클로드 드뷔시의 작품 <목신의 오후에의 전주곡>에 나타나는 리하르트 바그너 화성과의 연관성

한민정 숙명여자대학교 대학원 2019 국내석사

본 논문은 프랑스 인상주의 음악의 시초로 알려진 클로드 아실 드뷔시(Claude Achille Debussy, 1832-1918)의 작품 <목신(牧神)의 오후에의 전주곡> (Prélude à l'après midi d'un faune, 1892-1894) 에 나타나는 빌헬름 리하르트 바그너(Wilhelm Richard Wagner, 1813-1883) 화성과의 연관성에 관한 연구이다. 인상주의와 후기낭만 음악은 각각의 독립적인 음악적 특징을 가지고 있지만 인상주의 음악이 가지고 있는 조성적•낭만적 특징을 후기낭만 음악과 연관 지어 역사적 흐름 안에서 이해할 수 있다. 프랑스의 인상주의 음악이 독일의 후기낭만 음악과 역사적으로는 대립구도를 형성하고 있었지만 실질적으로 조성이라는 공통분모를 공유하고 있었던 것이다. 드뷔시가 어떻게 바그너 음악의 영향을 받게 되었는지 역사적 사건을 짚어보고 구체적으로 어떤 화성적 연관성을 보이는지 살펴본다. <목신의 오후에의 전주곡> 에서는 바그너의 후기낭만 화성과의 연관성뿐만 아니라 후기낭만적인 관현악법까지도 함께 내포되어 있는 것을 볼 수 있다. 인상주의 음악과 후기낭만 음악어법의 결합을 관현악법과 화성적 측면에 의해 분류할 수 있으며 바그너 화성의 특징인 트리스탄 화음(Tristan chord), 비기능적인 반음계화성, 3도 인접관계의 화성이 <목신의 오후에의 전주곡> 에서 드뷔시의 독창적인 음악언어로 재등장함으로써 드뷔시 화성과 바그너 화성의 연관성을 고찰한다. 본 논문에서 이루어진 드뷔시의 대표적인 관현악곡 <목신의 오후에의 전주곡> 의 화성 분석은 이 작품이 인상주의의 대표적인 작품임에도 불구하고 후기낭만 음악의 선구자였던 바그너 화성과의 깊은 연관성을 드러내고 있으며 인상주의라는 음악사조가 인상주의의 음악적 특성 외에도 이와 대립적인 성격을 보였던 후기낭만 음악의 영향을 내포하고 있음을 보여준다. This is a study on the relation between Claude Debussy's work <Prélude à l'après midi d'un faune> and Richard Wagner's harmony. Claude Achille Debussy was known as the beginning of French Impressionist music. Impressionism and post-Romantic music have their own independent musical characteristics, but they can be understood within the historical trend by associating tonal and romantic characteristics of Impressionist music with post-Romantic music. Impressionist music of France formed a historical confrontation with German music, but shared the common characteristics of tonality. This study is plan to investigate how Debussy came to be influenced by Wagner's music and look at the historical events. In <Prélude à l'après midi d'un faune>, Wagner's post-Romantic music is not only associated with harmony, but also includes the post-Romantic orchestral method. The combination of Impressionist music and post- Romantic music language can be classified by orchestral and harmonic aspects. The harmonic analysis of Debussy's representative orchestral work <Prélude à l'après midi d'un faune> in this paper, shows that although it is a representative work of impressionism, it reveals a deep connection with the post-Romantic pioneer Wagner. And that the musical trend of Impressionism implies the influence of post-Romantic music in addition to the musical characteristics of Impressionism.

Gustav Mahler의 《F?nf Lieder nach Gedichten von R?kert》에 분석연구

구슬아 국민대학교 일반대학원 2012 국내석사

19세기 말에서 20세기 초의 작곡가들은 새로운 음악어법을 동경했다. 그 결과 전통적인 낭만주의 양식에 근거를 두면서도 새로운 면모가 보이는 후기낭만주의 양식이 생겨났다. 후기낭만주의 대표 작곡가인 구스타프 말러(Gustav Mahler, 1860∼1911)는 전통적인 낭만주의 어법에서 벗어나지 않으면서도 20세기 근대음악의 기초가 되는 새로운 양식을 추구해 나갔다. 그는 선율과 리듬, 가사의 선택에 있어 전통적인 낭만주의적 어법을 추구하였지만 형식면에서는 과감한 화성진행과 전조를 사용한 진보적인 어법을 사용하였다. 또한 말러는 시의 내용을 깊이 있게 표현하기 위해 피아노 반주로 이루어진 종래의 가곡 양식을 탈피해 피아노 반주 대신 관현악 반주를 사용하였다. 본 논문에서 다루고자 하는《뤼케르트 시에 의한 5개의 가곡》(Fünf Lieder nach Gedichten von Rükert) 또한 관현악 가곡으로 작곡되었다. 필자는 말러의 음악어법이 뤼케르트의 낭만주의 시를 음악적으로 어떻게 표현하였는지 알아보기 위해 먼저 말러가 활동했던 시기인 후기낭만주의 시대의 음악적 특징을 살펴보고 말러의 생애를 통해 본 그의 가곡 특징이 후기낭만주의 어법과 어떤 연관성을 갖고 있는지 연구한다. 그리고 본문의 시에 대한 어법의 이해를 돕고자 시인 뤼케르트의 생애와 작품특성을 알아본 후《뤼케르트 시에 의한 5개의 가곡》의 창작배경과 특징을 바탕으로 본 논문의 작품을 분석하고자 한다. 또한 더 나아가 관현악 반주가 뤼케르트의 시를 음악적으로 표현하기 위해 어떻게 사용되었는지 분석하여 이 작품을 연주하는 이들에게 도움이 되고자 한다.

리하르트 슈트라우스 Op. 10 작품 연구

강효영 서울시립대학교 일반대학원 2019 국내석사

리하르트 슈트라우스 (Richard Strauss, 1864-1949)의 가곡집 마지막 잎새 (Op. 10, 1885)는 그의 작품번호가 처음으로 붙기 시작한 작품이면서 후기낭만음악의 대표적 특징인 반음계기법의 사용과 빈번한 전조가 나타나는 작품으로써 리하르트 슈트라우스의 작품의 특징이 잘 나타난 작품이다. 본 논문은 졸업연주 작품가운데 하나인 Op. 10 작품을 분석하여 보다 나은 연주를 하는데 에 도움이 되는 것이 첫 번째 목적이며, 후기낭만음악의 대표적 작곡가들과 리하르트 슈트라우스의 작품특징을 통해 후기낭만음악의 특징을 분석하고, 그러한 특징이 이 작품에 어떻게 나타나며, 이 작품이 리하르트 슈트라우스의 작품세계를 확고히 한 작품으로 대표되는 이유를 알아보고자 함이 두 번째 목적이다. 후기낭만의 주요 특징인 반음계진행과 빈번한 전조, 반주부의 독립성과 관현악적 색채감 기법 사용 등이 이 작품에서 어떻게 나타났으며 독일어 가사의 분석을 통하여 가사가 주는 의미와 리하르트 슈트라우스의 작곡기법이 어떻게 녹아들어 있는지 연구 하였다. A Study on Op. 10 of Richard Strauss A collection of works for a master's degree in musicology Letzte Blätter (Op. 10, 1885), the collection of songs by Richard Strauss (1864-1949) marked the beginning of his opus number. It features some of the characteristics of Post-Romanticism music including a chromatic scale and frequent uses of modulation. It is highlighted both by the characteristics of Richard Strauss works and those of Post-Romanticism. This study set out to analyze Op. 10 in the singer's collection of works for a master's degree and expect for its appealing performance through analysis. It also aimed to analyze the characteristics of Post-Romanticism music based on the characteristics of his works as well as those of other great composers during the period of Post-Romanticism music, examine the ways that the characteristics were reflected in this work, and find the reasons why this work was considered to have made the creative world of Richard Strauss. The study examined the ways that this work expressed some of the major characteristics of Post-Romanticism music including chromatic progression, frequent modulations, independence of the accompaniment, and orchestration timbre and analyzed its German poems to understand how Richard Strauss' techniques of writing music were integrated in the expression of the lyrics' meanings and words.

G. Mahler의 <대지의 노래> 연구 : 중국문화요소를 중심으로

곽산산 동의대학교 대학원 2022 국내박사

후기낭만음악의 쉔커식 중경층 설계를 위한 이론적 전제

정세은 연세대학교 대학원 2020 국내석사

This study critically examines the past forty-year discourses of the Schenkerian theory whose tenet was to expand and apply its analytic perspective to middle and late 19th-century music and attempts to categorize and reconstruct theoretical premises which will allow to escalate the analytic possibility for late-romantic music. I examined studies by James Baker, Ramon Satyendra, Deborah Stein, Ryan Taycher, and Robert Morgan (1976, 2016) and proposed theoretical assumptions with first-level middleground models in order to apply the Schenkerian theory to the analysis of late-romantic music. The outlined Schenkerian middleground models are an X-model, X-to-Y model, and transformed Ursatz model: X-model prolongs a structural harmony; in X-to-Y, a structural harmony decisively progresses to the other, thus forming tonality; and what I call “transformed Ursatz” has an abnormal substituted member such as I-X-I or X-V-I. I have witnessed that these models accepted the Schenkerian premise selectively and limitedly according to an individual piece’s deviative degree from tonality. I modified and sketched again Satyendra’s graph of Liszt’s Zweite Elegie, Morgan’s graph of Wolf’s Im Frühling and Stein’s graph of Wolf’s Wir haben beide lange Zeit geschwiegen. The alternative analyses of these works were classified into my list of the middleground models: they were modified in prolonged a tonic model, a structural progression of the I-V, and transformed Ursatz of the III-V-I. 본 연구는 19세기 중‧후반 음악의 분석에 쉔커식 분석이론을 확대‧적용하는 것에 대한 지난 40년간의 담론을 비판적으로 검토하고 개별 악곡에 대한 분석 시 암묵적으로 용인되었던 분석 전제들을 정리 및 재구성하여 후기낭만음악의 분석 가능성을 높이는 데 그 목적이 있다. 필자는 모르간(Robert Morgan)의 1976년 연구에서 시작, 40년이 지나 같은 주제로 돌아온 그의 2016년 연구를 끝으로 두 시점 사이 이 분야에 대해 논구되었던 베이커(James M. Baker)와 사텐드라(Ramon Satyendra), 슈타인(Deborah Stein), 테이처(Ryan Taycher)의 연구를 깊이 있게 검토하였으며, 이를 토대로 19세기 중‧후반 음악의 분석에 쉔커식 분석이론을 적용하기 위한 분석 전제 및 후기낭만음악의 쉔커식 상위 중경층 모델을 도출·제시하였다. 여기서 정리된 쉔커식 중경층 모델은 단일 화음 X의 연장, 미완성 근본구조 I-V 또는 X-I, 그리고 I-X-I나 X-V-I의 변형된 근본구조가 있으며, 필자는 이 세 유형의 모델이 음악이 갖는 일탈의 농도와 양상에 따라 쉔커 이론의 전제를 제한적이고 선택적으로 수용한 점에 주목하며 각 모델에서 수용된 쉔커식 이론의 전제들이 그 나름의 위계를 갖는다는 사실을 밝혔다. 한편, 필자는 선행연구에서 분석된 작품 중 사텐드라가 분석한 리스트, ⪡두 번째 애가⪢, 모르간(2016)이 분석한 볼프(Hugo Wolf, 1860-1903), ‘봄에’(Im Frühling), 그리고 슈타인의 볼프, ‘우리는 오랫동안 침묵했었지’(Wir haben beide lange Zeit geschwiegen)를 다시 스케치하였다. 이 악곡들은 재분석을 통해 필자가 정리한 쉔커식 상위 중경층 모델 분류 방식에 재편되었는데, 각 악곡은 으뜸화음의 연장 모델과 I-V의 미완성 근본구조, 그리고 III-V-I의 변형된 근본구조 모델로 수정되었다.

후기낭만주의 시대를 배경으로 한 Josef Gabriel Rheinberger Requiem(op.60)의 작품분석

이지현 가톨릭대 대학원 2002 국내석사

서양음악의 모태를 이루고 있는 그레고리오 성가(Gregorian Chant)는 미사(Missa)나 성무일과(Office)에서 주로 불려졌으며, 이런 미사곡 중 죽은 자를 위한 곡을 레퀴엠(Requiem)이라 한다. 역사적으로 많은 작곡가들이 각 시대의 음악 양식 기법으로 레퀴엠을 작곡했는데, 초기에 이러한 목적으로 작곡된 레퀴엠은 역사를 지나면서 전례가 목적이 아닌 연주용으로 작곡되기도 했고, 가톨릭 교회의 전례악과 전혀 다른 의미를 갖는 레퀴엠으로도 작곡되었다. 많은 레퀴엠 작곡가들이 있지만 Josef Gabriel Rheinberger(라인베르거)는 우리에게 생소하다. 그는 낭만시대 후반의 독일 작곡가로서 오르간 주자, 지휘자, 뮌헨 음악원 교수와 바이에른 궁정악장을 역임하였다. 그의 작품은 오페라, 극음악, 교회음악, 관현악곡, 합창곡, 실내악곡, 피아노곡, 오르간곡을 망라하지만 그 중에서도 특히 오르간 작품이 다수를 차지하며 오라토리오 작곡에 큰 관심을 갖고 활동하였다. 1864년 뮌헨 오라토리오 소사이어티(The Oratorio Society)의 지휘자가 되었고, 1865년에 독창, 합창, 그리고 오케스트라를 위한 레퀴엠 B♭ minor(op.60)를 작곡했다. 이 사자(死者)를 위한 미사곡은 진정한 교회 음악의 시작으로써 초기 창조적 시기의 가장 중요한 작품으로 알려져 있다. 따라서 이 작품은 라인베르거의 창조적 생애의 중요한 경계가 되는 작품임을 시사한다. 본 논문은 먼저 라인베르거의 생애와 작품세계, 낭만파 후기의 음악을 고찰함으로써 그의 음악적인 사상과 작곡기법을 이해하고 악곡 분석을 통하여 라인베르거의 독특한 작곡기법과 화성어법 및 곡의 진행방법을 파악함으로써 그의 작품에 대한 이해를 돕고 뛰어난 레퀴엠 작곡가로서 라인베르거의 위치를 재확인하고자 한다. Gregorian chant that have been the mother's womb for the Western Music were usually performed in the liturgy of mass(missa) and office.(officium) The terminology ?Requiem?is Mass for the funeral or memory of the dead. Many composers adopted certain musical styles and techniques of the times in working on their Requiems in the past. Time altered the purpose of a Requiem from the early one to serve in ceremony to the later one to be performed. There even appeared Requiems that had totally different meanings from the musical pieces designed to be performed in a ceremony at a Catholic church. Though there are many composers who have written Requiems, Josep Gabriel Rheinberger is unfamiliar to us. As he was a German composer in post romantic period, he was organist, conductor and professor at the Royal School of Music in Munich and succeeded franz Wullner as Royal Kapellmeister. Though his works included operas, dramatic music, sacred music, orchestral music, choral music, chamber music, piano works and organ works, out of these many ones organ works dominated and specially he concentrated on writing oratorio. In 1864 he became director of the Oratorio Society, in 1865 he wrote his first large-scale sacred composition, the Requiem in B flat minor(op.60) for solo voices, choir and orchestra. This setting of the Mass for the dead is regarded as the “most significant work of his first creative period,” and as marking the beginning of his “real church music”; this composition therefore represents an important landmark in Rheinberger's creative career. First of all, this paper investigated Rheinberger's career, works and musical characteristic of post romantic period which has provided help to understand his idea of music, techniques of composition. Analyzing this Requiem, we can understand Rheinberger's unique composition techniques, use of harmony and musical method of progress, thus providing understanding his works and intend to reaffirm his post as a unique Requiem composer.

R. 슈트라우스 《첼로소나타 F장조》(Op. 6) 분석 연구 : 1악장 분석을 중심으로

권다히 성신여자대학교 일반대학원 2021 국내석사

본 논문은 1883년에 창작된 R. 슈트라우스(Richard Strauss, 1864-1949)의《첼로소나타》(F장조, Op. 6) 1악장에 대해 분석 연구하였다. 독일 후기낭만주의를 대표하는 작곡가인 슈트라우스는 오페라와 교향시 그리고 가곡에 큰 업적을 남겼을 뿐 아니라, 지휘자로서도 당시 활발한 활동을 했다. 작품 분석에 앞서 본 논문에서 다룬 슈트라우스의 생애와 창작 경향 그리고 실내악 창작을 살펴본 결과는 그를 대변하는 후기낭만주의적 면모 확인이 어렵다는 것이었다. 슈트라우스는 다른 장르에 비해 소수의 실내악 작품을 남겼고 대부분 아버지의 영향을 받았던 초기에 작곡했다. 그러므로 그의 실내악 특히 본 논문의 분석 대상곡인 《첼로소나타》는 후기낭만주의적 음악 어법보다는 고전적 낭만적 음악 어법에 기초했음을 확인시켜 준다. 이러한 내용은 주변 환경과 사람들의 영향이 작곡가의 음악관에 밀접한 관계가 있다는 사실 또한 확인시켜 준다. 아버지의 영향이 있었던 초기 작품인《첼로소나타》 1악장 분석에 앞서 2악장과 3악장의 개괄을 통해 두 악장에서 나타나는 모방 기법을 통하여 ‘고전성’을 확인하였다. 이후 1악장을 집중적으로 분석한 결과 제시부에서 제시된 두 주제가 5도권의 조성적 대조를 보이는 것을 확인하였다. 그다음 발전부에서 새로운 주제 없이 두 주제를 발전시켰고 제1주제의 중심 음형인 부점 리듬을 여러 형태로 발전시키는 구성도 확인하였다. 발전부에 사용된 푸가에서 특징적으로 나타나는 주제는 제시부의 제1주제에서 나온 음형을 결합하여 형성시켰고, 5도관계의 응답구조를 갖고 있다는 점도 확인하였다. 이후 재현부에서는 제시부의 두 주제가 제1주제는 원조로 재현이 되지만 제2주제는 3도권 이동으로 재현되는 조성관계에서 낭만시대의 특징 또한 확인할 수 있다. 그러나 코다에서 재현되는 제2주제의 내용을 원조로 해결하는 모습을 확인하여 베토벤과의 연결도 가능하게 하였다. 이와 같은 내용으로 이 작품의 1악장에서 나타나는 ‘고전성’을 확인하였다. 본 연구자는 이 작품의 분석을 통하여 슈트라우스에 대한 음악사적 내용을 바탕에 둔 작품 해석에 앞서 초기 작품에 대한 고전적인 요소들을 파악하고 연주해석에 도움이 되기를 기대하는 바이다. This thesis analyzed and studied the first movement of Cello Sonata (in F major, Op. 6) written by R. Strauss (1864-1949) in 1883. Strauss, the leading composer of late German Romanticism, worked as a conductor with great achievements in opera, symphonic poems, and also as a lieder. Prior to the analysis of his work, this study has examined his life, composing style, and the creation of chamber music; it was revealed that there were significantly limited representations of the typical characteristics of late German Romanticism which he actually is the symbol of. It demonstrated that Strauss left fewer chamber music pieces than other genres, most of which were composed in the early days, influenced by his father. Therefore, this paper which aims at analyzing Cello Sonata, including his chamber musics composed, confirms that it was based on classical romantic music rather than late romantic music. This showed that the surrounding environment and people are closely related to the composer's view of music. Prior to the analysis of the 1st movement in the early work, Cello Sonata, which was influenced by his father, the ‘classicity’ was confirmed through the imitation method that appears through in the 2nd movement and the 3rd movement through an overview. After that, as a result of intensive analysis of the first movement, it was confirmed that the two subjects in the exposition showed the tonal contrast of the circle of fifth. Then, the two subjects were developed without creating a new subject in the development, and it was confirmed the composition of developing the dotted rhythm, which is the central sound form of the first subject, into various forms. It was also confirmed that the characteristic theme of fugue used in the development was formed by combining the sound patterns from the first subject of the exposition, and it had a response structure of the fifth relationship. Afterwards, the two themes of the exposition are reproduced as orignal key in the first subject in the recapitulation, but the second subject is reproduced through the movement of the third which reveals typical characteristics of the Romanticism. However, it was also possible to connect with Beethoven by confirming that the content of the second topic reproduced in Coda was resolved with the aid. With such content, the 'classicity' that appears in the first movement of this work was thoroughly verified. It is expected that the analysis of this work will help the readers grasp the classical elements of Strauss' early works and help them with research analysis.

Richard Strauss의 가곡 비교 분석 연구 : 시기별 변화에 따른 가곡의 비교 및 분석 연구

이소연 성신여자대학교 대학원 2004 국내석사

본 논문은 리하르트 슈트라우스(Richard Strauss : 1864~1949)의 예술가곡에 관하여 음악적 시기의 특징과 변화, 발전된 그의 가곡 스타일을 4기로 분류하고 각 시기별로 대표되는 곡을 발췌하여 비교 연구하였다. 슈트라우스는 19세기 후반, 20세기 초에 활동한 후기 낭만주의의 가장 대표적인 작곡가이다. 그의 주요한 작곡 분야 중 하나는 가곡으로, 200여 곡에 달하는 그의 가곡들은 독일 예술가곡의 경향과 시대적 특징을 고찰하는데 중요한 음악사적 중요성을 지닌다. 그의 초기 가곡들은 슈만(Robert Schumann : 1810~1856)과 브람스(Johannes Brahms : 1833~1897)의 영향을 받아 서정적인 분위기의 악상을 띄며, 간결한 형식을 기초로 하여 균형감과 서정성이 유지된 선율적 특징을 지닌다. 그러나 후기의 가곡들은 바그너(Wilheim Richard Wagner : 1813~1883)의 영향으로 반음계적선율이 성악선율에 도입되어 화성과 음역의 폭이 넓어졌고, 감정표현도 더욱 깊어져 있음을 볼 수 있다. 또한 전통적 형식인 노래와 피아노 반주의 독일 가곡을 관현악 반주로 작곡하여 더욱 풍부하고 표현적인 리트를 창조해내었다. 독일 예술가곡에 큰 공적을 남긴 그의 음악적 영향력을 생각해 볼 때, 그의 가곡을 연구한다는 것은 보다 나은 연주를 위하여 충분한 의의와 가치가 있다고 본다. 본 논문을 네 부분으로 나누어, 첫 번째 부분에서는 후기 낭만 예술가곡의 시대적인 배경과 그 특징에 대하여 서술하였고, 두 번째 부분에서는 슈트라우스의 생애를 간략하게 다루었으며, 세 번째 부분에서는 그의 가곡의 일반적인 특징과 작품경향, 또한 시기적 분류를 통하여 나타나는 작곡 스타일의 변화를 연구함으로 그의 가곡 세계를 고찰하였고, 네 번째 부분에서는 그 시기에 따른 대표적인 작품 <Allerseelen>, <Cacilie>, <Kling!>, <Beim Schlafengehen>을 선정하여, 각 시기별 음악적 흐름에 따른 가곡의 변화에 대하여 비교 분석하였다. This thesis is a study of Art Songs(Lied) by Richard Strauss who was born in 1864 and died in 1949. In this thesis, the comparison & analysis of his song style and type in accordance with historical trend and change was dealt with. The understanding of his song style or type has been variable to the posterior musicians through centuries. Richard Strauss is the most representative German composer who had worked from late in 19th century all through 20th century. From the early time of classic & romantic age through the late in that age when the great shift or change had taken place, he had established the foundation of radical romantic tradition. He began his life as composer with particularly, song among a variety of compositions and had showed great enthusiasm & passion to German Art Song by composing song until he breathed his last breath. Richard Strauss' songs can be said the vessels cherishing his life confession. From such a view, each one of them can be estimated containing the significant and important meaning to show periodical change all through one age of time. His early songs have, influenced from Robert Schumann(1810-1856) & Johannes Brahms(1833-1897), a variety of melodious features with the stable & lyric which are based upon simple musical formality. However, later, influenced by Wilheim Richard Wagner (1813-1883), his songs became deeper with the width of emotional expression and wider with the width of harmony & musical range. Besides, he had overcome plentiful & ordinary musical formality with the shift from early romantic small sized piano accompaniment through orchestra accompaniment and created a variety of musics freely. About 200 songs of his have significance & meaningful position in the study & investigation of periodical features & tendency of German Art Song which express late musical romanticism. Considering his influence to leave great achievement in the history of German Art Song all through the history of vocal music, the study of his song is of great importance and significance and worthy of deep study & research. This thesis is composed of 4 parts as followings; First of all, in the first part, the periodical background & its features of late romantic Art Song were studied. Secondly, the second part is engaged in the Life of Richard Strauss. Thirdly, general features & tendency of Richard Strauss' song and the change of composition style classified by each period were investigated in the third part. Lastly, it was in the fourth part that comparison & analysis of change of song according to periodical musical trend in reference of <Allerseelen>, <Cacilie>, <Kling!>, <Beim Schlafengehen> were done.

중국 항전기 낭만주의 문학 경향 연구

강에스더 高麗大學校 2017 국내박사

<中文摘要> 在理解中國浪漫主義的時候, 最基本的前提就是要理解浪漫主義文學的特點並不是單一的. 事實上, 因爲浪漫主義本身就是以對理想不斷的憧憬爲基礎的, 所以在近代西方浪漫主義中也存在相同的問題. 此外, 西方的浪漫主義運動結束以後, 許多國家與民族均接納了浪漫主義文學思潮, 並基於各自的社會文化需求進行重組, 因此浪漫主義變得更爲複雜. 所以中國的浪漫主義也絕不是一個確定性的概念, 而是存在幾種具體的形態. 最重要的是, 擺脫傳統社會迎接近代史的五四時期知識分子的啟蒙主義態度對於浪漫主義的轉型與分化起到了非常直接的影響. 五四時期知識分子以追求西方近代性的立場爲基礎, 顯示出強調個人主觀感情與人文理想的浪漫主義傾向. 雖然, 這種傾向隨著19世紀30年代提出的社會理想的蘇聯式革命理論而顯得有所退步, 不過在作家的意識中, 浪漫主義傾向仍然以個人與集團的融合爲前提持續著. 此外, 19世紀30年代開始出現了美學浪漫主義, 這種浪漫主義不受蘇聯的影響, 同時獨立於以前的五四啟蒙主義、反駁近代性, 集中於中國本土性. 在城市化已有所發展的上海等地, 還發現了蘊含現代主義的浪漫主義潮流. 基於浪漫主義傾向以多種形態登場, 本論文認爲, 爲說明抗戰期間浪漫主義分化的情況, 應該持有開放型浪漫主義視角. 即, 需要記住, 中國的浪漫主義作爲反映西方歷史性的文學思潮, 雖然以西方浪漫主義概念爲基礎, 但同時作爲反映蘇聯政治意圖的創作方法, 也混入蘇聯式的浪漫主義概念. 不僅如此, 開放型浪漫主義還包含貫通文學歷史的人類創作精神的浪漫精神概念. 這不僅可以視爲開放型浪漫主義具備反映中國本土性的可能性, 而且還可以視其爲中國浪漫主義轉型的轉折點. 以上述背景爲基礎, 抗戰時期的浪漫主義在分散與非主流的位置上, 以分散的形態發展. 在中國現代文學史中, 現實主義始終占據主流, 隨著抗戰時期民族危機意識被喚起, 被認爲最能爲戰爭現實做貢獻的現實主義更加全面地顯露了出來. 在這種情況下, 抗戰時期的浪漫主義或者在現實主義內部以轉型的形態持續, 或與民族主義情緒緊密結合並發展, 或在意識到巨變的文化與經濟局勢的情況下尋求發展. 具體來看, 抗戰時期浪漫主義大體可以分爲三大發展趨勢. 首先是在抗戰現實主義作家的創作意識中, 出現了以辯證法方式接受的浪漫主義傾向. 五四啟蒙運動開展不久, 就接納了強調革命理想的蘇聯文藝理論, 在唯物辯證創作方法中, 浪漫主義被認爲是與個人主義和觀念論相同的概念而被排斥. 但後來, 在社會主義現實主義中, 爲填補經濟學上的主觀主義的理想與現實的差距, 提倡革命的浪漫主義作爲美學對應物. 對此, 中國對於在社會主義現實主義中提倡的浪漫主義, 單純地認爲是強調理念性與理想性的左翼文壇的專屬. 在這種情況下, 已經在五四時期奠定了自己創作觀念與方法的知識分子, 顯示出在抗戰現實主義的框架下混淆了革命的浪漫主義與以前的浪漫主義的一面, 或者通過對革命的浪漫主義理念性的反駁, 顯示有意接近五四啟蒙主義浪漫性的傾向. 其結果是, 抗戰時期文壇顯示了五四啟蒙主義式浪漫主義的特點複蘇的現象, 尤其是重申了關於個人主體性的問題. 這種浪漫主義傾向, 在抗戰時期文壇掀起了主觀爭論等論戰, 其結果是偏重於理念性的抗戰現實主義作家的意識在審美方面得到了完善並進一步深化. 抗戰時期浪漫主義的第二個發展趨勢是在抗戰時期右翼文藝界戰國策派知識分子提出的民族文學論中發現的浪漫主義傾向. 戰國策派主張的文化形態史觀是反對因歷史理性主義而導致人類文化被判斷爲一元化價値的現象, 認可文化的多樣性, 旨在高度評價民族文化, 最終反映出希望中國民族從帝國主義侵略中解放, 走向理想世界的願望. 這符合始終反對推進近代性的理性主義, 堅持要回歸到理想世界的19世紀30年代美學浪漫主義的特點. 此外, 戰國策派爲克服抗戰的不安感, 提出了民族理想, 采用了浪漫反諷的觀點, 接納了尼采的自由意志論與英雄崇拜思想, 提出了強調五四啟蒙主義式浪漫主義中所持有的個人主體性的思想. 此外, 將這種個人概念與民族主義和集團主義相結合, 將浪漫主義自我意識無限擴張. 這種戰國策派的浪漫主義傾向於具備對帝國主義侵略的抵抗性含義. 同時, 從構建近現代東亞秩序提供新的視角方面來看意義重大. 此外, 戰國策派的浪漫主義傾向在抗戰這一框架下, 在以現實主義爲中心展開的抗戰時期的文壇, 提出以浪漫主義爲代表的多種文學傾向的可能性. 最後, 抗戰時期浪漫主義的第三個發展趨勢是 : 在繼承美學浪漫主義及城市現代主義新浪漫主義趨勢的自由主義立場上體現的浪漫主義趨勢. 徐訏和無名氏以浪漫主義的憧憬的基調爲基礎, 探索自然的人性, 在具備回歸自然的傾向同時, 蘊含著哲理性與幻想性, 兼備符合浪漫主義回歸中世紀傾向的特點. 他們即接受了現實主義與現代主義等多種文學思潮的影響, 在中國浪漫主義發展過程中, 其作品仍然具備最接近西方浪漫主義的典型性. 他們雖然具有商業主義或自由主義傾向, 不可否認作品逃避現實的一面, 但他們的作品主要是對因戰爭武器的發達而導致的機械文明與戰爭賦予合理性的理性主義的反駁, 體現了浪漫主義的特點, 所以可以說在抗戰時期的文壇中具有一定的意義. 綜上所述, 在開放型浪漫主義的前提下, 抗戰時期浪漫主義在分割的文化區與話語空間中, 與多種文學傾向相結合, 比任何時期的內容都要豐富. 不過, 再次要重新考慮的一個問題就是中國浪漫主義總體性的問題. 其間, 對中國浪漫主義的研究主要停留於根據文化思想、文學流派、文學運動、創作精神、創作方法等概念分類浪漫主義文學現象等方面, 幾乎沒有討論有關浪漫主義的整體傾向. 但是, 文學思潮與只說明相關現象相比, 應該從根本上考慮作家與創作活動. 即, 應該考慮作家所屬的社會文化與美學觀點以及對讀者造成的影響, 才能確保其具有的整體性的觀點. 基於上述觀點, 中國浪漫主義終究是以中國傳統的浪漫精神爲基礎, 形成的一種外向型憧憬基調, 從始終沒有擺脫中國民族與現實這一框架的觀點上看, 可以確認其總體特點. 處於分散狀態的抗戰時期浪漫主義也以現實的關注爲中心, 從這一點上來看, 可以說是適用了較爲一貫的標准. 抗戰時期的現實在中日戰爭爆發以後急劇展開. 戰爭初起, 民族主義意識被鼓舞到最高潮, 以此爲基礎, 1938年3月27日, 中華全國文藝界抗敵協會在武漢成立, 它涵納了包括無產階級文藝運動、國民黨民主主義文藝運動、自由主義文藝運動的各個層面的作家, 建立了文學“抗日統一戰線”, 文壇整體上表現出樂觀及激昂的情緒. 但是, 1938年10月武漢陷落以後, 隨著首都遷至重慶, 抗日戰爭進入對峙階段, 1941年皖南事件爆發, 文學的統一運動遭遇瓶頸. 於是, 抗戰時期文學在國統區、共統區、淪陷區等不同的社會制度與政治背景下, 受到越來越強烈的制裁. 因此, 抗戰時期文壇脫離了戰爭初期樂觀與激昂的文學傾向, 開始面對現實, 陷入了整體停滯的狀態. 此外, 開始擺脫單純的抗戰意識, 對民族歷史與未來進行多方面多角度進行思考. 抗戰時期浪漫主義的多種傾向共同反映了抗戰時期文壇的需要而登場. 在抗戰現實主義論中辯證應用的浪漫主義傾向, 針對抗戰初期的理想, 偏重於單純樂觀情緒的左翼現實主義作家意識提出了更深層及平衡的視角, 出現了符合長期戰爭現實要求的層面. 在國統區右翼文藝界戰國策派的民族文學論中應用的浪漫主義傾向最終也強調了民族的力量, 蘊含希望擺脫被侵略民族現實的意圖. 此外, 被歸爲後期浪漫派的徐訏和無名氏的自由主義式浪漫主義傾向, 以在戰爭環境中, 以大衆性的男女之間愛情故事描寫了出來, 確實給人逃避現實的印象. 但如果把中日戰爭放入第二次世界大戰這一全世界範圍內的戰爭背景下, 以全人類的視角來觀察的話, 他們的作品提供了對永恒與最本質的人性與愛情的考察機會, 爲那些因爲戰爭而受到傷害的人提供了新的希望. 此外, 提供了對理想的現實世界本質進行深思熟慮的機會, 對於民族與人類的未來表現出深層的關切. 因此, 他們也仍然是在對現實的關心之上, 體現出浪漫主義的特點. 如果說現實主義的基本精神是克服現實的矛盾, 在現實中創造新的世界, 那麼中國的抗戰時期浪漫主義則與之相反, 是根據直觀, 將被規定爲絕對價値的理想世界與現實世界結合起來, 反映要克服現實矛盾的渴望. 從現實的所有束縛中完全解放出來, 享受真正的自由與和平, 這種對理想化世界的渴望, 通過抗戰時期浪漫主義傾向被表現出來. 不可否認的是浪漫主義憧憬的基調在中國的抗戰時期現實中, 被應用於民族解放和建立近代國民國家體制的世俗渴望之中. 但這只是限定於抗戰時期這一特定時期體現的浪漫主義, 在以後中國文學史上浪漫憧憬的對象具有不確定性. 目前, 在中國文壇上, 有關浪漫主義的新理論呈現多元化地發展, 相關研究的空間是很廣泛的. 從這個角度來看, 抗戰時期浪漫主義研究不只是停留於對過去文學史的回顧、整理與反省中, 它的文學史意義可以視爲推動包括現在在內, 未來中國浪漫主義文學發展方向的奠基石. 更進一步, 即使在危機的現實中也不會被時代氛圍所吞沒, 而是面向更爲美好的世界這一真誠態度的層面來看, 超越國家與民族, 對於生活在今天的我們來說, 也是有意義的.

요셉 막스의 ≪성악, 피아노, 악기를 위한 네 개의 가곡≫ 분석연구 : 화성 어법을 중심으로

이희경 한세대학교 일반대학원 2021 국내박사

본 논문의 목적은 요셉 막스(Joseph Marx, 1884-1964)의 독창적인 화성어법을 연구 분석하여 그의 작품을 통해서 화성의 본질을 찾고 연주자가 곡을 해석함에 있어 정확한 이해와 다양한 표현을 할 수 있도록 하는 데에 있다. 요셉 막스는 새로운 음악으로의 빠른 기류 속에서 전통적인 음악 양식과 현대적인 특징들을 잘 융합하여 자신 만의 어법으로 가곡을 작곡하였다. 본문에서 다루는 ≪성악, 피아노, 악기를 위한 네 개의 가곡≫(Vier Lieder für Gesang, Klavier und Instrumente)은 요셉 막스가 1916년에 작곡한 작품으로 성악 선율과 피아노 반주부, 그리고 곡마다 각기 다른 악기들로 구성되어 있다. 필자는 효과적인 가곡의 연구를 위해 안드레아스 리스(Andreas Liess, 1903-1988)에 의해 출판된『요셉 막스의 삶과 작품』(Joseph Marx Leben und Werk)과 에릭 베르바(Eric Werba, 1918-1992)에 의해 출판된『요셉 막스 연구』(Joseph Marx: eine Studie)를 참고하였다. 그리고 이를 토대로 그의 삶과 전반적인 음악적 스타일 및 특징을 조사 분석하였고, 후기 낭만 화성과 인상주의 화성어법의 이론을 바탕으로 작품 분석을 하였다. 이를 통해 가사의 내용과 결부시킬 수 있는 음악적 특징들을 발견하려고 하였으며 특히 이 곡에서 나타난 화성어법이 작품에서 가사, 선율, 반주형 등과 맺고 있는 관계를 중심으로 연구하였다. 연구한 결과 네 개의 가곡에서는 공통적으로 후기 낭만주의 화성어법과 인상주의 화성어법이 결합되어 나타났다. 이들 가곡에서는 많은 수식적 화음, 잦은 전조, 비기능적인 진행, 이명동음에 의한 위장기법, 선법 등과 같은 색채감이 풍부한 화성들이 많이 나타났으며 이러한 특징들은 전통화성에서는 볼 수 없었던 진보적이고 발전된 방식에 기인한 것이다. 요셉 막스는 전통적인 형식 안에서 이 두 개의 화성어법을 적절하게 결합하였다. 이를 바탕으로 막스는 자신만의 독자적인 화성어법을 발전시켰고 화음의 진행과 화음의 사용법에 있어서 무한한 확장가능성을 보여주었다. 이 화성어법은 가사와도 밀접한 관련이 있었다. 가사의 내용은 곡의 형식을 결정하였고, 가사의 내용에 따라 반주형태, 텍스처, 그리고 화성어법도 동시에 변화되면서 이들은 서로 밀접한 관계를 맺으며 다채롭고 풍성한 음색을 만들어냈다. 이를 통해 화성어법은 작품에서 가사, 반주형태 등과 함께 서로 유기적인 관계를 맺고 있음을 확인할 수 있었다. 끝으로 국내에서 연구되지 않은 이 네 개의 가곡에 대한 심층 연구는 현재 요셉 막스의 가곡에 대한 국내의 연구가 부족한 상황에서 이에 대한 선구적 연구로서의 가치를 지니고 있다고 생각한다. The purpose of this of dissertation is to study and analyze the unique harmonic language of Joseph Marx, 1884-1964), who had composed songs in his own language by incorporating traditional musical styles and modern features well in the current of the times rapidly changing into new music, and is to find the essence of harmonies and enable the performers to accurately understand and perform various expressions in interpreting the song. As seen in the text, Four Songs for Vocal music, Piano and Instruments which were composed by Joseph Marx in 1916, consist of vocal melodies, piano accompaniment, and different instruments for each song. For an effective study of the song, I studied “The Life and Works of Joseph Marx” published by Andreas Liess (1903–1988), and “The Study of Joseph” published by Eric Werva (1918-1992). Based on these, I researched his life and the overall musical style and characteristics of him, and analyzed his works on the theory of Late Romantic harmony and Impressionistic harmony. Through this, I tried to discover the musical characteristics that are linked to the contents of the lyrics, and in particular focusing on how the harmonic language seen in this song is organized and related to the lyrics, melody, and accompaniment patterns in the work. The study found that the four songs were a combination of late Romantic and Impressionistic harmonies. There were many colorful chords in these songs, such as many modifying chords, frequent transpositions, non-functional chords progression, hidden techniques by enharmony, modes, etc., which were attributed to the progressive and developed methods not seen in traditional harmonies. Joseph Marx properly combined and developed these two harmonies within the traditional format resulting in perfect harmony between music and lyrics, and presented infinite possibilities for progression of chords and the use of harmony. It is found that the harmony consisting of these characteristics was unique to Joseph Marx. This harmonic language was also closely related to lyrics. The contents of the lyrics decided the format of the song, and according to the contents of the lyrics, the accompaniment types, the textures, and the harmonious language changed at the same time, creating various and rich tones in close relationship with each other. Through this, it was confirmed that the harmonic language has an organic relationship with lyrics and accompaniment forms in the song. Finally, I think that the in-depth study of these four songs, which have not been studied so far in Korea, has value as a pioneering study on Joseph Marx’s songs in a situation where domestic studies are insufficient.