[어느 여인의 초상]에서 이사벨의 "심미적 이성"의 삶 추구

김향숙 전남대학교 대학원 2006 국내석사

헨리 제임스는 미국 남북전쟁 시기에 시작하여 제1차 세계 대전 중에 끝난다. 더 중요하게는 그의 작품 활동 중반기에 세기말적 상황에 직면하게 된다. 이처럼 전쟁과 세기말이라는 실존적이고 분기적인 상황은 그로 하여금 한 시대를 깊이 통찰하게 하고 그의 작가적 특질을 결정했다고 볼 수 있다. 그 동안 본 작품은 제임스 초기의 "국제주제"로 단순히 미국과유럽을 대조했던 차원에 머물러 있었다. 본논문은 여기에서 벗어나 제임스가 그 특유의 심미적 감성으로 주인공 이사벨 아처를 통해 추구하고자 했던 삶이 미국의 도덕성과 유럽의 심미성의 조화인 "심미적 이성"의 삶이었음을 규명하는데 있다. 본 작품은 제임스 작품활동 후기에 다시 나타나는 "국제주제"를 다루고 있고, 25년후 개정판을 거친 그의 삶의 총체적 반영임을 볼때, 제임의 작품의 전체적 맥락에서 도덕성에서 심미성으로 기우는 분기점으로 볼 수 있다. 즉, 이사벨의 로마회귀는 그의 후기 대작들처럼 유럽의 심미성, 세속성, 문명성에 대한 긍정이다. 이 논문은 이를 프랑스 현상학자 메를로퐁티가 말하고 김우창이 그의 인문학적 소재로 정립한 "심미적 이성"으로 연결하여 분석한다. 경직된 도덕성만으로만 살 수 없었던 19세기 산업사회에서 도덕성에 자유가 가미된 이사벨의 "심미적 이성"의 삶이야말로 제임스가 추구한 세기말적 비전이 될 수 있음을 다룬다. 제임스 자신도 이사벨의 로마회귀를 독자의 요구에 부응하는 설명을 할 수 없는 이사벨 자신의 선택이었다고 말했듯이, 본 논문에서는 열린 삶을 지향하는 인간에게 있어서 빈틈없는 인과사슬 안에서만 그녀의 로마회귀를 설명하는 이전의 비평적 한계를 지양하였다. 이사벨의 로마행은 그 근본동기가 인간의 근본동력인 쾌락원칙은 아니더라도, 적어도 살만한 인생을 만들기 위한 초월적 계기와 그 즐거움을 형성한 것으로 볼 수 있다. 현실은 유동적이기 마련이고 모든 경험과 이론은 이에 대한 만반의 준비가 되어 있지 않기에, 그녀의 로마회귀를 프랑스 현상학자 메를로 퐁티가 말한 "심미적 이성"으로 분석하여 작품의 열린 결말과 관련지을 수 있는 것이다. Henry James's life as a writer spans the period between the two significant historical events, the Civil War and World War I. He saw the turn of a century during his writing career of fifty-two years. So, it is quite understandable that as a writer he keenly experienced this transitional era. The purpose of this thesis is to analyze the life of Isabel Archer, the heroine of The Portrait of a Lady (1881), in the light of the "aesthetic reason" that harmonizes American morality with European aesthetic. James's The Portrait of a Lady is one of several works adopting the Jamesian international theme. But this thesis defines this novel as one of complex implications, rather than one simply containing an international theme derived from his early writings. One reason is that the revised version of The Portrait published as the New York Edition in 1908, approximately 25 years after the original, reflects James's entire life. Moreover, this theme reappears in later works by representing the aesthetic or worldly life of such characters as Lambert Strether in The Ambassadors and Milly Theale in The Wings of the Dove. The first chapter explores the background of The Portrait of a Lady from its historical and literary contexts. This chapter also deals with James's self-indulgence or aesthetic that caused the so-called "James Boom" after World War II. James's ambiguity lies in an unresolved interaction between the morality and the aesthetic, an interplay of not mutually exclusive opposites rather than of clear-cut different choices or values. Thus, James's vision of the fin de siècle is the "aesthetic reason" that provides moral underpinnings for his aesthetic freedom. The second chapter shows how Isabel forms her selfhood through passionate pilgrimage. This chapter focuses on the Isabel Archer as an American self who rejects Warburton and Goodwood through an unstable application of her morality and aesthetic and accepts Osmond by mistaking his aesthetic for his morality. The third chapter discusses Isabel's coming to awareness of her error in marrying Osmond. Isabel acknowledges that the ignoble mundane life is, after all, what one is to endure because it affords a standard. In an effort to keep her married life unbroken in order to achieve a perfect life, she decides to follow her husband even though she is inwardly divided between her moral and aesthetic selves. This split represents Isabel's European self. The fourth chapter points out that Isabel and Osmond attach different meanings to one and the same manner of life. Isabel's notion of an aristocratic life is a spiritual one, which combines knowledge with liberty. But for Osmond it is the physical one that is altogether based on material calculation. So, this chapter contrasts Isabel's international self, which brings her morality and aesthetic into harmony, with Osmond's aesthetic Epicureanism. In conclusion, the major question that asserts itself throughout The Portrait is why Isabel returns to Osmond in spite of his suffocating psychological oppression. My thesis attempts to show that, considered in the context of James's entire work, Isabel's return is a turning point from American morality to European aesthetic. The reason for her return to Rome is analyzed in connection with Maurice Merleau-Ponty's "aesthetic reason." Her return might indicate her dialectical application of American morality and European aesthetic that defines her life of "aesthetic reason." Reality is extremely fluid, and man's experience and theory are often unready to come to terms with it. In this sense, Isabel's return to Rome constitutes an open ending.

Subjectivity of image aesthetic assessment : analysis of deep features and probabilistic modeling of perceived quality

장형남 Graduate School, Yonsei University 2024 국내박사

We are living in an era of photographic flooding, with the widespread use of smartphones and their performance comparable to professional cameras such as DSLRs. Therefore, in order to utilize photos well, it has become an important issue to select valuable and meaningful photos among numerous photos. Image aesthetic assessment is to automatically evaluate the image in the aesthetic viewpoint, i.e., how aesthetically pleasing to human viewers an image will be. It is a challenging computer vision task since it requires to imitate high-level aesthetic perception of humans, but it can be useful in many applications including image search and retrieval, recommender systems, image enhancement, etc. This thesis tackles the issue of subjectivity of image aesthetic assessment, which is key to interpret image aesthetics. First, An in-depth analysis of the deep models and the learned features by the models for image aesthetic assessment in various viewpoints is presented. Binary classification of the mean (average aesthetic level) and standard deviation (subjectivity of aesthetic perception) of aesthetic ratings are considered. In particular, comparative analysis is applied based on transfer learning among image classification and aesthetic classifications. The results highlight the similarity and transferability of learned features among the classification tasks, and comparison of the trained models and convolutional filters. Second, A novel probabilistic framework that can model and quantify subjective aesthetic preference based on the subjective logic theory is proposed. In this framework, the rating distribution is modeled as a beta distribution, from which the probabilities of being definitely pleasing, being definitely unpleasing, and being uncertain can be obtained. The probability of being uncertain is defined as aesthetic uncertainty, and this is proposed as an intuitive measure of the subjectivity in the image aesthetic assessment, and its appropriateness is shown through an application techniques. Furthermore, a method to learn deep neural networks for prediction of image aesthetics is presented which is shown to be effective in improving the performance of subjectivity prediction via experiments. 최근 스마트폰이 널리 보급되고 그 카메라의 성능이 DSLR 등의 전문가용 카메라에 필적하면서 우리는 사진 홍수의 시대에 살고 있다. 그래서 사진을 잘 활용하기 위해서 수많은 사진들 중에서 가치 있고 의미 있는 사진을 잘 추리는 것이 중요한 이슈가 되고 있다. 이미지 미학적 평가는 미학적 관점에서 이미지를 자동으로 평가하는 것이다. 즉, 이미지가 인간 시청자에게 얼마나 미학적으로 만족스러울지 평가하는 것이다. 이는 인간의 높은 수준의 미학적 인식을 모방해야 하기 때문에 어려운 컴퓨터 비전 작업이지만 이미지 검색, 추천 시스템, 이미지 인핸스먼트 등을 포함한 많은 응용 프로그램에서 유용할 것이다. 본 논문은 이미지 미학을 해석하는 데 핵심이 되는 이미지 미학 평가의 주관성 문제를 다룬다. 첫째, 다양한 관점에서 이미지 미학적 평가를 위한 심층 모델과 모델의 학습된 피처에 대한 심층 분석을 제시한다. 미학적 평가의 평균(평균적인 미학적 수준)과 표준편차(미학적 인식의 주관성)의 이진 분류를 이용한다. 특히, 이미지 분류와 미학적 분류 간 전이학습을 기반으로 한 비교분석이 적용된다. 결과에서는 분류 작업 간의 학습된 피처의 유사성과 전이 가능성, 그리고 훈련된 모델과 컨볼루션 필터의 비교를 강조하여 설명한다. 둘째, 주관적 논리 이론을 바탕으로 주관적인 미학적 선호도를 모델링하고 정량화할 수 있는 새로운 확률론적 프레임워크를 제안한다. 이 프레임워크에서 평가 분포는 베타 분포로 모델링되어 확실하게 만족스러울 확률, 확실하게 만족스럽지 않을 확률, 불확실할 확률을 얻어진다. 불확실할 확률을 미학적 불확실성으로 정의하여 이를 이미지 미학적 평가에서의 주관성을 나타내는 직관적인 척도로 제안하고 이에 대한 응용기법을 통해 적절성을 보인다. 또한 실험을 통해 주관성 예측 성능을 향상시키는 데 효과적인 이미지 미학 예측을 위한 심층 신경망 학습 방법을 제안한다. 그리고 불확실할 확률을 미학적 불확실성으로 정의하여 이를 이미지 미학적 평가에서의 주관성을 나타내는 척도로 제안하고 이에 대한 응용기법을 통해 적절성을 보인다.

분청사기의 미감적 특징에 관한 연구

조성진 淑明女子大學校 2001 국내박사

Punch'ong ware which began to be made since early Chosun dynasty may well have formed a great mainstream in the history of Korean porcelains. It developed from "Sanggam" Celadon during Koryo dynasty, but its aesthetic sense was quite different from the inlaid celadon. In particular, on the threshold of 15th century when porcelains began to be distributed widely, Punch'ong ware were more widely used. The climax of Punch'ong development was during King Sejong's reign. However, an official kiln was established in Kwangju, Kyonggi-do later, while the royal family and administration offices began to prefer the white porcelain. After all, Punch'ong ware began to be localized with their unique forms, and its production began to decrease gradually. As the surface of the porcelain changed from blue green to white with no patterns, Punch'ong ware would be absorbed by the white porcelains. Thus, around mid-17th century after the Japanese invasion, Punch'ong ware which had prospered for about 200 years during the early Chosun dynasty would disappear. Despite the fact that Punch'ong ware had developed from the inlaid celadon during Koryo dynasty, it was quite different from the latter. Although its glazing process was similar to that of the inlaid celadons after the 14th century and its flower pattern inlaid could be explained within the scope of the inlaid celadons, its expression methods were quite different from the Koryo celadons. In addition, unlike the Koryo celadons, Punch'ong ware were not only possessed by the ruling class, which suggests that the aesthetic sense of Punch'ong ware was quite different. To be more specific, although Punch'ong ware were used primarily by the literati class, they were made by the unknown humble people, and therefore, they were also used by commoners. In this process, the sense of folklore art could be introduced into Punch'ong ware. In other words, despite the ruling class's aesthetic value was reflected on Punch'ong ware, it was also favored by the ruled class. Thus, the aesthetic sense of Punch'ong ware cannot be dichotomized into ruling and ruled classes', which is too important to be overlooked. Because such artifacts departed from the conventional form, being even unique and irregular, they may provide us with some important clues to review commoners' aesthetic sense. Such commoners' items as earthenwares and clay figures during Shilla Kingdom, Punch'ong ware during early Chosun dynasty, and the "iron-powdered" white porcelain and folk paintings during late Chosun dynasty are our valuable cultural assets showing the then commoners' aesthetic sense. Any study of the aesthetic consciousness or sense of Punch'ong ware must be an attempt based on the aesthetics as well as in view of the art history. Namely, it may well be most ideal to analyze the characteristics of celadon's forms and review its aesthetic phenomenon including the aesthetic essence and consciousness against its historic background. Then, how should we interpret or define the term of "aesthetic sense" or "aesthetic consciousness" for our traditional art? In fact, it seems to be difficult to classify out an aesthetics because it forms an inseparable part of art as far as our traditional art is concerned, because our traditional art was based on a high-degree conceptual thought. Therefore, the aesthetic classifications developed for the Western art cannot well be applied to such humble people's works as Punch'ong ware during Chosun dynasty, since it featured a folk art which cannot be well defined academically. So, in this study, the term "aesthetic sense" instead of "aesthetic consciousness" would be used. The term covers the aesthetic experiences in the widest sense of the word. After all, the term "aesthetic sense" is not only limited to the theoretical or academic aesthetics but also applied to the beauty sense connoted by literature, art or social phenomenon in order to analyze the essence of the aesthetic thoughts inherent therein. Therefore, the term may be able to explain the changes of aesthetic thoughts in a scientific way, and in this regard, the term "aesthetic sense" may surmount the limits imposed by the term "aesthetics". In particular, when an aesthetic sense is discussed in Korea or China, it is understood generally in association with an ultimate condition or nature or "Tao". If we can say that the phenomenon perceiving the object of Punch'ong ware is called "aesthetic sense", we can understand it in any way. So, the term "aesthetic sense" can be legitimate in this sense. The aesthetic consciousness of Punch'ong ware may well be equated with the discussion about its characteristics or features. Owing to the development of new decoration techniques, Punch'ong ware became diverse, causing an aesthetic sense. Its patterns continued to be transformed or omitted but looked sufficiently aesthetic. Unlike the blue green or white porcelains, Punch'ong ware were localized to be used by commoners, and in this process, a native culture was formed by the ceramists and vice versa. Namely, religion, thoughts, natural environment and culture may have affected their world of consciousness. The ceramists' temper or culture formed as such may have affected the aesthetic sense of Punch'ong ware. After all, we can witness randomization, naturalization and playfulness and abstraction in Punch'ong ware. 1) Randomization might result from non-refinedness or indifference. However, such a phenomenon can be traced ultimately to "oneness of heaven and man" or the "three religions"(Taoism, Buddhism and Confucianism). Ceramists made their products being influenced, though vaguely, by such thoughts or religions. 2) The aesthetic consciousness acquiescent to the natural environment may be equated with naturalization, and the view of nature or the folk belief might be reflected on the celadon makers' mind. The naturalization may be shown by the shape and patterns of Punch'ong ware. 3) The localization of Punch'ong ware may have led to the aesthetic sense of "playfulness". It can be estimated that Punch'ong ware came to be localized by folk life style and culture. Like other folk arts, the aesthetics of "playfulness" can be traced back to Punch'ong ware. 4) Here, the abstraction was a result from a highly imitative conception. Since the pre-historic age, the Korean people's culture has tended to be abstract. Punch'ong ware was not an exception. It was a play and at once an abstraction. 분청사기는 조선시대 전기에 형성되어 한국 도자사의 커다란 주류(主 流)를 이룬 하나의 맥이었다. 그것이 비록 고려 상감청자를 모태로 변모 발전하였으나, 미의 방향은 뚜렷이 달랐다. 특히 15세기가 되면 자기(磁 器)가 생활화됨에 따라 분청사기는 크게 확산되는 계기를 맞았으나, 그 후 경기도 광주의 관요가 형성되어 왕실과 관청에서 자기의 사용이 백자 로 자리잡기 시작하자 분청사기는 점차 지방 양식화되어 독특한 기법으 로 변모되게 된다. 그러나 본격적인 백자의 등장과 임진왜란을 계기로 14세기 중엽이후 약200여 년간 조선 전기를 풍미한 분청사기는 자취를 감추게 된다. 분청사기의 표현양식은 비록 이들의 유약 처리가 14세기 이후 상감청 자와 같고 또 인화분청(印花粉靑)을 상감청자의 범주에서 설명한다고 하 여도, 고려시대에는 상상할 수도 없을 정도로 일탈된 모습인 것이며 또 한 전혀 차원이 다르다. 뿐만 아니라 회화나 조각처럼 일부 지배계층의 전유물만이 아니었다는 점은 분청사기의 미의식을 도출하는데 매우 중요 한 요소이다. 즉 분청사기가 상류계층에서도 쓰여졌으나 그것을 만든 도 공들은 이름 모를 민중들이었고, 또한 일반 서민들의 용기로 사용되었다 는 점에 주목하게 된다. 이러한 과정 속에서 민예적인 감각이 삽입되고 민중들의 진솔한 미의식이 담긴다. 말하자면 상류사회의 안목이 작용했 다는 점을 인정한다 하더라도 분청사기처럼 중 하층의 미의식이 상하계 층을 막론하고 선호되었다는 점은 상류와 하류라는 이분법만으로 가릴 수 없는 그 본질적인 미의식을 담고 있다는 점에서 매우 중요한 부분인 것이다. 이러한 미술품들은 너무도 기존의 양식에서 일탈하고 있으며, 의 외적이고 또 파격적이어서 대대로 한 줄기 맥을 형성한 서민들의 미의 전형(典型)을 볼 수 있게 된다. 분청사기에 나타나는 미의식(美意識) 또는 미감(美感)의 문제를 탐구 하는 일은 먼저 미술사에서 도자기의 양식적 특색(樣式的特色)을 분석하 여 다양한 역사적 현상을 바탕으로 하고, 미학에서의 미(美)의 본질이나 미의식을 포함한 미적 제반현상(美的現象)을 그 본래의 영역에서 다루는 것이 가장 이상적일 것이다. 그러나 한국미술을 대상으로 밝혀 낸 미학 의 용어로서 '미감'이나 '미의식'의 개념을 어떻게 정리하고 해석해야 하 는가 라는 문제가 남게 된다. 한국적인 미학의 분류는 그것이 고도의 관 념적 사고에 의한 미의식이 기본체제인 것처럼 보이는 부분에 있어서 그 분류가 사실상 어렵다고 볼 수 있다. 또한 이러한 분류가 가능하다고 하 여도 미학적 분류는 서구적이어서, 조선시대의 분청사기와 같이 주로 천 민과 같은 지위에 있던 장인들이 만들어 낸 민예적 성격에 적용시키기에 는 지나친 경향이 있게된다. 그러므로 분청사기에서 사용한 '미의식(美意識)', '미감(美感)'이란 용어 조차 그 자체가 오히려 학문적이라 할 수도 있겠으나, 본고에서는 단지 한국의 정서에 기인하는 미적인 해석으로서 편의상 미감이라 정리하고자 한다. 따라서 분청사기에 사용되는 미감이란 용어의 의미는 광의의 미학 에 속해 있는 미적 체험을 지칭하는 것이라 할 수 있다. 말하자면 심미 의식 즉 미감(美感)은 이미 다소간의 이론형태를 갖춘 미학사상에 국한 되지 않고, 각 역사시대의 문학, 예술 및 사회 풍상(風尙)중에 표현된 심 미의식에 대하여 전면적인 고찰을 진행시켜 그 중에 내포된 미학사상의 실질을 분석하고 동시에 그의 변천에 대하여 과학적인 설명을 가질 수 있어야 하기 때문에 미학이란 용어의 사용에서 오는 한계점을 극복하고 대체시킬 수 있는 용어라 할 수 있다. 특히 한국이나 중국에서 미의식을 논할 때는 대체로 미(美)나 예술의 궁극적인 경지 혹은 근원을 자연(自 然)이나 도(道)와 연계하여 이해되고 있다는 점을 고려할 때 더욱 그러 하다. 분청사기에 있어서 대상을 자각하는 현상을 미의식이라고 한다면, 분 청사기를 어떤 식으로든지 이해한 상태를 특성 또는 특질로 인식할 수 있기 때문에, 이를 논의하는 것을 바탕으로 '미감'의 도출이라는 명제는 충분히 그 체제를 갖출 수 있게 된다. 따라서 분청사기의 미의식은 먼저 분청사기의 특성 또는 특질로 논의되어 질 것이다. 분청사기는 새로운 분장법의 개발로 인하여 여러 가지 기법이 개발된 다. 이러한 기법에 따른 특징이 새로운 미감을 일으키는 주 요인으로 작 용한다. 문양에서는 주로 어느 하나의 소재가 집중적으로 끊임없이 변용 되거나 생략되어 변모를 갖게 되는 양상을 분류해 볼 수 있고 그 속에서 미감을 추출하는 것이 가능하다. 또한 분청사기는 청자·백자와 달리 지 방 양식화하면서 서민용기로 확산되는데 이러한 과정에서 지방의 토착적 인 문화가 도공들의 심성으로 형성되었고, 이때 그들의 성정(性情)에 영 향을 주었을 것이라고 판단된다. 종교·사상·자연환경·문화 등은 도공 들의 의식세계에 다양하게 영향을 미쳤을 것이다. 이와 같은 그들의 기 질적 성정은 조형감각에 근본적으로 영향을 끼치면서 분청사기에서는 무 작위성, 자연성, 유희성, 추상성 등으로 표출되게 되었다. 1) 무작위성(無作爲)은 조형적으로 보면 비정제성이자 무관심성의 결 과일 것이다. 그러나 이러한 조형결과를 가져올 수 있도록 하였던 근원 적인 사상을 추론하자면, 천(天)과 합일하려는 인(人)의 자연사상, 그리 고 또 선(禪)과 불교적인 사유정신을 비롯한 삼가(道家,佛,儒)사상이 대 두되어 그들의 정신과 의식세계 속에서 조형수법의 직·간접적 근간으로 생각할 수 있다. 2) 자연환경에 따르는 미의식은 자연성을 형성하였으며, 민간신앙 속 의 자연관은 그대로 조형미술에 반영되었다. 그 결과 분청사기에는 하나 의 양식적 특징으로서 자연성은 그릇의 성형과 문양이라는 전과정을 통 해서 살아 나온 것이다. 3) 분청사기의 지방적인 특색은 유희성이라는 미감으로 승화되고 있었 다. 즉 그 지방에서 대대로 삶을 유지한 민중들의 생활과 문화 속에서 분청사기는 지방양식을 생성시키고 있었던 것으로 추론이 가능하다. 따 라서 타 장르의 예술 형태를 비교하면서 분청사기의 미의식이 유희미로 승화되고 있음을 살펴볼 수 있다. 4) 추상성은 고도의 사의적 관념(寫意的觀念)으로 이루어 낸 추상이다. 선사시대 이래 기질적으로 한민족은 추상성향에 대한 시각과 감흥을 띤 다면, 이러한 일반 민중적인 기질은 분청사기에서도 그대로 표출되어 유 희이자 추상이요, 추상이자 유희로서의 추상성에 이르고 있음을 알 수 있다.

User's aesthetic response to direct, mediating and Interactive effects of content aesthetic and form aesthetics in product design

홍정표 Chiba University 2003 해외박사

Various researches on users' aesthetic response in product design have been undertaken and the results have been revised and published. Nevertheless, these results are similar because they tend to deal with the issue of users aesthetic response in a single entity, and because of these limitations, many questions remain unanswered. The authors of this study have reviewed past researches and have come to a realization that the elements affecting users aesthetic response are diversified even though they seem to be coherent. Contrary to past researches, the elements affecting users response are broadly divided into two main categories. These categories are content and form. In other words, all the elements are divided into elements of content and elements of form. In the study of content elements, typicality stands out as the most prominent and dominant element. And other elements such as novelty, timeliness and or style are only contributory elements to typicality. These elements can also be referred to as the secondary elements of content aesthetics. For the study of form elements (also referred to as shape elements), unity, balance, rhythm, and proportion are the dominant and distinct elements in the category. They are referred to as the fixed elements of form aesthetics. This is because other elements such as harmony, simplicity and or complexity, are contributory elements to the primary elements, hence can be referred to as the secondary elements of form aesthetics. However, this study concentrated only on the primary elements of each category. In this study, the effect of each element is studied and a conclusion is derived on the characteristics of the elements and how it affects users' response. Furthermore, the interrelationship of each element in a category was studied and the inter-correlation ship of elements in both categories was studied. In other to answer some of the questions posed by each element, model questionnaires, and research processes were formulated. Product orientation evaluations were carried out and the evaluated products were later organized into categories. In addition to the study of each individual element, a study was also carried out on the effect of mediating variables. The variables involved in this study were price level and brand hierarchy. The interrelationship of mediating variables with elements of both categories was studied and results of the effects of the mediating variables in terms of price levels and brand hierarchy were obtained. Also, the relationship of content element, user's preference, and mediating variables, on product category was studied. The product categories included function-oriented products, and design-oriented products. Results obtained on the latter study showed that irrespective of price level, there was no distinct relationship between typicality and users preference in the function-oriented products. However, there is an inverted V shape relationship between typicality and users preference, and the price level affects sensitivity of the relationship between typicality and users preference in design-oriented product. Conclusions on content elements study showed that typicality has a direct effect on users aesthetic response, it is moderated by conditional variables such as price level, and form elements affect typicality level, thus it can be concluded that form elements moderate content elements. In the study of elements of form aesthetics, each elements effect on users preference was studied. The effect of moderating variables such as price level and or brand hierarchy was also studied. For the study on unity, results obtained showed six distinct properties of the effect of unity on users aesthetic response. This include a linear relationship between unity and users affective response in high price products, a V shaped relationship between unity and users preference in low price products, a positive relationship between unity and user preference in high price products, a high preference for high price products endowed with high typicality, a high preference for low price products with both high- and-low unity, and unity response is moderated by typicality and conditional variables. On the study of balance, results showed that higher and lower levels of balance in high and low price products increase user's affective response. And, because typicality is closely related to change of balance, it proves that content aesthetic element(typicality) and form aesthetic element(balance) are inter-correlated and they both have mutual effects on each other. For the study on rhythm, form variation was studied for rhythm variation. Results obtained on the study of rhythm showed that rhythm expression is related to user's affective response. In other words, rhythm expression in both low and high price products increases user's affective response. Furthermore, typicality change is closely related to change of rhythm implying that content aesthetic element(typicality) and form aesthetic element(rhythm) are inter-correlated and they both have mutual effects on each other. The study on proportion showed that proportion is multidimensional, six(6) proportion types exist, ideal proportion structure varies according to product categories, each product category has its unique proportion structure, and consideration of proportion as only an aesthetic factor is not sufficient. The study on proportion entailed the use models and variations in width and length of the models. Thus, results obtained showed that typical proportion increases users affective response, and typical proportion is related to both preferred proportion and ideal proportion. The conclusions obtained for this study showed that, content aesthetic element(typicality) and form elements(unity, balance, rhythm, and proportion) directly affect user's affective response. Both content aesthetic element(typicality) and form aesthetic elements are controlled and affected by conditional variables. Thus, rhythm, balance, unity and proportion are criterions for judging the level of typicality. That is, a change in any of the form aesthetic elements affects the level of typicality of a product. Form aesthetic response is controlled by content aesthetic element (typicality), and even the same design can be evaluated positively or negatively according to mediating variables such as price level, e.t.c. Also, for function-oriented and design oriented products, content aesthetics (typicality) is moderated by price and function while for low and high price products, form aesthetics (rhythm) is moderated by price. Finally, specific product categories have different elements to be considered for the design of products in that category.

禪宗的審美世界 : The Aesthetic World of Chan-Buddhism

전순희 北京大學 2003 해외박사

This dissertation takes a new perspective of aesthetics which regards aesthetic experience as an non-inferential, immediate experience in which things originally manifest themselves to us. Thus, aesthetic experience is not an illusional experience as traditional aesthetics suppose, but our directly true feelings of things, and in which things directly manifest themselves. According to this study, even if Chan-Buddhism is very complicated, and it seems to be no common features among its different schools, this kind of immediately present aesthetic world and aesthetic experience is the core pursued by all of Chan-Buddhism. The main point of this dissertation is to manifest the special and profuse immediately perceived world in Chan-Buddhism, and thus to prove that there is an aesthetic world in it. For this purpose, this dissertation focuses on the foundation, method or practice, and ideal in Chan-Buddhism, and articulates their aesthetic meaning, respectively, and finally tries to set up a relation between Chan-Buddhism and aesthetics. This dissertation is divided into five parties. Part One as Introduction This Part tries to set up a new aesthetic perspective which regards aesthetic experience as an immediately present experience. Part Two as Chapter One This part gives a historical narrative of Chan-Buddhist recognition of "the true marks of all elemental constructs"(zhufashixiang). Based on this historical narrative, we can say, from Chan-Buddhist perspective, "the true marks of all elemental constructs" is things-in-themselves, which means things-in-present-experience. This vivid present appearance of thing in immediate experience is just what called as aesthetic object in aesthetics. Part Three as Chapter Two This part focuses on the method or practice of how to obtain "the true marks of all elemental constructs" in Chan-Buddhism. The main method or practice to obtain "the true marks of all elemental constructs"is "sudden enlightenment"(dunwu). According to our interpretation of "the true marks of all elemental constructs", "sudden enlightenment"means man transforming from representative state to present state of living, in other words, means man to experience his direct experiences. According to Chan-Buddhism, "sudden enlightenment" means man gives up the ordinary fixed knowledge of things so as to experience the original appearances of things in their present existences in his direct and immediate perception. According to phenomenological aesthetics, aesthetic experience is quite similar to phenomenological reduction, and according to our interpretation of "sudden enlightenment", it is also quite similar to phenomenological reduction, and thus we can say“sudden enlightenment”is quite similar to aesthetic experience. All aesthetic experience, phenomenological reduction, and“sudden enlightenment”denote the original experience, and just in this sense, we find the similarity among them. In the history of Chan-Buddhism, we can find different interpretation of "sudden enlightenment", but only Huineng and his disciple Shenhui articulated it very clearly. Part Four as Chapter Three This part focuses on the aesthetic ideal of Chan-Buddhism. Only man presents in this aesthetic state which is changing instantly, can he attend the so-called the state of liberation, which is almost similar to the ideal of thing-originate-by-itself (kuairan zisheng) in Daoism (daojia). This aesthetic state is not the state of mind-stillness (jimie) supposed by some schools of Buddhism, but a vivid and active state which embraces strong power of living. This is the very difference between Chan-Buddhism and some schools of Indian Buddhism. This ideal pursued by Chan-Buddhism is rather an aesthetic ideal than a religious ideal. Part Five as Conclusion This part tries to manifest the significance of the aesthetic world in Chan-Buddhism to human life.

ASSESSING THE USABILITY OF A WEB SITE BASED ON AESTHETIC ATTRIBUTES

류한영 George Washington University 2004 해외박사

The study of Human-Computer Interaction, especially that focusing on user interface design of Web sites, has raised the importance of aesthetics. However, neither a clear definition of aesthetics nor a tool for evaluating the aesthetic quality has been presented in previous research. This dissertation suggests a relevant perspective on aesthetics, establishes the basis for a definition for aesthetics within HCI, provides an evaluation tool called the Aesthetics Evaluation Tool (AET), and presents the relationships between the aesthetic quality and usability quality of a Web site. Results of an online survey and an on-site experiment are also presented. Six primary aesthetic concepts that determine the aesthetic quality of an object were suggested by the famous aesthetician, Dessoir. Three of these concepts were examined in the online survey to confirm that they provide aesthetic pleasure. The results of the online survey showed that the aesthetic quality of a Web site could be understood as a degree of one of the three primary aesthetic concepts-the beautiful, the pretty, and the comic. The Aesthetics Evaluation Tool was developed from the analyses of results of an online survey. Adjectives that made people feel aesthetic pleasure in this online survey phase were collected from the results of the online survey, and these adjectives were used to develop the Aesthetics Evaluation Tool. Finally, the relationship between the aesthetic quality of a Web site and a user’s performance were examined in an on-site experiment. The experiment results showed that the aesthetic quality of a Web site tends to enhance the dwell time and the time of response. However, results did not show that the aesthetic quality of a Web site enhances all types of user performance

미적 체험에서 시각적 문해력의 신장을 위한 지도방안 연구 : 아트 프로펠(Arts-PROPEL)을 중심으로

이윤서 고려대학교 교육대학원 2020 국내석사

Art is an experiential activity by aesthetic sensitivity and visual thinking, that are, emotion and reason to experience all visual phenomena aesthetically, and art is also an activity to explore and have an insight into the essence, value, and role of art through interaction between the individual and society. As such art expanded into the realm of 'life', people realized that art is a way of 'knowing' the world, and the main goal was to develop the ability to perceive the world aesthetically through art education. The ability to perceive aesthetically means the ability to understand the meaning of the world around learners from various perspectives and to accept critically, centering on the visual environment. In addition, it refers to the ability to understand and judge meaning from various perspectives such as aesthetic, social, cultural, and historical through sensitivity to formative language and communication through formative language. In order to develop the ability to recognize aesthetically, it is necessary to understand and master the formative language, which is the language of art, and to develop and solve the problems closely related to real life with healthy aesthetics. The role of art education is to help students develop visual thinking and judgment skills effectively, and to discover the meaning and value of life. Therefore, this study aims to consider the meaning of 'aesthetic experience' in order to understand the integrated experience in life through art for the purpose of 'insight through art in life' and to enchance 'visual literacy‘ in order to emphasize the cognitive aspect, rather than being limited to the emotional side in a way that art knows the world. And in order to enchance the practical basis and validity of the 'aesthetic experience', it was based on the achievement standards and teaching and learning methods in the 'experience' field of the 2015 revised curriculum and Arts-PROPEL, an art-oriented constructivist project learning method, was used considering that 'aesthetic experience' requires an integrated experience in relation to art in life, and 'visual literacy' requires an integrated approach to expression and appreciation. The contents of this study are as follows. In Chapter 2, I tried to grasp the meaning and characteristics of “aesthetic experience” in that proper understanding of the area in which art activities will be performed must take precedence to deal with learning elements with appropriate learning methods. First, the aesthetic experiences, which have various meanings according to the trend of the times and cognitive changes, were divided into modern and contemporary meanings. Also, in order to understand how the aesthetic experience was practically constructed in the curriculum, the content system of the area corresponding to the aesthetic experience was analyzed from the 6th curriculum to the 2015 revised curriculum. Through theoretical considerations on aesthetic experience, the value of aesthetic experience and educational justification were revealed, and by examining the flow of curriculum that deals practically with aesthetic experience, I pointed out the problems and suggested the right direction. In Chapter 3, I grasped the meaning and components of art to enhance 'visual literacy' in order to emphasize cognitive aspects as a way for art to know the world. First, I looked at definitions of visual literacy from different perspectives to help understand visual literacy. And through the analysis of the components of visual literacy by group of scholars, I confirmed that visual literacy is not limited to the area of ​​appreciation but can be integrated in the field of expression and appreciation. And I suggested that it is necessary to take an integrated approach to enchance visual literacy, categorized the components of visual literacy in accordance with the learning principles of the learning model to be applied, extracted the necessary components and applied them to specific learning activities. In chapter 4, I preceded the understanding of arts propel, which is used to seek guidance for improving visual literacy. I understood the background of Art PROPEL and made it possible to grasp its characteristics clearly by comparing traditional and constructivist educational views. In addition, through the understanding of learning contents, methods, and processes of Art PROPEL, it can be an appropriate direction for the 'aesthetic experience' of experiencing art in life, given that the constructivist learning method deals with real-life problems centered on learners and emphasizes the process of solving the problems. In addition, it was confirmed that Arts-PROPEL, an art-oriented project learning method through perception, creation, and reflection, is an appropriate learning method in that an integrated approach is needed to enhance 'visual literacy'. Based on these contents, the direction of instruction was set based on the achievement standards and teaching and learning methods suggested in the experience area of the 2015 revised curriculum, and the extracted components of visual literacy were applied to the learning activities of Arts-PROPEL to design a guidance plan to enhance visual literacy. Through this, learners feel aesthetic sensibility in daily life and activate visual thinking so that reason and sensibility can be harmonized, and the individual life and art can be comprehensively approached. And I made it possible to suggest that art is a high-level cognitive activity that can draw insights into life through interaction between the individual and society, and is an experience activity by aesthetic sensitivity and visual thinking, that are, sensitivity and reason. 미술은 모든 시각적 현상을 미적으로 경험하는 미적 감수성과 시각적 사고 즉, 감성과 이성에 의한 체험 활동이며 개인과 사회와의 상호작용을 통해 미술의 본질과 가치, 그리고 역할에 대해 탐색하고 통찰하는 활동이다. 그러한 미술은 ‘삶’의 영역으로 확장되면서 미술이 세상을 알아가는 하나의 ‘앎’의 방식임을 인지하게 되었고 미술교육을 통해 세상을 미적으로 인식하는 능력을 기르는 것이 주요한 목표가 되었다. 미적으로 인식하는 능력은 시각 환경을 중심으로 학습자를 둘러싼 세계의 의미를 다양한 관점에서 이해하고, 비판적으로 수용하는 능력을 의미한다. 또한, 조형 언어에 대한 감수성과 조형 언어를 통한 의사소통으로 미학적, 사회적, 문화적, 역사적 등 다양한 관점에서의 의미를 이해하고 판단하는 능력을 말한다. 이러한 미적으로 인식하는 능력을 키우기 위해서는 우선 미술의 언어인 조형 언어, 즉 조형 원리를 이해하고 터득해야 하며 건강한 미의식을 바탕으로 실생활과 밀접하게 관련된 문제들을 조형적으로 해결해 나아가는 과정에서 이루어져야 한다. 이를 통해 시각적 사고와 판단 능력을 효과적으로 기를 수 있도록 하고, 삶의 의미와 가치를 발견할 수 있도록 하는 것이 미술교육의 역할이다. 이에 본 연구에서는 ‘삶 속에서 미술을 통한 통찰’을 목적으로 미술을 통한 삶 속에서의 통합적인 체험에 대한 이해를 위해 ‘미적 체험’의 의미에 대해 고찰하고, 미적 체험 속에서 미술이 세상을 알아가는 하나의 ‘앎’의 방식으로 감성적 측면에 국한되는 것이 아니라 인지적 측면을 강조하기 위해 ‘시각적 문해력’을 신장하는 것을 목표로 두었다. 그리고 ‘미적 체험’의 실천적 근거와 타당성을 높이기 위해 2015년 개정 교육과정에서 ‘체험’ 영역에 성취 기준과 교수 학습 방법에 근거하였으며, ‘미적 체험’은 삶 속에서 미술과 관계를 맺는 통합적인 체험을, ‘시각적 문해력’은 표현과 감상의 통합적인 접근법이 필요하다는 점에서 예술 중심의 구성주의 프로젝트 학습법인 아트 프로펠(Arts-PROPEL)을 활용하였다. 이에 대한 본 연구의 내용은 다음과 같다. 제 Ⅱ 장에서는 미술 활동이 이루어질 영역에 대한 올바른 이해가 선행되어야 다루고자 하는 학습 요소를 적절한 학습 방법으로 다룰 수 있다는 점에서 ‘미적 체험’에 대한 의미와 특성을 파악하고자 하였다. 먼저 시대적 흐름과 인지적 변화에 따라 다양한 의미를 내포하고 있는 미적 체험을 근대적 의미와 현대적 의미로 나누어 고찰하였다. 그리고 교육과정에서 미적 체험을 어떻게 실천적으로 구성하였는지 파악하고자 제6차 교육과정에서부터 2015 개정 교육과정까지 미적 체험에 해당하는 영역의 내용 체계를 분석하였다. 미적 체험에 관한 이론적 고찰을 통해 미적 체험의 가치와 교육적 당위성을 드러냈고, 미적 체험을 실천적으로 다루는 교육과정의 흐름을 살펴보면서 그에 대한 문제점을 짚어보고 올바른 방향성을 제시하였다. 제 Ⅲ 장에서는 미술이 세상을 알아가는 하나의 방식으로 인지적 측면을 강조하기 위해 ‘시각적 문해력’을 신장시키고자 그에 대한 의미와 구성 요소를 파악하였다. 먼저 시각적 문해력에 대한 이해를 돕기 위해 시각적 문해력에 대한 다양한 관점에서의 정의들을 살펴보았다. 그리고 학자 군별로 시각적 문해력의 구성 요소에 대한 분석을 통해 시각적 문해력이 감상 영역에 국한되어 신장할 수 있는 역량이 아닌, 표현과 감상 영역에서 통합적으로 다룰 수 있음을 확인하였다. 그리고 시각적 문해력을 신장시키기 위해 통합적으로 접근할 필요가 있음을 시사하며, 시각적 문해력의 구성 요소들을 적용할 학습 모형의 학습 원리에 맞추어 범주화하고 필요한 구성 요소들을 추출하여 구체적인 학습 활동에 적용할 수 있도록 제시하였다. 제 Ⅳ 장에서는 시각적 문해력을 신장을 위한 지도방안을 모색하기 위해 활용되는 아트 프로펠(Arts PROPEL)에 대한 이해를 선행하였다. 아트 프로펠(Arts PROPEL)의 배경을 이해하고 전통적인 학습관와 구성주의 학습관의 비교를 통해 그의 특성을 뚜렷하게 파악할 수 있도록 하였다. 그리고 아트 프로펠(Arts PROPEL)의 학습 내용, 방법, 과정에 대한 이해를 통해 구성주의 학습법이 학습자 중심으로 실생활의 문제를 다루며 그 문제를 해결해 나아가는 과정을 중시한다는 점에서 삶 속에서 미술을 체험하는 ‘미적 체험’에 대한 적절한 방향성이 될 수 있다. 그리고 ‘시각적 문해력’을 신장시키기 위해 통합적인 접근법이 필요하다는 점에서 지각, 창작, 반성을 통한 예술 중심의 프로젝트 학습법인 아트 프로펠(Arts-PROPEL)은 적절한 학습법임을 확인하였다. 그리고 이러한 내용을 토대로 2015년 개정 교육과정의 체험 영역에서 제시한 성취 기준 및 교수학습방법에 근거하여 지도 방향을 설정하였고 추출한 시각적 문해력의 구성 요소를 아트 프로펠(Arts-PROPEL)의 학습 활동에 적용하여 시각적 문해력을 신장하기 위한 지도방안을 설계하였다. 이를 통해 학습자들이 일상생활에서 미적 감수성을 느끼고 시각적 사고를 활성화하여 이성과 감성이 조화를 이룰 수 있도록 하였으며 개인의 삶과 미술을 통합적으로 접근할 수 있도록 하였다. 그리고 미술이 미적 감수성과 시각적 사고 즉, 감성과 이성에 의한 체험 활동이며 개인과 사회와의 상호작용을 통해 삶의 통찰을 이끌어낼 수 있는 고차원적인 인지활동임을 시사할 수 있도록 하였다.

中國民歌審美意趣融入大學美育 協同育人的效能?究

쉬한시 경남대학교 대학원 2026 국내박사

Research on the history and creative performance methods of Chinese folk songs has yielded certain results in both the fields of ethnic culture and music. Meanwhile, educators have produced rich research findings on university aesthetic education in areas such as curriculum system construction and the integration of aesthetic education with intangible cultural heritage. While research on university aesthetic education generally emphasizes empowering aesthetic education with excellent traditional Chinese culture, research exploring the educational effectiveness of combining Chinese folk songs—a uniquely Chinese art form—with university aesthetic education is still relatively rare. This paper leverages the author's professional expertise and accumulated experience in educational research, employing relevant theories, methods, and perspectives from interdisciplinary fields such as musicology and aesthetic education. It attempts to conduct interdisciplinary research by combining Chinese folk song art with university aesthetic education, exploring the aesthetic appeal of Chinese folk songs and their resonance with university students. The aim is to uphold the principle that university aesthetic education should cultivate people through beauty and culture, enhance students' patriotism and national pride, strengthen their cultural confidence, improve their aesthetic and cultural literacy, promote national unity and cultural prosperity, and provide theoretical support for research on the educational effects of empowering university aesthetic education with traditional Chinese art and culture. This thesis covers the following: I. The Aesthetic Interest of Chinese Folk Songs This section introduces the historical culture and aesthetic characteristics of Chinese folk songs, including Han folk songs, minority folk songs, and new folk songs. It covers the status of folk songs in the lives of the Chinese people and their aesthetic characteristics. Through a comparison of work songs, mountain songs, and ditties in Han folk songs from the north and south, it outlines the regional aesthetic cultural characteristics of Han folk songs. It selects widely sung minority folk songs to analyze the ethnic artistic styles of different folk songs. It examines the aesthetic trends of Chinese folk songs from new folk song works. It elucidates the socio-cultural factors behind Chinese folk song works and summarizes the characteristics of the aesthetic interest of Chinese folk songs. II. The Continuation and Inheritance of Chinese Aesthetic Education and Chinese Musical Aesthetics This section considers the spirit and core ideas of Chinese musical aesthetics as important factors influencing the development of Chinese aesthetic education. It traces the development history of Chinese aesthetic education, combining various aesthetic and educational philosophies from the Spring and Autumn Period onwards to analyze the evolution of aesthetic education from ancient Confucian music education to modern aesthetic education, clarifying the development process of aesthetic education in Chinese schools, and verifying the important role of aesthetic education in the all-round development of individuals. III. Consistency Between Chinese Folk Songs and University Aesthetic Education Functions Based on recent national policies, this paper summarizes the current status of public aesthetic education activities in Chinese universities, analyzing the needs for implementation and innovation in university aesthetic education from aspects such as educational orientation, curriculum development and implementation methods, textbook analysis, and campus cultural activities. It analyzes the consistency of educational functions between university aesthetic education and the aesthetic appreciation of Chinese folk songs, thus concluding the necessity of the aesthetic appeal of Chinese folk songs in university aesthetic education activities. It demonstrates that the works of Chinese folk songs and the artistic, cultural, and aesthetic values ​​they represent are linked to the educational function of university aesthetic education—cultivating people through beauty and culture—and together they play a vital role in educating people through music. IV. Implementation Paths for Integrating Chinese Folk Songs into University Aesthetic Education This paper analyzes the specific implementation paths of integrating Chinese folk songs into university aesthetic education. Based on the aesthetic education courses and campus aesthetic education activities at Jilin Industrial Vocational and Technical College, where the author works, it uses the integration of appreciation and singing practice of classic Chinese folk songs into university aesthetic education courses and campus cultural and artistic activities as a case study to verify the feasibility of integrating folk songs with campus aesthetic education. A list of Chinese folk songs suitable for university aesthetic education theory teaching demonstrations and aesthetic practice is compiled to facilitate university teachers and students' understanding of Chinese folk song art. Using folk song art as a carrier, this paper addresses the challenges of creating cultural characteristics and cultivating aesthetic abilities in existing university aesthetic education teaching practices. V. The Comprehensive Effectiveness of Integrating the Aesthetic Interest of Chinese Folk Songs into University Aesthetic Education This paper discusses the comprehensive impact of integrating the aesthetic interest of Chinese folk songs into university aesthetic education teaching and practice. The "listen, sing, practice" appreciation and learning model of Chinese folk songs helps students directly experience and participate in the teaching process, enriching the development of campus aesthetic education. Based on the characteristics of local folk song art or minority cultural characteristics, aesthetic education activities can be carried out to help build "one school, one characteristic" or "one school, multiple characteristics" campus cultural features, while also contributing to the construction of local cultural characteristics. From a teacher's perspective, combining the aesthetic appeal of Chinese folk songs with research on university aesthetic education activities helps broaden teachers' teaching and research approaches, break away from the conventional "teaching, lecturing, and rote learning" approach to popularizing art knowledge, enhance the interest and appeal of teaching, and truly implement aesthetic education and quality education. From a student's perspective, university students possess relatively high cultural literacy and knowledge accumulation, and are also inheritors and disseminators of traditional Chinese art and culture. Appreciating Chinese folk songs while understanding the essence of excellent traditional Chinese culture and art, and experiencing the aesthetic appeal of Chinese folk music, can help avoid the negative impact of online and popular culture on students' physical and mental health and aesthetic creativity, and enhance their personal aesthetic abilities and judgment. From the perspective of promoting national culture and enhancing national unity, Chinese folk songs, which convey national history and customs through song, serve as a direct, effective, and engaging artistic medium for disseminating Chinese culture and national art. Combining the aesthetic appeal of Chinese folk songs with art education can enhance university students' national cultural confidence and pride, encouraging them to consciously inherit Chinese culture, strengthen their cultural confidence, appreciate the unity of the Chinese nation, practice national unity, and contribute youthful energy to building a culturally strong nation and promoting national cultural prosperity. This research paper selects well-known and widely sung works from both traditional and new folk song categories in China for analysis. It summarizes the life-like portrayals and emotional expressions of folk song art, bringing art back to life. This provides artistic references for university aesthetic education and practical activities, promoting classic art, shaping the aesthetic character of young people, and carrying forward the spirit of Chinese national culture. Based on detailed and objective historical documents and theoretical foundations, this study aims to describe the aesthetic appeal of Chinese folk songs from three perspectives: national style, regional characteristics, and artistic connotations. It seeks to continuously explore and refine the beauty of folk songs and their combined role with university aesthetic education in inheriting classic art, educating people through aesthetics, and cultivating people through culture. This will protect and pass on the musical and artistic culture of the Chinese nation, empower social civilization construction through the combination of university aesthetic education and art aesthetic education, and promote national unity and the prosperity and development of the cultures of all ethnic groups. 중국 민요의 역사와 창작 연주 방식에 대한 연구는 민족 문화와 음악 분야 모두에서 확실한 성과를 거두었습니다. 한편, 교육자들은 교육과정 체계 구축, 미학 교육과 무형문화유산의 융합 등 대학 미학 교육에 대한 풍부한 연구 결과를 도출해 왔습니다. 대학 미학 교육 연구는 일반적으로 미학 교육을 우수한 중국 전통 문화와 연계하는 데 중점을 두는 반면, 중국 고유의 예술 형태인 중국 민요를 대학 미학 교육과 결합했을 때의 교육적 효과를 탐구하는 연구는 아직 상대적으로 드뭅니다. 본 논문은 음악학 및 미학 교육과 같은 학제적 분야의 관련 이론, 방법론, 그리고 관점을 활용하여 교육 연구에 대한 저자의 전문 지식과 축적된 경험을 활용합니다. 중국 민요 예술과 대학 미학 교육을 결합하여 중국 민요의 미적 매력과 대학생들의 공감을 탐구하는 학제적 연구를 시도합니다. 대학 미학 교육은 아름다움과 문화를 통해 인간을 함양하고, 학생들의 애국심과 민족적 자긍심을 고취하며, 문화적 자신감을 강화하고, 미적·문화적 소양을 향상시키며, 민족 통합과 문화적 번영을 증진해야 한다는 원칙을 고수하는 것을 목표로 합니다. 본 연구는 대학 미학 교육에 중국 전통 예술과 문화를 접목하는 것이 교육적 효과에 미치는 영향에 대한 연구를 이론적으로 뒷받침한다. 본 논문의 내용은 다음과 같다. 1. 중국 민요의 미적 매력 이 섹션에서는 주로 한족 민요, 소수민족 민요, 현대 민요를 포함한 중국 민요의 역사적 문화와 미적 특징을 소개합니다. 중국인들의 삶에서 민요의 지위와 미적 특징을 다룹니다. 남북 한족 민요의 노동요, 산요, 시를 비교하여 한족 민요의 지역적 미적, 문화적 특징을 개괄적으로 설명합니다. 널리 불려지는 소수민족 민요를 선택하여 다양한 민요의 민족 예술 양식을 분석합니다. 현대 민요를 통해 중국 민요의 미적 매력이 변화하는 추세를 살펴봅니다. 마지막으로 중국 민요의 사회문화적 요소를 밝히고 미적 매력의 특징을 요약합니다. 2. 중국 미학 교육과 중국 음악 미학의 계승과 발전: 본 논문은 중국 음악 미학의 정신과 핵심 사상을 중국 미학 교육 발전에 영향을 미치는 중요한 요인으로 삼아 중국 미학 교육의 역사를 추적하고, 춘추 시대 이후 다양한 학파의 미학 및 교육 철학과 중국 각 역사적 시기에 시행된 미학 교육 명제를 결합하며, 고대 유교 음악 교육 사상에서 현대 미학 교육 관점으로의 진화를 분석하고, 중국 학교에서 미학 교육의 발전 과정을 명확히 하며, 개인의 전면적 발전에 있어 미학 교육이 중요한 역할을 한다는 점을 검증한다. 3. 중국 민요와 대학 미학 교육 기능 간의 일관성 본 논문은 최근 국가 정책을 바탕으로 중국 대학의 공공 미학 교육 활동 현황을 요약하고, 교육 방향, 교육 과정 개발 및 실행 방법, 교과서 분석, 그리고 캠퍼스 문화 활동 등의 측면에서 대학 미학 교육의 실행 및 혁신 필요성을 분석한다. 대학 미학 교육과 중국 민요의 미적 감상 간의 교육 기능의 일관성을 분석하여, 중국 민요의 미적 매력이 대학 미학 교육 활동에 필수적임을 결론짓는다. 중국 민요 작품과 그것이 표현하는 예술적, 문화적, 미적 가치는 아름다움과 문화를 통해 인간을 양성하는 대학 미학 교육의 교육 기능과 연결되어 있으며, 음악을 통해 인간을 교육하는 데 중요한 역할을 한다는 것을 보여준다. 4. 중국 민요를 대학 미학 교육에 통합하기 위한 실행 접근법 본 논문은 중국 민요를 대학 미학 교육에 통합하기 위한 구체적인 실행 접근법을 분석합니다. 저자가 근무하는 길림공업직업기술학원의 미학 교육 과정과 캠퍼스 미학 교육 활동을 바탕으로, 본 논문은 대학 미학 교육 과정과 캠퍼스 문화예술 활동에 중국 고전 민요의 감상 및 가창 연습을 통합하는 것을 실행 사례로 삼습니다. 이를 통해 민요를 캠퍼스 미학 교육에 통합하는 것의 타당성을 검증합니다. 대학 미학 교육 이론 교육 시범 및 미학 실습에 적합한 중국 민요 목록을 작성하여 대학 교수와 학생들의 중국 민요 예술에 대한 이해를 도모합니다. 민요 예술을 매개체로 활용하여, 본 접근법은 기존 대학 미학 교육 실습에서 문화적 특성을 창출하고 미적 능력을 함양하는 과제를 해결합니다. 5. 중국 민요의 미적 감상을 대학 미학 교육에 통합하는 것의 종합적 효과 본 논문은 중국 민요의 미적 감상을 대학 미학 교육 및 실습에 통합하는 것의 종합적 영향에 대해 논의한다. 중국 민요의"듣기, 노래하기, 연습하기" 감상 모델은 학생들이 교육 과정을 직접 경험하고 참여하도록 돕고, 캠퍼스 미학 교육의 발전을 풍요롭게 한다. 미학 교육 활동은 지역 민요 또는 소수 민족 문화의 특성을 기반으로 수행될 수 있으며, 독특하거나 다양한 캠퍼스 문화적 특징을 구축하는 데 기여하는 동시에 지역 문화적 특성의 발전에도 도움이 된다. 교사의 관점에서 볼 때, 중국 민요의 미적 감상과 대학 미학 교육 활동 연구를 결합하는 것은 교사의 교육 및 연구 관점을 넓히고, 미학 교육에서"가르치고, 강의하고, 강의하기"라는 고정관념에서 벗어나 교육의 흥미와 매력을 높이고, 미학 교육과 양질의 교육을 진정으로 구현하는 데 도움이 된다. 학생의 관점에서 볼 때, 대학생들은 상대적으로 높은 문화적 소양과 축적된 지식을 보유하고 있다. 그들은 또한 중국 전통 예술과 문화의 계승자이자 전파자입니다. 중국 전통 문화와 예술의 본질을 배우고 중국 민요의 미적 매력을 체험하면서 중국 민요를 감상하는 것은 온라인과 대중문화가 신체 및 정신 건강과 미적 창의성에 미치는 부정적인 영향을 피하고, 개인의 미적 능력과 판단력을 향상시키는 데 도움이 될 수 있습니다. 민족 문화 진흥과 민족 통합 강화의 관점에서 볼 때, 노래를 통해 민족의 역사와 풍습을 전달하는 중국 민요는 중국 문화와 민족 예술을 전파하는 직접적이고 효과적이며 매력적인 예술 매체입니다. 중국 민요의 미적 매력과 미적 교육을 결합하면 대학생의 민족 문화적 자신감과 자긍심을 높이고, 중국 민족 문화를 의식적으로 계승하고, 문화적 자신감을 강화하며, 중화민족의 단결을 느끼고, 민족 통합을 실천하며, 문화적으로 강한 국가를 건설하고 민족 문화 번영을 촉진하는 데 청년의 힘을 기여할 수 있습니다. 본 연구 논문은 중국의 전통 민요와 신민요에서 잘 알려지고 널리 불려지는 작품들을 선정하여 분석합니다. 민요 예술의 생생한 묘사와 감정 표현을 요약하여 예술에 생명을 불어넣습니다. 이는 대학 미학 교육 및 실무 활동에 예술적 참고 자료를 제공하여 고전 예술을 진흥하고, 젊은이들의 미적 품성을 함양하며, 중국 민족 문화의 정신을 계승하는 데 기여합니다. 상세하고 객관적인 역사적, 이론적 근거를 바탕으로 민족적 양식, 지역적 특성, 예술적 함의라는 세 가지 관점에서 중국 민요의 미적 매력을 분석합니다. 민요의 아름다움과 대학 미학 교육이 고전 예술 계승, 미학을 통한 교육, 문화를 통한 인재 양성에 미치는 영향을 지속적으로 탐구하고 심층 분석합니다. 이를 통해 중화민족의 음악 예술과 문화를 보호하고 계승하며, 대학 미학 교육과 예술 미학 교육을 결합하여 사회 문명 건설을 강화하고, 민족 단결과 각 민족 문화의 번영과 발전을 촉진할 것입니다. 中国民歌文化历史和创作表演方法的研究在民族文化领域和音乐艺术领域均已取得一定成果,同时,教育工作者对于大学美育在课程体系建设、美育与非遗结合等方面的研究成果颇为丰富,对于大学美育的研究中普遍重视以中华优秀传统文化赋能美育,但将中国民歌这一独具中国特色的艺术形式和大学美育相结合探寻育人效能的研究还较为少见。本文发挥笔者专业知识特长和教育教学研究积累优势,运用音乐学与美学、美育等交叉学科相关理论方法与视角,跨学科从中国民歌艺术与大学美育相结合的角度进行研究尝试,探究中国民歌审美意趣与大学生的审美共鸣,坚持大学美育以美育人、以文化人,增强大学生家国情怀和民族自豪感,坚定文化自信,铸牢中华民族共同体意识。提高审美文化素养,增进民族团结和民族文化繁荣,为中华传统艺术文化赋能大学美育育人效果研究提供学理支撑。本论文内容如下: 一、中国民歌的审美意趣 主要介绍中国民歌的历史文化与审美艺术特点,包括汉族民歌、少数民族民歌和新民歌,涉及民歌在我国人民生活中的地位,民歌的审美特点。通过南北汉族民歌中号子、山歌、小调的作品对比,梳理汉族民歌的地域审美文化特质;挑选传唱度高的少数民族民歌作品分析不同民歌的民族艺术风情;从新民歌作品中看中国民歌的审美变化趋向。根据中国民歌作品背后的社会文化因素概括出中国民歌审美意趣的特征。 二、中国美育与中国音乐美学思想兼续并继 参考中国音乐美学精神和思想内核中影响中国美育发展的重要因素,梳理中国美育的发展历史,结合从春秋时期起的各家美学和美育思想对中国不同历史时期施行的美育主张,分析从古代儒家音乐教育思想至近现代美育观的演变,明确中国学校美育的发展历程,验证美育对于全面发展的人的重要作用。 三、中国民歌与大学美育教育功能存在一致性 根据近年来的国家政策,概括现阶段中国大学公共美育教育教学活动的基本现状,从育人导向、课程建设与开展形式、教材分析、校园文化活动等方面总结当前大学美育的落实与创新需求。分析大学美育与中国民歌艺术审美之间存在教育功能的一致性关系,从而推论出中国民歌审美意趣对大学美育开展教学活动的必要性,论证中国民歌的作品及作品背后所代表的艺术价值、文化价值、审美价值与大学美育以美育人、以文化人的育人功能相联系共同发挥乐教育人的作用。 四、中国民歌融入大学美育的实施途径。 分析中国民歌融入大学美育的具体实施途径,结合笔者工作所在的高校吉林工业职业技术学院的美育课程和校园美育活动开展情况,将中国民歌经典作品赏析与唱练融入大学美育课程教学与校园文化艺术活动中作为实施案例,验证民歌与校园美育融合的可行性,整理出适用于大学美育理论教学示范与审美实践开展的中国民歌歌单,便于高校师生了解中国民歌艺术,以民歌艺术为载体,创新现有大学美育教学实践的文化特色创建落实难题和审美能力培养落实难题。 五、中国民歌审美意趣融合大学美育的综合效能 论述将中国民歌审美意趣融入高校美育教学与实践的全面影响,中国民歌“听、唱、练”的赏学模式有助于学生直接的感受和参与教学环节,丰富校园美育的开展。根据地方民歌艺术特点或少数民族文化特点结合开展美育教学活动,助建“一校一品”、“一校多品”校园文化特色,同时有利于地方文化特色建设。从教师角度来说,将中国民歌审美意趣与大学美育的教育教学活动研究相结合,有助于开阔教师的美育教学和教研思路,摆脱美育教学“教、讲、灌”的艺术知识普及定式,提升教学趣味与感染力,将审美教育和素质教育的实践落到实处。从学生层面来说,大学生具有相对较高的文化素养和学识积累,同时也是中华传统艺术文化的继承者和传播者,在品赏中国民歌的同时了解中华优秀传统文化和艺术精髓,体验中国民族民间音乐文化的审美意趣,能够避免网络消极文化和流俗文化对大学生身心健康和审美创造力的不良影响,提升个人审美能力和审美判断力。从繁荣民族文化、增进民族团结角度来说,中国民歌以歌传唱民族历史和风俗,是传播中国文化和民族艺术直接有效又趣味十足的文艺载体,将中国民歌的审美意趣与以美育人相结合,能够提升大学生的民族文化自信和民族自豪感,促使其自觉传承中华民族文化,坚定文化自信,感受中华民族团结一家,践行民族团结,为文化强国和民族文化繁荣增添青年力量。 本研究论文选取中国民歌中传统民歌和新民歌两大类型中传唱度较高的知名作品作为民歌作品分析,总结民歌艺术意趣的生活写照和情感表达,将艺术回归生活,为高校的大学美育教学和实践活动提供艺术作品参考,传唱经典艺术,塑造青年审美品格,弘扬中国民族文化精神。期望在详实、客观的文献史料理论依据的基础上,以民族风格、地域特色、艺术意蕴三重角度描述中国民歌的审美意趣,不断深入整理和探寻民歌之美与大学美育共同作用传承经典艺术、以美育人、以文化人的归旨,保护和传承中华民族音乐艺术文化,以大学美育和艺术美育结合赋能社会文明建设,促进民族团结与各民族文化繁荣发展。

시 인식 중심의 심미적 문식성 교육 연구

김민재 서울대학교 대학원 2021 국내박사

본 연구는 학습자가 텍스트를 시라는 예술적 양식으로 받아들여 자신에게 의미 있는 방향으로 심미적 체험을 형성하고 미적인 이해·표현 역량을 기를 수 있도록 하는 교육을 구안하는 것을 목표로 한다. 이를 위해 문학교육에서 심미성 개념을 재정립하고, 문식성의 관점에서 심미성이 학습자의 실천적 층위에서 의미를 가질 수 있도록 하는 심미적 문식성 교육의 구도와 내용을 체계화하는 이론을 제시하였다. 문학교육에서 아름다움은 문학의 본질을 이루며 윤리적·인식적 가치와 함께 그 토대를 이루는 근본적 조건이 된다. 그러나 미 개념에 중첩된 여러 의미와 함께 심미성은 그 논의가 분산적으로 이루어져 문학교육을 이루는 주요 요소들과 이론적·실제적 차원에서 구별되지 못하며, 이에 학습자 수행 층위의 구체적 장면에서 그 역할을 찾기 어렵다. 한편, 문학 환경 변화 및 예술의 일상화, 미 개념의 외연 확장에 따른 문학교육의 지형 변화는 심미성의 의미와 역할에 대한 성찰과 근본적 정립을 요청한다. 이에 본 연구에서는 문학교육적 차원에서 심미성의 이론적 정위를 검토하여 재개념화하고, 국어교육의 중핵적 능력으로서의 문식성 개념과 연계하여 ‘심미적 문식성’ 개념을 정립하였다. 심미적 문식성은 ‘시 텍스트를 심미적으로 체험 및 이해하여 이를 언어화할 수 있으며, 이를 바탕으로 미적인 이해·표현 양식을 형성하여 일상적 맥락으로 확장할 수 있는 능력과 태도’로 교육적 실천력을 가지는 개념이다. 이와 함께 학습자의 머릿속에 구성된 하나의 장르적 범주로서의 ‘시 인식’ 개념을 설정하였다. 시 인식이란 학습자가 시라는 개념에 대해 지니고 있는 다양한 인식으로, 학습자가 시를 시로서 받아들이도록 하는 기제이다. 심미성과 연계하여 시 인식의 세 가지 핵심 요소로 ‘표현’, ‘내용’, 그리고 이 둘을 정의하고 연결하는 ‘목적’을 설정하였다. 심미적 문식성과 시 인식은 체험의 층위별로 다양한 형태로 상호작용하며 학습자의 이해·표현을 추동한다. 본 연구에서는 학습자의 심적 작업과 행위의 연관에 초점을 두어 ‘시적 언어의 중층적 구조 기반의 정서-인지 상호작용’, ‘심미적 체험의 단위로서의 텍스트의 의미 실현’, ‘맥락의 교차를 통한 장르적 범주화’로 세 가지 기제를 제시하였다. 학습자의 시 인식을 중심으로 한 심미적 문식성의 작용 양상은 구성적 근거이론 방법에 따라 자료를 수집하여 분석한 후 네 가지 범주를 도출하여 이론화하였다. 문식성의 수준을 고려해 학습자군을 셋으로 나누어 인식 및 수행조사를 실시하고, 이론적 표집에 따라 인터뷰를 진행하였다. 양상의 범주화는 각 표현과 내용이 인식되고 내재적으로 연결되는 원리별로 네 가지 층위를 나누고, 표현, 내용, 표현과 내용의 연관 기제라는 틀로 기술하였다. 감각 표상을 통한 심미적 체험 발생, 미적 속성 탐구를 통한 이해 심화 및 정서 구체화, 미적 구조 인식을 통한 텍스트 의미의 일관화와 미적 판단, 예술 양식으로서의 패턴 인식 및 이론화로 나누어 그 양상을 분석하였다. 또한 심미적 문식성의 작용 양상에 영향을 미치는 주요 요인을 고찰하여 이론 도출의 기반으로 삼았다. 이론적 고찰과 학습자 자료 분석에 대한 지속적 비교방법을 통해 시 인식 중심의 심미적 문식성 교육 이론을 도출하였다. 우선 교육의 구도로 학습자가 위치한 담론과 정체성, 문식성의 위계적 속성, 그리고 가장 중요한 문식성의 구심점으로서의 심미성 개념의 구조와 작용을 밝혔다. 심미성은 감각적 차원부터 고차원적인 인지의 차원까지의 연속체의 구조를 지니는 개념으로, 각 층위별로 ‘미’는 감각적 표상, 표현·내용 인식, 미적 판단, 미의식 형성으로 실현된다. 또한 심미성을 감각, 감수성, 정서 등의 정의적 요소, 그리고 그중 쾌, 유희, 향유 등의 즐거움의 감정과의 관계를 밝히고 인지적 작업과의 관계에서 각 층위별로 어떻게 구현되는지를 밝혔다. 교육의 구도에 따라 구체적인 교육 내용을 체계화하였다. 예술로서의 시의 미적 구조 이해, 심미적 체험 발생을 위한 조건 설정, 미적 속성 의미화를 위한 전략 인지, 미의식을 매개로 한 일상적 삶의 맥락에의 전이의 네 가지 차원으로 나누어, 학습자가 심미성을 신비화하거나 당위적인 신조로서 인식하기보다는 실질적 차원에서 미적인 방식으로 시 텍스트를 의미화하고, 삶의 여러 국면에 적용할 수 있도록 하는 교육 내용을 체계화하여 제안하였다. 본 연구는 이론적 정립과 실제의 분석을 통해 추상적인 차원에서 논의되어 오던 심미성의 이론적 위치를 재정립하고 학습자의 역량과 관련하여 개념을 구조화하여 문학교육에서 심미성 논의의 기반을 이론적·실천적 층위에서 마련하였다는 의의를 지닌다. The purpose of this study is to devise an education which enable learners to develop competency in aesthetic understanding and expression by interpreting aesthetic experience of poetry as a form of art. To this end, this study aims to reconceptualize the aesthetics in perspective of literature education and to create an aesthetic literacy education theory focusing on the learner’s concept of poetry.   In literature education, aesthetics is regarded as the fundamental basis for achieving educational goals with cognitive and ethical values ​​in literature as linguistic art, especially in the poetry genre. However, role of aesthetics in the actual phenomenon of the learner’s performance level has been ambiguous due to the hardship in segregating the concept of beauty from major concepts constituting literarature education at the theoretical and phenomenal level along with the diversity. On the other hand, along with the daily life of art, which was considered separate from everyday life, aesthetic experience as a method of human perception was given importance in terms of competence. Nonetheless, the importance of aesthetic experience as a method of human perception has been emphasized in terms of competency with habituated art, which was isolated from daily life. Within such transformation in the re-examination of literature as a form of art, re-establishing the status of aesthetics in literature education is currently in demand. In this study, the concept of “aesthetic literacy” has been established through the process of review and redefining theoretical status of aesthetics the connecting with the concept of literacy as the core of language education. Aesthetic literacy is defined as "the competency and attitude to aesthetically comprehend poetic text to convert in language, then derive aesthetic expression and outstretch into ordinary context,” a concept which could be delivered to educational practice. In addition, the concept “perception of poetry” was coordinated to be a genre-like category constructed in the minds of learners. Perception of poetry is a concept which embraces various perceptions learners have towards poetry and the mechanism to absorb it as poetry itself. With the connection to aesthetics, the three key aspects of perception of poetry are predefined as“expression,” “context,” and “objective” which cohesively defines the preceding two aspects. Aesthetic literacy and perception of poetry have interacted in various forms by each level of experience and function as a substance to induce learner’s comprehension and expression. The focus of the study head towards the relationship of learner’s psychologic work and physical action which leads to presenting three mechanisms: 1) layered structure based on interaction between emotion and cognition, 2) formation of textual meaning in units of aesthetic experience, and 3) genre categorization through contextual intersection. The functioning pattern of aesthetic literacy centering on the learner's perception of poetry was theorized by deriving four categories from the analysis of data collected accordingly with constructive grounded theory. The process of data collection is as followed: 1)Segmenting the population into three groups in different literacy levels, 2)conducting cognitive and execution tests, and 3) interviewing samples from each group. Categorization of learner’s aspects was executed under the framework consist of the three key aspects of perception of poetry, expression, context and the connection of two under the objective, based on the fundamental that expression and content are perceived and intrinsically connected at each level. Subsequently, analysis of learner’s aspects was done in each of the four phases: 1) occurrence of aesthetic experience, 2) amplification of understanding through exploration of aesthetic properties, 3) Alignment of textual meaning through recognition of aesthetic structure, 4) Pattern recognition and theorization as a form of art. Moreover, Factors which affects learner’s percention of poetry and aesthetic literacy has been analyzed then applied the implications in developing the education theory. Through continuous comparison between theoretical study and analysis of learner’s aspects, the foundation of aesthetic literacy education theory in focus of perception of poetry has reached its completion. For the composition of education, the learner’s identity and discourse, hierarchical attributes of literacy, and the structure and function of aesthetics. Aesthetics is a continuum which encompasses the span from sensing to higher-level cognition and presented in the sequential layers of sensory representation, expressive and contextual cognition, aesthetic judgement and formation of aesthetic sense. Additionally, relationswith affective elements, such as sense, sensitivity and emotion, and specifically emotions of pleasure, have been founded along with the outcomes of embodiment in each layer within the connection between cognitive work. The content of education has been systemized according to the educational structure. It is designed to guide learners to define poetry text and apply it into various aspects of life in a more practical manner rather than perceiving with normative belief or mythicizing aesthetics. The structure is divided into four parts: 1) Comprehending the aesthetic properties of as a form of art, 2)Coordinating premises of occurrence of aesthetic experience, 3) Recognizing the strategy to convert aesthetic attributes into meaningful context, and 4)Conveying into daily life context through aesthetic sense. This study has its significance in laying the foundation for a full-fledged discussion of aesthetics at the theoretical and practical level by structuring the concept of aesthetics, structuralizing and reconceptualizing as aesthetic literacy at the learner‘s performance level.

A Neurological Study on the Application of Sharp shape and the Aesthetic Utilization in Architectural Design

양지제 홍익대학교 대학원 2022 국내석사

날카로운 조형을 건축 디자인에 적용하려는 오랜 시도들이 있었다. 날카로운 조형은 위협과 관심이 공존하는 다중 시각 자극이다.날카로움의 이런 특수한 속성은 건축적 활용에 한계를 초래하였다.모든 문화는 공통적으로 미적인 체험을 조형의 중요한 고려 요소로 삼고 있다.두뇌는 아름다움을 느끼는 체계적 시각 지능을 가지고 있기 때문이다. 날카로운 조형의 심미적 가치를 제대로 이해하지 못하고 사용할 경우, 이를 보면서 압박감과 불편함을 느낄 수 있다.따라서 날카로움을 건축 조형으로 적용함에 있어, 위협적인 느낌을 낮추면서, 미적 감각을 높이는 특성에 대해, 과학적인 분석과 해석이 필요하다.본 연구는 신경 과학의 이론을 바탕으로 선행 연구와 문헌조사를 통해, 날카로운 조형에 대해 두뇌가 주목 대상으로 구분하고 감성적 선호도가 생성되며, 촉각과 연합한 시각 기억의 생성 구조를 통한 시각 인지 과정을 알 수 있다. 이를 학제적으로 연합해 해석함으로써, 날카로운 조형은 어둡고 우울한 시각 경험을 주는 메커니즘을 분석할 수 있으며. 동시에 날카로운 모양이 현대의 건축 미학에 미치는 영향도 알 수 있었고 뇌의 시각 인지 및 심미적 처리 과정도 구조적으로 기술하였다.날카로운 조형의 시각과 감정의 속성 특징과 뇌 인지 과정에 대한 실험을 통해 박물관, 교회 등과 같이 주목성이 중요한 비 생활 건축에 적용할 때 관찰자의 인지 특성에 더 잘 부합하며, 대중에게 쉽게 받아들여지고 호감을 가질 수 있음을 증명하였다.그리고 이들 선행 연구에 따르면 공간 빈도(Spacial Frequency)가 심미적 판단에 영향을 미치는 것으로 나타난다.이를 통해 날카로운 조형의 가장자리의 윤곽을 흐리게 해, 낮은 공간 주파수로의 변환함으로써 시각적인 호감에 도달하게 할 수 있다.또한 높은 공간 주파수에서 조형의 윤곽을 포착하는 특성이 있으며, 이러한 시각에서 드러나는 질서에서 조형적 복잡성을 높일 수 있다. 이를 통해 가장자리의 시각 정보를 강화하여 리듬감을 높임으로써 건축적 심미성을 유발할 수도 있다.본 연구는 조형과 의미를 인지하는 과정이 미의식에 미치는 영향을 파악해, 날카로움이 건축 조형의 활용 방식을 제시하는 것을 목적으로 한다.본 연구는 건축적 형상에 중점을 두었으며, 색상과 재료가 미치는 영향은 제외하였다. Sharp shapes have been used in architectural design for a long time. The sharp shape is a multi-visual stimulus that is both threatening and attention-grabbing, and this particular property of sharpness limits its use in architecture.All cultures take aesthetic experience into account as an important factor in styling because they have a visual function that can systematically perceive beauty.When used without a proper understanding of the aesthetic value of the sharp shape, it can create a feeling of oppression and discomfort.It is therefore necessary to analyse and interpret scientifically how the use of sharp forms in architecture can enhance aesthetics while reducing the perception of threat.The mechanisms provided by neuroscience for visual cognitive processes, attentional target categorization, emotional preference generation, and the generation of visual memories associated with touch are used in this study to understand the brain's visual recognition processes through an interdisciplinary approach to understand the sharp structures . When you put them all together, you can see why the sharpness creates a negative visual experience, as well as the influence of sharp forms on modern architecture's aesthetics and ally describes the brain's visual perception and aesthetic processing by analysing predecessor studies and conducting in-depth literature reviews. Sharp shapes are more easily accepted and preferred by the public when applied to non-living buildings (e.g. museums, churches, etc.) than when applied to living buildings, according to a study combining the visual and emotional attributes of sharp shapes and testing the cognitive habits of the brain. And this research also has shown that spatial frequency influences aesthetic judgement. This can be done by blurring the edge contours of sharp shapes and converting them to low spatial frequencies to trigger aesthetic preferences.In addition, the high spatial frequency can be used to quickly capture the contours of the form, enhance the visual complexity of the form through orderly arrangement, strengthen the edge structure and enhance the rhythm of the building, thus inducing a sense of aesthetic well-being.The aim of this study is to provide scientific references and recommendations for the way in which sharp shapes are used in architecture by understanding the impact of the visual and meaningful cognitive processes of shape on aesthetics. The scope of this research focuses on the shape of architecture; the influence of colour and materials is outside the scope of this study.