유아 대상 전통예술교육 프로그램 개발 및 적용 - 통영지역 유아 문화예술교육사업을 중심으로 -

권양희 한국예술문화학회(구 (사)한국전통예술협회) 2024 한국예술문화연구 Vol.4 No.1

본 연구는 유아 예술경험 영역의 효율적인 지도방안을 제공하는 데 목적이 있다. 이를 위해 통 영오광대 콘텐츠(탈춤, 가면놀이, 전통악기)와 영유아의 자람을 돕는 전통놀이로 누리과정 예술 경험 영역의 유아 문화예술교육 프로그램을 개발한다. 연구 방법은 누리과정 예술경험 영역을 반영한 유아 대상 전통예술교육 프로그램을 개발한 후 통영시 소재 유아 교육기관의 만 3-5세 유아 200명에게 적용하여 그 효과성을 분석하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 본 프로그 램의 실행을 통해 전통 예술교육은 유아의 정서 및 태도 발달에 영향을 미칠 수 있음을 확인하 였다. 둘째, 본 프로그램이 아름다움과 예술에 관심을 가지고 창의적 표현을 즐길 수 있는 예술 경험의 목표에 적합함을 확인하였다. 따라서 본 프로그램이 유아가 자발적인 참여를 통해 예술 적 느낌을 창의적으로 표현하며 즐길 수 있도록 하는 통합교육을 기대한다. The purpose of this Study is to Study the Sigimsae of Yukjabaegitori, focusing on the lyrics of <Heungtaryeong>, one of Namdo Folk Songs. The research method was to record Hong Seung-ja's ‘Heungtaryeong’ in Jeongganbo and analyze Sigimsae. The conclusion is as follows. First, when singing, Sigimsae should not be lost in conveying the meaning and atmosphere of the Song. Second, since Folk Songs have been passed down orally, the same lyrics of the same Song are expressed differently depending on who Sings and listens. Third, the Song of <Heungtaryeong> has the unique regional Sigimsae of Namdo Folk Songs that cannot be fully expressed through symbols alone. Fourth, it has a melody in which the preceding note rises upward and then falls in order to make the note thicker. In the future, we hope that more research on various Sigimsae will be conducted and recorded so that Folk music, the people's Song, can be sung and passed down to more people and be passed down to future generations.

미술품 창작활동과 표현의 자유

김성룡(Kim Sung Ryong) 조선대학교 법학연구원 2016 法學論叢 Vol.23 No.2

대한민국 헌법 제22조제1항에서 보장하는 ‘예술의 자유’에 대한 형사법적 제약 혹은 형사법적 법률유보의 모습은 주로 ‘음란’(淫亂)이라는 개념으로 등장한다. 예술ㆍ표현의 자유가 타인의 형법적 보호법익을 침해하는 경우도 있다. 모욕·명예훼손 혹은 재산죄 등에서 예술의 자유는 정당화사유의 해석문제로 등장하기도 한다. 이처럼 예술의 자유를 보호하는 방향에서건, 아니면 예술의 자유를 제한하는 관점에서건 충돌하는 다양한 이해관계를 해결해야 하는 입장에서는 “무엇이 예술인지를 누가 결정할 것인가?”라는 근본적인 물음에 대답해야 한다. 달리 말해 ‘예술이란 무엇인가’라는 예술의 개념에 대한 물음과, ‘누가 과연 그 예술이라는 개념을 정의할 것인가’라는 문제가 등장한다. 이 두 가지의 물음은 예술의 자유와 그 제한을 둘러싼 논쟁 중에서 가장 의견대립이 심한 영역에 관련된 것이기도 하다. 아래에서는 문화·예술법의 가장 근본적인 물음들 중의 하나라고 할 수 있는 물음, 즉 “누가 문화·예술·음란 등을 정의할 수 있는 권한을 가진 자인가?”라는 물음에 대한 국내의 논의와 함께 독일의 논의를 비교법적으로 살펴보면서, 향후 예술을 개념 정의할 권한은 누구에게 주어지는 것이 합리적인지 생각해 보았다. Restrictions on the freedom of art guaranteed in Article 22 paragraph 1 of the Constitution of the Republic of Korea is mainly appeared as the legal notions like ‘obscene’(음란한) acts or pictures. On the one hand, freedom of artistic expression may infringe upon someone s legal interests, especially from the perspective of criminal law. On the other hand, freedom of art can emerge as a defence against the crimes such as insult, defamation or property crimes. Independent of his personal attitude to the freedom or its limitation of artistic creative activities, anyone who needs to resolve the problem of conflicting interests has to answer the following fundamental questions: “what is art?”, “who can define art?” These two questions are being currently subject of intense debate, it is difficult to expect a consistent agreement. In this paper, the author attempts to review the opinions on the proper decision-maker for the legal definition of art and the limitation of creative artistic activities, and to propose a solution to those questions by looking at the relevant discussions in Germany and comparing with domestic discussions in Korea.

예술과 리얼리티 그리고 일상적인 삶

박일호 한국기초조형학회 2009 기초조형학연구 Vol.10 No.6

Plato asserted that art is not able to be a source of true knowledge since it is mere mimesis, twice removed from an idea. He said that art makes a dream for waking eyes, implying that art produces a deceiving and external resemblance, imitating only a visual appearance of an object, rather than the genuine internal resemblance that faithfully presents reality. Meanwhile Oscar Wild insisted that our life imitates art, not vice versa. He meant by this that life has a tendency to be enchanted by a marvelous formal world which art creates and as a result it imitates art. In this context, Wild declared that art is a foundation of reality and becomes a barometer of life. This essay tries to elucidate the gap between two different theories above. In this writing, I will explain that art locates somewhere in between two radical insists and through this new position in the middle of two opposites, art can play its certain roles in our everyday life. I suggest a possible solution for executing its roles in the point of view that the perception of reality through art should be based on the sensual aspect and simultaneously the imaginary one as well. In other words, art is a unity of the sensual and imaginary. The relations between art and reality can be understood not only in that art is based on reality of our life but can be also exposed by an imaginary aspect, a unique characteristic of art. It is because any human activity, including art, is a quest to discover the truth and reality is scrutinized as well as the imagination in the process of creating works of art. Through the artist's discoveries, the existing horizons of reality are expanded. 플라톤은 예술이란 이데아로부터 두 단계 떨어진 모방이란 점에서 참된 지식의 원천이 될 수 없다고 주장했다. 또 예술이란 뜬 눈을 향해 꿈을 만들어내는 것(make a dream for waking eyes)이라고 말했다. 대상이나 삶과의 현실적 유사성 보다 눈에 보이는 방식들인 외형적 유사성만을 모방한다는 의미에서였다. 오스카 와일드는 예술이 삶을 모방하는 것이 아니라 삶이 예술을 모방한다고 말한다. 예술이 만들어낸 경이로운 형식세계에 우리들의 삶이 매혹되고 그것을 모방하게 된다는 것이다. 이런 맥락에서 와일드는 예술이 리얼리티의 기초이며 척도가 된다고 말한다. 본 논문은 예술에 대한 이 두 가지 관점이 보이는 간극을 해명하고 있다. 예술이 위의 두 극단적인 입장의 중간 어딘가에서 그 위치를 차지하게 되고, 그것을 통해서 일상적인 삶에 대한 예술의 역할이 펼쳐지게 된다는 점에서 이다. 필자는 그 답을 예술이란 감각적 · 상상적 통일체라는 점에서 그리고 예술을 통한 리얼리티의 지각은 감각적인 측면과 상상적인 측면의 통일을 통해서 이루어져야 한다는 점에서 제시한다. 예술과 리얼리티의 관계는 예술이 현실 또는 우리들의 삶에 바탕을 두고 있다는 점에서도 파악할 수 있지만, 예술 자체의 특성인 상상적인 측면을 통해서도 나타내고 드러낼 수 있다는 것이다. 그것은 예술을 포함한 모든 인간의 행위가 눈앞의 현실을 재료로 해서 그 안에 담긴 진리를 발견하고 파악하며 나타내려는 시도들이기 때문이다. 그리고 예술가들이 예술작품을 창조하는 과정이란 예술가들의 상상력에 의한 발견이 우리에게 현실의 지평을 넓혀 주는 것이기 때문이다.

‘공연예술 디지털중계 시네마(PADBC)’ 관객의 선택과 경험에 관한 탐색적 연구 : 근거이론적 접근

안영리(Younglee Ahn),여정성(Yeo Jung Sung) 한국문화경제학회 2021 문화경제연구 Vol.24 No.3

순수예술의 공연예술단체는 고급문화의 위계적 특성과 엘리트적 향유 방식에서 비롯되는 배타성, 공연예술의 현전성과 찰나성에서 비롯되는 비경제, 다원화되는 문화예술향유 선택지 간 경쟁 심화 등의 문제에 직면한다. 이러한 문제를 개선하고자 뉴욕메트로폴리탄오페라, 영국 국립극단, 베를린필하모닉 등 예술적 수월성의 추구와 전통의 유지 뿐 아니라, 관객 집단과의 창의적이고 포용적인 소통에 노력을 기울여 온 예술단체들이 공연장에서 상연되는 공연예술작품을 디지털 기술력을 활용하여 공연장의 외부 공간으로 중계 상영하여 관객들이 새로운 방식으로 공연예술을 관람하도록 하고 있다. 본 연구는 오페라, 정통연극, 클래식음악과 같은 순수예술의 공연예술단체가 공연작품을 실제 상연이 이루어지는 공연장 현장에서 디지털 방식으로 실시간 혹은 지연송출하여 공연장 외부의 영화극장 등에서 대형 화면을 매개로 고화질 영상과 입체 음향으로 상영하는 것을 ‘공연예술 디지털중계 시네마(Performing Arts Digital Broadcast Cinema/PADBC)’라고 조작적으로 정의한 후, 사례로 뉴욕메트로폴리탄오페라단의 ‘Met HD Live’, 영국 국립극단의 ‘NT Live’, 베를린필하모닉의 ‘Live in Cinemas’ 사업의 유래와 현황을 살펴보았다. 이어 디지털 기술이 가능하게 만든 공연예술의 새로운 제공 및 관람방식의 특성을 논한 선행연구들을 고찰하였다. 연구자는 PADBC를 유료로 관람한 경험이 있는 국내 관객 12인을 심층면담하고, 수집된 자료들을 근거이론(Grounded Theory)의 방법으로 분석하여 PADBC 관객의 선택과 경험의 구조를 패러다임 모형으로 제시하고, 현상의 핵심범주를 도출하였다. 핵심범주는 ‘관객은 PADBC의 양면성이 야기하는 딜레마 상황에서 공연예술 현전성에 대한 가치판단, 영상시청 경험, 문화예술 경험 수준 등에 따라 상이하게 채택되는 전략적 선택의 결과로 PADBC를 관람하여 문화적 경험과 역량을 축적함’으로 도출되었다. 연구의 결과를 근거로 공연예술단체의 경영 및 예술정책의 설계를 위한 시사점을 제시하였다. Performing arts organizations face challenges. The problems are the exclusiveness resulting from the elite-centered way of enjoying arts, dis-economies caused by the one-time presence of performing arts, and the competition among the diversified options for enjoying arts and culture. Such performing arts organizations as the New York Metropolitan Opera, the National Theater of UK, and the Berliner Philharmoniker have made efforts to solve the problems by creatively communicating with diverse audience groups. By adopting digital technology to broadcast and screen their performances to the outside space of the performance hall, they made the audience view and enjoy performing arts in a new way. The study suggests a concept of ‘Performing Arts Digital Broadcast Cinema(PADBC),’ which defines performing arts organizations transmit their performance in real time or delayed digitally at the venue where the performance is being performed and screen it on a large screen of movie theater. The researcher conducted in-depth interviews with 12 audiences who had seen the PADBC and analyzed the collected data by the method of Grounded Theory. We found that the audience watched the PADBC as a result of strategic choices that were differently adopted depending on the value judgment on the presence of performing arts, the experience of video viewing, and the level of artistic experience in a dilemma caused by PADBC’s double-sidedness.

생태예술의 지형그리기: 대지예술, 환경예술, 자연예술과의 관계를 중심으로

김융희 한국기초조형학회 2010 기초조형학연구 Vol.11 No.5

The purpose of this article is to describe the ecological art in relation of the land art, environmental art, art-in-nature as a pseudo-ecological art. The reason why I describe the ecological art by the relationship of these types of art is that they have several ecological implication which should have to express or deal with in the future ecoart. As a pre-research for the discourse of ecological arts, I will summerize several issues and points of three types of ecological theory - radical ecology, social ecology, spiritual ecology. The resultant point of summerizing these theories is the necessity of co-existance, co-relationship and the affluence of life of all creature. To realize these ecological needs, most ecologists emphasize the necessity of the revolutional change of the consciousness of human being, our society, our spiriuality. In associated with this ecological viewpoint, several types of arts - land art, environmental art, art-in-nature - have a possibility of being transformed to the ecoart or pre-ecoart. Land art have been evaluated to reconnect art with nature by expanding the area of arts toward the nature, though the problem of repetition of unconscious violence to the nature. Environmenral art have draw up a basis of ecoart by revealing the possibilities of the arts to express and share the life, creativity, and multi-strata of our environment. Art-in-nature open the door to the ecoart by revealing the force of natural materials and our abilities of co-exist and sympathizng with nature. 이 논문의 목적은 유사 생태예술적 범주라고 할 수 있는 대지예술, 환경예술, 자연예술과의 연관 속에서 생태예술의 윤곽을 그리는 것이다. 이들 예술들과의 연관성 속에서 생태예술의 문제를 검토하는 것은 이들 유사 생태예술 작업들 속에 현대의 생태학 논의들이 제기하고 있는 문제들이 함축적으로 내포되어 있으며 미래의 생태예술이 드러내고 말해야 하는 생태적 논점들이 내포되어 있기 때문이다. 이를 위한 예비작업으로 이 논문은 다양한 생태학적 논의들을 근본생태학, 사회생태학, 영성 생태학이라는 세 가지 범주로 나눠 간략하게 고찰한다. 이들 생태론들의 공통 결론은 자연과 인간, 자연과 문화의 공존과 연결의 필요성이며 이를 통해 인간을 비롯한 모든 생명체의 실존적 삶이 더 풍요로워져야 한다는 점이다. 생태학은 이를 위해 인류의 의식과 사회, 영성의 변혁을 요구한다. 대지, 환경, 자연예술은 이러한 생태학적 논점들과 연관시켜 고찰해 볼 때 생태예술을 예비하거나 생태예술로 전환될 수 있는 가능성을 지니고 있다. 대지예술은 비록 인류가 대지에 가해왔던 폭력적 침범의 논리를 무의식적으로 되풀이하고 있다는 비판에도 불구하고 예술의 관심과 매체의 영역을 자연으로 확장하는 역할을 함으로서 예술이 자연과의 관계를 다시 정립하는 데 일조를 했다. 환경예술은 예술이 환경의 생명성과 창조성, 다층성을 드러내고 그것을 공유할 수 있는 가능성을 보여줌으로서 생태예술의 토대를 마련한다. 자연예술은 자연물이 지닌 매체이상의 가능성을 드러내고 자연의 생명 또는 영성과 교감하고 상호작용할 수 있는 가능성을 열어줌으로서 생태예술로의 길을 열어준다.

유어예(游於藝)와 공연예술에 관한 연구

김정훈,윤학로 한국외국어대학교 외국문학연구소 2024 외국문학연구 Vol.0 No.95

공연예술은 단순한 몸짓이 아니며, 인간의 정신이 담겨 있다. 공연예술은 인간의 정신을 다루는 예술분야이기에 무엇보다 예술가 자신의 정신을 성찰하는 것이 중요하며, 선행되어야 한다. 그리고 숙련된 예술적 기술(기예) 또한 요구된다. 그런데 오늘날 공연예술에 있어 예술숙련에 비해 인격수양은 소홀히 여기는 경향이 있다. 그러나 공연예술인에 있어 이 두 가지 요소는 수레의 두 바퀴와 같이 서로 맞물려 돌아가야 한다. 그런데 고대 중국의 철학자 중 이러한 주장을 한 사람이 있는데 그가 바로 공자이다. 그리고 그 개념이 공자의 유어예(游於藝) 개념이다. 공자는 고대 중국의 대학자이자 종합 예술인이었다. 유어예는『논어』「술이」에 나오는 말로 공자는 ‘유어예, 예에서 노니는’ 것을 최고경지라고 하였다. 이러한 유어예는 인격 수양과 예술 숙련의 병행을 통해 가능하다는 견해이다. 오늘날 공연예술에 있어 이러한 유어예의 인격 수양과 예술 숙련의 병행은 내용적, 방법적으로 유사하다. 이에 공자의 ‘유어예’적 예술 정신을 통해 현대 공연예술의 예술정신에 대해 논의해 보고자 하는 것이다. Performing arts is not merely physical gestures; it encapsulates the human spirit. Given that performing arts is a field that deals with the human spirit, it is crucial for artists, above all else, to reflect on their own spirits, which should precede everything else. Additionally, proficient artistic skills and techniques are also required. These two elements are essential in the realm of performing arts. Interestingly, the philosopher in ancient China who made such claims was Confucius, and the concept is known as Confucius's Yu-Eo-Ye (游於藝) concept. This type of engagement is achievable through the parallel development of character and artistic mastery. In the context of performing arts, the concurrent development of character and artistic mastery in Yuye is conceptually and methodologically similar. Therefore, the intention is to attempt research on Yu-Eo-Ye and performing arts, seeking a philosophical reflection on the shortcomings of modern performing arts through Yu-Eo-Ye.

예술심리상담사의 위상과 과제

정병종,문장원 한국예술심리치료학회 2015 예술심리치료연구 Vol.11 No.2

본 연구는 2012년 「장애아동복지지원법」의 시행으로 법적근거를 마련한 발달재활서비스 제도의 시행 및 운영에 대한 평가와 개선방안을 모색하여, 보다 발전적인 정책적 제언을 마련함과 동시에 한국예술심리치료학회에서 발급하는 예술심리상담사 자격과 관련한 제반 사항 및 해결과제들을 진단하는데 그 목적이 있다. 이를 위해 예술심리상담사의 자격과 관련해서 법률적인 배경을 통해 발달재활서비스 전문인력에 대한 제반 사항들을 살펴보았고, 향후 예술심리상담사 자격의 공인화를 위해 해결해야 할 부분들을 진단하는데 있어서의 기본적인 틀을 제공하기 위해 관련 자료들을 검토하였다. 본 연구를 통해 첫째, 예술심리상담사 자격증의 정체성 문제, 둘째, 예술심리상담사 자격 관리를 위한 협회 설립의 문제, 셋째, 구성되는 협회의 법인화 문제, 넷째, 예술심리상담과 타 영역과의 차별성 문제 등이 도출되었다. 분석을 통해 도출된 문제점이나 쟁점들 이외에도 많은 과제들을 확인하고 해결하기 위한 후속 및 추가연구의 필요성이 제기되었다. 그리고 이러한 결과들을 해결할 수 있는 추후 방안들이 심도 있게 논의되었다. The purpose of the present study was twofold. First, it tried to provide better strategic suggestions through evaluation and improvement plan for management and implementation of developmental rehabilitation service system based on the 「Public Welfare Act for Children with Disabilities」 of 2012. Second, it also sought current state, problems, and improvement plan for the qualification of art psychology counselor license issued by the Korean Arts Psychotherapy Association. For the purpose, it analyzed current state and problems of developmental rehabilitation service based on the laws and studies relating to the service. As a results, this study brought several issues including the identity of certificate of the art psychology counselor, establishment of the association to administrate the qualification of the art psychology counselor, creating incorporation of the association, and distinction between the art psychology counseling and other counseling areas. Furthermore, this study found not only many problems and issues through analysis, but also it brought up necessity for further studies to identify and solve many tasks. And directions toward problem solving were further discussed.

예술의 ‘표현’에 대한 존재론적 분석

이은희(Lee, Eun-Hee) 중앙대학교 중앙철학연구소 2016 철학탐구 Vol.44 No.-

이 글은 가다머의 예술론에서 예술의 ‘표현’ 개념을 규명하려는 시도이다. 가다머는 체험 주체와 미적 대상의 대립에서 벗어난 예술 작품의 존재론을 세운다. 예술의 표현은 플라톤의 모방이나 예술가 내면의 단순한 표현이 아니라 예술 작품의 존재 방식이다. 가다머는 예술 작품을 세계와 분리하는 미적 구별을 비판하고 표현과 표현되는 것, 형상화와 소재, 구상과 작품 등을 분리하지 않는 미적 무구별을 내세운다. 조형 예술과 공연 예술을 아우르는 예술 일반의 존재 방식은 표현 개념을 통해 특징지어진다. 표현은 미적인 것의 보편적 존재론적 구조 계기이다. 표현은 존재가 가시적으로 현현하는 ‘자기 표현’의 과정이고, 예술의 표현은 항상 이해하는 ‘누군가를 위한 표현’이다. 따라서 표현이란 은폐되어 있던 존재가 이해될 수 있는 존재로 되는 존재 과정이다. 표현은 예술 작품의 존재 지위와 예술의 진리 주장을 밝히는 중요한 실마리이다. 예술 작품의 존재론적 의미는 플라톤처럼 존재의 감소가 아닌 존재의 증대이고, 예술과의 만남은 진리를 열어주는 사건이다. 표현에 대한 존재론적 분석은 ‘동일성’을 유지하면서도 ‘차이’를 드러내는 생기로서의 예술 작품의 성격을 해명할 뿐만 아니라, 표현과 이해의 공속성을 다루는 ‘철학적 해석학’의 관점에서 예술 경험을 바라볼 수 있게 한다는 점에서 의미가 있다.

예술강사 지원사업 관현악분야 시범사업 운영현황과 향후 방향

김진수,정재은 한국문화교육학회 2014 문화예술교육연구 Vol.9 No.3

문화예술교육은 창의인성이 강조되고 있는 현 시대에 사회적으로 더욱 더 주목을 받고 있는 분야이다. 이러한 문화예술교육의 확산을 위하여 다양한 프로그램들이 개발되고 있으며, 본 연구에서 소개하는 예술강사 지원사업 관현악 분야 시범사업은 이러한 문화예술교육의 한 범주에 포함된다 볼 수 있다. 한국문화예술교육진흥원이 지원하고 건국대학교에서 수행한 예술강사 지원사업 관현악 분야 시범사업은 예술교육의 본질적인 목적에 부합하는 프로그램의 개발과 실제 선발된 예술강사를 통한 수업의 구현 및 평가과정을 상세하게 제시하고, 이를 통한 향후 발전방향의 제시를 통하여 예술교육 프로그램의 모델을 제시하고 있다. 이러한 프로그램의 개발 및 적용과정을 살펴보는 것은, 국내의 현재 예술교육 상황에 비추어 볼 때 예술교육의 질적 향상 및 예술교육현실 재고를 통한 효율성의 향상이라는 의의를 갖는다고 볼 수 있다. 본 연구에서는 이러한 예술강사 지원사업 관현악 분야 시범사업의 운영 현황을 소개하고, 이에 따른 전망과 향후 발전방향을 제시하는 것을 주목적으로 한다. 이를 위하여 첫째, 예술강사 지원사업 관현악 분야 시범사업의 개요에 관하여 간략하게 소개하고, 둘째, 본 사업을 통해 개발된 프로그램의 내용을 소개 및 분석한다. 셋째, 프로그램의 평가와 애로사항을 제시하고 마지막으로 이를 통한 전망 및 개선방향을 제시하고자 한다. Arts and Culture Education has been more focused than before since the Korean government realized the significance of creativity and personality. The various program for spread of Arts and Culture Education has been developed and Artists in Schools Program Orchestral Music Area goes with this area. Artists in Schools Program Orchestral Music Area, performed by Konkuk University and supported by Korea Arts & Culture Education Service suggests the model of arts education program through the development of the program, realization of the class by arts instructors, and presentation of the future plan. The objectives of the program is to develop the ensemble program, to select and manage to the instructor for adapting the program, and to evaluate and suggest the program. This study is significant to improve of the effectiveness through the reconsideration of the Arts Education in current. The main purpose of this study is the report of the current condition of operation and the suggestion for the vision and the direction of improvement. For this, first, the overview such as significance, main directions is presented. Second, the demonstration and analysis of the Program is followed. The third, assessment and difficulties of the program is mentioned and finally, the vision and the direction of improvement is suggested.

문화예술 활동의 가치 생산성에 대한 인문학적 근거

홍병선(Hong, Byung-Sun) 중앙대학교 중앙철학연구소 2016 철학탐구 Vol.43 No.-

이 글의 목적은 문화예술 활동이 갖는 본질적 가치에 대한 해명과 아울러 경제적 가치와의 상관관계에 대한 분석을 통해 일련의 문화예술 활동이 경제적 가치 창출과 어떠한 연관성이 있는지에 대한 이론적 토대를 마련하고, 문화예술의 가치 생산성에 대한 인문학적 근거를 제시하는데 있다. 경제적 가치로서의 재화는 그 자체로 생존과 결부된 형태로 그 가치가 측정된다는 점에서 고유 가치와는 차별성을 지닌다. 경제적 가치의 축적에 의해 지배되는 시스템에서 재화의 많고 적음에 따라 상호 분열이 발생하게 되고, 결국 극단적인 상황에 의해 지배되는 경우가 발생하기도 한다. 그런 점에서 고유 가치를 인식하고 사회적 합의에 의거하여 경제소비자가 고유 가치를 향유할 수 있는 능력을 적극 계발할 수 있는 시스템의 구축이 요구된다. 따라서 고유 가치를 향유하면서 유효가치가 창출되는 올바른 사회시스템의 확립은 필수적이다. 이러한 시스템은 고유가치의 생산과 향유를 위한 일련의 경제활동을 전제로 한 창조적 문화예술 시스템이라고 할 수 있다. 문화예술 활동에 따른 고유 가치의 확보는 본질적으로 개개인의 자발성을 기초로 해서 이루어진다는 점에서 자율적인 창조 활동임에 분명하다. 하지만 사회·경제적 측면에서 문화예술 활동에 있어 제약이 뒤따르는 경우 또한 얼마든지 있을 수 있다. 이른바 고유 가치를 지니는 창작활동이 경제 활동과 무관할 수 없다는 점에서 시장 원리에 지배를 받기도 한다는 사실이다. 그래서 문화예술 활동이 때로는 시장 원리에 따른 교환과 소비를 거쳐 예술에 대한 향유로 이어지게 된다. 물론 이러한 사실이 예술 창조활동 자체에 따른 고유가치가 제한되거나 훼손된다고 단정하기는 어렵다. 왜냐하면 문화예술 관련 콘텐츠가 그 자체로 고유한 가치를 지니지만, 사회 전체의 맥락에서는 문화의 창조, 전달, 교류 등을 통한 경제적 가치가 문화예술 활동에 또 다시 영향을 미치기 때문이다. The purpose of this paper is intended to clarify the intrinsic value of cultural and artistic activities. For this reason, here insists that cultural and artistic activities through the elucidation of the correlation between the intrinsic value and the economic value provides a theoretical basis for what effects the creation of economic value, and more of the culture and arts in presenting the literary basis of value productivity. We know that it is essentially carried out by each person of spontaneity to the original to ensure the intrinsic value of cultural and artistic activities. In that regard, it is clear that what it is autonomous creative activity. However, there are constraints in cultural and artistic activities from the socio-economic aspects at any cost. For creative activities with the so-called intrinsic value can not be independent of the economic activity, they are dominated in the market principle. So cultural and artistic activities, sometimes through the consumption and exchange based on market principles, will be leading to the enjoyment of art. In order to follow market principles, it is not possible to conclude that the intrinsic value associated with artistic creation activity that is damaged or limited. This is because the economic value such as through the creation and transmission and exchange of culture in the whole context of society gives again impact on the cultural and artistic activities. Because the goods as economic value evaluates the value in the form associated with survival in itself, the intrinsic value has its differentiation. So that it is in the system dominated by the accumulation of economic value is divided depending on whether we owns the goods (large or small), and is generated by extreme circumstances eventually in any case. To get out of this situation, we recognize the intrinsic value based on a social consensus and the principal economy of a system capable of actively to enlighten our ability and to enjoy the intrinsic value construction is required. Therefore, while enjoying the intrinsic value, the establishment of appropriate social system is essential to have the effective value. These systems asserted here assume economic activity for the creation and the enjoyment of intrinsic value.