Analyses of the Twelve Fantasies for Solo Flute(1732-33) and the Twelve Fantasies for Solo Violin(1735) of G. Ph.Telemann(with suggestions for Performance)

민경주 University of Washington 1998 해외박사

The "Analyses Of The Twelve Fantasies For Solo Flute (1732-33) And The Twelve Fantasies Far Solo Violin (1735) of G.Ph.Telemann (with Suggestions for Performance)" is intended as a practical guide to performance through an awareness of form, harmony, character, and phrase-construction of these Fantasies as seen through their detailed analysis. These fantasies are composed in two, three, or four short and clear movements. As in the term "fantasy" itself, these movements are free and various, comprising such elements as prelude, toccata, recitative, fugal entry, and dance form. It is proposed that the Violin Fantasies, while containing technical demands alien to the flute, are nonetheless able to be adapted in their original keys for successful flute performance. "Performance Notes and Suggestions" are provided for each Fantasy. These include considerations such as ornamentation, variation, cadenzas, dynamics, and articulations. In the case of the Violin Fantasies, these also include specific observations on the conversion of "violinistic" writing into appropriate and manageable material for the flute.

김희영의 『Four Pieces for Flute Solo』연구

김희영 梨花女子大學校 大學院 1994 국내석사

Johann Sebastian Bach Partita in a minor for Solo Flute BWV 1013 분석

조경미 서경대학교 대학원 2007 국내석사

Johann Sebastian Bach was a musician in the Baroque age. He composed more than thousand pieces in every style except for Opera. He sublimated standardized musical form of France, Italy and Germany by standardization of their patterns and musical aspects. He composed 8 pieces for flute; 1 partita for solo flute, 4 sonatas for harpsichord and flute and 3 sonatas for basso continuo and flute. In this thesis, Partita in a minor for solo flute BWV 1013 which is the only flute solo among Bach's flute pieces will be discussed. And it is composed of four movements, Allemande-Corrente -Serabande-Bourree Angliase. The term, Partita, was used for the meaning of the variation in the 17th and 18th century. But the meaning was changed to the suite as time went by. The Partita represented one of the most important style in the Baroque and it became as a standard form in the age of J.S.Bach. It is believed that Partita in a minor for solo flute BWV 1013 was composed in Cothen era(1717-1720) which is known as the period of his creativity. It was difficult to play since this piece does not indicate tempo, dynamic, and articulation like other musics of J.S.Bach. Thus, the purpose of this thesis is to analyze the music in detail to understand Flute Partita and help players to play it appropriately. Firstly, it is required to understand the historical background of J.S.Bach, his life and the main musical aspects. Secondly, the general meaning of Partita and J.S.Bach's Partita will be discussed and compared. Analysis shall be conducted in the aspects of form, component, rhythm and harmony of Partita in a minor for solo flute BWV 1013. Johann Sebastian Bach(1685-1750)는 Baroque 시대의 음악가이며, 오페라(Opera)를 제외한 모든 양식에서 1,000곡이 넘는 작품을 작곡하였다. 또한 프랑스, 독일, 이탈리아의 각 나라 양식과 동시대의 많은 음악적 사상을 통일된 양식으로 승화, 발전 시켰다 바하는 모두 8개의 Flute을 위한 작품을 작곡했는데 1곡의 무반주 partita, 4곡의 harpsichord 반주에 의한 sonata, 3곡의 basso continuo 반주에 의한 sonata가 그것이다. 이 중에서 본 논문이 다루고자 하는 것은 바하의 flute곡 중 유일한 솔로곡인 Partita in a minor BWV 1013이다. 이곡은 Allemande-Corrente-Serabande-Bourree Anglaise의 4악장으로 구성된 모음곡으로 되어있다. 파르티타(partita)라는 용어는 17,18세기의 용어로 원래는 변주곡이라 뜻으로 사용되었다. 하지만 시대의 변천에 따라 조곡과 같은 의미로 사용되었고, Baroque 시대의 음악 양식 중에서 많은 비중을 차지하게 되었으며 특히 바하 시대에 이르러 정형화된 하나의 형식으로 자리 잡게 된다. 이 작품의 작곡 시기는 그의 창작시기 쾨텐(Cothen:1717-1720)시대로여겨진다. 이 곡은 바하의 다른 곡들과 같이 아티큘레이션(articulation), 템포(tempo), 다이나믹(dynamic)의 지시를 거의 하지 않았기 때문에 악곡의 분석 및 연주 주법상 어려운 점이 많다. 그러므로 이 작품의 형식과 악곡의 분석을 통하여 작품의 세부사항을 연구함으로써 flute partita의 흐름을 이해하고 이를 바탕으로 올바른 음악 표현과 연주 주법의 방향에 도움을 주고자 하는 것이 본 연구의 의도이다. 이를 위해 먼저 바하가 살았던 Baroque 시대의 역사적 배경과 그의 생애 및 주요 작품과 작품 경향을 알아 볼 것이다. 그 다음으로 partita의 일반적인 의미와 바하의 partita의 특징을 살펴보고 Partita in a minor for solo flute BWV 1013을 형식, 조성, 리듬, 화성의 변화를 분석해 볼 것이다.

윤이상의 'Etude for solo Flute'에 나타난 특징적 기법에 관한 연구

신인철 고신대학교 대학원 2007 국내석사

The 20th century was the time when various patterns were appeared with Modernism and Avant-garde. The world-renowned composer Isang Yun(1917-1995) is the representative Western music composer of Korea, who sublimates feature of Korean traditional music with a Western modern music technique. In order to establish his own characteristic music world, Yun positively applied his music viewpoint formed throughout his experience in Korea. His flute music well reflected solo instrument's characteristic and distinction. Such Bamboo flute and pipe symbolize a timbre and rendition of a flute. 'Etüdes für Flöte solo' comprises five musical pieces and each piece is accomplished to be performed with different types of the flute. The feature of distribution and rapid flow could be recognized from the musical piece which takes a dual symmetry structure. Indeed, Yun's unique technique Hauptton-technique could be observed frequently, and the use of grace notes represents Sigimsae. Although irregular time could not be found like it was used a lot in 20th century, Yun specialized diversity by giving differences in dynamic or the quality of tone, and the division of rhythm which was frequently used during 20th century. In order to emphasize the quality of Korean traditional music, he applied Nongeum and Tehsung as Quarter ton or Mordents; in addition, he utilized vibrato as Yosung of a Bamboo flute. The techniques he used such as Harmonics, Multiphonics, Double tremolo profess varicolored hue and multiplicity. In the piece throughout the Hauptton-technique and Quarte tone, Yun exposes oriental speculation and aspect with the Western usage. According to this manner, Yun's intended mixture of the East and West is observable.

김진아의 Three Pieces for Flute Solo "삶" 의 분석연구

김진아 이화여자대학교 대학원 2004 국내석사

김진아의 Three Pieces for Flute Sole "삶"은 2000년에 작곡된 무조적(Atonal)소품이다. 바그너(Wilhelm Richard Wagner, 1813∼1883)의 반음계적인 선율(Chromatic Melody)과 화음(Harmony)으로 인하여 조성(Tonal) 중심적 음악체계는 애매하게 되었으며 불협화음(Dissonance)의 해결을 필요로 하지 않으면서 불협화음을 자유롭게 사용하게 되었다. 이와 같이 20세기에 나타나는 급진적이고 혁신적인 특징은 후기 낭만주의의 음악에서 발생하였고 쉔베르그(Arnold Schoenberg : 1874∼1951)는 낭만주의적인 거대한 규모의 작품보다는 소규모 악기 편성을 사용하였으며 리듬과 대위법을 보다 복잡하고 급속하게 발전시켰다. 1905년∼1912년, 쉔베르그(Arnold Schoenberg : 1874∼1951)는 반음계적인 양식에서 무조성(Atonality)으로 전환하였는데 이것은 전통적인 조성성(Tonality)을 벗어나고자 하는 움직임이었다. 본 논문은 무조성 이론으로 작곡된 본인의 작품을 분석한 것으로서 인간의 삶을 주제로 한다. 각 악장에 나타나는 뚜렷한 주제(Theme)를 다양한 기법과 특징 있는 선율(Melody)과 리듬(Rhythm)으로 표현한다. 자유로운 무조 음악 안에서 일관성 있는 형식과 특징적인 선율이 변화와 발전을 하였으며 작품 전체에 걸쳐서 규칙성과 통일성을 추구하였다. After appearance of Wilhelm Richard Wagner (1813∼1883)'s chromatic melody and harmony, there has been an atomsphere that tone-centered musical structure is not critically necessary. Furthermore, dissonance was not to be resolved but to be used freely in their compositions. These rapid and innovative trend appeared on 20th century took place in latter period of romanticism. Arnold Schoenberg(1874∼1951) chose smaller scale orchestras than those of romanticism and he rapidly developed rhythm and counterpoint. In the period of 1905 through 1912, Arnold Schoenberg (1874∼1951) converted chromatic melody to atonality, it was a movement to steer away from traditional tonality. With this background, this thesis analyzes musical piece named "Three Pieces for Flute Solo <Life>". This piece was composed by myself, Jin A Kim, in 2000 and was approached with a point of view of atonality theory. Structural form, unique melody, rhythm and instrumental technique were focused and emphasized for this analysis. "Three Pieces for Flute Solo <Life>" represents 'Human life' as a theme, and reflects human life which starts from mortal earthly life and arrives to eternal life of heaven. Each of three movements has unique theme, 1st movement describes human in present life experiencing many temptations who later repents all his sins, 2nd movement reflects true Christian life which is filled with joy and happiness after repentance, and finally 3rd movement imagines heavenly immortal life after termination of human life. For each movement, unique themes were expressed with various techniques, distinct melody and rhythm. Dissonant melodies were created by introducing leaping more than an octave, augmented intervals and diminished intervals. Complex and rapid rhythms composed with 16th and 32nd notes express chromatic and consonant skip characteristics within the idea of atonal music. Though these pieces were composed in the freedom of atonal music, uniformity was well-kept by utilizing consistent structures and variations of distinguishing melody.

텔레만의 《플루트를 위한 12개의 환상곡》 중 6곡에 대한 장식음 분석과 연주 해석 비교 연구 : 장-피에르 랑팔과 에마뉘엘 파위의 연주를 중심으로

곽상정 국민대학교 일반대학원 2025 국내박사

본 연구는 텔레만의 《플루트를 위한 12개의 환상곡》 중 여섯 곡을 대상으로, 장-피에르 랑팔과 에마뉘엘 파위의 연주에 나타나는 장식음 해석 양상을 비교·분석하였다. 텔레만의 이 작품은 장식 기호가 제한적으로 기보되어 있어 연주자의 해석적 개입 여지가 크며, 바로크 시대 특유의 즉흥성과 연주 관습이 반영된 대표적 무반주 플루트 레퍼토리이다. 연구 목적은 장식음이라는 바로크 음악의 핵심 표현 요소가 실제 연주에서 어떻게 다양하게 구현되는지를 실연 음원 분석을 통해 구체적으로 밝히는 데 있다. 이를 위해 두 연주자의 음반(랑팔 1987, 파위 2018)을 사보하고, 반복부 장식, 종지 처리, 템포 해석 등을 중심으로 연주 양상을 비교하였다. 분석 결과, 두 연주자는 모두 반복되는 악절에 장식음을 첨가해 변화를 주고, 종지부에는 트릴이나 모르덴트를 사용하여 마무리를 강조하는 등 바로크 연주 관행의 기본 원칙을 공유하였다. 그러나 구체적인 해석에서는 차이를 보였다. 랑팔은 자유롭고 화려한 즉흥 장식으로 곡의 극적 효과를 극대화하였으며, 반복부를 거의 재구성할 정도의 변화를 통해 감정적 표현을 강조하였다. 반면 파위는 절제된 장식과 정확한 음향을 통해 작품의 구조적 명료성과 양식적 정당성을 드러내는 해석을 선보였다. 특히 느린 악장에서 랑팔은 템포를 늦추고 장식을 최소화하여 감정선을 부드럽게 이었고, 파위는 템포를 유지하면서 필요한 장식을 배치하여 긴장감을 유지했다. 빠른 악장에서는 랑팔이 다양한 즉흥 구절로 선율을 변형시킨 반면, 파위는 기본 선율을 유지하며 미세한 장식으로 해석의 완결성을 높였다. 이러한 차이는 두 연주자의 예술적 지향뿐 아니라 그들이 활동한 시대적 미학의 차이에서 기인한다. 랑팔은 20세기 중후반의 미학에 따라 주관성과 미적 개성을 강조한 반면, 파위는 역사적 연주 관행(HIP)에 기반해 보다 학구적이고 절제된 해석을 추구하였다. 결론적으로 본 연구는 장식음이라는 요소를 통해 바로크 음악의 해석이 연주자에 따라 어떻게 달라지는지를 실증적으로 보여주며, 장식음이 단순한 꾸밈 이상의 미학적 기능을 지닌다는 점을 강조한다. 이는 향후 연주자들이 바로크 음악을 해석할 때 역사성과 개성 간의 균형을 모색하는 데 유용한 지침이 될 수 있을 것이다. This study examines and compares the interpretative use of ornamentation in the performances of six selected fantasias from Georg Philipp Telemann’s 12 Fantasias for Solo Flute, as recorded by Jean-Pierre Rampal and Emmanuel Pahud. Telemann’s work, characterized by minimal notated ornamentation, offers performers significant interpretative freedom and reflects the improvisatory nature and performance practices of the Baroque era. The primary aim of this research is to investigate how ornamentation—an essential expressive element in Baroque music—is realized differently in actual performances. To this end, the recordings of Rampal (1987) and Pahud (2018) were transcribed and analyzed, focusing on aspects such as ornamentation in repeated sections, cadential treatment, and tempo interpretation. The findings reveal that both performers adhered to core Baroque performance conventions, such as adding ornamentation during repeats and emphasizing cadences with trills or mordents. However, their specific approaches diverged considerably. Rampal employed highly expressive and virtuosic improvisations to heighten dramatic tension, often reconstructing entire sections with elaborate embellishments. In contrast, Pahud applied ornamentation with restraint and precision, emphasizing structural clarity and stylistic fidelity. In slow movements, Rampal slowed the tempo and minimized ornamentation to sustain lyrical phrasing, whereas Pahud maintained a steady tempo and used subtle ornamentation to shape tension. In faster movements, Rampal extensively altered melodic lines through improvisatory gestures, while Pahud retained the original contours and introduced minimal, well-integrated decorations. These differences reflect not only their artistic orientations but also broader aesthetic paradigms of their respective eras. Rampal, active in the mid to late 20th century, embraced expressive subjectivity and personal flair, while Pahud, shaped by 21st-century performance practices, favored historically informed performance (HIP) approaches grounded in scholarly research and stylistic accuracy. Ultimately, this study highlights how ornamentation in Baroque music functions not merely as decorative material but as a vehicle for interpretative creativity and aesthetic expression. The comparative analysis offers practical insights for performers seeking to balance historical awareness and individual artistry in interpreting Baroque repertoire.