exist and cannot be avoided. They reflect the true imperfections in human life and the true feelings contained in flawed art, and express eternal pursuit of perfection of human beings at the same time. The research discusses the application of glitch art in the third chapter. First, the research gives the definition of glitch, which is usually an error phenomenon that occurs in the electronic environment and digital programs. Subsequently, based on the definition of glitch, the glitch art was defined from a technical and artistic level, that is, an artistic practice that uses failures in hardware or software to create artworks. Technically, glitch art is the product of hardware circuit-bending and datamoshing; in the side of art, glitch art inherits the formal expressions of Dadaism and Abstract Expressionism, and embodies the characteristics of digital media, thus further developing the advantages of both. Next, this research discusses the forms of visual effects in glitch art in the era of new media. In this section, the various forms of visual glitch effects are simplified into three categories: glitches and pixelation, destruction and deformation, RGB split, which combined with cases to describe from the perspective of generation methods and artistic effects. Then, this article lists the landmark works and famous artists in the field of glitch art and expounds the development process that based on it. Two aesthetic characteristics of glitch art are discussed: randomness and genuineness. Randomness is the essential attribute of glitch art. It allows people to fully realize the relative controllability of digital media art, and thus obtain a new aesthetic perspective; the genuineness is the extended attribute of glitch art. It helps artists return to the true nature of art. At the end of this chapter, the research discussed the transformation of glitch art in today's art environment. The borrowing of glitch forms and the self-generated digital biological features give unlimited vitality to glitch art. Through the expression of glitched forms, people realize that although digital technology is a kind of important and creative means of art, and what really has aesthetic significance is the thing behind the technical form that can trigger thoughts of human. In the fourth and fifth chapter, this research lists the researcher’s prior works and elaborates the production and display of the work <Flash Dream>. <Flash Dream> is an experimental video that is created with dreamland as the theme, through the interpretation of the characters, the use of code programming to produce glitch effects, projection mapping and post-editing. In the work, the linear narrative deduction combines the effects of noise and dislocation glitches, expressing the complex emotions of anxiety and struggle trapped in dreams, which arouses the imagination and reflection of the audience. Finally, this research lists and compares works similar to <Flash Dream>, analyzes their superiorities and limitations, and lays the direction for subsequent research and artistic creation. In the digital age environment, glitches always appear at random, and they truly exist in every corner of social life. We will inevitably come into contact with glitches. The nature of the glitches is the error of the system, but the way of examining the flaws has found beauty in these errors. At this point, artistic works have begun to shift toward the pursuit of imperfection, these changes also contain positive factors, that make artistic creation with more possibilities. From the perspective of human beings, if we want to get a sense of beauty from glitch, then the aesthetic attitude of actively accepting flaws is indispensable. For both artists and audiences, this is a unique enlightenment brought by art.

체화된 인지기반 미디어아트의 지각적 심미에 관한 연구 : 본인 작품 『Shape of Light』 『Intertwined』 중심으로

방빈주 중앙대학교 첨단영상대학원 2022 국내박사

The theory of embodied cognition performs an important role in cognitive science and is a new discipline derived from philosophy, neurology, anthropology, psychology, and computer science. Embodied cognition contends that the body participates in the cognitive process and it can expand into the environment, thereby establishing the unity of body, brain, and environment. The body perceives a media work of art, so the brain gets stimulated and controls the body’s movement, thus reflecting the embodied attribute of cognition. Therefore, this research, based on the embodied cognition theory, concentrates on such topics as the interaction between body and works of art, the expression of media art, the influences of the environment on body movement and cognitive outcomes, as well as the interplay of the body, brain, and environment, and it analyzes the cognitive aesthetic experience generated by the embodied character in media art. This research consists of five chapters. The first chapter is the introduction, and in the second chapter, the research examines the theory and concept of embodied cognition and analyzes the characteristics of media art to establish the basis for perceptual aesthetics. The definition of perceptual aesthetics and the expansion of techniques for creation and expression are discussed in the third chapter. The fourth chapter is a case study on new media works of art using perceptual aesthetics also in addition to the author’s work. At the end, the fifth chapter draws the conclusions. In the first chapter, this research introduces its background, objectives, methods, and necessity. In the second chapter, the research investigates embodied cognition in the aspects of its development, definition, expression, and characteristics, and it defines its expression and characteristics to understand its basic elements based on existing domestic and foreign literature. The research also examines the expanded attributes of new media art, interactivity, and the interactivity of perception in the second chapter. The features of the interactivity of media art include synesthesia, feedback, diversity, virtuality, immersion, and nonlinear, while the interactivity of perception can be categorized into sight, hearing, smell, and touch, thereby establishing the basis for perceptual aesthetics. Referring to the combination of embodied cognition and the interactivity of new media art discussed in the second chapter, in the third chapter, this research defines perceptual aesthetics and embodied expression. Additionally, in this chapter, the research also summarizes the embodied expression of perceptual aesthetics in media art by analyzing the perceptual modes of body perception, sensorimotor, and empathy. It also manages to illustrate the realization of perceptual aesthetics in media art in light of the participation feedback, the environment construction, and the generation process of perceptual aesthetics, and finally it discusses the meanings of the expansion of the expression techniques of media art attributed to perceptual aesthetics. In the fourth chapter, this research, based on the framework of perceptual aesthetics established in the third chapter, applies perceptual aesthetics to new media works of art. The case study is carried out from the perspective of the background and intention of the case, the analysis of its perceptual aesthetic, and the application of expression techniques based on perceptual aesthetics. The objective of the analysis of interactive works of art and the author’s works is to deepen the theme and prove the possibility of perceptual aesthetics. The fifth chapter includes the results of the comparative analysis of perceptual aesthetics in new media art in this paper as well as the proposal for future research. 체화된 인지 이론은 인지 과학에서 매우 중요한 이론으로, 철학, 신경학, 인류학, 심리학과 컴퓨터 과학과 융합하여 새로운 개념을 파생시켰다. 인지 과학이 제기한 체화된 인지 이론의 주장은 신체가 인지 과정에 참여하고, 신체를 환경으로 확장시켜 신체, 뇌, 환경의 세 가지의 단일성을 구축한다는 것이다. 미디어아트의 특징적인 관점에서 상호작용은 사람들의 예술에 대한 심미적 체험을 기존의 단일한 심미 방식에서 다중 감각적인 체험으로 확대시켰다. 신체가 미디어아트 작품을 감지하고 뇌의 반영을 자극하며 뇌가 신체 운동의 과정을 제어하여 인지의 체화된 특징을 나타낸다. 따라서 본 논문에서는 체화된 인지를 바탕으로 신체와 예술 작품의 인터랙티브 과정, 미디어아트 표현 형식, 환경이 신체 운동과 인지 결과에 미치는 영향, 신체, 뇌, 환경 간의 인터랙티브 관계에 중점을 두고,미디어아트에서 체화된 특징에 의해 확장된 지각적 심미 체험을 논의하고자 한다. 논문은 다음과 같이 구성되어 있다. 제1장 서론, 제2장 체화된 인지의 이론 및 개념 분석 고찰한다, 미디어아트 특성 분석을 통해 지각적 심미를 위한 토대 구축한다, 제3장 지각적 심미의 정의 및 창작 표현기법의 확장, 제4장 지각적 심미의 뉴미디어 아트 작품에서의 응용사례 분석과 본인 작품 분석, 제5장 결론으로 구성된다. 제1장 서론은 연구배경, 연구목적, 연구방법 및 필요성을 설명하였다. 제2장은 체화된 인지에 대해 이론의 발전, 개념 정의, 체화된 인지의 표현 및 특징 등 측면에서 고찰과 분석을 진행하였다. 기존의 국내외 문헌 연구를 토대로, 체화된 인지의 표현과 특징을 정의하고, 체화된 인지의 기본요소를 파악하였다. 둘째, 뉴미디어 예술 매체 확장의 특성과 인터랙션 특성 및 인지적 인터랙션 특성을 분석한다. 미디어 예술의 인터랙션 특성은 공감각성, 피드백성, 다원성, 가상성, 몰입성, 비선형 인터랙션의 특성으로 나누어진다. 인지적 인터랙션 특성은 시각, 청각, 후미각, 촉각, 의식의 인지 인터랙션 특성으로 나누어지며, 이로써 지각적 심미의 토대를 구축한다. 제3장은 제2장의 체화된 인지 이론과 뉴미디어 예술 인터랙션 형식의 특성을 결합하여, 이를 기반으로 지각적 심미의 정의와 체화적 표현을 구축한다. 신체지각, 감각 운동, 공감체험의 인지 모델을 분석하고, 나아가 미디어 예술에서 나타나는 지각적 심미의 체화된 표현을 종합적으로 정리한다. 아울러 지각적 심미의 피드백성 참여, 환경 구축, 생성과정을 통해 미디어 예술에서 지각적 심미의 실현 방식을 설명한다. 마지막으로 지각적 심미가 미디어 예술 표현기법을 확장한 의의를 도출한다. 제4장은 제3장 지각적 심미의 프레임을 토대로 하여, 지각적 심미를 뉴미디어 예술작품에 응용한다. 작품의 배경의도, 작품의 지각적 심미 분석, 지각적 심미의 표현기법에 기반한 응용을 각 작품의 분석방법으로 하였다. 인터렉티브 아트 작품의 사례 분석 및 저자가 창작한 작품을 통해 논제를 심화시키고, 나아가 지각적 심미의 가능성을 증명한다. 제5장은 본문에서 뉴미디어 예술에 나타난 지각적 심미의 비교 분석 결과를 논하고, 앞으로의 연구방향을 제시한다.

A Study on Modern Home Interior Design Applying Traditional Culture and Aesthetics : Focused on the Song Dynasty

장나 동방문화대학원대학교 2023 국내박사

송왕조의 미학은 중국 전통 미학의 중요한 부분이며, 그 미적 성취는 스타일 상 자족적이며 독특하여, 현대 사회에서 매우 높은 응용적 가치를 지니고 있다. 송 왕조의 실내 디자인은 예술과 실용성의 결합을 강조하고 고대 중국 실내 디자인의 중요한 발전 단계 중 하나인 디테일과 공간 변화의 미적 효과에 주목하였다. 본 논문은 송대 생활 미학에 대한 심층적인 연구를 통해 송대 생활 미학의 요소를 탐구하였다. 전통 미학의 거시적 이론 체계의 관점에서, 송대 생활 미학의 원인, 미적 개념 및 예술적 성과를 정리하였다. 문헌 조사와 상호 증거를 통해 송대 가정 실내 공간 배치, 가정용 가구 및 전형적인 색상을 분석하여 송대 생활 미학을 현대 가정 실내 디자인에 적용하는 이론적 가치를 탐구하였다. 본 논문은 다음과 같은 측면에 중점을 두었다. Ⅰ. 주제 선정의 근거와 이유, 연구의 배경과 목적, 연구의 전반적 접근 방식과 범위를 정리하였다. Ⅱ. 중국 송대 미학의 지적 기원을 한국과 중국 전통문화의 넓은 맥락에서 논의하고 송대 미학의 이론적 진화를 정의에 대한 해석을 통해 정리하였다. Ⅲ. 송대 미학의 관점에서 생활 미학의 출현과 발전에 대해 자세히 설명하였다. 정치의 대표 인물인 왕안석, 문학의 대표 인물인 소식, 유가 철학의 대표 인물인 주희의 미학적 사상과 명제를 통해 생활 미학의 이론적 맥락을 분석하였다. 송대 미학의 핵심 범주인 기론(氣論), 문(文)과 도(道), 자연과 감성, 각성과 관심, 탈속과 거리, 운율과 운치, 소박함과 자연 사상 등 송대 미학 사상을 정리하였다. Ⅳ. 송대 사대부들의 삶에서 네 가지 아취(雅趣)로부터 송대 가정 생활의 미학을 분석하고, 송대 엘리트들의 심미적 활동을 중심으로 심미적 개념, 심미적 경험 및 심미적 방식을 주로 분석하여 실생활과 밀접하게 관련된 심미적 활동을 분석하였다. 또한 송대 사대부들의 미적 관심사, 미적 이상 및 미적 스타일을 탐구하였다. 내부 공간 구성 방법과 예술적 특성 측면에서 송대는 가구 조합의 상호 작용을 표현하면서 미적 관점에서 내부 공간의 가구 배치, 색상 구성 및 가구의 장식적 요소를 고려하였다. Ⅴ. 결론 부분에서 송대 미학의 철학적 범위, 송대 미학의 이론적 가치, 송대 생활 미학이 실내 디자인에 미치는 영향을 정리하여 실내 가구, 실내 공간, 실내 색상, 실내 장식 등 4가지 측면의 영향을 논하였다. 송대 사대부의 삶의 미학은 상류층의 삶의 미학을 대표하는 것으로, 송대 사대부의 미학의 특징에서 살펴볼 수 있다. 일상의 심미화에 직면하여 송대 사대부들은 생활의 미적 실천을 통해 우리에게 삶의 미학의 모델을 제시했고, ‘일상의 심미화’에서의 결점을 반성하는 과정에서, 송대 생활의 미학은 우리에게 전통 문화를 새롭게 보도록 하였다. 송대의 미학은 이후에 명대 가구 디자인의 토대를 마련했다. 또한 현대 실내 디자인에 대한 철학적 기초와 실용적인 참고 자료를 제공하였다. 송대인들은 삶의 미적 활동에서 사물, 욕망 및 감정의 문제에 직면할 때, 주체성을 잃지 않았다. 송대에는 물질적 욕망과 소외된 감정을 삶의 활동의 끝에 두어 그러한 욕망이 사람들에게 미치는 부정적인 영향을 소멸시켜 ‘자연스러움’의 상태를 달성하였다. 삶의 현장을 미적으로 창조하는 데에 있어, 송대 사대부들은 생활의 물건들에 대한 심미적 조명에 자신들의 삶의 감정을 주입시켜 일상 생활의 사물을 생명이 없는 것에서 살아 있는 것으로, 감정이 없는 것에서 감정이 부여된 것으로 바꿨다. 그리하여 삶은 감정이 있는 살아있는 세계가 되고, 삶의 본연의 색상이 빛나서 주체 자신의 삶이 정화되고 고양되며, 일상의 미학이 살아 숨쉬는 곳이 바로 이 현존하는 세계가 되었다. 바로 이 생활의 세계에서 주체 자신의 삶이 정화되고 고양되며, 일상의 미학이 초월과 고상함의 경지로 나아갈 수가 있었다. Song Dynasty aesthetics is an important part of traditional Chinese aesthetics, and its aesthetic attainments are self-contained and unique in style, with very high application value in contemporary society. Song Dynasty interior design emphasizes the combination of art and practicality, and pays attention to the aesthetic effect of detailing and spatial changes, which is one of the important development stages of ancient Chinese interior design. This paper explores the elements of the aesthetics of life in the Song Dynasty through an in-depth study of the aesthetics of life in the Song Dynasty. From the perspective of the macro-theoretical system of traditional aesthetics, it composes the causes, aesthetic concepts and artistic achievements of Song Dynasty living aesthetics. By analyzing the spatial layout, home furnishings and typical colors of Song Dynasty home interiors through literature reading and mutual evidence, the theoretical value of applying Song Dynasty living aesthetics to modern home interior design is explored. This thesis focuses on the following aspects: Ⅰ, the rationale and reason for the selection of the topic, the background and purpose of the study, and the overall approach and scope of the study are sorted out. Ⅱ, the intellectual origins of Chinese Song aesthetics are discussed in the broader context of Korean and Chinese traditional culture, and the theoretical evolution of Song aesthetics is sorted out through the interpretation of definitions. Ⅲ, from the perspective of Song Dynasty aesthetics, elaborates on the emergence and development of living aesthetics, and analyzes the theoretical context of living aesthetics through the aesthetic thoughts and propositions of Wang Anshi, the representative of politicians, Su Shi, the representative of literary scholars, and Zhu Xi, the representative of rational scholars, and summarizes the core categories of Song Dynasty aesthetics, the aesthetic thoughts of Qi theory, literature and Tao, nature and emotion, enlightenment and interest, escape and distance, rhyme and taste, plainness and nature in Song Dynasty. ⅴ, Itis analyze the aesthetics of home life of the Song Dynasty from the four kinds of elegant things in the life of the Song Dynasty scholars, focusing on the aesthetic activities of the Song Dynasty elites, mainly analyzing the aesthetic concepts, aesthetic experiences and aesthetic ways closely related to real life. It demonstrates the aesthetic interests, aesthetic ideals and aesthetic styles of the Song Dynasty scholars. In terms of interior space organization methods and artistic characteristics, the Song Dynasty addressed the interplay of furniture combinations, while also studying the layout of furniture in interior space, the color scheme and decorative elements of the home from an aesthetic perspective. ⅳ,The concluding section summarises the philosophical scope of Song aesthetics, the theoretical value of Song aesthetics, and the influence of Song living aesthetics on interior design, discussing the influence of four aspects of interior furniture, interior space, interior colo The aesthetics of life of the Song scholars represents the aesthetics of life of the elite, as seen from the characteristics of the aesthetic conception of life of the scholars in the Song dynasty. In the face of the aestheticisation of everyday life, the Song scholars provided us with a model for the aesthetics of life through their aesthetic practice of the art of living, and in the process of reflecting on the shortcomings of the ‘aestheticisation of everyday life’, the aesthetics of Song life provided us with a new vision of traditional culture. It also laid the foundations for the design of furniture in the later Ming dynasty. It provides a philosophical basis and practical reference for present-day interior design. The Song people did not lose their subjectivity when confronted with the problems of objects, desires and emotions in the aesthetic activities of life. The Song emphasised the unifying role of the heart, which placed material desires and alienated emotions at the end of life's activities, dissipating the negative effects of such desires on people and thus achieving a state of 'spontaneity'. In the aesthetic creation of living situations, the Song scholars' aesthetic illumination of the things of life was infused with the emotions of their own lives, turning the things of everyday life from lifeless to living, from emotionless to endowed with emotions, so that life became a living world with emotions, where the original colours of life had a lustre, and it was in this living world that the subject's own life was purified and elevated, and the aesthetic of everyday life was It is in this world of life that the subject's own life is purified and elevated, and the aesthetics of everyday life can move towards a realm of transcendence and loftiness.

정보 미학에서의 객체성 개념과 알고리듬 예술의 미학적 논제들

이영민 고려대학교 대학원 2023 국내박사

This thesis aims to review the theoretical significance of Information Aesthetics presented by the Stuttgart school in Germany from the 1950s to 1980s and to explore the possibility of recycling it. While many research fields in scientific aesthetics inherited those new concepts and novel approaches introduced by Information Aesthetics, in more traditional philosophical aesthetics, they have not been recognized so much but instead considered as just a short chapter in the history of aesthetics. We decide that it is not a specific situation limited to Information Aesthetics but that two fundamental problems stem from the disciplinary characteristics of aesthetics: One problem is related to the legitimacy of the discipline of aesthetics since it has been independent of epistemology and categorized as axiology or theory of value. The other is how to justify the research methods of the discipline between philosophical aesthetics and scientific aesthetics. A formal language used for writing computer programs consists only of syntax so that we can deal with it as a tool for thinking. In this alternative approach, we can find Information Aesthetics as poetics (in greek, poietike) which means a theory established for studying some creative production process. Information Aesthetics was designed to comprehend an aesthetic object generated by a computer program. So we conceptualize the aesthetic nature of the grammatical term object generated syntactically from the source code written in a programming language, one of the formal languages. Then we relate the product of this logical abstraction to the concept of form in traditional art criticism. As a result, we can understand the concept of an open form in Information Aesthetics and what it means that Information Aesthetics is rational contrary to speculative by defining early computer graphic art as a thought experiment by intellectual capacity. Furthermore, we can elucidate the principle of theoretical and practical combination of form with spirit and abstraction with matter, not only in generative art or Informational Aesthetics but also in other fields of art in general. This idea that abstract thinking can be applied to the creative production process is already found in contemporary art earlier than in digital computer art, especially in abstract art that pursued its complete autonomy with the support of experimental science. An artist physically realizes an aesthetic object composed of complex structures by coordinating unlike elements into autonomous principles through abstraction. The fact that a formal language is used as a direct means in this process is a unique characteristic of algorithmic art, which is especially clearly revealed in early digital computer graphic art. Information aesthetics focuses on the dynamic process in which a class defined in a formal language is actualized as an instance rather than on a static output as something already expressed in existing aesthetic theories. Then it provides a way to execute and analyze abstract structures in quantitative relations. Finally, it suggests the possibility of general aesthetics as poetics for the production process. In this way, Information aesthetics can be a methodological framework for philosophical aesthetics to pass through scientific aesthetics. 본 논문의 목적은 독일의 슈투트가르트 학파가 1950년대부터 1980년대까지 ‘정보 미학’이라는 이름으로 제시했던 이론 체계의 미학적 의미를 재검토하고 이것을 현재 시점에서 재활용할 가능성을 타진하는 것이다. 정보 미학이 선도적으로 도입했던 개념들이나 미학에 대한 새로운 접근 방식은 현재 과학적 미학으로 분류할 수 있는 분야들에서 거의 그대로 계승되고 있다고 볼 수 있다. 하지만 전통적인 철학적 미학에서 정보 미학은 일시적이고 지엽적인 역사적 일화 이상의 평가나 인지도를 얻고 있지 못하다. 우리는 이것이 정보 미학에 국한된 특수한 문제라기보다는 미학 자체의 학제적 성격에서 비롯된 본질적인 차원의 문제라고 진단한다. 즉, 하나는 역사적으로 인식론으로부터 독립해 나온 가치론의 정체성을 태생적으로 가지고 있는 미학이라는 학제의 적법성과 관련된 문제이고, 다른 하나는 철학적 미학 대 과학적 미학으로 서로 대립하는 방법론적 정당성의 문제이다. 우리의 대안적 관점은, 컴퓨터 프로그램을 작성할 때 쓰이는 형식 언어를 구문(syntax)으로만 이루어진 넓은 의미의 언어로, 즉 사유의 도구로서 파악한다면, 정보 미학을 우리말에서 ‘시학’(詩學)으로 번역되곤 하는 ‘포이에티케’(Poietike), 즉 제작학을 위해 정립된 이론 체계로 이해할 수 있다는 것이다. 정보 미학은 컴퓨터 프로그래밍 언어로 생성되는 미적 대상을 설명하기 위해 기획된 이론이었다. 이로부터 우리는 형식 언어에 해당하는 프로그래밍 언어로 작성하는 소스 코드에서 구문론적으로 생성되는 ‘객체’라는 문법적 용어에 미학적 의미를 부여하여 개념화하는 작업을 시도한다. 그리고 이 논리적 추상물의 성격을 기존의 예술 비평에서의 형식 개념과 연결한다. 결과적으로 정보 미학에서 제안한 ‘열린 형식’의 의미가 무엇이며, 초기 컴퓨터 그래픽 예술을 지성에 의한 사고실험으로 규정하며 사변적 미학에 저항하는 ‘이성적’ 미학을 주창한 의도가 무엇인지 또한 설명할 수 있게 된다. 나아가 이를 통해 생성 예술이나 정보 미학에서뿐만 아니라 다른 예술 부문 일반에서 형식성이 정신과, 추상성이 질료와 개념적으로 그리고 실천적으로 결합되는 원리를 해명할 수 있다. 추상적 사유 능력을 창조적 과정에 동원한다는 발상은 비단 디지털 컴퓨터 예술에서뿐만 아니라 현대 예술에서, 특히 실험 과학과의 연계를 통해 완전한 자율성을 추구했던 추상 예술에서 이미 발견되기 때문이다. 예술가는 언뜻 서로 이질적인 것으로 보이는 요소들을 추상화를 통해 자율적 원리들로 조율함으로써 복합적 구조로 구성하여 미적 대상을 물리적으로 실현한다. 이 과정에서 형식 언어를 직접적인 매개로 한다는 점이 초기 디지털 컴퓨터 그래픽 예술에서 단적으로 드러나는 알고리듬 예술의 고유한 특성이라고 할 수 있다. 기존의 미학이 집착하는 ‘이미 표현된 것’으로서 고정된 산출물이 아닌, 형식 언어로 정의되는 클래스가 인스턴스로 실재화되는 역동적 과정을 대상으로 하는 정보 미학은 추상적 구조를 양적인 관계들로 구현 또는 분석하는 방법을 제공하는 제작학이라는 차원에서 일반 미학의 가능성을 시사한다. 이로써 철학적 미학과 과학적 미학 사이를 연계하는 방법론적 경로로 활용할 수 있다.

중국 디아오이난(刁亦男) 감독 작품에 재현되는 폭력미학 연구 : 영화 〈백일염화〉와 〈와일드 구스 레이크〉를 중심으로

조영영 중앙대학교 예술대학원 2025 국내석사

현대 사회는 누아르 영화의 발전과 함께 점차적으로 화려한 네온 조명을 주요 시각적 특징으로 하는 네온 누아르 영화를 형성하였다. 네온 누아르 영화는 1990년대 이후 네오 누아르 영화의 텍스트와 시각적 표현에서 일부 네온 모티프를 계승하고 이를 극단적으로 발전시킨 일련의 작품들로 정의할 수 있다. 이러한 영화들은 조명이나 후반 작업을 통해 대규모 네온 빛 또는 네온 색상의 시각적 효과를 구현하며, 서사와 주제 면에서 신세기 문화에 적응한 새로운 형태의 네온 누아르 영화로 변형되었다. 이 스타일은 네오 누아르 영화의 명암 대비 부족을 보완하면서 필름 누아르 영화의 주제와 서사적 특성을 유지하는 한편, 텍스트와 시각적 측면에서 ‘검은 성’을 확장하였다. 특히 폭력의 표출은 스펙터클적이고 카니발적인 방식으로, 성적인 묘사는 에로틱한 형식으로 전개되며 폭력 미학의 형식적 감각을 위한 새로운 시각적 효과를 제공한다. 본 연구는 네온 누아르 영화와 폭력 미학에 관한 담론을 바탕으로 네온 누아르 영화의 개념, 변천 및 특징, 색광 표현주의와 폭력 미학의 개념 및 구성 요소, 폭력 미학의 발전과 양상, 문화적 및 사회적 기초, 미학적 기능을 분석하였다. 또한 디아오이난 감독의 영화 창작 배경과 과정, 그리고 네온 누아르 영화 스타일의 형성 과정을 고찰하였다. 네온 누아르 영화의 주제, 서사 및 시각적 스타일을 심층적으로 연구하며, 네온 누아르 영화의 틀을 통해 폭력 미학의 형식적 미감 표현을 탐구하고, 디아오 이난 감독 영화에서 폭력 미학이 어떻게 구현되는지를 분석한 것이다. 본 연구는 이를 통해 중국 사회의 전환기 동안 도시와 인물들 간의 관계를 반영하고 사회적 배경 속에 숨어 있는 잠재적 폭력을 드러내고자 하였다. 또한 폭력 미학의 가치를 규명하고, 디아오 이난 감독의 대표작인 <백일염화>와 <와일드 구스 레이크>를 분석함으로써 두 작품에서 폭력 미학이 어떻게 구현되는지와 그 상업적 가치를 논의하였다. 영화 <백일염화>에서 욕망에 지배된 폭력, 일상화된 돌발 폭력, 사회 전환기의 정신적 상처 등 다양한 의미를 조명하였으며, <와일드 구스 레이크>에서는 비극적 영웅의 낭만적 구원, 네온 누아르적 폭력 카니발, 사회 무질서 속에 숨겨진 일상적 폭력의 의미를 탐구하였다. 이러한 연구를 바탕으로 본 연구는 <백일염화>와 <와일드 구스 레이크>을 분석함으로써 폭력 미학에 대한 관심이 증대된 이유를 규명하고, 네온 누아르와 폭력 미학의 적용을 통해 디아오이난 감독의 영화가 상업성과 예술성을 결합하는 가치를 강조하였다. 본 연구는 네온 누아르 영화라는 새로운 장르의 방향성을 제시하고 폭력 미학의 형식적 미감이 가지는 가능성을 탐구하였다. 또한 네온 누아르 영화의 발전과 폭력 미학의 형식적 확장, 더불어 중국 영화의 상업성과 예술성의 결합에 대한 분석적 의미를 고찰하였다. 본 연구는 네온 누아르 영화와 폭력 미학의 결합적 적용에 관한 연구에 기여할 수 있는 기반을 마련하기 위해 수행되었다, 향후 관련 분야의 연구에 작은 보탬이 될 수 있기를 희망한다. In modern society, the development of noir cinema has gradually given rise to the genre of neon noir, which features vibrant neon lighting as its key visual characteristic. Neon noir can be defined as a series of works that inherit certain neon motifs from the texts and visual expressions of neo noir films since the 1990s, while pushing these elements to an extreme. These films implement large-scale neon lighting or neon color effects through lighting or post-production, transforming into a new form of neon noir that adapts to the cultural context of the new century in terms of narrative and theme. This style compensates for the lack of contrast in neo-noir films, while maintaining the thematic and narrative features of film noir, thus extending the “nior” in both textual and visual aspects. Notably, the portrayal of violence unfolds in a spectacular and carnival-like manner, and sexual depictions take on an erotic form, offering new visual effects for the formal sensibilities of violence aesthetics. This study, based on the discourse surrounding neon noir cinema and violence aesthetics, analyzes the concept, evolution, and characteristics of neon noir cinema—particularly its use of color light expressionism—as well as the concept and components of violence aesthetics. The study examines the development and aspects of violence aesthetics, its cultural and social foundations, aesthetic functions, and formal expressions. Furthermore, the study investigates the creative background and process of director Diao Yinan's films, as well as the formation of the neon noir film style. Building upon this, the study delves deeply into the themes, narratives, and visual styles of neon noir cinema, exploring the formal aesthetic expressions of violence aesthetics within this genre. It also analyzes how violence aesthetics are manifested in the films of Diao Yinan. Through this analysis, the study reflects on the relationships between urban characters during China's transitional period and aims to uncover the latent violence embedded within the social context. Moreover, this study identifies the value of violence aesthetics and discusses how violence aesthetics are realized in Diao Yinan's representative works, Black Coal, Thin Ice and The Wild Goose Lake, while also analyzing their commercial value. The film Black Coal, Thin Ice reveals various meanings, including violence dominated by desire, the normalization of sudden violence, and the psychological trauma of a society in transition. The Wild Goose Lake explores the tragic hero’s romantic salvation, the neon noir violence carnival, and the hidden everyday violence within social disorder. Based on these analyses, this study identifies the reasons behind the increased interest in violence aesthetics by examining Black Coal, Thin Ice and The Wild Goose Lake. It highlights how the application of neon noir and violence aesthetics in Diao Yinan's films underscores the value of combining commercial success and artistic integrity. This study presents a new direction for the genre of neon noir cinema and explores the potential of formal aesthetic sensibility within the concept of violence aesthetics. Additionally, it examines the development of neon noir cinema, the formal expansion of violence aesthetics, and the analytical significance of the combination of commercial and artistic elements in Chinese cinema. This research was conducted to lay the groundwork for future studies on the integrated application of neon noir cinema and violence aesthetics, with the hope that it will contribute to related research in the field.