설치미술을 활용한 중등 미술 감상교육 방안 : 현대미술 이해를 중심으로

이상랑 동국대학교 2021 국내석사

현대미술은 우리의 삶과 공간에 밀접해 있으나 점차 다원화되는 사회 변화에 따라 복잡하고 다양한 양상으로 전개되었고 미적 가치의 변화는 미술에 대한 대중들의 이해를 어렵게 만든다. 현시대의 변화를 나타내는 예술과 문화의 폭넓은 이해는 우리의 인식을 새롭게 하여 과거의 관념과 틀에서 벗어나 새로운 창조의 원동력이 되는 중요한 역할을 하지만 현대미술에 대한 이해의 부족은 때론 대중들에게 난해하다는 오해와 부정적인 편견을 갖게 하였고 이는 무관심으로도 이어지고 있다. 현대미술의 이해에 대한 교육적 가치를 반영하여 학교 미술교육 과정에서 현대미술을 다루고 있으나 그 중요도에 비해 비중이나 깊이가 아직은 부족한 것이 현실이다. 현대미술의 가장 주목받는 분야 중 하나인 설치미술은 기존 미술에 비해 주제, 형식, 매체가 자유롭고 관람자의 참여 등의 확장을 통해 열린 미술로의 전환을 가져왔다. 또한 다른 분야와의 융합을 통해 새로운 미학적 가능성을 보여주는 설치미술은 동시대 사회 문화적 가치관의 변화를 반영하는 대표적인 미술 양식이다. 본 연구는 설치미술을 주제로 현대미술을 이해하고 감상과 비평 활동을 통해 학생 스스로의 탐구, 미적 안목과 비평적 사고 능력을 키워주는 감상 수업 지도안을 제시하는 데 그 목적이 있다. 구체적인 방안으로 학생에게 현대미술의 체험 기회를 제공하고 교사가 설치미술 감상 수업을 보다 효과적으로 지도할 수 있도록 설치미술 감상프로그램을 개발하였다. 첫째, 이론적 배경으로는 현대미술과 설치미술의 개념 및 전개 양상, 그 특성을 고찰하였으며 감상 교육을 위한 방안을 도출하기 위해 미술 감상과 비평에 관한 다양한 교육 방법을 탐색하였다. 둘째, 2015 개정 교육과정의 중등 미술 교과서의 감상 교육 영역에서 다뤄지는 현대미술 작품의 비율 및 현황을 분석하여 현대미술 감상 교육의 필요성에 대한 근거를 마련하였다. 셋째, 이를 토대로 설치미술 작품을 활용한 총 4차시로 구성된 감상 수업 교수·학습 지도안과 감상 활동지를 설계 및 제시하였다. 그 구체적인 구성안으로 예시 작품을 통해 현대미술의 개념과 특성을 이해하고 사회·문화적 기능을 학습한다. 감상과 비평 활동을 통해 현대미술의 다양한 의미를 해석하고 학생 스스로 새로운 설치미술 작품을 기획하는 창작 활동으로 연계하여 창조적인 사고력을 키워줄 수 있는 수업 지도안이 되도록 구성하였다. 본 연구는 학생들에게 학교 미술 수업을 통해 일상에서 마주치는 현대미술에 대해 흥미와 친숙함을 느낄 수 있도록 다양한 현대미술 작품을 접하는 기회를 제공하여 폭넓은 미술 문화의 향유자로서의 풍성한 삶을 영위할 수 있는 미술 교육 방안을 제시하고자 하였다. 설치미술의 특성상 사진, 동영상 등의 시청각 자료를 통한 감상 교육은 한계가 있음으로 보다 큰 교육 효과를 얻기 위해 현장학습과 연계하여 설치미술을 직접 체험하는 시간을 갖기를 바란다.

現代美術을 통한 不安心理表現의 造形性 硏究 : 表現主義 繪畵 中心으로

문미원 大邱大學校 2007 국내박사

Our lives have become physically abundant due to major advancement in the field of science technology. However, great development as such has lead to psychological problems such as loss of humanity, generation of anxiety and sense of solitude. This research aims to analyze the formativeness of the expression of anxiety by studying the work of arts produced by artists who have received significant influence from the origin of psychological anxiety by focusing on such 'anxiety' that originated from our real world. First of all, this paper attempts to interpret the meaning of expression through textual excerpts in chapter 2. Furthermore, we will attempt to deduce the fact that artistic expression is the artist's way of realizing one's emotions and ultimately, an effective way to express the existence of one's ego. In chapter 3, formulation of anxiety and creation of art, we will examine the processes in which the sense of anxiety builds up due to the loss of a sense of values and social alienation. Chapter 3 will also attempt to interpret the sense of anxiety from three different aspects; existentialistic anxiety, Freud's theory of anxiety, and modern society. In addition, we will focus anxiety as the powerful motive behind the creation of art and attempt to find a link between the sense of anxiety and the creation of art. Chapter 4 analyzes the unique method of formativeness and the contents of artistic works of expressionism artists, who have sublimed their anxiety that have been generated from confrontation and conflict with the society in their lives. Chapter 5 will examine the similarity in the formativeness between 4 chosen works of arts by spontaneity, coincidence, intuition, repetition, reiteration, and transformation, which expresses the instable human anxieties such as uneasiness and pain. In addition, we will determine if the formative characteristics in the expression of human anxiety as such indeed serve as effective way to create work of arts and at the same time, nullify the sense of one's anxiety. Finally, we will examine the positive meanings of self-awareness that occurs as the artist realizes his or her will to express him or herself. The above research subjects can be summarized as follows. The term 'expression' in the world of art refers to the artist's action to express him or herself, which is self expression. As a result, artists share close ties with their reality and express themselves through painting as they grow their artistic motives. Modern society, the basis of our society has generated problems involving the loss of humanity, inactive life, emptiness, weariness, and the sense of anxiety. Alienation is yet another problem among modern people that give rise to the loss of self awareness, which generates anxiety. Especially Kierkegaard, a famous philosopher who has accurately discerned the anxiety among modern day people, has stated that anxiety coexists with every human being that has probability in every moment of their lives. Freud has analyzed such anxiety in terms of the human personality structure. He stated that conflicts arise when unconscious human desires are overly suppressed, which eventually becomes the cause of anxiety. As much as the anxiety plays major influence over the human behavior, it also provides powerful creative energy to the artists and allows them to bring out their causes of anxiety to their world of consciousness, thereby putting them in mentally freer situation. Thus, artists whose anxiety have played major role in their creation of art such as Gogh, Munch, Kirchner, and Nolde as well as artists such as Baselitz and Lperts who have expressed the sense of alienation and mental emptiness in the intersection of concrete and abstract concepts have successfully expressed their psychological reality through creative images. One can realize that anxiety is generated from the conflict that originates from one's unconscious desires. As such, unconsciousness has significant ties with the source of creation or spontaneity. Therefore, the symbolic values from deep down in one's unconscious world leads the artist to express him or herself spontaneously through painting. The reason as to why artists rely on the law of spontaneity when expressing their deep anxiety is because it allows them to portray their desires more freely in unconscious state. Creation of images such as spontaneity, coincidence, intuition, repetition, reiteration, and transformation occurs naturally when the artists attempt to shape their spontaneous anxiety. As such, anxiety is naturally relieved as the artists attempt to portray their desires freely in connection with spontaneity through their work of arts. During this process, the canvas acts as the psychological world for the artists to project their ego while the brush lines act as the artists' means to record their creative expressions. Paintings with strong-color finishes raise the importance of expressionism as they deliver the artists' emotions through colors. As such, the psychology behind anxiety drives artists to portray their mental image, which serves as the medium for the artists and the audiences to communicate. Anxiety that occur in the modern world analyzed in the current paper may lead to the loss of self-awareness, but self-awareness that occur from anxiety on the other hand may make our lives more manageable as a true subject of our lives. In addition, anxiety is not something that we should avoid; it is something that we should confront boldly and derive appropriate solutions to treat it as an opportunity for future accomplishment and creation.

잡지의 구독가치와 구성요소연구 : 현대미술잡지를 중심으로

백동민 고려대학교 언론대학원 2010 국내석사

As a print media, magazine provides a lot of information throughly, explains social issues based on the social and cultural context, and informs social change and trend. However, there has been very little research about the magazine, especially no empirical research has been done about modern art magazine. Most of the studies about magazine focused on the historical aspect of the magazine, and contents analysis about the value and female images reflected on the magazine advertisement. The study of the magazine user, more specifically the user of specialized magazine has been neglected by the scholars, considering the increasing demand of it. Therefore, the main purpose of the present study was to investigate the use and the evaluation of the modern art magazine, what constitutes the value of it, and gratification of using it, by using the survey. The main results are as following. First, it seems that the participant think the modern art magazine is necessary for our society and can contribute to the development of culture. Second, among the value constituent of the modern art magazine, the essences of the art magazine, such as main picture image, magazine design, content of the article, and editing were evaluated more important than others. As a result of the factor analysis, the value constituent of the modern art magazine can be divided two factors, 'basic element'(picture image, brand image and the content of the article) and 'secondary element'(history, tradition, advertising, and edition). Third, acquisition of knowledge, information of exhibition, trend, refinement, a sense of discrimination, and art gallery information were the main purpose of subscription of the modern art magazine. It seems that the reason of the modern art magazine subscription was composed of three factors, information seeking(acquisition of knowledge, trend, and a sense of discrimination), entertaining seeking(pleasure and refinement), and education seeking(homework and art education). Forth, the participant were sanctified after the reading of the modern art magazine. In other words, there were gain gratification in terms of the acquisition of knowledge, information of exhibition, trend, refinement, a sense of discrimination, and art gallery information. These gratification were what the participant were seeking by using the modern art magazine. Indeed, there were two factors in the gratification of using the modern art magazine. One is 'information/entertainment satisfaction and the other is educational satisfaction. This study has signigicant meaning of attempting to research the user of the modern art magazine empirically. Indeed, the present study proved that the users of the modern art magazine may gain the gratification they were seeking, and the fact that the modern art magazine is crucial for our society. 잡지는 전통 인쇄매체로서 다양한 정보를 심층적으로 제시하고, 사회적인 이슈에 대해서도 사회적·문화적 맥락에서 해석해주기도 하는 등 사회의 변화와 흐름에 대해서 알게 해준다. 그렇지만, 잡지에 대한 연구, 특히 현대미술잡지에 관한 연구는 상당히 부족한 실정이다. 대부분의 잡지에 대한 연구는 역사적인 연구, 광고물에 나타난 우리 사회의 가치관, 여성상과 같이 주로 내용물에 위주였다. 잡지 이용자에 대한 연구는 찾아보기 힘들다. 특히, 전문잡지에 대한 수요가 지속적으로 증가하고 있지만, 전문잡지 수용자에 대한 연구는 부족한 실정이다. 이러한 상황에서 본 연구는 현대미술잡지의 이용실태를 파악하고, 현대 미술잡지의 가치와 구성요소에 대한 이용자의 평가, 현대미술잡지 구독자들의 이용 이유(동기)와 만족도에 대해서 살펴보았다. 특히 현대미술잡지 이용자들의 인구통계학적 특성(성별, 연령, 직업), 구독여부에 다른 차이를 살펴보았다. 이를 위해, 전문가와 비전문가를 대상으로 설문조사를 실시하였다. 주요 연구 결과는 첫째, 응답자들은 현대미술잡지의 필요성(88.3%)과 문화발전에 기여도(80.1%)에 긍정적이었다. 응답자들의 성별, 연령대에 따른 의견 차이는 없었다. 전문가가 일반인보다 문화발전 기여도를 더 긍정적으로 평가하였고, 구독자는 비구독자에 비해 필요성과 문화발전 기여 모두를 더 긍정적으로 평가하였다. 둘째, 현대미술잡지의 가치 구성요소 중에서는 ‘사진 이미지’, 잡지 디자인, 기사내용, 편집 등 잡지의 본질과 관련된 요인들이 중요하다고 평가되었다. 여성이 남성보다 사진 이미지, 잡지 디자인이 더 중요하다고 생각하였고, 20대와 30대 응답자가 각각 40대 응답자 보다 사진 이미지가 더 중요하다고 생각하였다. 응답자 직업의 전문성에 따른 의견 차이는 없었다. 구독자가 비구독자에 비해 사진 이미지, 기사내용, 잡지 디자인, 편집, 판형이 더 중요하다고 생각하였다. 현대미술잡지 가치 구성 요소는 사진이미지, 브랜드 이미지, 기사 내용 중심의 '기본 요소'와 역사와 전통, 광고, 편집, 판형 등 '부차적인 요소'로 구분할 수 있다. 셋째, 현대미술잡지의 구독 이유로는 ‘지식 습득’, 전시정보, 트렌드, 교양, 안목, 미술관 정보 등 잡지에서 무엇인가를 얻으려고 하는 이유가 중요하였다. 여성이 남성보다 지식습득과 트렌드에 더 동의하였고, 학생이 대부분인 20대가 다른 연령대보다 과제물 때문에 구독한다고 응답하였다. 또한 비전문가들이 전문가들에 비해 과제물과 창의적 사고를 위해 구독하였다. 구독자가 비구독자에 비해 즐거움, 지식습득, 전시정보, 트렌드, 미술관 정보, 창의적 사고에 더 동의한 반면, 비구독자가 구독자보다 과제물에 더 동의하였다. 현대미술잡지의 구독이유는 지식습득, 전시정보, 안목, 트렌드로 구성된 ‘정보추구’, 즐거움과 교양으로 구성된 ‘즐거움 추구’, 과제물과 미술교육 중심의 ‘학습추구’의 세 차원으로 구성되었다. 넷째, 현대미술잡지를 구독한 후에 ‘전시정보’, 지식습득, 교양, 트렌드, 미술관 정보, 안목과 같은 무엇인가를 얻으려고 하는 이유와 유사한 항목들에서 만족감을 얻고 있었다. 여성이 남성보다 교양, 트렌드 분야의 이용 만족도가 높았고, 20대 응답자가 30대 응답자에 비해 과제 만족도가 높았다. 또한 일반인이 전문가들에 비해 즐거움, 과제물, 창의적 사고 분야에서 더 만족하였다. 현재 현대미술잡지를 구독여부에 따른 이용 만족도의 차이는 없었다. 현대미술잡지 이용 후 만족도는 즐거움, 교양, 지식습득, 전시정보, 안목, 트렌드로 구성된 ‘정보/즐거움 만족’과 '과제물과 미술교육으로 구성된 ‘학습만족’의 두 가지 차원으로 구분할 수 있다. 본 연구는 현대미술잡지 이용과 관련된 연구가 부족한 상황에서 실증적으로 현대미술잡지에 대한 의식을 조사하였다는 점에서 가장 의의가 크며, 본 연구는 현대미술잡지가 구독자들이 얻고자 하는 만족도를 제공하고 있음을 입증하였으며, 이는 현대미술잡지가 구독자들에게 유용한 매체라는 사실을 뒷받침해준다.

현대 미술에 나타난 아프리카 원시미술 : 헨리 무어, 콘스탄틴 브랑쿠시, 파블로 피카소를 중심으로

박지영 韓南大學校 大學院 2006 국내석사

아프리카 원시 시대에 있어 미술은 창조적인 행위이자 유대 관계 성립을 위한 발판으로 종교 의식이나 주술과 밀접한 관계를 가지고 있다. 아프리카 원시 미술은 비사실적으로 사람들에게 강렬한 이미지를 심어 주고 자연물에 대한 순수함을 보여주며 그 시대를 반영하고 종교적인 목적을 가진 생활 수단의 하나였다. 주요 대상인 인간과 자연은 아프리카 인들에게 염원이자 상징 이였고 과장된 표현과 생략은 아프리카인들만의 표현 방식이었다. 아프리카 원시 미술이 가지는 생명력과 비 문명화된 본능적인 감각은 원초적인 기운을 느끼게 한다. 특히, 상징성과 추상성이 다양한 형태로 변화 되어 완성된 아프리카 원시 미술의 작품들은 현대 미술가들에게 주목을 끌기에 충분했다. 그러므로 아프리카 원시 미술의 작품은 현대 미술가들에게 영감을 주는 동시에 다양한 작품으로 변형되어 재탄생되었다. 원시 미술은 투시법이나 구도적인 부분을 염두 해 두고 표현 된 방식이 아니다. 단지 그들의 상상력을 완성하기 위해 형태를 생략하거나 왜곡하였다. 원시 미술의 극도로 단순화 되고 기하학적인 표현들은 현대 미술에서도 영향을 주어 현대 미술가들에게 그대로의 재현이 아닌 재해석이 되었다. 아프리카 인들에게 있어 예술적 행위는 믿음이나 기적을 바라는 상징 이였으며 그들에게 있어서는 예술이라는 것 보다 살아가기 위한 목적이나 하나의 활동적인 부분에 속했다. 아프리카 원시 미술의 형태가 단순, 생략, 왜곡 되어 변형화 된 것은 현대 미술가들에게 자극적인 소재가 되었고 아프리카 원시 미술과 20세기 현대 미술을 비교 해 볼 때 서로간의 개념과 표현 의도는 다르지만 작품이 가지는 형태적인 부분은 유사한 것을 알 수 있다. 이것은 아프리카 원시 미술이 가지는 이미지를 현대 미술이 모티브로 하여 새로운 창의로써 이어 나아갔기 때문에 가능한 것이다. 아프리카 원시 미술의 영향으로 20세기 현대 미술의 고정화된 표현력을 버리고 기하학적이고 모호한 형태로써 추상적이고 상징적인 표현 기법이 사용된 것을 볼 수 있다. 20세기 수많은 현대 미술가들에게 아프리카 원시 미술은 형태적인 면에서 중요한 역할을 부여하여 그들의 작품 다수를 외적인 부분을 수용하였고 20세기 현대 미술가들은 아프리카 원시 미술을 적극적으로 받아들이고 원시 사회를 동경을 하였고 그들의 순수한 세계를 표방 했다. 아프리카 원시 미술을 표방한 20세기 현대 미술은 자연적 형태로써 자연스러운 방식으로 다양한 기법과 재료를 통해 자유롭게 표출하였고 인간의 본질적인 부분을 잘 나타내었다. 20세기 현대 미술에 있어 예술은 현대 문명에 지친 그들은 전통적인 관념에 벗어나 아프리카 원사 미술은 순수함 속에 단순함, 그리고 표출되는 힘의 이미지는 새로운 조형성을 만들어 갈 수 있는 계기가 되었다. 특히, 20세기 현대 미술에서는 원시 미술에 나타난 순수하고 본질적인 것에 대해 관심을 가지고 그들이 추구하는 형태를 가지고 조형성으로 만들어 냈다. 자연과 인간을 소재로 하여 절대적인 힘을 표현한 원시 미술은 나아가 현대 미술가들에게 영감을 주어 새로운 이미지를 재창조 할 수 있는 계기가 되었으며 현대 미술 흐름에 중요한 역할을 했다. 고도화되고 문명화된 서구 현대 미술에서 원시 미술, 그 중에서 도 아프리카 원시 미술이 가지는 생명력과 신선한 미는 주목 받기에 충분했다.

현대 미술에 있어서 드로잉의 가치에 관한 연구 : 작품개념의 확장을 중심으로

안해숙 한국교원대학교 대학원 2007 국내석사

드로잉은 대상을 충실하게 관찰하여 그 특징을 표현하는 방법이면서 작가의 사고와 논리를 형상화해가는 가장 기초적인 작업이다. 또한 새로운 아이디어와 테크닉이 개발되고 새로운 재료와 방식이 개척되는 실험실이기도 하기 때문에 전체 작품의 완성도 보다는 영감이 떠오르는 최초의 순간의 느낌을 많이 반영한다. 아티스트의 사고와 테크닉의 예리한 정수가 반영되는 드로잉은 어떠한 시대적 배경과 맥락 속에서 그 위상과 개념을 발전시키고 있는 것일까? 본 논문에서는 드로잉의 개념변화에 그 당시의 시대적 상황이 반영되어 있다고 가정하고, 드로잉에 반영된 의미를 미술사적 이론과 연관시켜 논함으로써 드로잉의 현대적 가치를 연구하는데 의미를 두고자 한다. 따라서 1960년대부터 현재까지 유럽과 미국을 중심으로 등장하였던 현대미술의 다양한 경향에 ‘드로잉( Drawing)’의 요소를 수용하였다는 점에 그 의의가 있다. 또한 드로잉과 현대미술 속의 상호 침투 현상 및 드로잉과 그 사회와의 관련성까지 포괄하여 ‘작품영역 확장’의 측면을 밝혀보고자 한다. 동시에 그것이 작품들에 반영되는 방식을 파악하는데 중점을 둔다. 전통적으로 하나의 완성작을 위한 보조수단이었던 드로잉이 이제는 모든 장르를 넘나들며 작가의 내면세계를 가장 잘 나타내주는 독자적인 세계가 된 것이다. 또한 독립된 예술의 한 장르로 손색없이 인정받고 있다 본 연구에서는 현대드로잉에 나타나는 미술 영역확장의 특성을 열린 형태의 형식이나 방법, 새로운 형상과 표현을 통하여 고찰하여 보고자 한다. 현대 드로잉은 우선 형태적인 면에서 열린 개념의 다양한 효과를 위해 표면 작업을 한다. 즉 작품과 매체적 재료의 상호수용은 미술영역의 경계를 모호하게 만들고 있다. 특히 비물질적 요소를 활용한 드로잉 기법도 현대미술의 경계를 초월하여 미술영역의 확대를 가져 왔다. 한편 20세기 초 작가의 의도만으로도 예술 작품이 될 수 있다는 개념이 형성되면서 예술작품의 정립에 대한 개념이 변화 하였다. 드로잉은 이와 같은 변화의 조류 속에서 표현의 무한한 가능성을 인정받게 되었고 내용에서는 감정과 무의식의 자동기술적인 표현까지 포함하게 되었으며 제작 방법상 순간적이고 즉흥적인 표현이 보장받게 되었다. 현대미술이 다른 분야의 기법과 형식을 수용하는데 있어서도 드로잉의 위와 같은 특징들은 많은 영향을 미치고 있다. 현대미술을 이전의 미술과 구별하는 ‘개념’의 요소를 수용함으로써 드로잉은 새로운 형식을 갖게 된다. 또한 드로잉이 개념화, 신표현주의적 표현, 매체적 혼합의 활용을 적극적으로 이용함으로써 현대미술과 드로잉의 동질화를 이루고 있다고 본다. 본문에서는 드로잉의 발전 과정을 다음의 세 가지 방식으로 전개하고자 한다. 첫째, 과거의 드로잉 개념을 알아보고 현대에 새롭게 조명된 드로잉의 위치를 확인해 보며, 둘째, 완성도 높은 회화나 조각 작품에 비해 드로잉은 작가의 살아있는 감정을 여과 없이 드러나는 순간적이고 즉흥적인 표현의 과정 그 자체를 의미함을 알고 드로잉 작품이 타 영역의 형식이나 방법 등을 수용하여 미술의 영역을 넓혀가는 현상을 구체적으로 탐구해 본다. 셋째, 미완성적인 드로잉의 과정에 관람자가 시각적 반응에서부터 작품 조작에 이르기까지 다양한 방법으로 참여하게 함으로써, 일반대중이 미술에 보다 가까이 다가가게 한다는 측면에서 확장된 미술의 개념을 살펴보고자 하는 것이다. 드로잉의 이러한 방식들은 대체로 복합적으로 사용되고 있으며 환경, 기호, 사진, 정체성 및 이미지의 텍스트들과 함께 실행됨으로써 복잡한 개념을 드러낸다. 이러한 현대미술의 복합적인 쟁점 속에서 다문화적인 인식을 함축된 의식의 표현으로 상징한다든지, 아이디어로 개념을 표현하는 매체로서 드로잉은 자유롭고 시대적, 정신적 물질을 표현하기에 적합한 표현요소이며 기법이다. 지적이면서도 즉흥적인 표현을 자유롭게 하는 드로잉은 더욱 확장된 개념으로 오늘날 우리에게 접근하고 있다. 현대미술 속에서 드로잉의 가치를 느껴봄으로써 현대 회화의 사유의 범위를 넓히고 표현 방법의 확장 및 개념을 이해하고자 한다.

창의적 사고를 위한 다양한 실기 표현 지도 방안 연구 : 미술 교과서 내 현대미술 작품을 중심으로

강유미 한국교원대학교 대학원 2018 국내석사

새로운 표현을 시도하는 작품의 등장으로 동시대 현대미술은 장르 간의 경계가 모호해지고 있으며, 이에 예술과 일상의 경계가 허물어지고 있다. 이러한 변화의 흐름을 학교 미술 수업에도 적극적으로 적용해보자는 취지로 본 연구는 출발하였다. 본 연구는 다양한 작가들의 작품을 통해 미술에 대한 열린 시각을 갖게 하고자 하였으며, 주관적인 해석을 통해 다양한 사고의 가능성을 모색하고자 하였다. 작가들의 표현기법을 학습 활동에 적용함으로써, 학생들이 작가들의 창의적 사고를 경험토록 하고, 다양한 재료를 발견하는 과정을 통해 학생들의 사고를 확장하고자 하였다. 즉 본 연구자는 다양한 표현 방법을 찾기 위해 ‘동시대 현대미술 작품’을 활용하였으며, 학생들이 미술 작품에서 드러난 표현 방법을 탐구하고 이를 새롭게 표현함으로써 창의적 사고의 확장에 대한 교육적 효과를 기대하였다. 본 연구는 미술 교과서에 수록된 동시대 현대미술 작품을 중심으로 다양한 미술표현 활동에 대한 교수 학습 지도방안을 개발하고, 이를 수업에 적용 후 효과성을 검증하는 실행연구이다. 연구 수업은 충청북도 청주시 I고등학교 미술 동아리 활동에 소속된 1학년 10명의 학생을 대상으로 진행하였다. 수업의 학습주제는 ‘다양한 해석을 통한 현대미술의 이해’, ‘우연과 상상 기법을 적용한 창의적 사고’, ‘재료의 다양화를 통한 새로운 표현 방법의 탐색’ 으로 구성하였으며, 수업은 총 6차시로 진행하였다. 수업을 적용한 후, 본 연구자는 수업 과정에서 사용한 활동지와 표현 결과물, 인터뷰 등을 활용하여 수업의 결과를 분석하였다. 그리고 분석을 통해 교육적 효과를 확인하고자 수업의 결과를 교수 학습 내용, 교수 학습 과정, 교수 학습 결과물 측면으로 나누어 살펴보았다. 이러한 측면에서 확인한 교육적 효과는 다음과 같다. 교수 학습 내용 측면에서 첫째, 포스트모더니즘의 다원주의적인 특성을 내포하고 있는 현대미술의 핵심 논쟁을 통해 학생들은 복잡한 현대미술에 대해 이해할 수 있었으며, 당연하게 생각해온 일반적인 관념에 대해 비판적으로 사고할 수 있었다. 둘째, 학생들은 현대의 사회 현상과 문화를 담고 있는 미술 작품을 그대로 수용하는 것이 아니라 자신의 사고와 가치관, 경험 등을 반영하여 작품을 감상하였고, 이를 새롭게 해석하여 표현할 수 있었다. 셋째, 새로운 기법을 활용한 표현 활동을 통해 학생들의 창의적 사고를 촉진 및 확장하였다. 넷째, 다양한 재료를 사용하여 자유로운 표현이 이루어졌고 이를 통해 학생들은 미술 재료에 대한 확장된 시각과 접근이 이루어졌다. 교수학습 과정 측면에서 첫째, 수업 과정에서 학생들은 서로 다른 표현물을 공유하고 소통하면서 자연스럽게 ‘다양성’을 인정하고 존중해주는 경험을 하였다. 둘째, 수업의 개방적인 학습 분위기는 학생들이 보다 자유롭게 사고하고, 능동적으로 참여할 수 있게 하였다. 셋째, 교사와 학생 그리고 학생과 학생 간의 유의미한 상호작용을 통해 학생들은 발산적이고 창의적인 사고를 발휘할 수 있었다. 교수학습 결과물 측면에서, 학생들은 표현하는 방법에 있어 한정된 기준을 거부하였고 자유롭게 표현하였다. 이를 통해 관념적인 색채와 사실적인 형태를 표현해야 한다는 고정관념으로부터 벗어나게 되었다. 그리고 학생들은 창의적인 표현 결과물에 대해 큰 성취감과 만족감을 얻었다. 이처럼 본 연구자는 현대미술을 적용한 다양한 실기 표현 수업을 계획하고 적용하여, 이에 따른 수업의 결과를 분석함으로써 교육적인 효과를 확인할 수 있었다. 연구자가 제시한 표현 수업은 고등학교 학생들의 창의적 사고를 촉진하고 확장하기 위한 한 방법이다. 이는 초등학생에서 중학생, 중학생에서 고등학생으로 진급하면서 학생들이 점차 창의적인 사고에 접근하고 발휘할 수 있는 기회와 가능성이 축소되고 있는 교육현실을 미술수업의 변화를 통해 일부 개선하고자 하였다. 이와 같이 앞으로 창의적 사고를 이끌어 낼 수 있는 보다 체계화 된 미술 표현 수업이 필요하다고 본다. 본 연구에서는 창의적 사고를 이끌어내는 방법으로 현대미술 작품을 주로 활용하였지만, 더욱 다양한 표현 활동의 시도가 이루어진다면 학생들의 창의력을 풍부하게 계발시켜줄 수 있을 것이라고 본 연구자는 기대한다.

체험활동을 통한 현대미술의 개념성 이해지도 방안

김종민 한국교원대학교 대학원 2010 국내석사

Contemporary art is closely connected with our lives. Like it or not, contemporary art influences our judgment of the quality of beauty in media, surrounding environments and various trifling articles. Today, however, contemporary art is much more complicated to interpret by the public. One of the reasons is that it is getting harder to find the identity of contemporary art so that we cannot have any simple definition of it. Therefore, we must comprehend first its spiritual context linked with today’s circumstances to understand it. Aesthetics is needed in such case. It is art that points out contradiction, denies the existing value, and shows the current moral changes using visual images at the head of present age. And it is aesthetics that analyzes and organizes actions of contemporary art logically using languages, which are illogical, abstract and nonverbal. Therefore, if we understand contemporary art through aesthetics, we can see current changes of ethical, religious, and political values. And we can also communicate with people and society in the same period, being aware of the lack of beauty of modern world. This is an essential goal of art education. The present elementary art education does not cover contemporary art in detail. The reason is because, as previously stated, people have a preconceived idea that contemporary art is complicated to understand. Hence, this research is not a method of approaching to contemporary art through individual artists or their works, but an approach to simplify its diversified identities with several concepts. That is because contemporary art shows its tendency to resist the formal standards such as perspective or proportion. Instead, the intent or spirit of an artist and his philosophical background are considered more important, because this manifests its internal idea more prominently. That’s why people might think contemporary art is abstruse. A general characteristic and background of contemporary art are examined in chapter two. First, the concept of contemporary art is defined with the intent, idea, or the philosophical background of an artist, being differentiated with its formal standards of art. An avant-garde character of its concept is noticed, because it has roots in skepticism of rationalism after two World Wars, changes of social stratum by changes of economic structures, and overthrowing of regime by revolution, and other political reasons. In a sight of the Fine art history. Cubism is a new view to see objects. Dadaism, which gave a great shock and conversion to the art world, can be regarded as self-destruction toward art. The image of Surrealism’s dream and illusion is the expressed concept of unconsciousness which was affected by the idea of Sigmund Freud. And the pop art which is represented as Andy Warhol has contained the artistic idea of pop culture. And minimalism and conceptual art which are the most conceptional in the Fine art history can be defined as those pursuing the essence of art. Chapter three tries to explain the concepts of contemporary art by a theory of aesthetics into four: Critical reason, Denying the grand discourse and universality, Language limit and non-linguistic concept, and Amusement. In order to apply the method of study, this author links a Philosopher and contemporary artist to discover the image of aesthetics as revealed in their works. In this chapter, the following works will be reviewed: Theodor Wiesengrund Adorno and I-so Park, J.F. Lyotard and Barnett Newman, Jacques Lacan and Rene Magritte, and Johan Huizinga and this author’s. In Chapter four and five, it is presented the specific example that how the organized contemporary art’s concepts in the previous chapter can be practically applied to the art education. The method is not to understand a drawn out idea theoretically, but to understand it empirically by experiencing activities which have the same meaning of the concepts. However, as this research is focused on the literature, it has a limit that it is only the theoretical research without a proof in the actual field. It is anticipated that more concrete and varied programs can be developed in the field by follow-up researches. 현대미술은 우리의 삶과 밀접한 관련이 있다. 자의적이든 타의적이든 현대미술은 각종 매체와 주위 환경이나 소품 등에서 알게 모르게 우리의 미적 가치 판단에 영향을 준다. 그러나 아직까지 현대미술은 일반인들에게 어렵게 느껴지고 있는 것이 사실이다. 그 이유 중에 한 가지는 오늘날 현대미술은 시간이 갈수록 한마디로 정의할 수 있는 정체성을 찾기가 어렵다는데 있다. 따라서 현대미술을 이해하기 위해서는 먼저 현 시대의 상황과 맞물린 정신적 배경을 이해하는 것이 중요하다. 이때 필요한 것이 바로 미학이다. 미술은 현 시대의 선두에서 모순을 지적하고 기존의 가치를 부정하고 다가올 정신적 흐름을 시각적으로 보여주는 것이며 미학은 그러한 현대미술의 비논리적이고 추상적이며 비언어적인 활동들을 언어를 사용하여 논리적으로 분석하고 정리한다. 따라서 현대미학을 통하여 현대미술을 이해하게 되면 현 시대의 윤리적, 종교적, 정치적 가치관들의 흐름을 눈으로 볼 수 있고 동시대의 개인과 사회와 소통할 수 있으며, 인간의 행복을 위해 현재 세계의 미적 결핍 상태를 알아차릴 수 있는 감수성을 가질 수 있다. 이것은 바로 미술교육의 본질적 목표이기도 하다. 현재 초등학교 미술교육에서 현대미술에 대한 자세한 교육은 다루어지지 않고 있다. 그 이유는 위에서 이야기한 바와 같이 현대미술은 어렵다는 선입관을 갖고 있기 때문이다. 따라서 본 연구는 개별적인 작품이나 작가를 통해 현대미술에 접근하는 방식이 아니라 다원화된 현대미술의 정체성을 미학을 통하여 몇 개의 개념으로 묶고 정리된 개념을 경험하는 방법을 사용한다. 그렇게 하는 이유는 현대미술이 원근법이나 비례와 같은 외적 형식의 규범에 저항하는 경향을 보여 왔고 작가의 의도나 정신, 철학적 배경 등을 중요하게 생각하는 작품의 내적 개념성이 두드러진다고 보기 때문이다. 현대미술에서 난해함을 느끼는 부분도 바로 이러한 점이다. 본 연구자가 접근한 방식은 Ⅱ장을 통하여 현대미술의 개념적 특징과 배경을 살펴보았다. 우선 현대미술의 개념성을 미술에 있어서 외적 형식과 구별되는 의미로 작가의 의도나 관념, 철학적 배경 등으로 정의하였다. 그리고 현대미술의 개념성이 가진 아방가르드적 성격을 주목하였는데 이것의 원인이 되는 것으로는 양차 대전을 통한 이성에 대한 회의와 경제 구조의 변화를 통한 계급의 변화, 혁명을 통한 권위의 파괴, 정치적 이유 등 여러 가지를 들 수 있다. 양식사적으로 볼 때 입체주의는 사물을 보는 새로운 시각의 개념으로 정리될 수 있으며, 미술계에 충격과 큰 전환점을 제시한 다다이즘은 미술을 향한 자기 파괴의 개념으로 볼 수 있다. 초현실주의의 꿈과 환상의 이미지는 프로이트의 사상에 영향을 받은 무의식의 표출 개념이며 앤디 워홀로 대표되는 팝아트는 대중 문화의 예술적 개념을 가진다. 그리고 양식사 중에서 가장 개념성이 두드러진 사조인 미니멀리즘과 개념미술은 미술의 본질적인 것을 추구하고자하는 개념으로 정리될 수 있다. Ⅲ장에서는 미학의 이론을 통하여 현대미술의 개념성을 정리하고자 하였는데 비판적 이성의 개념, 거대담론과 보편성 부정의 개념, 언어의 한계와 비언어적 개념, 유희적 개념 등의 네 가지 개념으로 나누어 살펴보았다. 이러한 연구의 방법과 적용을 위하여 철학자와 현대미술 작가를 연결하여 미학적 개념이 구체적으로 어떻게 작품에 드러나는지 밝혀보고자 했으며 아도르노와 박이소, 리오타르와 바넷 뉴먼, 자크 라캉과 마그리트, 호이징하와 본 연구자의 작품을 예로 들어 설명하였다. Ⅳ장과 Ⅴ장에서는 앞 장에서 정리된 현대미술의 개념이 어떻게 미술교육에서 실제로 적용될 수 있을지 구체적 예를 제시해 보았다. 그 방법은 추출된 개념을 이론적으로 이해하는 것이 아니라 그 개념과 동일한 의미를 지니는 활동들을 체험함으로 인해서 경험적으로 이해하는 것이다. 그러나 본 연구가 주로 문헌 연구를 중심으로 이루어진 만큼 현장에서 검증되지 못한 이론 중심의 연구라는 한계를 갖는다는 점을 밝혀둔다. 후속 연구를 통하여 현장에서 더욱 구체적이고 다양한 프로그램이 계발되기를 기대한다.

現代美術에 대한 敎育方法 硏究 : 高等學校 美術敎育을 中心으로

유장열 慶熙大學校 敎育大學院 1996 국내석사

現代美術의 프랙탈적 現象이 兒童美術敎育에 미치는 影響 硏究

박용진 서울교육대학교 교육대학원 2002 국내석사

20세기에서 21세기로의 전환은 새로운 질서가 광범위하게 이뤄진 패러다임의 전환이었으며 포스트모더니즘이란 담론이 형성된 시기로서 미술에 있어서 모더니즘이후의 새로운 이데오르기인 다원론을 바탕으로 한 시각문화로서의 현대미술을 형성하였으며 현대미술을 이해하는 방법론으로서 인문과학에서의 해체와 자연과학에서의 프랙탈 및 카오스이론을 수용하였다. 따라서 미술교육에서도 전환된 패러다임을 수용 할 수 있는 변화를 필요로 하고 있으며 포스트모더니즘의 방법론의 하나인 프랙탈적 시각으로 현대미술의 성격과 어린이 미술교육에서의 시사점들을 살펴보는 것은 그러한 변화를 창조하는 작은 도움이 될 수 있다. 프랙탈의 의미는 데카르트의 기계론적 세계관과 뉴튼의 물리학의 결정론, 유클리트의 기하학 등이 설명 할 수 없었던 세계의 수많은 불확실성을 이해하기 위한 새 패러다임에 의한 새로운 비유크리트 기하학으로 세계의 복잡한 계들을 하나의 유기체로 파악하며 무질서 속에 내재 된 질서를 찾는 방법으로 자연에 있어서 프랙탈의 속성은 자기유사성과 부분들과 전체의 상호간의 교류와 부분들이 전체의 중심들이 되는 형식과 의미를 내포하는 것으로서 현대미술에서의 적용은 탈 중심, 다 중심 현상과 연결되어 있으며 각자의 개성을 가진 고유의 성격으로 모여진 미술의 부분들이 독립적이고 독자적세계를 형성하는 것으로서 어린이미술, 여성미술, 원주민 미술 등이 서구중심의 미술의 주변이나 하위개념의 미술이 아닌 각각 동등한 가치와 중심으로 여기는 미시미학으로의 현대미술의 경향을 설명해준다. 프랙탈의 중첩, 복제, 부분들의 유사함, 나열, 불규칙성의 요소들은 현대미술과 어린이 미술에서 자연스럽게 나타나고 있으며 그것에 대한 새로운 의미부여는 형태적 요소에서 의미적 요소로 전환되어지는데 반복에 의한 강조, 시간에서의 미래, 현재, 과거의 동시성, 자연의 순환성, 이라는 의미로 재해석되며 프랙탈의 의미를 단순히 형태로 파악하는 것이 아니라 내용과 의미, 가치, 문화의 특성이라는 중심들의 배치와 관계로 이해되어야 할 것이다. 현대미술이란 미술이 삶의 이야기로서 미술이 되는 시대적 공간이 생산해내는 맥락의 복잡 다양한 관계를 함축한 담론이라고 할 수 있으며 시각문화로서 미술이라고 할 수 있는, 그러한 현대미술을 파악하는 방법론의 프랙탈이 갖는 조형적 특징으로서 디지털 적 반복, 본제의 성격과 중심과 주변의 구분이 의미 없는 형식과 부분들이 합이 전체가 되는 소산구조의 내용을 들 수 있으며 이러한 조형적 특징은 실험미술, 현대미술에서의 장르가 해체된 작품, 설치작품,이미지의 반복, 복제가 이뤄진 작품으로 나타났으며 이미지의 차용과 함께 퍼포먼스와 같은 음악이나 문학, 연극의 다른 영역과 결합된 미술로 나타나고 있으며, 장르가 해체된 작품의 경우 프랙탈의 자기유사성의 특성을 가진 각 장르간의 경계가 파괴되어 앗상블라주와 같은 조각 같은 회화, 회화 같은 조각의 등장과, 비디오아트와 같은 디지털영상과 오브제로서의 티비등이 결합한 새로운 유형의 미술이 등장되었으며 이러한 경향들은 아동 미술에 있어서도 더욱 다양화된 재료와 표현방법들을 제공하고 있으며 어린이 미술에 있어서도 반영되어 어린이 미술에서도 그 전 보다 더욱 다양한 형식의 미술이 등장되어지고 있다. 또한 아동미술이 자연의 재현능력에 관련된 발달이론의 관심에서 아동의 미적체험, 성격, 경험 과 같은 내면의 요소에 의한 자유롭고 더욱 열리어진 자연의 재구성이라는 관심으로 전환되어지는 역할을 하고 있다. 현대미술의 프랙탈 현상은 어린이 미술교육에 있어서도 새로운 패러다임이 적용된 시각문화교육으로서 확대된 영역의 미술의 교육이 요구되어지고 있으며, 미술교육의 연구가 보다 다양하고 폭 넒은 시각과 실험적인 모색들을 통하여 더욱 긍정적이고 가치 있는 방향으로 이뤄질 수 있음을 시사하며 이러한 실험적인 모색들이 미술교육에 적용될 수 있는 구체적 방법론들은 후속연구가 되어져야 될 과제로 남아있다. The turning point of the 20th century to the 21st century triggered the change in paradigm which established a new system and was the time period during which a branch of art named post-modernism was created, resulting in modern art based on pluralism, a new ideology. Moreover, as a methodology for the comprehension of modern art, it accepted the dissection from human biology, and fractals and chaos theory from natural science. Therefore, in art education, it is imperative that a change which could accept the altered paradigm takes place in art education, and perceiving the aspects of modern art and current events in elementary art education in the perspective of fractals is helpful in boosting such a change. The meaning of fractals is a method that helps to seek order hidden in chaos and identify complex systems of the world as one organic matter, using new non-Euclid geometry which has been created by new paradigm to understand countless uncertainties in the world that Descartes' mechanistic world-view, Newton's determinism of physics, and Euclid's geometry could not explain. Microscopic aesthetic is linked with center phenomenon all and parts of art that is gathered by unique personality which have each character are independent and child art, woman art, native art etc. are surrounding of art of West Europe center as that form the individual world but explain tendency of post modern art of esthetics each equal value that art of subordinate concept is not and Watch of the Sheep that think as center. Though elements of fractals nesting, duplicate, kindredness of parts, array, irregularity are appearing naturally post- modern art and child art and are converted to element meaning enemy from element form new meaning department about it, emphasis by repeat, have to be understood by relation with arrangement of centers of contents and meaning, value, characteristic of culture not that is reinterpreted and grasp fractals meaning in form simply to, now, past simultaneity, circularity of nature, meaning that is the future in time. I can speak that is discourse that imply complexity various relation of veins that space has dissipative structure that art called post modern art tooth becomes art as story of life and can hear substance of form that repeat, personality of reproduction and balance and surrounding division are no meaning and parts are product structure that conjunction becomes whole digital as design create characteristic of fractals of methodology that grasp such post modem art that can speak that is art as sight culture and this design characteristic is appearing by art that is combined with music or literature such as performance, theatrical other area with borrowing of image was expose to experiment art, work that genre in post modem art is disjointed, establishment work, repeat of image, work that reproduction is achieved, and because the border between each genre that have special quality of fractals own similarity in case of work that genre is disjointed is broken, conversation such as piece such as assangblage, entrance on the stage of piece such as conversation and art of digital reflex and new type that T.V etc.. as object combine such as video art is these tendencies appeared are offering material and expression methods that is diversified more is in child art and are reflected is in child art and art of more various form is appeared.more than the ago in child art. Also, is acting role that child art is free by element of child' s aesthetic experience, personality, inside such as experience course in interest of development theory connected with reappearance ability of nature and is converted by interest of reconfiguration of nature that is opened more. Fractal phenomenon of post - modem art education of art of area that is magnified as sight culture education that new paradigm is applied is in child art education is required and research of art education is various and width previews that can be achieved for more affirmative and worth direction through sight and underground groupings and specific methodologies that such underground evening twilight dusks can be applied in art education remain to subject that must be become succession research.

현대미술 전시특징에 관한 연구 : 팝아트, 현대사진, 미디어 아트의 국내전시를 중심으로

양윤희 단국대학교 대중문화예술대학원 2010 국내석사

As the time flows, the art changes the standard of beauty, creates new styles, and thus represents important part of pop culture. As we move from the 20th century into the new millennium, Contemporary art is going through various changes especially, expressing is it the complexity of the modern society, acting as a medium that reflects on the modern life and communicates with the public. Artists' intents art communicated through contemporary art to the public through oftentimes in art museum exhibitions, and it has a significance in that it reflects the modern society as a stream of the same time and interacts with the public. This study carried out research and analysis focusing on pop art, contemporary photography, and media art exhibitions along with theoretical consideration of contemporary art. Based on the case studies examined, the important role as the medium reflecting the complex modern society and communicate with the public could be confirmed through the characteristics of contemporary art exhibitions. Moreover, in order for the contemporary art to be a true pop culture while being presented in the form of art museum exhibitions, art museums must seek ways to activate the participation of the public as they develop exhibitions. First, this study examined the theoretical concept of designing a contemporary art exhibition, and how the trends in designing contemporary art exhibitions changed compared to the past. Also, one of the characteristics of pop art, contemporary photography, and media art exhibitions that we should note is that they are the most accessible to the public nowadays, so it is important to theoretically examine the characteristics of each type of art. To analyze cases studies of exhibitions while accounting for the theoretical consideration for each specific type of contemporary art, this study researched and analyzed the three representative places: Seoul Museum of Art, Samsung Museum of Art(Leeum), and Nam June Paik Art Center of Gyeonggi Cultural Foundation, that held contemporary art exhibitions recently. The results of case studies analysis of the three art museums' exhibitions shows the representative characteristics of contemporary art exhibitions: firstly, an important medium to reflect the modern society and enable communication with the public. Secondly, the use of objets in exhibitions made it easy for the public to participate in the exhibition as well as created aesthetic expansion of contemporary art. Thirdly, the synthetic characteristic of contemporary art exhibitions, meaning they go beyond the boundaries of art genres, was clearly reflected as showing and mixing various forms of creative and experimental art resulted in exhibitions free from trite art exhibited in the past. However, this thesis should seeks to further various measures such as education programs and seminars of art museums in order to make contemporary art exhibitions promote even more participation of the public as and therefore increasing the understanding of contemporary art and making it a place for communication that can be approached as a true pop culture. Hopefully, more studies of, and efforts to improve contemporary art exhibitions are expected to appear in the future, to promote communication and participation of the public as much as the advanced contemporary art exhibitions of art museums as a true pop culture that breathes in this time. 시대의 흐름에 따라 미술은 미의 기준을 달리하며, 새로운 양식을 만들어내고, 대중문화에 있어서 중요한 부분을 차지하고 있다. 특히 20세기를 지나면서 현대미술은 다양한 변화를 거쳐 복잡한 현대사회를 표현하고 대중과 소통하며, 현대의 삶을 되돌아 볼 수 있는 매개체 역할을 해오고 있다. 현대미술은 미술관 전시를 통해서 대중에게 그 의도가 전달되며 동시대의 한 흐름으로서 현대사회를 반영하고 대중과 상호작용한다는 점에서 중요한 의미를 가지게 된다. 본 연구는 현대미술의 이론적 고찰과 함께 팝아트, 현대사진, 미디어 아트 전시를 중심으로 연구, 분석을 진행하였다. 진행된 전시사례 분석을 바탕으로 복잡한 현대사회를 반영하고 대중과 소통하는 매개체로서의 중요한 역할을 현대미술전시 특징을 통해서 확인할 수 있었다. 더 나아가 현대미술이 미술관 전시와 함께 진정한 대중문화로서 거듭나기 위해서는 미술관들이 전시발전과 함께 대중의 참여를 더욱 활발히 하기위한 방법을 모색해야 할 것이다. 먼저 현대미술전시의 특징을 연구하는데 있어서 전시에 대한 개념 확립과 과거에 비해 현대미술전시가 어떻게 변화되었는지의 흐름을 알아보았다. 또한 동시대미술로서 대중과 가장 밀접한 팝아트, 현대사진, 미디어 아트 전시를 중심으로 그 특징을 살펴보기 위해서는 각 유형별 특징을 이론적으로 살펴보는 것이 중요하다고 하겠다. 현대미술의 유형별 이론적 고찰을 바탕으로 전시사례 분석을 위해서는 현대미술전시가 열렸던 서울시립미술관, 삼성미술관 리움, 경기문화재단 백남준아트센터를 포함한 대표적인 세 곳을 중심으로 연구하고 분석하였다. 앞에서 이루어진 세 곳 미술관의 전시사례 분석 결과를 보면, 현대미술 전시가 현대사회를 반영하고, 대중과의 소통을 가능하게 하는 중요한 매개체로서의 대표되는 특징을 잘 보여주었다. 둘째는 전시 안에서의 오브제의 활용은 현대미술의 미적확대와 대중의 전시참여를 용이하게 만들어주었다. 셋째는 과거의 진부한 미술전시에서 벗어나 창조적이고 실험적인 다양한 형태의 미술전시를 보여줌으로써 미술장르에 대한 경계를 넘어선 통합적인 현대미술 전시의 특징을 반영하여 보여주었다. 그러나 본 논문에서는 현대미술 전시가 동시대의 문화예술로서 대중의 보다 많은 참여를 위해서 전시기획만큼이나 미술관들의 교육프로그램과 세미나와 같은 다각도의 대안의 모색함으로써 현대미술에 대한 이해를 높여, 진정한 대중문화로서 다가갈 수 있는 소통의 장이 될 수 있도록 해야 할 것이다. 따라서 현대미술 전시는 동시대를 호흡하는 진정한 대중문화로서 미술관들의 진보된 현대미술 전시만큼이나 대중과의 소통과 참여를 위한 더 많은 연구와 노력이 지속되기를 기대한다.