미니멀리즘과 맥시멀리즘의 조형성 연구와 메이크업 특성 : 2014F/W-2017S/S 컬렉션 중심으로

황현진 건국대학교 2017 국내석사

현대 사회는 다양한 정체성과 복잡하고 다채로운 환경 안에서 심플하고 간소한 삶을 추구하는 미니멀리스트(Minimalist)와 소장과 수집을 즐기는 맥시멀리스트(Maximalist)가 함께 공존한다. 이들의 서로 다른 생활 패턴을 추구하는 경향은 21세기 접어들어 가장 다양한 감각적 문화의 형태라 할 수 있으며 이러한 특성은 새로운 문화를 만들어 가는 하나의 과정일 것이다. 본 연구에서는 디자인 분야에서뿐만 아니라 현대인의 생활 패턴과도 밀접한 연관성을 갖고 있는 미니멀리즘과 맥시멀리즘의 개념 정리와 함께 조형적 특성을 고찰하고 메이크업에 나타나는 미니멀리즘과 맥시멀리즘의 조형적 특성을 분류하고 이를 바탕으로 메이크업 경향을 연구 하고자 한다. 본 연구의 범위는 2014F/W-2017S/S 시즌 중심으로 4대 컬렉션 전체를 분석 범위로 선택하며 분석 자료는 시즌 북(Season Book) 마리 끌레르(Marie claire) 패션 쇼(Fashion Show)의 전체 메이크업을 대상으로 한다. 연구 방법은 건축, 패션, 메이크업, 헤어 선행 연구에서 가장 중요시 되는 조형성을 찾고 이를 메이크업 특성에 맞게 분류 분석할 수 있는 조형성으로 최종 추출하여 조형성 분석 도구로 활용한다. 각 시즌 별 디자이너의 메인 (main) 메이크업 컨셉을 미니멀리즘과 맥시멀리즘의 조형성 별로 분류하고 결과를 도출하여 연구 분석한 결과는 다음과 같다. 첫째, 메이크업 분석에 활용 가능한 조형성은 다음과 같다. 미니멀리즘 메이크업 조형성은 단순성, 순수성, 단일성, 환원성으로 분류할 수 있으며 맥시멀리즘 메이크업 조형성은 과장성, 장식성, 혼합성, 실험성으로 분류할 수 있다. 둘째, 미니멀리즘과 맥시멀리즘 메이크업의 조형성 분포 비율 분석 결과는 다음과 같다. 미니멀리즘 메이크업은 단순성이 가장 높은 분포 비율을 나타내며 높은 분포 비율 순으로 정렬하면 단순성, 순수성, 환원성, 단일성이다. 맥시멀리즘 메이크업은 과장성이 가장 높은 분포 비율을 나타내며 높은 분포 비율 순으로 정렬하면 과장성, 실험성, 혼합성, 장식성이다. 셋째, 컬렉션 메이크업을 조형적으로 분석한 결과를 중심으로 메이크업 특성과 경향을 알아 본 결과는 다음과 같다. 미니멀리즘 메이크업의 특성은 내추럴하고 보편적인 단순성이 가장 큰 비중을 이루며 파우더리한 피부 표현과 모델 본연의 눈썹에서 아치형, 일자형 등으로 보여졌다. 눈매 보정 정도의 아이라인 표현과 자연스러운 아이 쉐도우와 치크, 쉐딩 표현은 강약의 정도 차이가 있었으며 쉐도우, 치크, 쉐딩 중 하나는 생략된 경우도 있었다. 립 표현은 오렌지 계열에서 브라운 계열의 명도차이가 나타나는 특징을 보였다. 순수성은 단순성과 단일성의 중간 형태 메이크업으로 색조를 자제하고 페일(pale)한 피부 표현과 자연스러운 눈썹, 본연의 립 컬러 또는 글로시 하게 표현되었고 단일성은 컨셉위주의 몰 개성적인 표현으로 눈썹 또는 립을 삭제시켜 단조로움을 극대화하는 통일성을 보여주었고 환원성은 얼굴의 결점조차 개성으로 드러내는 민낯과 같은 메이크업으로 피부 결점이 드러나며 투명하게 표현되는 특징이 있으며 눈썹은 형태가 표현된 경우도 있으나 대부분 정리되지 않은 경우가 많았고 립 표현 또한 자연스러운 본연의 립 컬러 표현이 특징적으로 보여졌다. 맥시멀리즘 메이크업의 특성은 S/S 시즌보다 F/W 시즌에서 더 많이 도출되었으며 과장되고 창의적인 다양한 표현 방법을 특징으로 한다. 가장 큰 비중을 이루는 과장성은 시즌 초반에는 짙은 쉐도우 표현과 면적의 확대 표현이 특징적이었으나 시즌이 넘어갈 수록 립 컬러의 짙은 표현과 아이라인의 다양한 연장 표현이 수치가 상승했으며 장식성은 오브제를 부착하거나 찍어내는 표현 방법으로 기술과 소재의 발달은 오브제를 진화시켜 PVC, 3D 플라스틱과 같은 신소재의 등장으로 장식성의 발전을 보여주었으며 혼합성은 시대 메이크업의 재구성을 특징으로 하며 70-80년대 메이크업 재구성이 가장 많은 분포 비율을 이루고 있으며 시즌 후반에는 이국적 양식, 펑크 스타일, 퓨처리즘 등과 같은 컨셉의 재구성이 특징적으로 나타났다. 실험성은 고정관념을 탈피한 표현에 제한을 두지 않는 방법으로 얼굴을 인위적으로 왜곡시키거나 피부 조직을 독특하게 표현하는 방법도 보여지지만 실험성의 주류를 이루는 표현 방법은 점, 선, 면을 활용하여 얼굴에 그려 넣는 표현 방법이 많이 보여졌다. 넷째, 미니멀리즘과 맥시멀리즘의 공존성의 특징은 다음과 같다. 메이크업을 중심으로 같은 시즌 같은 디자이너의 컬렉션에서 미니멀리즘과 맥시멀리즘의 조형성이 함께 공존하는 디자이너의 컨셉을 분류 및 분석한 결과 2014F/W 시즌부터 점진적으로 수치상승을 보였으며 단순성과 과장성의 결합이 가장 큰 비율로 나타났다. 다양한 조형성의 결합은 컬렉션의 다이나믹한 쇼의 연출이 메이크업으로도 가능하다는 것을 보여주는 사례이며 향후 미니멀리즘과 맥시멀리즘의 조형성 결합을 통한 공존은 긍정적 발전 방향의 가능성을 보여주었다. 연구 분석 결과 제언 점으로는 패션과 메이크업을 미니멀리즘과 맥시멀리즘의 조형적 특성을 중심으로 상관관계성과 공존 방향에 대한 연구가 진행된다면 토탈 코디네이션의 트렌드 발전에 도움을 줄 수 있는 자료를 도출 해 낼 수 있을 것으로 기대한다. In modern society there is a coexistence between the minimalist who pursues a simple life in the midst of various identities and complex environments and the maximalist who enjoys collecting and collecting. This tendency to pursue different lifestyle patterns is representative of the 21st century and takes part in the creating of a new culture. In this study we examine the formative characteristics of minimalism and maximalism which are closely related not only to the field of design but also to the lifestyle patterns of modern people and strive to classify these characteristics as a basis for researching makeup trends. The research method focuses on prior research in architecture, fashion, makeup, and hair and finds the formability in order to create a formative analysis tool that can be used to classify and analyze according to makeup characteristics. The makeup concept of each season’s makeup designer was classified according to the formality of minimalism and maximalism and the results were as followed. Firstly, the formative qualities applicable to makeup analysis are as follows: The formality of minimalist makeup can be classified into simplicity, purity, unity, and reducing whereas the formality of maximalist makeup can be classified as exaggerated, ornamental, mixability, experimental. Secondly, the classification of the distribution ratios within the formalities of minimalist and maximalist makeup are as follows: Simplicity represents minimalist makeup with the highest distribution ratio followed by purity, reducing, and unity. Exaggeration represents maximalist makeup with the highest distribution ratio followed by experimental, mixability, and ornamental. Thirdly, the formative characteristics of the collection makeup were classified and the results of the characteristics and trends are as followed: Minimalist makeup is characterized by natural and universal simplicity as the center of focus and uses powdery skin and arched, straight-edged eyebrows on the models. Eyeliner is used only just to correct eye shape and natural eye shadow, cheek, and shading of differing intensities is seen and sometimes even with the omission of one of the following eye shadow, cheek, or shading. Orange or brown toned colors are used for the lips. Purity is a medium form within simplicity and unity and limits the use of color to strive for a pale skin color expression with natural eyebrows and natural or glossy lip color whereas the concept of unity strives for a more individualized expression and omits expression on the eyebrows or lips in order to maximize uniformity and the concept of or lips in order to maximize uniformity and the concept of reducing celebrates the bared face by revealing flaws as a part of one's individuality and uses transparent skin expression and oftentimes expresses the natural shape of the eyebrow along with the natural color of the lips. The characteristics of maximalist makeup can be seen more in the F/W season rather than the S/S season and features a variety of exaggerated and creative expression methods. In the beginning of the season, the most exaggerated expression was characterized by dark eye shadow and enlargement of the eye area but as the season passed, the color expression of the lip rose and the various ways of eyeliner expression appeared. The ornamental concept focused on attaching ornamental objects and with the appearance of new materials such as PVC material and 3D plastic, methods and expressions of ornamentality progressed and developed. The concept of mixability was characterized by recreating popular makeup trends by era as looks from the 70s to 80s were the most recreated and in the latter half of the season the reconfiguration of concepts such as exotic style, punk style, and futurism were seen. The concept of experimentation strives to stray away from stereotypical expressions thus artificially distorts the face or uniquely expresses skin tissue but mostly uses beauty marks and facial lines to express the face. Fourthly, the coexistence of minimalist and maximalist characteristics are as followed: After analyzing and classifying the coexistence of minimalism and maximalism focusing on makeup within each season using the same designer’s collection, it was found that from the 2014F/W season there was a gradual rise in coexistence with simplicity and exaggeration showing the largest proportion of combination. The combination of various formalities showed that the diversity of the collection and the production of a dynamic show can be created with makeup and that minimalism and maximalism can coexist through a formative combination which also shows the possibility of a positive direction in development. The results of this study suggest that with more focus on the formative characteristics of minimalism and maximalism in fashion and makeup and with more research on their correlation and coexistence, more references would be made which can be expected to help the progression of total coordination trends.

모듈러 가구의 조형성을 반영한 디지털 가상의상 리디자인 개발 연구

Xu, Yi 세종대학교 대학원 2024 국내박사

20세기 패션 산업의 급속한 발전으로 인해 현재 패션 산업은 환경 오염 의 중요한 원인 중 하나로 부각되었다. 특히 의류 산업은 급격한 생산 능 력과 빠르게 변화하는 패션 소비 패턴으로 인해 고객의 소비 없이 폐기 및 소각되는 과잉 재고 의류 문제를 야기하며 환경 오염을 증가시키고 있다. 이에 따라 패션 브랜드와 디자이너들은 창의적인 아이디어로 재고 의류를 재활용하는 전략을 적극적으로 채택하기 시작했다. 본 연구는 재고 의류 활용하여 창의적인 의상 개발을 위해 모듈러 가구 의 조형성을 적용하여 창의적인 가상의상 리디자인 개발을 하고자 한다. 모듈러는 사용자의 필요에 따라 의상의 일부인 모듈러 요소를 분해하고 변 형하거나 또 다른 요소와 결합함으로써 새로운 가치를 부여한다. 모듈러를 활용한 디자인은 창의적 지속 가능한 패션디자인 방법으로 중요시되고 있 지만, 현재 패션디자인에 모듈러 가구 조형성을 적용한 연구는 많지 않은 것을 알 수 있다. 본 연구의 목적은 모듈러 가구의 조형성을 바탕으로 재고 의류를 사용한 창의적인 리디자인 가상의상을 개발하는 것이다. 모듈러 가구의 조형성 특 징과 분석한 내용을 기반으로 3D CLO 가상의상 소프트웨어에 활용하여 재 고 의류를 새롭게 하는 리디자인 방안을 제시하였다. 연구 방법 및 법위는 다음과 같다. 먼저 모듈러, 모듈러 가구, 리디자인과 리디자인 패션, 가상의상 제작 소 프트웨어에 대한 이론적 고찰을 진행하였다. 이후 모듈러 가구의 조형성 특성을 알아보았는데 이때 연구 범위로는 모듈 가구디자인을 선도하며, 20 세기에서는 많은 유명 디자이너를 배출한 국가인 미국, 이탈리아, 독일 스 위스의 모듈러 가구를 바탕으로 한다. 이후 2000년부터 2024년까지의 패 션 컬렉션 자료를 바탕으로 패션디자인에 적용된 모듈러 가구의 조형성 특 성에 대해 분석하여 패션 기법을 도출하였다. 최종적으로 재고 의류를 활 용하여 앞서 도출한 패션 기법을 형태적으로 적용한 리디자인 가상의상 10 벌을 제작하였다. 가상 의상 제작을 위한 소프트웨어는 3D CLO를 사용하 였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 본 연구는 모듈러 가구 조형성을 분석하여 3가지의 주요 특징인 유연성, 가변성, 확장성을 도출하였다. 둘째, 리디자인 가구의 세 가지 조형성을 반영한 패션디자인을 분석하였 다. 유연성은 새로운 기능이 가구가 되고, 가변성은 모듈러 요소를 재배치 로 다양한 형태를 가질 수 있으며, 확장성은 세로와 가로 방향으로 자유롭 게 적층할 수 있는 가구의 공간이 확장된다는 점이다. 셋째, 모듈러 패션디자인의 분석을 통해 모듈러 가구의 각 조형성을 반 영한 특성을 패션디자인 기법을 도출하였다. 유연성은 패션 디자인에서 중 요한 요소로, 벨트를 팬츠로 변환하거나 스커트를 핸드백이나 모자로 재구 조화하는 등의 모듈러 요소 활용을 통해 기존 의류의 기능을 새롭게 재해 석할 수 있다. 또한, 지퍼, 단추, 끈과 같은 부자재를 이용하여 의류의 특정 부분을 탈부착 하거나 재배치하여 다양한 용도와 스타일의 새로운 패션 디 자인을 제시할 수 있다. 가변성은 패션 디자인에서 형태를 다양하게 변화 시킬 수 있는 중요한 요소이다. 지퍼나 단추와 같은 소재를 활용하여 의상 의 형태를 변형하거나, 스트링을 사용하여 스커트나 소매를 늘리거나 줄이 는 방식으로 원단을 접어 옷의 길이와 사이즈를 변화시킬 수 있다. 또한, 모듈러 요소를 뒤집어 재배치하거나 해체와 결합이 용이한 구조적 특성을 활용하여 여러 가지 형태로 재구성할 수 있다. 이러한 가변성은 패션 디자 인의 창의적인 표현과 기능성을 높이는데 중요한 역할을 하였다. 확장성은 패션 디자인에서 모듈러 단위를 활용하여 다양한 오버 실루엣과 볼륨감을 연출하는 중요한 요소이다. 예를 들어, 의상의 일부분을 모듈로 확장하고 레이어드하여 소매나 어깨 부분에 구조적인 특성을 부여할 수 있다. 또한, 두께감 있는 옷의 일부 부위를 레이어드 하거나 기하학적 조형물을 겹겹이 쌓아서 과장된 디자인 효과를 강화할 수 있다. 이러한 디자인 접근은 패션 의 혁신적인 확장과 표현의 폭을 넓히는 데 중요한 역할을 하였다. 넷째, 모듈러 기법을 활용하여 재고 의류 아이템을 리디자인하고, 3D CLO 가상의상 소프트웨어를 통해 10벌의 가상 의상을 개발하였다. 디자인 1은 모듈러 가구의 조형성 특징인 가변성과 확장성을 기반으로, 끈을 활용 하여 모듈러 요소를 묶는 기법을 도출하였다. 디자인 2는 모듈러 가구의 조형성 특징을 가변성과 확장성에 초점을 맞추어, 지퍼로 모듈러 요소를 묶는 기법을 도출하였다. 디자인 3은 모듈러 가구의 조형성 특징 중 유연 성과 확장성을 강조하여, 모듈러 요소를 접어서 용도를 변경하는 기법을 도출하였다. 디자인 4는 모듈러 가구의 조형성 특징인 가변성을 바탕으로, 모듈러 요소를 뒤집어 형태를 변형하는 기법을 도출하였다. 디자인 5는 모 듈러 가구의 조형성 특징인 가변성과 확장성을 결합하여, 끈으로 모듈러 요소를 묶고 적층하여 의복 공간의 부피를 확장하는 기법을 도출하였다. 디자인 6은 모듈러 가구의 조형성 특징 중 확장성을 중시하여, 모듈러 요 소를 접어서 용도를 변경하는 기법을 도출하였다. 디자인 7은 모듈러 가구 의 조형성 특징으로 가변성을 강조하며, 모듈러 요소를 접어서 올려 형태 를 변형하는 기법을 도출하였다. 디자인 8은 모듈러 가구의 조형성 특징인 확장성과 가변성을 이용하여, 모듈러 요소를 삽입하여 의복 공간을 확장하 는 기법을 도출하였다. 디자인 9는 모듈러 가구의 조형성 특징 중 유연성 을 반영하여, 모듈러 요소를 탈부착하여 용도를 변경하는 기법을 도출하였 다. 디자인 10은 모듈러 가구의 조형성 특징으로 유연성과 확장성을 결합 하여, 모듈러 요소를 적층하여 의복의 부피를 확장하는 기법을 도출하였다. 본 연구는 재고 의류를 가상으로 선정하여 3D CLO 소프트웨어로 제작 한 가사의상 리디자인 개발의 연구로서 다음과 같은 한계점이 있다. 가상으로 선택된 재고 의류는 실제 물성과 다를 수 있으며, CLO 3D 가 상 소프트웨어를 사용하여 재고 의류를 분해하고 재구성하는 과정은 가상 환경에서 이루어진다. 이는 실제 의류와 완전히 일치하지 않을 수 있다. 가 상 소프트웨어는 옷감의 모양과 질감을 시뮬레이션할 수 있지만, 실제 제 작에서는 실제 옷감의 질감, 탄력, 광택 등이 다를 수 있다. 따라서 가상 디자인의 세부 사항과 효과는 실제 제작에서 다소 편차가 있을 수 있다. 이와 같은 한계점을 극복하기 위해 향후 연구 방향으로는 가상 디자인이 최종 생산 확정된 후에 샘플이나 프로토타입을 제작하여 비교 분석하는 연 구를 통해 가상으로 제작하였을 때와 실제 샘플로 제작하여 비교 분석할 수 있을 것이다. 본 연구를 통해 향후 지속 가능한 패션을 위한 모듈러 가구 조형 특징을 기반으로 한 창의적인 리디자인 패션 개발의 연구의 활성화 경제적, 사회 적, 환경측면으로 유익한 다양화된 패션디자인을 기대할 수 있을 것이다. 주요어: 디지털 가상의상디자인, 리디자인, 모듈러, 모듈러 가구의 조형성

미래지향적 디자인의 조형성을 활용한 네일 디자인

유화정 명지대학교 경영대학원 2023 국내석사

새로운 디자인의 출현은 과거의 디자인을 바탕으로 하고 있으며 미술사조의 시대적 환경과 분위기에 따라 디자인은 여러 방면으로 변화와 발전을 이루었다. 네일아트 재료들은 이미 포화상태가 되어가면서 정형적인 틀을 초월한 비정형적이거나 자연물에 영감을 얻어 융합을 시도하는 유기적이거나 주체성이 애매모호 하고 추상적인 디자인들이 새로이 등장하기 시작하였다. 이렇듯 네일아트 창작에서 소재 활용의 범주는 제한이 없고 이는 주제를 표현하는데 지장을 받거나 불가능이란 없는 자유로움의 극대화를 의미하며 이러한 새로운 흐름에 의해 정형화된 미보다는 독창적이고 개성이 나타나는 네일 디자인의 요구들이 늘어가고 있다. 본 연구자는 미래에 대한 긍정적 태도로 시대적 문화에 따른 다양한 기술과 미술의 융합된 결과가 변화하는 네일 디자인 분야에 어느 정도 영향을 미치게 되었는지 분석 연구하였다. 본 논문을 통해 미래의 개념에 있어서 가장 큰 특징이라고 할 수 있는 제4차 산업혁명시대와 디지털 패러다임으로 접어드는 시점의 각종 정보 등에 나타나 있는 미래지향적 디자인의 조형성을 도출하고 현대 건축물과 실내디자인, 미술작품과 네일아트 등에 표현된 미래지향적 성향이 표현된 디자인들의 조형적 특성을 살펴보고자 한다. 본 연구는 미래지향적 디자인의 조형성을 모티브로 네일 서비스에서 활용할 수 있는 네일아트 디자인을 제작하여 네일아트 디자인 서비스산업에 미래지향적 네일아트 디자인 특성을 제공할 수 있는 연구를 목적으로 한다. 연구의 방법은 다음과 같다. 첫째, 선행연구 및 자료를 바탕으로 미래지향적 개념과 현재 나타나고 있는 제4차 산업혁명과 디지털 패러다임의 개념 및 특징을 살펴보고 분석하였다 둘째, 미래지향적 디자인의 개념과 유래를 연구한 결과 아르누보, 아방가르드, 포스트모더니즘의 예술사조에서 비구조성, 유기성, 여성상징성, 해체성, 반전통성, 실험성, 해체행위성, 탈전환성, 자유투명성으로 9개의 조형성을 도출 정리하였다. 셋째, 미래지향적 디자인의 공통으로 도출된 조형성을 비정형성, 자연상징성. 탈구조성, 장식혼합성의 4가지로 미래지향적 조형성으로 제시하였다. 이를 바탕으로 건축물 및 실내디자인, 미술작품, 네일아트 등에 나타난 미래지향적 디자인의 사례를 찾아 분류하였다. 넷째, 미래지향적 디자인 사례로 조사한 건축물 및 실내디자인, 미술작품에서 나온 조형성을 모티브로 네일 디자인을 제작하였다. 각 3가지 미술사조의 조형성을 도출해낸 결과로 6셋트의 작품을 제작하였으며 연구 과정에서 도출한 여러 가지 결과를 분석한 결과 오늘날 우리가 접하고 있는 미래지향적 네일 디자인들은 과거의 예술사조에서 유래하여 반복 발전하는 것을 알 수 있었다. 본 연구결과를 통해 확인할 수 있는 실무적 시사점은 다음과 같다. 미술사조의 조형성을 적용하여 창의적 작품을 개발함으로써 네일살롱에서 고객들의 만족도를 높이고, 미래지향적 디자인의 조형성을 활용한 네일 디자인을 이해하고 천편일률적인 디자인에서 벗어나 독창적인 네일 디자인을 연구, 제시하였다. 현시대 네일 디자인의 등장 과정과 그로 인한 발전 과정을 통해 네일살롱에서 적극 활용되고, 학문적으로도 관련연구의 기초자료로 사용되어지기를 기대한다. The emergence of new designs is based on past designs, and design has changed and developed in many ways in accordance with the temporal environment and atmosphere of the art trend. As nail art materials have already been saturated, organic or subjective and abstract designs that have attempted to fuse with inspiration from amorphous or natural objects beyond the formal framework have freshly begun to emerge. Like this, there is no limit to the category of material use in nail art creation, which means maximizing freedom without interference or impossibility in expressing the subject. Due to this new trend, the demand for nail designs that are more original and individual than standardized beauty is increasing. This study analyzed and investigated the extent to which the fused results of various technologies and arts in accordance with the culture of the times affected the changing nail design field with a positive attitude toward the future. This study aims to derives the formativeness of future-oriented design shown in various information on the 4th Industrial Revolution era and the time of entering the digital paradigm, which can be said to be the biggest feature of future concepts and to examine the formative characteristics of designs that express future-oriented tendencies expressed in modern architecture, interior design, artwork, and nail art. The purpose of this study is to produce nail art designs that can be used in nail services with future-oriented design formativeness as motif and to provide future-oriented nail art design characteristics to the nail art design service industry. The method and conclusion of the study are as follows. First, the future-oriented concept and the concept and characteristics of the current Fourth Industrial Revolution and digital paradigm were examined and analyzed based on previous studies and data. Second, as a result of studying the concept and origin of future-oriented design, nine formative properties such as the unstructured, the organic, female symbolism, deconstruction, anti-traditionalism, the experimental, deconstruction activity, deconversion, and free transparency were derived : from the artistic thought of Art Nouveau, avant-garde, and postmodernism Third, the formative properties derived in common in future-oriented design were atypicality, natural symbolism, deconstruction and decorative mixing. Based on this, cases of future-oriented design found in buildings, interior design, artworks, and nail art were found and classified. Fourth, nail designs were produced based on the motif of the formative properties derived from architecture, interior design, and artworks investigated as future-oriented design cases. Six sets of works were produced as a result of deriving the formativeness of each of the three art trends, and after analyzing various results derived from the research process, it was found that the future-oriented nail designs we are encountering today originated from past art trends an have repeatedly developed. The practical implications that can be confirmed through the results of this study are as follows: By applying the formativeness of art philosophy and developing creative works, this study increased customer satisfaction in the nail salon, understood nail design using the formativeness of future-oriented design, and researched and presented original nail design away from monolithic design. It is expected that it will be actively used in nail salons through the emergence process of modern nail design and the resulting development process, and academically used as basic data for related research.

조선말기 문인화의 조형성에 대한 연구 : 추사 김정희 일파를 중심으로

권미희 한국교원대학교 대학원 2011 국내석사

본 연구는 조선말기 문인화의 조형성에 대한 주제의 김정희일파를 중심으로 한 연구로, 먼저 조선말기 문인화가 나올 수 있었던 정치․사회적 배경과 사상․문화적 배경, 문인화에 나타난 작가의 의식세계와 조형성을 밝혀 김정희를 중심으로 한 일파가 추구하고자 했던 문인화의 조형성을 규명하는 것을 목적으로 한다. 그동안 조선말기의 문인화에 관한 연구는 조선후기에 비해 소외되어 왔으며 그 연구도 문인화의 사의성 정도로만 이루어져 왔다. 따라서 조선말기의 문인화의 조형성에 대한 진정한 이해를 위해서는 이 시기 화단의 중추적인 김정희의 서화에 대한 고찰이 요청된다. 이에 본 연구는 조선말기 예단에서 김정희의 가장 대표적인 풍부한 서화와 제간 등을 통한 화론의 연구를 통하여 그 시기 김정희 일파가 추구하고자 했던 문인화의 조형성에 초점을 맞추고 있다. 연구는 다음과 같은 절차로 이루어 졌다. Ⅱ장에서는 문인화의 개념과 역사적인 연원을 살펴보고 조선말기 문인화의 성립 배경과 그 전개과정에서 김정희가 등장하기까지의 화단의 변화를 살펴보았다. Ⅲ장에서는 먼저 문인화에 나타난 작가의 삶과 의식세계를 규명 하였고 다음으로 이들의 문인화에 드러난 조형세계를 기초어법, 표현소재, 구도와 구성요소로 나누어 알아보았다. Ⅳ장에서는 김정희와 그의 일파들의 문인화에 나타난 조형성을 산수화와 사군자화로 나누어 그 특징을 밝히고 김정희가 추구하고자 했던 조형성을 토대로 김정희일파들이 그들의 서화계에 어떻게 그 조형성을 드러내었는지 함께 살펴보았다. 이와 같은 연구를 통하여 얻어진 결과를 연구목적과 관련하여 정리하면 다음과 같다. 첫째 김정희 일파들은 그 신분이 어떻고 간에 김정희와 같은 높은 정신적 사유의 세계를 지향하고 공감하여 당대 김정희 문인화의 조형성을 따르고자 하였다. 이러한 조형성의 근거는 김정희와 그의 후학들과의 서간을 통해 주로 나타나는데 이를 서화의 분야에서 요약해 본다면 김정희 화론이라 일컬을 수 있겠다. 이 화론에는 문인화에서 그가 추구하고자 하는 조형성이 나타나며 그의 일파들은 화론을 통해 기본적 조형감상과 조형능력이 훈련되어 있었다. 따라서 김정희와 그의 일파들은 고증학을 토대로 자의식을 가지고 조선말기 한국의 독자적인 서화세계를 이룩하였다. 둘째, 김정희가 추구한 조형성은 주로 산수화와 사군자화에서 나타난다. 산수화는 대표작인 <세한도>에서 조형성을 살펴 볼 수 있는데 주로 선을 위주로 한 갈필에 의한 묘사방법과 초목과 빈집의 구성, 여백(餘白)이 지닌 함축성, 시‧서‧화‧인의 구성방법에서 서사적인 내용을 담거나 인물 등의 구체적 형태를 묘사하지 않는 ‘수수한’ 경향을 띠었다. 이는 김정희가 일군 한국적인 조형어법으로 그의 일파들에 의해서 하나의 형식으로 자리잡게 된다. 셋째, 김정희가 추구한 조형성으로 사군자화중에서도 대표적인 작품인 <불이선란>에서 그 조형성을 살펴볼 수가 있다. 김정희는 사군자 중에서 가장 치기 어렵다는 난치는 법을 설명 하였다. 삼전법과 서예적 필법으로 화면을 가로지르는 기운 넘치는 취세의 난엽에서 그 기본적인 조형성이 만들어 지며, 시서화인의 구성 또한 사군자화의 조형성을 만들어 준다. 이 역시 김정희가 일군 한국적인 조형어법으로 그의 일파들에 의해서 하나의 형식으로 자리 잡게 된다. 이상의 연구를 통해 조선말기의 문인화가 조선후기 회화에 비해 결코 문화적으로 쇠퇴한 시기가 아니었음을 확인할 수 있었으며, 19세기 김정희일파를 중심으로 한 회화사에서 우리만의 한국적인 조형성이라는 중요한 어법을 재발견 할 수 있었다. 이는 말기 화단을 이끌어가는 김정희가 차지하는 의의와 그 일파들의 개성적 남종문인화풍의 조형성까지도 확인할 수 있었다.

중국 균자병의 조형성 분석 및 디자인 평가 요인에 관한 연구

장영보 동명대학교 대학원 2021 국내박사

균자(钧瓷)는 중국 허난(河南)성 우주(禹州)시를 중심으로 생산되는 자 기로 당나라 때 시작되어 송나라 때 가장 번성했던 중국 송대의 ‘5대 명 자(名瓷)’ 중의 하나로 지금까지 천년 동안 이어져 내려오며 세계 도자 발전사에서 중요한 위치를 차지하고 있다. 현재 균자병 디자인은 전통문 화의 창조적 전환과 혁신적 발전을 견지하면서도 현대적 디자인 방법을 적극적으로 모색하고 있다. 하지만 현대 균자병의 조형성에 대한 체계적 인 분석이 부족하고, 소비자들이 균자병에 대해 어떻게 평가하는지를 가 늠할 수 있는 디자인 평가 기준도 마련되어 있지 못하며, 균자병의 디자 인 발전 추이를 알 수 있는 과학적 분석 역시 아직 미흡한 실정이다. 이 러한 이유들로 인해 성숙된 디자인 평가에 기초하여 좋은 성과들을 내고 있는 해외 산업들과 비교해 볼 때 중국의 균자 기업들은 디자인 방면에 서 존재하는 문제점들을 조속히 해결하고 균자 산업의 신속한 발전을 추 진해야 할 필요성이 높아지고 있다. 이에 기초하여 본 논문에서는 문헌연구와 현장조사 연구, 그리고 중국 내외 디자인 연구 경험 등을 기초로 중국 균자병의 조형성과 디자인 평가 에 관한 연구를 진행하였으며, ‘이론적 고찰 - 조형성 분석 – 디자인 평가 요인 의 기준 개발 – 소비자 인식조사’라는 연구 틀을 구축하였다. 본 논문은 문헌연구와 실증분석을 결합한 연구 방법을 사용하여 균자의 개념, 종류 와 구성, 역사, 요계(窑系: 도자 가마 체계), 해외에 미친 영향 등을 고찰 하였으며, 또한 중앙정부 정책과 지방정부의 정책이 균자 산업에 미치는 영향을 분석하였고, 신중국과 신시기의 균자병의 조형적 특징을 조사 분 석해 균자병의 조형성을 구체적으로 조명하였다. 그리고 소비자들의 균 자병 디자인 평가 요인의 기준을 구축하였으며, 소셜미디어를 활용하여 소비자들의 균자병에 대한 인식을 조사하고 그 내용을 범주화하였다. 본 연구에서는 디자인학 관련 이론들을 응용하여 문헌 연구, 현장 답 사, 심층 인터뷰, 내용 분석, 설문조사, Spss 통계분석, Textom Analysis 등의 연구방법을 채택하였으며, 비교 분석, 정량 및 정성 연구법을 결합 하여 다음과 같은 결론을 도출했다. 첫 번째, 균자의 정부 정책 방향이다. 고찰 결과에 의하면 정부의 정책 은 균자 산업 발전에 커다란 영향을 미쳤다. 균자의 영향력이 높아짐에 따라 향후 정부 정책이 균자의 발전에 더욱 지대한 작용을 할 것으로 보 인다. 두 번째, 균자병의 조형성 분석이다. 종합적으로 정리하자면 형태는 전 통적 기물들의 양식에 기초를 두고 있었으며, 색채는 현지에서 생산되는 원료와 소제 공법에 의해 영향을 받았다. 문양은 전통적인 대중들의 관 념과 학자 및 문인들의 취향을 반영하였고, 재료는 현지의 원료들을 사 용하였다. 균자병은 전통의 계승이라는 측면에서는 어느 정도의 성과를 거두었지만 도자기 시장의 고급화, 예술화, 다변화, 개성화라는 발전 추 세에 발맞춰 전통적인 디자인 관례에서 벗어나 창의적이고 현대적인 감 각의 균자병으로 혁신할 필요성이 있다. 세 번째, 균자병의 디자인 평가 요인의 기준 구축이다. 선행연구에 기 초하여 26가지 요소로 된 균자병 디자인 평가 기준을 수립하였으며, 설문 조사 분석 결과를 토대로 5가지의 디자인 평가 요인으로 정리하였다. 결 과에 따르면 브랜드성(4.29)이 가장 높게 나타났으며, 심미성(4.22)이 그 뒤를 이었고, 요변성(4.09), 합목적성(4.00), 혁신성(3.85) 순으로 나타났다. 균자병의 조형성이 전통 양식을 위주로 하고 있으며, 또한 시장에서 많은 소비자층을 확보하고 있기는 하지만, 과거 기업들의 혁신과 브랜드에 대 한 인식이 강하지 않은 탓에 더 많은 소비자에게 최적화된 평가요인들이 부족했고, 이로 인해 균자병의 디자인과 생산에는 불확실성과 위험성이 늘 존재해왔다. 따라서 균자 기업들은 소비자들의 요구 파악과 시장성에 입각하여 정확한 포지셔닝을 수립하고, 혁신 능력의 증강과 균자병의 품 질 향상을 통해 독창성, 품질성, 브랜드성을 부각시킴으로써, 다원화되고 개성화된 소비자들의 요구를 만족시킬 필요성이 제기되고 있다. 마지막으로 소셜미디어를 활용한 균자병의 소비자 인식에 관한 내용이 다. 소셜미디어의 관점에 기초해 균자병 디자인에 대한 소셜미디어 소비 자들의 시각을 파악하였다. Textom 플랫폼을 통해 ‘균자병’을 키워드로 설정하여 바이두닷컴의 관련 데이터들을 수집하였으며, 68개의 고빈도 키워드를 선별하여 빈도와 중심성값을 분석하였다. 주요 키워드들의 중 심성 값에 근거해 어휘 클라우드 시각화, N-gram 네트워크 시각화, 매 트릭스 네트워크 시각화 분석 등을 진행하였다. Concor 분석을 시행해 클러스트 시각화의 결과를 통해 4개의 군집이 형성되었다. 키워드들 간 의 관계와 함축된 내용을 분석하여 ‘균자병의 역사 문화와 생산 공예’, ‘균자병의 디자인 요소’, ‘균자병의 품질성과 지역성’, ‘균자병의 발전 추 세’ 등으로 명명하였다. 이와같이 소셜미디어 빅데이터 분석을 통해 소비 자들의 균자병에 대한 전통문화 계승인식과 브랜드화를 통한 시장 개척 요구를 확인할 수 있었다. 본 논문의 연구 결과가 균자 기업 및 관련 부분들, 그리고 동 분야의 연구자들을 위해 균자병 조형의 주요 특징, 균자병에 대한 디자인 평가 요인의 기준, 균자병 생산과 디자인 평가의 현황, 균자병의 향후 발전 방 향 등을 파악하고 이해하는 데 필요한 이론적 참고점들을 제공할 수 있 기를 희망하는 바이다. 하지만 연구 데이터의 수집과 획득이나 연구의 범위 등의 한계성 또한 분명히 존재한다. 균자병의 조형성, 디자인 평가 요인, 소비자 인식 조사 등의 방면에 대해 앞으로 연구 대상과 연구 범 위들을 확대시킴으로써 한층 더 발전된 심도깊은 연구를 진행해야 할 것 이다. Jun porcelain is a kind of porcelain produced in the center of Yuzhou City, Henan Province, China. It began in the Tang Dynasty and flourished in the Song Dynasty. It has been passed down for thousands of years and is one of the "Five Famous Porcelains" in the Song Dynasty of China. At present, the product design of Jun porcelain bottles adheres to the creative transformation and innovative development of traditional culture, and actively explores modern design methods. However, there is a lack of systematic analysis on the formability of modern Jun porcelain bottles, and a set of design evaluation benchmark that can understand how consumers evaluate Jun porcelain bottles has not been constructed, and there is a lack of scientific analysis on the development trend of Jun porcelain bottles product design. Therefore, compared with the foreign ceramic industry which has achieved good results by virtue of mature design evaluation mechanism, Jun porcelain enterprises urgently need to solve the problems existing in product design and reverse the situation to promote the rapid development of Jun porcelain industry. Based on this, this research is based on literature research, on-site investigation and learning from domestic and foreign product design research experience, to study the shape and design evaluation of Chinese Jun porcelain vases, and construct a "theoretical investigation - formability analysis - design evaluation factors analysis - production status and future development trend analysis". The thesis uses a combination of literature research and empirical analysis to examine the concept, type and composition of Jun porcelain vases, as well as the concept, type, history, kiln family and overseas influences of Jun porcelain, and from both the central government policy and the local government policy. Analyzed the influence of government policies on the Jun porcelain industry, investigated and analyzed the shape characteristics of Jun porcelain vases from the two stages of New China and the New Era, constructed a new product design evaluation benchmark, and conducted empirical research on consumers' design evaluation of Jun porcelain vases. Analyze and discuss the production status and future development trend of Jun porcelain bottles. This research uses the relevant theories of design, adopts literature research, field research, in-depth interviews, questionnaire survey, social network analysis and other methods, through a combination of comparative analysis, quantitative and qualitative methods, the research draws the following conclusions: Firstly, the government policy orientation of Jun porcelain is analyzed. The investigation results show that the government policies have a great impact on the development of Jun porcelain industry, and with the continuous improvement of Jun porcelain's influence, the government policies will play a more positive role in the development of Jun porcelain in the future. Secondly, the formativeness of Jun porcelain bottles is analyzed. In general, the form is based on the form and style of traditional vessels, the color is based on the local special raw materials and firing technology, the pattern is based on the traditional popular auspicious view and elegant literati taste, and the materials are made of local raw materials. Obviously, Jun porcelain bottles have made some achievements in inheriting the tradition, but according to the development trend of high-grade, artistic, diversified and personalized ceramic market, it is necessary to break through the traditional design practices and innovate the design of Jun porcelain products with modern sense. Thirdly, the design evaluation and analysis of Jun porcelain bottles. On the basis of the previous research, a design evaluation benchmark of Jun porcelain bottles containing 26 elements was established. Through questionnaire analysis, five design evaluation elements were summarized. The research results show that brand (4.29) is the highest, aesthetic (4.22) is the second, kiln change (4.09) is the middle, purpose (4.00) is the lowest, innovation (3.85) is the lowest. Although the formativeness of Jun porcelain bottles is dominated by traditional styles and has a large audience group in the market, the design and production of Jun porcelain bottles is often full of uncertainty and risks due to the lack of enterprise innovation and brand awareness in the past and the lack of evaluation factors suitable for positioning more consumers. Therefore, it is necessary for Jun porcelain enterprises to grasp the needs of consumers, base on the market, accurately position, enhance innovation ability, improve product quality, shape the uniqueness, quality and brand of products, and meet the diversified and personalized needs of consumers. Finally, the production status and future development trend of Jun porcelain bottles are analyzed. According to the analysis results of social network media, the design of Jun porcelain bottles in terms of form, color and pattern is actively trying to integrate history and culture, local conditions and customs, folk art and modern art, and has achieved initial results. In the future, it is necessary to improve the modern sense, fashion, symbolism and aesthetics of products through systematic and in-depth research. In addition, the existing Jun porcelain bottles mainly include traditional products, archaized products, crafts and modern ceramics, etc. And there is not much difference in the size, function and price of the products. According to the development trend of high-end, artistic, diversified and personalized market, formulate strategic planning of brand construction and publicity, Jun porcelain enterprises should plan creative design competition and product exchange activities and design and produce products with different shapes, styles and prices for different consumer groups. It is hoped that the results of this study can provide necessary theoretical reference for Jun porcelain enterprises, related departments and researchers in the same field to grasp the main characteristics of Jun porcelain bottles formability, the design evaluation benchmark of Jun porcelain bottle, the current situation of production and design evaluation of Jun porcelain bottle, and the future development trend of Jun porcelain bottle. However, limited by the availability of research data and the limitation of research length, there is still a need to broaden the research objects and research scope and conduct further in-depth research on the formativeness of Jun porcelain bottles, the design and evaluation elements of Jun porcelain bottles, and the development trend of Jun porcelain bottles.

브랜드 디자인의 실상과 가상에 따른 조형성 연구

노인화 중앙대학교 대학원 2008 국내석사

패키지디자인은 제품을 담는 기능적인 특성에서 나아가 판매촉진의 중요한 수단으로서 소비자의 시각적인 감성에 호소하는 역할을 담당한다. 따라서 다른 상품과의 차별화를 통해 브랜드 이미지를 구축할 필요가 있다. 실제 소비자가 인지하는 디자인과 가상의 조형성에는 차이가 존재하는데 이는 브랜드가 내세우고 있는 이미지와 소비자가 인지하고 있는 이미지가 다르기 때문이다. 그렇기 때문에 소비자에게 브랜드를 인지시키는데 도움을 주는 조형적 요소와 조형적 원리를 통해 패키지디자인을 분석해 볼 필요가 있다. 본 연구에서는 20~30대 여성을 대상으로 한 조사를 통해 선정된 6개의 브랜드를 중심으로 브랜드 이미지 외에 형태, 선, 컬러, 재질 등의 조형성 이미지에 대한 실증조사를 실시하였고 이를 통해 실상과 가상의 조형성을 알아보고자 한다. 조사결과 소비자들은 향수브랜드를 여성스럽거나 세련되고 고급스러우며 친근한 이미지로 인식하고 있었다. 그리고 일부는 실제와 동일하게 형태를 인지하고 있었으나 대다수는 실제와 다르게 인지하고 있는 것으로 나타났다. 조형성의 다른 요소들인 선, 컬러, 재질감에 대해서도 실제와 소비자가 인지하고 있는 이미지는 상당한 차이가 있었으며 이는 향수병 자체보다 브랜드 이미지가 더 크게 작용했기 때문이라고 사료된다. 결론적으로 가상의 향수병은 실제 제품과 차이가 있는 것을 알 수 있다. 이는 하나의 브랜드에서 수많은 제품이 출시되고 있어서 소비자들의 혼동이 발생하고 브랜드가 내세우고 있는 이미지가 실제 디자인에 충분히 반영되지 못한 채 브랜드 자체의 이미지를 강조하고 있기 때문이라고 할 수 있다. A package design takes charge of a role that appeals to the visual emotion of consumers, in addition to the simple function to put a product. It is necessary to establish the brand-image through the product differentiation from another products. There is difference between the actual consumer's formation and the virtual formation. Because the image that brands appeal is different from the one that consumers recognize. For the reasons mentioned above, it is essential to analyze the formation of package design and the principle. Six perfume brands were selected through the preliminary investigation to the women in their twenties and thirties. This study has carried out the actual proof investigation about the formation image except the brand-image. With this research let us find out real and virtual formation. As a result the brand-image generally recognized by consumers is feminine, elegant, luxury and intimate. The real form of the perfume bottle was same as the one recognized by several consumers, but almost respondents recognized differently to the real form of the perfume bottle. About the line, color and texture, the elements of the formation there were much discrepancy between real formation and the image recognized by consumers. : Be thought that it is a gate for the brand- image having worked more greatly than perfume oneself. There exist differences between the formation of the virtual perfume bottle and the formation of the actual products. Consumers may confuse about the products because many kinds of products are being sold from one brand. The brand is emphasizing on the brand-image itself without sufficient reflection the real package design. Proceeding from what has been said above, it should be concluded that consumers' real and virtual formation about the package design of the perfume bottle have wide differences.

20세기 이후 실내디자인과 패션에 있어 조형적 상관성에 관한 연구

황인선 건국대학교 2002 국내석사

역사 이래 실내디자인과 패션은 조형양식에서 많은 상관성을 보여왔다. 20세기 이전의 조형양식 간의 이러한 상관성은 한 시대에 한 가지 양식이 존재했기 때문이었다. 고대 이집트에서의 삼각형, 그리스의 플루팅, 바로크의 과장된 남성적 곡선 등 한 시대에는 그 시대의 조형성을 나타내는 단일 양식들이 존재했다. 그러나 20세기에 들어서면서 발생한 두 차례의 세계대전은 국제사회에 많은 변화를 초래했고, 그 영향으로 현대 사회는 문화·예술 분야에서 다양한 조형양식이 발생하고 그 변화도 가속화되었다. 이에 본 연구는 이처럼 급변하는 20세기 이후 현대사회의 다양한 조형양식에서도 실내디자인과 패션의 상관성이 계속되는지 살펴보고 한 시대의 조형양식이 실내디자인과 패션이라는 다른 장르 간에서 서로 어떻게 연관되고, 어떠한 표현상의 차이점을 갖는지 고찰하기 위해, 20세기 이후의 조형양식 중에서 실내디자인과 패션에서 공통적으로 나타나는 양식인 모더니즘, 미니멀리즘, 포스트모더니즘, 해체주의를 연구의 범위로 분석하였다. 19세기 말의 산업과 과학·기술의 발달, 합리주의, 마르크시즘, 공리주의 사상 등의 영향으로 대두된 모더니즘은 대중성과 기능성을 강조하며 무장식적인 단순성을 주장하였는데, 이러한 시대적인 상황에 의해 모더니즘 시대에는 과도한 장식을 추구했던 20세기 이전의 실내디자인과는 달리 단순하고 추상적인 기하학적직선을 사용하여 기능적인 실내 공간을 추구하였다. 또한 기계에 의해 생산되는 공업제품과 신소재들로 건물이 지어지고 실내공간이 연출되기도 하였다. 실내디자인에서와 마찬가지로 패션에서도 많은 변화가 있었는데, 여성의 사회진출이 활발해지면서 이전 시대의 과도한 장식이나 여성적인 스타일은 점차 단순한 실루엣의 실용적이고 기능적인 의복으로 변화하였으며, 기계에 의한 의복의 대량생산도 가능하게 되었다. 그러나 전쟁 후 산업과 대중매체의 발달로 소비사회로의 급속한 변화를 한 미국을 중심으로, 모더니즘에 대한 비판이 대두되고 그로인해 새로운 양식들이 등장하였다. 모더니즘이 불완전한 상태에서 결론지어졌다고 평가하고 모더니즘의 불완전성을 극복하기 위해 등장한 미니멀리즘은 순수하고 환원적인 형태로 모더니즘을 극대화하고자 하였다. 단순성·반복성·사물성·환원성·공간성을 조형적 특징으로 하는 미니멀리즘은 실내공간에서는 단순하고 기하학적인 추상형태, 무장식적인 공간, 요소의 반복된 배열, 비움을 통한 체험의 공간으로 추구되었으며, 패션에서는 단순하고 직선적인 실루엣, 장식과 악세사리의 배제, 반복된 패턴, 인체와 의복의 순수성 등으로 추구되었다. 1960년대 소비사회를 반영하는 예술사조였던 팝아트의 대중성을 기반으로 시작된 미국의 대중주의는 이탈리아 신합리주의와 함께 1970년대 말 포스트모더니즘을 형성하였다. 전통을 거부하고 획일적이며, 무장식적이었던 모더니즘에 대한 반발로 태동된 포스트모더니즘은 다원성을 중심으로 대중적인 친근한 표현, 역사의 재현을 추구하였다. 개성을 무시하고 획일성만을 강조했던 모더니즘 시대에는 거부되었던 각 문화의 특성과 자연회귀 사상 또한 강조되었는데, 실내디자인에서의 포스트모더니즘은 고대 그리스 시대의 역사적 요소를 이용하여 실내공간을 표현하거나, 대중적인 익숙한 이미지를 차용한 장식적이고 유희적인 표현, 각 지역의 풍토와 기후, 전통을 현대적으로 재해석 한 지역주의적인 표현으로 추구되었다. 패션에서는 그리스 시대 뿐 만이 아니라 현재 이전의 모든 과거시대를 재현하는 복고적인 경향이 대두되었고, 만화캐릭터나 팝스타 등 대중에게 친숙한 이미지를 차용한 표현, 제3세계의 토속적인 민속복식을 현대적으로 재해석 한 에스닉 모드가 추구되었다. 1960년대 후기구조주의자들에 의해 주장된 해체주의는 철학을 중심으로 발전했는데, 현전하는 모든 것의 해체를 주장하였다. 차연·상호텍스트성·의미의 불확정성·탈현상으로 나뉘어지는 해체주의는 실내디자인과 패션 모두에서 1980년대 후반 본격적으로 논의되었는데, 실내디자인에서의 해체주의는 과거의 장소성에 대한 흔적의 표현, 낡고 오래되어 시간의 경과를 보여주는 표현, 음악·소설·생물학 등 다른 영역과의 혼합, 기능론·목적론에 적합하지 않는 공간, 탈중력·탈중심의 비정형적인 공간, 분열되고 의도적으로 파괴되거나 미완성되어 공사부재들의 노출로 표현되었다. 패션에서의 해체주의는 과거의 양식을 패러디하고 풍자하여 유희적으로 표현하거나 고의적으로 낡은 듯한 그런지 룩의 추구, 성·T.P.O.·코디네이션·소재의 혼합, 의복 착장방법의 다양성, 바이어스 커팅·비대칭적인 구성, 인체를 무시한 비정형적인 형태의 추구, 의도적으로 파괴되거나 미완성된 의복으로 표현되었다. 표현상 다소간 차이를 보이지만, 전반적인 조형성의 실현에서 실내디자인과 패션은 20세기 이전과 마찬가지로 20세기 이후에도 조형적인 상관성을 보이고 있음을 분석할 수 있었다. A Study on Interior design and fashion have a great association in formative styles since the beginning of history. This association with formative styles before the 20th century existed as one style in one age. Triangle in the ancient Egypt, floating in Greece, exaggerated male curves of the Baroque times existed as the single styles representative of the formativeness of the times. But two world wars in the 20th century brought about many changes in the international community, through whose influence contemporary society generated a diversity of formative styles in cultural and artistic fields and accelerated those changes. Therefore, this study attempted to investigate the association between interior design and fashion in a diversity of formative styles since the 20th century and what association and difference there was in expression between different genres such as interior design and fashion. And it sought to analyze as the scope of study such commonly found styles in interior design and fashion, such as modernism, minimalism, postmordernism, deconstructionism. Modernism coming to a front as a result of the development of industry, science and technology in the late 19th century, the influence of such currents of thought as rationalism, Marxism and utilitarianism place emphasis on popularity and functionality and argued for non-decorative simplicity. Unlike interior design before the 20th century pursuing excessive decoration, the age of modernism due to the situation of the times pursued the functional indoor space using geometrical lines. Also buildings were constructed of industrial products and new materials produced by machines, which displayed interior space. There are many changes in fashion as in interior design, many changes, and as the incorporation of women into labor force became active, excessive decoration and feminine styles were gradually changed into practical and functional clothing of simple silhouette and clothing was mass-produced by machines. But with the development of industry and mass media after wars, criticism of modernism came to a front largely in America that achieved rapid changes into consumption society and for this reason, new styles emerged. It was evaluated that modernism arrived at the uncertain state and the minimalism emerging to overcome the uncertainty of modernism attempted to maximize modernism in a pure and reductive form. The minimalism having the formative characteristics of simplicity, repetition, thingness, reductionism and spatiality was pursued simple and geometrical abstract form, undecorated space, the repeated arrangement of elements, and the space of experiences through emptiness in the interior space. It was pursued with simple and linear silhouette, the exclusion of decoration and accessaries, repeated pattern, purity of the human body and clothing and the like. The American popularism beginning on the basis of the popularity of pop art that was the artistic thought reflective of consumption society in the 1960s formed postmodernism in the late 1970s with neo-rationalism Postmodernism emerging as a revolt against the modernism that rejected and was uniform and undecorated pursued popular intimate expression and the reproduction of history. The characteristic of each culture and the thought of return to nature also were highlighted at the times of modernism neglecting individuality and highlighting only uniformity, and postmodernism in interior design expressed the interior space using the historical element of the ancient Greek times, or decorative and playful expression borrowing the popular familiar image and the naturalistic expression making a contemporary interpretation of the climate, culture and tradition of each region. In fashion, the retrogressive tendency reproducing the past times before the present-day times emerged, and expressive techniques borrowing the image familiar to the populace such as cartoon characters, pop stars and the like and the ethnic mode making a contemporary reinterpretation of the ethnic costume of the Third World. Deconstructionism maintained by post-constructionists in the 1960s developed around philosophy and argued for the deconstruction of everything extant. Deconstruction divided into the uncertainty and de-phenomenon of nature, intertextuality and meaning was discussed interior design and fashion on a full scale in the 1980s. Deconstruction in interior design was presented as the expression of vestiges of the past place, expression showing the passage of time, mixing with other domains such as musuic, novel, biology and the like and the space inappropriate to functionalism and teleology, the untypical space of de-gravity and de-centering and the exposure of disrupted, intentionally incomplete construction members. Deconstructionism in fashion was characterized by playful expression through parody and satirizing of the past styles, the pursuit of the intentionally worn and rugged grunge look, the mixture of sex, T.P.O, coordination and materials, the diversity of method of wearing clothing, bias cutting, unsymmetrical composition, the pursuit of untypical forms ignoring the human body and intentionally disrupted and incomplete clothing. There was a more less difference in expression, but interior design and fashion in realizing overall formativeness as before the 20th century could be evaluated to show the formative association after the 20th century.

중국 현대 도예의 표현기법 분석을 통한 조형성 연구

김진비 동명대학교 대학원 2024 국내박사

1978년 중국 개혁개방 정책에 힘입어 중국 현대 도예는 제작 기법, 표 현 수법, 심미적 경향, 예술 이념은 극적인 변화를 경험한다. 이러한 변 화의 배경에는 서양의 현대 예술의 영향을 무시할 수 없다. 서양의 현대 예술은 세계 예술계의 핵심 구성요소로, 그 예술적 표현 과 심미적 기준은 전 세계 다양한 예술 분야에 깊은 영향을 끼쳤다. 이 러한 조류의 영향속에서 영향을 받은 중국 도예도 새로운 변화와 발전을 이루어 냈다. 본 연구는 중국 현대 도예작품의 조형성에 대한 연구를 중심으로 중국 도예의 다양성, 혁신성 및 통일성을 탐구하였다. 연구배경은 주로 중국 개혁개방 이후, 서양의 현대 도예가 중국에 점차 유입되는 시기를 기점 으로 연구를 진행하였다. 연구목적은 중국 현대 도예의 조형적 특성을 심층적으로 탐구하고, 국 내외 연구 현황 및 다양한 발전 단계를 분석하여 현대 도예의 표현 기법, 조형성 분석, 심미적 특징을 도출하는 것이다. 이러한 과정을 통해 문화적, 이론적, 기술적 측면의 연구결과를 중국 도예이론의 발전에 힘을 보태고자 하며, 중국 현대 도예의 혁신과 발전에 새로운 가능성을 제시하고자 한다. 연구범위는 1970년대부터 현재까지의 중국 현대 도예작품을 중심으로 하며 자신의 재능과 혁신 정신을 통해 중국 현대 도예를 발전시킨 대표적 작가로 거론되는 다니엔(祝大年), 한메이린(韩美林), 저우궈전(周国桢), 야오용캉(姚永 康) 등 도예가들의 작품에 나타난 조형성과 심미성을 분석하고자 한다 그리고 연구목적을 달성하기 위해 문헌연구, 사례분석 및 시각적 분석     을 실시하여 중국 현대 도예작품의 형식적 요소, 표현양식, 조형 기법에     대한 심층적인 분석을 통해 조형성을 도출하였다. 중국 현대 도예작품의 조형성은 다양하고 복잡하며, 혁신성과 통일성 이라는 특성을 나타내고 있다. 이는 예술가들이 전통과 현대 동양과 서 양 예술에 대한 깊은 통찰과 더불어 독특한 창의력을 발휘하였다는 것이 며, 중국 현대 도예의 무한 가능성과 발전 잠재력을 보여주는 것으로 판 단된다. 중국 현대 도예의 조형적 특성은 도예작품의 심미적 가치를 결정하는 핵심 요소이다. 이에 본 연구에서는 중국 현대 도예작품의 조형적 특성을 체계적으로 분석하였으며, 재료의 다양성, 구조적 특성, 공간적 이해 및 공예의 혁신 성 등이 어떻게 조형적 조형성에 영향을 미치는지에 대한 내용을 도출하 였다. 이러한 결론은 예술가들이 다양한 문화적 배경과 예술적 이념에 대한 깊은 이해를 통한 작가들의 유연한 창작 태도를 보여주는 것으로 볼 수 있다. 그리고 마지막으로 연구자는 재료선택과 공예방법에서 중국 전통 도예 요소와 현대 예술기법을 결합하여, '사해의 보물' 이라는 도예 작품 시리즈를 창작하였으며, 이 작품들은 전통과 현대를 결합하는 방식 을 채택하여, 작품의 표현형식과 예술적 효과를 주고자 노력하였다. 본 연구를 통해 연구자는 도예의 조형성에 대한 체계적인 이론 분석과 실천 창작을 통해 이론 연구의 새로운 가능성과 실제 효과를 검증함으로 써 창작 실천에서 뚜렷한 성과를 거두었으며, 이러한 시도를 통해 중국 도예의 발전에 새로운 가능성과 방법시도를 하였다고 판단한다. The 1978 policy of reform and opening-up in China marked a dramatic transformation in modern Chinese ceramic art, encompassing production techniques, expressive methods, aesthetic trends, and artistic concepts. This shift was significantly influenced by Western modern art, which, as a core component of the global art scene, profoundly impacted various artistic fields worldwide. Under this influence, Chinese ceramic art achieved new changes and developments. This study focuses on the formal characteristics of modern Chinese ceramic artworks, exploring the diversity, innovation, and unity of Chinese ceramics. The research background centers on the period post-reform and opening-up, during which Western modern ceramics gradually permeated China. The purpose of this study is to delve deeply into the formal characteristics of modern Chinese ceramic art, analyzing current research both domestically and internationally, and various developmental stages to derive the expression techniques, formality analysis, and aesthetic features of modern ceramics. Through this process, the study aims to contribute to the development of Chinese ceramic art theory from cultural, theoretical, and technical perspectives, and to propose new possibilities for the innovation and development of modern Chinese ceramic art. The research scope encompasses modern Chinese ceramic artworks from the 1970s to the present, focusing on the formal and aesthetic qualities found in the works of prominent ceramic artists who have advanced modern Chinese ceramic art through their talent and innovative spirit. These artists include Da Nian (祝大年), Han Meilin (韩美林), Zhou Guozhen (周国桢), and Yao Yongkang (姚永康). To achieve the research objectives, the study employed literature review, case analysis, and visual analysis to conduct an in-depth analysis of the formal elements, expression styles, and forming techniques of modern Chinese ceramic artworks, thereby deriving their formality. The formality of modern Chinese ceramic artworks is diverse and complex, characterized by innovation and unity. This indicates that artists have demonstrated profound insights into both traditional and contemporary, as well as Eastern and Western art, along with unique creativity, showcasing the infinite potential and developmental prospects of modern Chinese ceramic art. The formal characteristics of modern Chinese ceramics are the key elements that determine the aesthetic value of ceramic artworks. This study systematically analyzed these characteristics, including the diversity of materials, structural features, spatial understanding, and the innovation of craftsmanship, and how these factors influence the formality of ceramics. The conclusions drawn illustrate the flexible creative attitudes of artists, stemming from a deep understanding of various cultural backgrounds and artistic ideologies. Finally, the researcher combined elements of traditional Chinese ceramic art with modern artistic techniques in the creation of the ceramic series "Treasure of the Seas." These works adopted methods that integrate tradition and modernity, enriching the expressive forms and artistic effects of the artworks. Through systematic theoretical analysis and practical creation in ceramic formality, the researcher achieved significant results in creative practice, verifying the practical effects of theoretical research. This endeavor proposes new possibilities and methodological attempts for the development of Chinese ceramic art.

한글 활자디자인 조합규칙의 경제성과 조형성에 대한 연구

이용제 홍익대학교 대학원 2003 국내석사

그림과 형상으로써 시작된 문자는 인류의 노력으로 체계화되었으며, 인류는 문자를 표현하는 도구를 발전시켰다. 이러한 문자 일반의 체계화와 발전은 인류가 기능성과 경제성, 그리고 조형성의 가치를 인식했기 때문이라고 할 수 있다. 특히, 활자디자인에서의 기능성과 경제성, 그리고 조형성에 대한 인식은 신 타이포그라피로부터 비롯되었다. 신 타이포그라피에서 추구한 활자의 기능성과 경제성, 그리고 조형성에 대한 모색을 우리는 한글 활자디자인에서도 발견해 낼 수 있다. 특히, 모아쓰기 원리는 한글 활자디자인의 핵심이라고 할 수 있으며, 여가에서 우리는 활자디자인에서의 기능성과 경제성. 그리고 조형성의 가치를 찾아낼 수 있다. 이 논문에서는 한글 활자디자인을 함에 있어 하나의 제작 방법으로서의 조합규칙을 경제성과 조형성의 가치 측면에서 검토함으로써, 한글 활자디자인의 조합규칙에서 경제성과 조형성이 갖는 의미와 그 영향에 대해서 알아보고자 한다. 그 이유는, 첫째, 활자디자인은 예술성의 가치보다는 실용성의 가치가 우선하기 때문이다. 둘째, 한글 활자디자이너는 폰트제작의 생산성에서 자유롭지 못하기 때문이다. 셋째, 활자의 미적 가치로서는 활자디자인의 효율성이나 폰트제작의 생산성만큼 중요하기 때문이다. 이런 문맥에서 볼 때, 한글 활자디자인의 조합규칙에 있어서 경제성과 조형성의 상호 유기적 관계는 앞으로의 한글 활자디자인에서 가장 중요한 요인이라고 지적할 수 있겠다. <서론>에서, 연구자는 위와 같은 논지와 연구목적을 밝혔으며, 연구대상과 범위를 네모꼴 한글 활자 중에서 명조체와 고딕체로 한정했다. 연구방법은 선행된 문헌연구와 조합규칙 사례분석을 하였다. 또한, 연구자는 용어정의를 통하여 아직 일반화 내지는 통일되어 있지 않은 한글 활자디자인 용어들의 규정을 시도해 보고자 하였다. <1장>에서는 한글 활자디자인의 기초 개념인 네모꼴과 탈네모꼴, 완성형 폰트와 조합형 폰트 그리고 낱자형 디자인과 쪽자형 디자인으로 분류하여 논의하였으며, 특히 쪽자형 디자인에서는 세벌식과 다벌식에 대해서 논하였다. 곧 네모꼴 활자와 조합형 폰트, 그리고 쪽자형 디자인의 특징을 살펴봄으로써 이 연구에서 다루는 대상의 의미를 명확히 하고자 했다. <2장>에서는 한글이 모아쓰기에 의해서 이루어진다는 점을 훈민정음과 그 외의 전적들, 곧 훈민정음 해례解例의 예의例義와 제자해制字解, 세종실록」권 102, 그리고 최만리 상소 등을 통해 확인하였다. 그리고, 한글의 합자合字 원리가 서양의 그리드grid와 모듈module 개념과 상통하는 맥락임을 살펴봄으로써, 한글이 전산화되기 이전의 모듈화 연구가 조합규칙으로 해석될 수 있음을 용례들을 통해서 진술하였다. <3장>에서는 한글 활자디자인을 함에 있어 하나의 제재작 방법으로서의 조합규칙을 경제성과 조형성의 가치 측면에서 분석하였는데, 그 논거로써 한글 기계화과정과 그 이후 논의되었던 일련의 논의를 통해서 검토하였다. <3.1>에서는 활자의 경제성에 대한 논의의 기점이 신 타이포그라피에서 비롯되었음을 짚어 보았다. 그리고, 한글 활자제작의 효율성으로서의 경제성에 대한 논의를 본격적으로 시도함에 있어 이를 한글 기계화와 한글 음절글자 사용빈도 수와 연계시켜 검토하였다. <3.2>에서는 한글 활자의 조형성에 대한 논의로서 한글 조형의 원리를 분석하였고, 활자 자체의 조형적 아름다움은 균형과 초화로써 만들어지는 시각적 즐거움이라고 정의하였다. 또한 조합규칙과 한글 활자의 조형성의 유기적 관계를 살펴보았다. <3.1>과 <3.2>를 통하여 조합규칙을 분석하기 위한 하나의 준거틀로서 경제성과 조형성이 가능함을 개진하였다. 특히, <3.3>에서는 조합규칙을 분석할 틀로서 ‘벌 수’와 ‘쪽자 수’, 그리고 ‘닿자·흘자·받침의 분류’ 를 제시하였다. <4장〉에서 ‘벌 수’ 와 ‘쪽자 수’ 그리고 ‘닿자·흘자·받침의 분류’ 로써 조합규칙 사례를 분석하였고, <5장>은 그 사례를 다시 경제성과 조형성의 가치로써 적용하여 그 유형을 나누어 보았다. 따라서, 연구자는 이 논문에서. 한글 활자디자인에서 정채성과 조형성의 상호 유기적인 관계를 검토함으로써 한글 활자디자인의 조합규칙에 대한 유형을 추출해 낼 수 있었다 요컨대, 연구자는 이 연구를 통해서 한글 활자디자인에서의 경채성과 조형성의 가치에 대해서 재인식할 필요성을 느꼈다. 그리고, 한글 활자디자인에 있어 경제성과 조형성, 이 두 가치는 서로 상반되는 것이 아닌 상보적인 관계를 이룸으로써 한글 활자디자인 영역의 무한한 가능성을 가져다 줄 수 있는 요체임을 알 수 있었다. Characters that have originated from drawings and forms were systemized by mankinds efforts and it has developed a means to express these characters. It can be stated that such systemization and development were caused by mankinds recognition of characters functional, economical and formal values. Furthermore, recognition of above stated importance in terms of print type design has originated from New Typography. We can also discover the same print types functionality, economical efficiency and form pursued by New Typography in Korean languages print type as well. The principle behind Korean languages gather writing can especially be noted as the core of Korean language print type designing and from here, we can find print type designs functionality, economic efficiency and form. Within the realm of Korean print type design, this dissertation intends to examine a production method known as combination rules from the aspect of economical efficiency & form and study the significance and effects of those found results. Motivations were first, print type design emphasizes more on practical values rather than artistic values: second, Korean print type designers are not free of productivity when designing fonts and last, print type designs aesthetic values are just as important as designs effectiveness and font creations productivity. From this context, it can be pointed out that Korean print type designs mutually systematic relationship of economical efficiency and form will become the most important factor in Korean print type design. In the (Introduction), the author has indicated the purpose of this research as argued above and defined research subjects & parameter as Myungjo-type & Gothic-type from tetragon Korean print types. Research method was set on preceding literature researches and combination rules case studies. Additionally, the author has made an attempt to regulate Korean print type terminologies that is not yet generalized or standardized by arranging a glossary. In (Chapter 1), debates have been made through classifications of fundamental Korean print type design concepts of tetragon & post-tetragon types, complete form & combination form fonts, and syllabic & uniformed designs and especially under the category of uniformed design, a debate has been offered in reference to three phonetic-style & more then three phonetic-style. In other words, this research debate subject and contents have been clarified through a study of tetragon type, combination form font, and uniformed design characteristics. In (Chapter 2), the idea that Korean language is realized through gather writing has been confirmed through li`-yi`;例義 & zhi`-zi`-jieˇ;制字解 of jieˇ-li;解例 in xu`n-min-zhe`ng-yin;訓民正音, shi`-zo￣ng-shi´-lu`;世宗實錄 102, Choi Man-ri Scholars Appeal to the Throne, and others to lead to an investigation of Korean word combination principles correlations to grid and module of the West. Furthermore, the author has made a testimony to discovering an example of Korean print type produced using grid & module applied combination rules prior to Korean languages digitalization. In (Chapter 3), a Korean print type production method known as combination rules have been analyzed from the aspect of economical efficiency & form and as its basis for argument, studies were made of the mechanization of Korean language and a series of debates argued hence after. The argument that the cardinal point of arguments regarding the economical efficiency of Korean print type has led from New Typography has been recognized in (3.1) and Korean mechanization & Korean character usage frequency has been linked to be examined to make a full attempt at offering a debate in regards to the economical efficiency of Korean print type production. The principle behind Korean form has been analyzed as a Korean print types form argument in <3.2) and the formal beauty of type itself was defined as being an optical pleasure composed of proportion and harmony. Also, the systematic relationship of combination rules and Korean print types form has been studied. Economic efficiency and form have been presented as a reference mark to analyze combination rules through (3.1) & <3.2). As a prelude to (Chapter 4), number of phonetic groupings, number of combinations, abbreviated & stand-alone characters, and characters final consonant have been presented in <3.3). Details of combination rules example division into above mentioned criterion have been examined in (Chapter 4) and in (Chapter 5), the same example has been applied to economic & formal values to dissect its tangibles. Consequently, the author was able to extract the tangible of Korean print type designs combination rules through examination of the mutually systematic relationship of designs economical efficiency and form. The author, in short, has felt the need of re-recognition of Korean print types economical and formal values through this research: these two values are not contradicting to each other but rather, complementing and thus, they are a secret to an unlimited possibility of the Korean print type domain.

세계주의 모더니즘을 영감으로 한 패션 디자인 연구 : 개념적 아이디어 접근 방법과 기능화 과정을 중심으로

김이슬 안동대학교 2018 국내석사

본 연구의 목적은 세계주의 모더니즘을 영감으로 한 패션 컬렉션 라인을 개발하는 데 있다. 연구 목적을 달성하기 위한 연구 문제는 다음과 같다. 첫째는 모더니즘의 발생 과정과 조형성의 개념은 무엇인가이다. 둘째는 모더니즘의 이중적 속성인 개념적 모더니즘과 기능적 모더니즘의 특성은 무엇인가이다. 셋째는 바우하우스와 모더니즘은 어떠한 관계성을 구축하고 있으며, 바우하우스의 세계주의 모더니즘 특성은 어떻게 분석되는가이다. 넷째는 세계주의 모더니즘은 어떻게 정의되며, 그 특성은 무엇인가이다. 다섯째는 현대 패션에 나타난 세계주의 모더니즘의 특징은 무엇인가이다. 여섯째는 세계주의 모더니즘의 콘셉트는 연구자의 작품에 어떻게 반영되는가이다. 본 연구의 연구 방법은 문헌 연구와 내용 분석이며, 8착장으로 구성된 패션컬렉션 라인 개발이 포함된다. 본고는 앞서 제시한 연구 문제를 해결하기 위해 세계주의 모더니즘의 개념과 디자인 특징을 분석한 후, 이를 근간으로 현대 패션에 나타난 세계주의 모더니즘의 특징을 고찰할 것이다. 본고는 모더니즘, 바우하우스 관련 서적과 기초교육과정, 직물 공방, 그리고 건축 공방의 224 작품 분석을 통해 세계주의 모더니즘의 특성을 추출하여 연구의 기반을 마련한다. 또한 의복의 현대화가 실현된 1920년대, 모더니즘의 개념이 트렌드에 직접 반영된 1960년대, 그리고 예술적 조형성의 입체화를 구축해낸 1980년대 이후 디자이너들의 작품을 고찰을 통해 기하학적 조형성과 예술적 조형성을 지닌 128개의 여성복 컬렉션을 1차 추출하여 대표 디자이너 14명을 선정한다. 더불어 선택된 디자이너들의 89개 컬렉션 중 567작품을 추출하여 현대 패션에 나타난 세계주의 모더니즘의 특성을 심층 분석 한다. 마지막으로 연구자는 이를 바탕으로 디자인 영감의 원천을 정립하여 남성복 3착장과 여성복 5착장으로 구성된 컬렉션 라인을 연구 결과물로 도출할 것이다. 본고의 결과 세계주의 모더니즘은 작가의 주관적 표현인 추상과 기능주의가 융합되어 정립된 개념으로 도형 모듈과 제한된 컬러의 조합이 구축한 기능적 형태성과 공방의 기술로 만들어낸 재료의 예술성이 융합된 국제적이고 영속적인 특성을 내재한 디자인 양식으로 정의되었다. 또한 바우하우스의 기초디자인 양식을 분석한 결과 도출된 세계주의 모더니즘의 특성은 다음과 같았다. 첫째는 개인의 관념적 표현이 만들어낸 기하학적 형태성이 내재된 ‘개념적 보편성’이고, 둘째는 도형 모듈의 실루엣과 제한적 컬러의 조화가 구축한 규정성을 의미하는 ‘영속적 단순성’이며, 셋째는 오브제의 기하학적 해체와 수학적 재구성이 만들어낸 형태적 기능미를 표출하는 ‘기능적 예술성’이, 넷째는 형태와 색채, 평면 재료와 입체 재료의 융합을 통해 구현되는 통합적 예술성인 ‘창조적 통합성’, 그리고 마지막은 조형 예술 장르의 해체와 재조합을 통해 표출되는 규격화된 공간의 자유성을 뜻하는 ‘구조적 자유성’이 특성으로 나타났다. 연구자는 앞서 분석된 세계주의 모더니즘의 특성을 영감의 원천으로 『Artistic Realism』이라는 컬렉션 라인의 주제를 선정하였다. 『Artistic Realism』은 인간의 내면에 내재한 여성성과 남성성이라는 성적 특성의 모호성과 이중성을 예술적으로 시각화한 것이었다. 연구자는 발터 그로피우스가 1920년에 발표한 「성의 속성에 대한 조형적 담론」을 근거로 주제를 선정하였는데, 그로피우스는 이 이론에서 남성과 여성을 상징하는 기호로 삼각형, 사각형, 원의 도형과 빨강, 파랑, 노랑의 컬러를 제시하였다. 연구자는 이를 바탕으로 인간의 형태적 요소와 정신적 요소를 상징하는 요소를 작품에 담아내었다. 연구자의 작품에서 원은 여성성을, 사각형은 남성성을, 그리고 삼각형은 여성성과 남성성의 융합을 상징한다. 또한 인간의 형태적 요소는 인체의 컬러인 뉴트럴 컬러 계열을, 정신적 요소는 그로피우스의 영향을 받아 정신과 물질의 융합을 상징하는 ‘United Spiritual Yellow’를 사용하여 작품을 전개하였다. 또한 디자인 아이덴티티는 『Abstract Body』로, 이는 그로피우스가 1920년 바우하우스를 건립한 직후 형태 학습의 중요성을 강조하며 개발한 교과 과정 「Formlehre(Form Training)」에서 영향을 받았다. 연구자는 이 이론을 근거로 개인의 내면과 인식을 구성하는 인간 내면의 본질적 요소와 스킨, 헤어, 몸의 구조 등 인체의 외적 요소를 재해석하였다. 세계주의 모더니즘이 반영된 디자인 요소 중 실루엣은 세계주의 모더니즘의 조형적 특성과 오스카 슐레머의 추상 이론을 모티프로 구축되었으며 이는 ‘개념적 보편성’, ‘영속적 단순성’, ‘창조적 통합성’이 반영된 형태성으로 표출되었다. 또한 컬러는 ‘Primary Skin Beige’, ‘Cubic Brick Brown’, ‘United Spiritual Yellow’를 메인 컬러로, ‘Symbolic Body Brown’, ‘Composed Dark Skin Brown’, ‘Double Conceptual White’를 서브 컬러로 사용하였다. 모더니즘의 상징적 컬러이자 작가의 주관을 대변하는 ‘United Spiritual Yellow’는 디자이너가 느끼는 내면의 혼재를 시각화하는 컬러이며, ‘Primary Skin Beige’, ‘Cubic Brick Brown’, ‘Symbolic Body Brown’, ‘Composed Dark Skin Brown’은 인체의 외적 요소를 모티브로 재해석한 컬러로 사용되었다. 소재는 오간자, 모직, 면이라는 서로 다른 소재의 조합을 통해 ‘이질성이 만들어낸 재료의 통합’과 ‘이질성이 부각시키는 재료의 본성’이라는 재료가 담고 있는 이중적 속성을 미학적 관점에서 탐구하였다. 또한 연구자는 바우하우스 직물공방 마스터 애니 알버스의 작품에서 영감을 받아 ‘Double Glen Pattern’, ‘Ideal Tartan Pattern’, ‘Irregular Stripe Pattern’, ‘Rigorous Stripe Pattern’로 명명되는 4가지의 텍스타일 디자인을 개발하였다. ‘Double Glen Pattern’, ‘Ideal Tartan Pattern’은 2D 물성을 3D 물성으로 속성의 전환을 시도한 텍스타일 디자인 작품이며, ‘Irregular Stripe Pattern’, ‘Rigorous Stripe Pattern’은 선의 반복과 배열을 통해 시각적 운동성과 상대성을 표출한 것이었다. 컬렉션 라인은 『True Man』, 『The Gulf』, 『Deep Male Side』로 명명되는 남성복 3착장과 『Nothing』, 『True Woman』, 『Be in Confusion』, 『Act Feminine』, 『Human Realism』이라는 여성복 5착장으로 구성되었다. 본 연구의 결과 세계주의 모더니즘의 특성은 ‘상업성’, ‘영속성’, ‘대중성’, ‘기능성’, 그리고 ‘예술성’으로 밝혀졌다. 또한 현대 패션 디자이너들은 세계주의 모더니즘의 양식을 기반으로 ‘도형적 모듈’, ‘개념적 재료’, ‘모더니즘 컬러의 전복과 재구성’을 통해 세계주의 모더니즘의 특징을 작품에 표현하였다. 기하학적 조형성을 대표하는 디자이너들의 작품에서는 세계주의 모더니즘 작품의 일차원적 차용과 보편성, 기능성을 위한 평면적이고 단순화된 형태성의 직접적인 수용이 두드러지게 나타났다. 반면 예술적 조형성 디자이너들은 세계주의 모더니즘 작가들의 본질적 표현 방법이었던 관념적 형태 접근을 통해 패션의 개념적 형태성을 구축하였으며, 세계주의 모더니즘 작품 특징의 직접적인 차용보다는 패션 디자이너의 주관에 의해 재해석된 역동적이고 실험적인 형태성이 표출되었다. 결론적으로 세계주의 모더니즘은 개인의 개념적 아이디어 접근을 통해 오브제의 모듈화와 컬러 그리고 재료의 예술성을 융합하여 예술의 보편화와 대량 생산을 위한 기능화 과정을 실현시키며 현대적 디자인 양식의 법칙을 구축하였다. 또한 세계주의 모더니즘 양식은 현대 패션디자인의 조형적 특징의 근간이었다. 본고는 세계주의 모더니즘의 특성을 연구자의 관점으로 재해석하여 오브제의 개념적 아이디어 접근과 기능화 과정이 담긴 8착장으로 구성된 패션 컬렉션 라인을 최종 결과물로 도출하였다. The aim of this study is to develop a fashion collection line inspired by cosmopolitan modernism. The research questions to achieve the aim of the paper are as follows. First, what is the developmental process of modernism, and what is the concept of formativeness? Second, what are conceptual modernism and functional modernism, which are the dual properties of modernism? Third, what is the relationship between Bauhaus and modernism, and what are the characteristics of Bauhaus’s basic design styles? Fourth, how can we define cosmopolitan modernism, and what are its characteristics? Fifth, which characteristics of cosmopolitan modernism are expressed in contemporary fashion? Sixth, how is the concept of cosmopolitan modernism reflected in design process of researcher? This research uses the methods of literature review and content analysis to develop a fashion collection line consisting of eight clothing items. This paper analyzes the concept of cosmopolitan modernism and its design features to answer the above research questions; based on the results of this analysis, researcher then examines the characteristics of cosmopolitan modernism that manifest in contemporary fashion. This study prepares for the basis of the research by identifying the characteristics of cosmopolitan modernism through an analysis of books about modernism and Bauhaus, and an analysis of 224 works in the preliminary course, the textile workshop, and the architect workshop. In addition, researcher selects 14 representative fashion designers by examining designers’ works from 128 women’s collections that used geometric formality and artistic formality in the 1920s (when the clothing became modernized), 1960s (when the concept of modernism was directly reflected in the trends), and after the 1980s (when artistic formality was made three-dimensional). Moreover, researcher conducts an in-depth analysis of the characteristics of cosmopolitan modernism revealed in contemporary fashion by examining 567 works from the selected designers’ 89 collections. Lastly, researcher uses the results of analysis as a source of design inspiration and draw a collection line consisting of three men’s clothing items and five women’s clothing items. This study identified the following characteristics of cosmopolitan modernism. First, ‘conceptual universality,’ a type of geometrical formality created by individual conceptual expression. Second, ‘persistent simplicity’ which refers to the definitiveness created by the combination of the figure modules’ silhouettes and limited colors. Third, ‘functional artistry,’ the morphological functional beauty created by the geometrical deconstruction and mathematical reconstruction of objects. Fourth, ‘creative unity,’ the integrated artistry realized through the fusion of shapes, colors, and two- and three-dimensional materials. Fifth and finally, ‘structural freedom,’ which refers to the freedom of standardized spaces expressed through the deconstruction and reconstruction of the plastic arts genre. Researcher established the design inspiration by reinterpreting the characteristics of cosmopolitan modernism in terms of the『Artistic Realism』 that constitutes my design identity. 『Artistic Realism』 offers a means of artistically visualizing the ambiguity and duality of humans’ intrinsic sexual traits, femininity and masculinity. Applying this approach, researcher reinterpreted the essential elements of the human mind that constitute an individual’s inner life and cognition and the external elements of the human body. From this reinterpretation, researcher derived the concept of 『Artistic Realism』 and established it as the theme of the collection line. As a result of this study, researcher developed a collection line that included three men’s clothing items—『True Man,』 『Deep Male Side,』 and 『Act Feminine』—and five women’s clothing items—『Nothing,』 『True Woman,』 『Be in Confusion,』 『The Gulf,』 and 『Human Realism.』 The following are the fashion design elements researcher extracted by analyzing the concept and characteristics of cosmopolitan modernism to develop collection line of researcher. First, of the various characteristics of cosmopolitan modernism, the silhouette reflects Bauhaus’s conceptual universality, persistent simplicity, and creative unity. The silhouettes based on these principles include an unbalanced dome silhouette, an unbalanced silhouette, a pencil slim silhouette, an H silhouette, a big unbalanced silhouette, an unbalanced H silhouette, an oval silhouette, and a U silhouette. Researcher expressed the characteristic of conceptual universality by reinterpreting the distinctive features of women’s and men’s bodies as geometrical modules and cubes, and researcher expressed the characteristics of persistent simplicity by using the figure modules’ silhouettes and limited colors. Moreover, researcher expressed creative unity through the fusion of planar and cubic shapes, color contrasts, and the use of materials with two- and three-dimensional properties. Second, in terms of color, researcher depicted the mixed inner state by using colors symbolizing human nature, such as ‘Primary Skin Beige,’ ‘Cubic Brick Brown,’ ‘Symbolic Body Brown,’ and ‘Composed Dark Skin Brown,’ and colors that symbolize modernism and represent the designer’s subjective perspective, such as ‘United Spiritual Yellow’ and ‘Double Conceptual White.’ Finally, in terms of materials, researcher explored the dual nature of the materials—‘the material unity created by heterogeneity’ and ‘the nature of material highlighted by the heterogeneity’—from an aesthetic perspective through the combination of heterogeneous materials, such as organza, wool, and cotton. This study defined cosmopolitan modernism, a concept established through the fusion of the designer’s subjective expression and functionalism, as a design style with an international and persistent character that fuses the functional formativeness created by the combination of figure modules and limited colors and with the material artistry realized through craft techniques. The characteristics of cosmopolitan modernism can be summarized as ‘commerciality,’ ‘persistence,’ ‘popularity,’ and ‘artistry.’ Contemporary fashion designers have reflected these characteristics in their works through ‘figure modules,’ ‘conceptual materials,’ and ‘deconstruction and reconstruction of modernism colors.’ In conclusion, cosmopolitan modernism represents the principle of contemporary design style by realizing the process of functionalization for the universalization and mass production of art by modularizing the object and fusing the artistry of colors and materials through the individual’s conceptual idea approach. Moreover, cosmopolitan modernism style is the foundation of contemporary fashion design’s formative characteristics. Thus, researcher deconstructed and reconstructed the characteristics of cosmopolitan modernism and expressed reinterpretation of the conceptual idea approach to objects based on ideas of researcher and the functionalization process in a fashion collection line that consists of eight clothing items resulting from this study.