신고전주의와 지역주의를 바탕으로 한 애플 스토어 공간 계획 특성과 의미에 관한 연구

신동진 건국대학교 건축전문대학원 2024 국내박사

Apple Stores, a retail chain that sells and provides Apple products, services, and programs, are regarded as a unique case within modern architectural culture due to their innovative design and advanced architectural technologies. The motivation for this research emerged from a fascination with the Apple Store’s ability to consistently maintain its identity for over twenty years, existing as a private space yet experienced in a public setting. This fascination prompted critical questions regarding the design philosophies and attitudes embodied in Apple Stores. The study initially focused on examining the features of flagship stores noted for their global impact, determining shared patterns and typologies, thereby establishing the hypotheses and foundational premises of the research. This study puts forward the hypothesis that the architectural characteristics of Neoclassicism and Regionalism, during the transitional phase of Modernist architecture, are intrinsic to the spatial design of Apple Stores. The research is premised on the emergence of the Town Square concept in 2017, which serves as a marker for categorizing Apple Stores into two distinct phases. The first phase encompasses the ‘Plaza Underground Layout’ and ‘Street Front Layout’ configurations, while the second phase is divided into the ‘Outdoor Plaza Linked Layout’ and the ‘Regionally Specialized Staging Layout’. The purpose of this study is to investigate the relationship between the simplicity and locality embodied in Apple Store designs, specifically, how Apple’s spatially expressed identity aligns with Neoclassical and Regionalist architectural styles. The research also explores the values and meanings associated with the evolution of the Apple Store concept and its link to the transitional features of Modernist architecture. The methodology of this research is divided into literature reviews and case studies. The literature review is conducted in two parts. First, it examines the relationship between Apple Stores and Neoclassical architecture. Drawing from Steve Jobs’ biography, it highlights the influence of Bauhaus design on Apple Stores, noting its Neoclassical architectural thought and form. This relationship is explored through books on Apple’s personnel and design, as well as previous studies on the history of Modernist architecture. Second, it investigates the connection between Apple Stores and Regionalist architecture. This study is grounded on the emergence of the ‘Town Square’ concept, which is based on Apple’s localization strategy and Regionalist principles, using related press releases, research reports, and prior research, including works by Kenneth Frampton. The case study component of this research selects twelve stores, grouped into four types with three examples each, based on the application of the flagship concept in standalone buildings or dedicated spaces that have received significant media attention. For the ‘Plaza Underground Layout’, the stores selected are Apple Fifth Avenue, Apple Pudong, and Apple Zorlu Center. For the ‘Street Front Layout’, the study includes Apple Stanford Shopping Center, Apple Omotesando, and Apple SoHo. The ‘Outdoor Plaza Linked Layout’ examines Apple Orchard Road, Apple Michigan Avenue, and Apple Aventura. Finally, the ‘Regionally Specialized Staging Layout’ focuses on Apple Piazza Liberty, Apple Dubai Mall, and Apple Marina Bay Sands. The findings of this research synthesize the case studies while also presenting the inherent values and meanings within Apple Stores. It reveals that the first phase reflects Neoclassical architectural characteristics, whereas the second phase demonstrates characteristics associated with Regionalist architecture. The absolute values of Apple design manifested through this process are summarized in two main aspects: firstly, as a visual order, the ‘Neoclassical Design Principles’, and secondly, as innovative thinking, the ‘Attitude of Contradictory Integration’. These represent the guiding principles and legacy of Apple’s product and spatial design. This study views Apple Stores as a facet of modern architectural culture. With over 530 stores worldwide, Apple has spread its consistent concept and unique approach across its commercial buildings, showing a brand evolution that constructs corporate heritage through space in a rapidly changing consumer society that constantly demands innovation. The outcomes of this research are intended to serve as a reference for Apple’s achievements and future development plans, and as foundational data for other companies’ store construction strategies. 애플스토어는 애플 제품과 서비스, 프로그램을 판매 및 제공하는 소매점 체인이며, 혁신적인 디자인과 첨단 건축 기술로 현대 건축 문화에서도 중요하게 평가받는 특별한 사례이다. 본 연구는 애플스토어가 20년 넘게 자신의 정체성을 일관되게 유지하는 모습과 사적 공간이지만 공적인 개념에서 소비되는 상황에 대해 궁금증이 생기면서 시작되었다. 이러한 의문은 애플스토어에 어떤 디자인 철학과 태도가 적용되고 있는지 본질적인 질문으로 이어졌다. 이에 따라 세계적으로 주목받은 대표 매장들의 특징을 살펴보고 그 가운데 공통점과 공통 유형을 파악, 연구의 가설과 전제를 설정했다. 본 연구는 모더니즘 건축의 전환기로서 신고전주의와 지역주의의 건축 특성이 애플스토어 공간에 내재한다는 추론을 가설로써 제시한다. 연구의 전제는 2017년 타운스퀘어 개념의 등장을 기점으로 애플스토어를 1기와 2기로 구분한 점이다. 여기서 1기는 ‘광장 지하 배치형’과 ‘거리 전면 배치형’, 2기는 ‘옥외 광장 연계형’과 ‘지역 특화 연출형’으로 세분화했다. 연구 목적은 애플스토어 디자인의 단순성과 지역성의 구현, 즉 공간화된 애플의 정체성이 신고전주의 및 지역주의 건축과 어떤 연관이 있는지를 밝히는 것이며, 애플스토어 개념 변화와 모더니즘 건축의 전환기적 특징의 관계가 갖는 가치와 의미를 제시하는 데 있다. 연구 방법은 문헌과 사례 연구로 나뉜다. 문헌 연구는 두 가지로 진행된다. 첫째, 애플스토어와 신고전주의 건축의 연관성을 고찰한다. 이는 스티브 잡스의 전기에서 애플스토어에 영향을 준 바우하우스 디자인이 신고전주의 건축의 사상과 형식에 영향을 받았다는 점을 근거로, 애플의 인물 및 디자인 관련 서적과 근현대 모더니즘 건축사의 선행 연구로 살펴본다. 둘째, 애플스토어와 지역주의 건축의 연관성을 고찰한다. 이는 ‘타운스퀘어’ 등장이 애플의 지역화 전략에 기초한 지역주의 개념에 따른 것을 근거로, 관련 보도 자료와 연구 보고서, 케네스 프램톤의 저서와 선행 연구로 살펴본다. 사례 연구는 유형별로 대표 매장 3곳씩 총 12곳을 선정해 진행한다. 선정 기준은 플래그십 개념이 적용된 단독건물이나 독립 공간 매장 중 주요 매체에서 주목받은 곳이다. ‘광장형 지하 배치형’은 애플 5번가, 애플 푸동, 애플 졸루 센터를, ‘거리 전면 배치형’은 애플 스탠퍼드 쇼핑센터, 애플 오모테산도, 애플 서호를, ‘옥외 광장 연계형’은 애플 오차드 로드, 애플 미시간 애비뉴, 애플 아벤투라를, ‘지역 특화 연출형’은 애플 피아자 리버티, 애플 두바이 몰, 애플 마리나 베이 샌즈를 분석 대상으로 삼는다. 연구 결과는 사례 분석을 종합하며 동시에 애플스토어에 내재한 가치와 의미를 제시한다. 1기에서는 신고전주의 건축의 특성이, 2기에서는 지역주의 건축의 특성이 각 유형과 매칭되어 나타난다. 이 과정에서 발현되는 애플 디자인의 절대 가치는 두 가지로 요약된다. 첫째, 시각 질서로서 ‘신고전주의 조형 원리’이고, 둘째, 혁신 사고로서 ‘상호모순 결합 태도’이다. 이는 애플의 제품과 공간을 관통하는 디자인 원리이자 유산이다. 본 연구는 애플스토어를 현대 건축 문화의 한 단면으로 보고자 했다. 전 세계 530여 개의 상업 건축물을 일관된 개념과 독특한 방식으로 확산시키고 있는 애플스토어는 끊임없이 새로움을 요구하며 빠르게 변화하는 현대 소비 사회 속에서 공간을 통해 기업의 헤리티지를 구축해 나가는 차별화된 브랜드 진화를 보여주고 있다. 이에 본 연구의 결과가 애플에는 그간의 성과와 향후 발전 계획에 관한 참고 자료로서, 타 기업에는 매장 구축 전략을 위한 기초 자료로 활용되길 기대한다.

新古典主義 思潮가 舞踊形式에 適用된 形態에 關한 硏究 : 발란쉰과 스트라빈스키의 連繫性을 中心으로

정호진 漢陽大學校 1992 국내석사

스트라빈스키의 <스윗 이탈리안>에 대한 연구 : 신고전주의 경향을 중심으로

김혜경 경희대학교 대학원 2020 국내석사

신고전주의는 1920년경부터 1950년 사이에 나타난 새로운 경향의 음악사조로, 낭만시대 이전의 전통을 현대적으로 새롭게 수용한 경향을 일컫는다. 여러 학자들은 일반적으로 신고전주의의 원인을 제1차 세계대전으로 인한 혼란에 두었으며, 전쟁으로 야기된 혼란을 이겨내고자 행하였던 과거로의 회귀가 신고전주의로의 중요한 방향 전환을 이끌어내었다고 보았다. 이러한 사회적 흐름은 전통과의 단절을 추구하던 20세기에 새로운 조류를 형성하며 음악사에서 중요한 경향으로 자리 잡게 된다. 신고전주의 작품에는 고전주의적인 조성적 특징이 보이며, 낭만주의 이전의 음악형식 및 작곡기법을 의도적으로 사용하는 모습이 나타난다. 또한 낭만주의 시대의 대규모 오케스트라 편성과 대비되는 축소된 악기편성의 사용이 다시금 늘어났으며, 한편으로는 현악기의 사용이 제외되는 비정규적인 편성의 작품 또한 새롭게 보여진다. 이렇듯 신고전주의 작곡가들은 저마다 방식은 다를지라도, 전통과 관계하며 과거를 현대적으로 새롭게 수용하고자 하였다. 신고전주의를 대표하는 작곡가 이고르 스트라빈스키는 일반적으로 그가 프랑스에 정착한 1920년부터 1925년 사이에 그의 신고전주의적 경향이 시작된 것으로 알려져 있다. 그러나 최근 연구 결과들은 그의 신고전주의 시기를 연 발레음악 <풀치넬라>가 이미 1920년에 완성되었다는 근거를 제시하며, 제1차 세계대전이 시작된 1914년부터 약 10여년 동안 그의 작품이‘신고전주의화’되었다고 이야기한다. 그의 신고전주의가 시작된 시점을 시기적으로 정확하게 밝히긴 어렵지만, 프랑스의 문화적 환경이 그의 신고전주의적 양식 변화에 있어 결정적인 영향을 미친 요소라는 것에는 의심의 여지가 없다. 프랑스의 신고전주의는 뿌리 깊은 반독일적 정서로부터 태어났다. 당시 프랑스는 독일의 영향력에서 벗어나 그들만의 정체성을 찾고자 부단히 노력하였으며, 이러한 움직임은 전쟁과 맞물리면서 새로운 반낭만적 스타일인 신고전주의적 경향의 표출로 나타났다. 스트라빈스키는 이러한 프랑스의 변화에 적극 반응하며 그들을 자신의 양식 안으로 끌어들이기 시작했다. 당시 프랑스 예술 전반에 나타난 특징들은 스트라빈스키의 신고전주의 양식을 형성하고 구체화하는데 중요한 영향을 미쳤으며, 이러한 특징은 동시대의 신고전주의 작곡가들과 스트라빈스키의 신고전주의를 구분시키는 것이기도 했다. 본 논문이 스트라빈스키의 신고전주의 대표 작품 <스윗 이탈리안>을 신고전주의적 기법에 기대어 분석한 결과, 스트라빈스키는 고전주의적 작곡 기법과 현대주의적 작곡 기법들을 따로 혹은 동시에 사용하며 예상치 못한 대비를 제시하였다. 이러한 대비는 청자로 하여금 의식적인 수용을 요구하게 하고, 이에 따라 새로운 의미를 부여하며 독특한 분위기를 자아냈다. 스트라빈스키가 의도한 이와같은 방법은 당시의 여러 신고전주의와는 달리, 새로운 시각을 제공하며 그만의 개성을 보여주었다. 한때는 진보적 이데올로기에 역행하여 과거로 회귀하고 있다는 비난을 받은 스트라빈스키의 신고전주의가 이 논문을 통해 어떻게 전개되지는 파악하고, 더 나아가 그의 신고전주의가 의도했던 의미를 이해하며 그의 음악이 새롭게 조명되기를 기대한다. Neoclassicism is a musical theory of a new trend that emerged between 1920 and 1950, and refers to the tendency to modernly embrace pre-romantic traditions. Various scholars generally put the cause of neoclassicism in the chaos caused by World War I. To overcome the chaos caused by war, european society began to lean on the 18th century, when universal human conditions were realized and this social trend led to a major shift in the neoclassical direction, forming a new tide in the 20th century, when it sought to break with tradition. The characteristics of neoclassical works have classicalistic constructive features and are shown to deliberately use pre-romantic music forms and composing techniques. In addition, the use of reduced musical instruments is increased in contrast to the large-scale orchestration of the Romantic era, and works of irregular orchestration except strings grow. As a result, neoclassical composers have embraced the past in a new way, constantly communicating with tradition. Igor Stravinsky, a composer representing neoclassicism, is generally known to have begun his neoclassical tendencies between 1920 and 1925, when he settled in France. However, recent research says that his work was" neoclassicalized" for about a decade from 1914 when World War I began, and suggests as a basis that Pulchinella, which opens his neoclassical period, was completed in 1920. It is difficult to pinpoint the exact time when his neoclassicism began, but there is no doubt that it was France's cultural environment that served as a decisive trigger for his neoclassical change of style. French neoclassicism was born of deep-rooted anti-German sentiment. At that time, France worked hard to escape German influence and find its own identity, and as it coincided with war, it emerged as an expression of a new anti-candidate style, neoclassical trend. Stravinsky responded actively to these French changes and began to attract them into his own style. The features that appeared throughout French art at the time had an important influence on the formation and materialization of Stravinsky's neoclassical style, and the features were also a distinction between contemporary neoclassical composers and Stravinsky's neoclassicism. This paper analyzed Stravinsky’s neoclassical work <Suite Italienne>, with neoclassical diction, and found that Stravinsky uses classical and contemporary compositions separately or simultaneously, presenting unexpected contrasts. This arrangement called for the celadon to be accepted consciously, thereby attaching new meaning, created a unique atmosphere. This paper hope to understand how Stravinsky’s neoclassicism develops, and what his neoclassicism meant, furthermore, to expect his music to be shed new light.

Igor Stravinsky의 Sonata for Piano(1924)에 나타난 신고전주의

김민정 이화여자대학교 대학원 2002 국내석사

20세기 전반의 현대 음악에 있어 스트라빈스키(Igor Stravinsky, 1882- 1971)는 서양음악의 흐름과 방향에 결정적인 영향을 끼친 작곡가이다. 스트라빈스키는 여러 번에 걸쳐 자신의 작곡 양식-민족적 원시주의, 신고전주의, 12음기법 경향-을 변모시키는데, 그 중 중간시기의 신고전주의 경향은 20세기 서양 음악사에 중요한 위치를 차지한다. 신고전주의는 1920년경부터 1950년 사이에 나타난 음악 경향으로, 전통과의 단절보다는 전통과의 접목을 시도한 경향이었다. 이는 조성체계를 포함한 낭만시대 이전의 전통을 현대적 감각으로 새롭게 수용한 양식이라 말할 수 있다. 20세기의 신고전주의에 선구자로서의 역할을 한 작곡가는 스트라빈스키로서, 그는 그의 신고전주의 작품에서 낭만시대이전의 음악양식을 다양한 방식으로 수용하고 융화시켜 20세기 음악으로 재창조하였다. 그의 피아노 음악은 다른 장르의 음악들에 비해 작은 수를 차지하지만, 그의 음악양식이 매우 집중적으로 반영되어있다. 그의 20세기 전반은, 작곡의 수단으로 피아노를 즐겨 사용하였고, 따라서 이 시기에 그의 피아노 작품들이 집약되어있다. 본 논문에서는 다른 음악 조류와는 달리 전통과의 단절보다는 전통과의 접목을 통해서 20세기 음악에 폭 넓은 영향을 미친 신고전주의를 연구하였다. 특히 그의 신고전주의 시기에 쓰여진 피아노 음악인 「피아노 소나타」(Sonata for Piano, 1924)를 통하여 신고전주의 양식을 보다 구체적으로 고찰하였다. 「피아노 소나타」는 신고전주의 시기의 작품으로, 고전의 형식과 전통을 중심으로 합리적인 질서를 보여주고 있다. 먼저 전통적인 요소를 살펴보면, 첫째, 고전주의 시기에 널리 쓰인 형식을 도입하였는데, 1악장은 소나타형식(sonata form), 2악장은 느린 세부분 형식, 3악장은 푸가형식(fugue form)이다. 둘째, 각 악장은 C음, A♭음, E음인 중심음(tonal cental)을 가지며 조성감을 느낄 수 있다. 셋째, 모티브(motive)의 재료를 살펴보면, 전 악장이 공통적으로 3화음과 7화음, 7도 음정을 사용하고 있어 악장간의 연관성을 찾아볼 수 있다. 넷째, 바로크 시대의 곡들처럼 1악장에서는 3연음부 리듬을, 3악장에서는 16분음표 리듬이 일관되게 사용되는 리듬 패턴(pattern)을 가진다. 마지막으로 texture면에서는 바로크시대에 많이 쓰이던 대위법이 두드러진다. 반면에 갑작스런 화성이동, 화음에 다른 음 첨가, 반음계 움직음 등으로 조성이 뚜렷하게 나타나는 것은 피하고 당김음(syncopation)과 박자변화(multimeter), 불규칙한 액센트(accent)와 헤미올라(hemiola)로 마디구분을 모호하게 만드는 것 등의 다양한 방법으로 현대 작곡가의 면모를 보여주었다. 이와 같이, 「피아노 소나타」는 과거-고전시대, 특히 바로크시대-의 음악적 전통과 스트라빈스키의 새롭고 독특한 기법이 잘 조화된 작품이다. 이 곡을 통해서 신고전주의가 16-18세기의 전통적 음악요소와 20세기의 현대적 음악적 기법을 융화시킴으로써 전통을 현대적으로 수용했음을 알 수 있다. 본 논문을 통해서 신고전주의 음악을 보다 더 깊이 이해할 수 있으며, 21세기를 사는 지금 아직도 낯설기만한 20세기 현대음악에 다가설 수 있는 계기가 되길 바란다. Igor Stravinsky(1882-1971) was a composer who had played a significant role in the flow and direction of western classical music throughout the 20th century modern music. Stravinsky changed his composing style in various ways such as, -national-primitivism, neo-classicism, and serialism- among them neoclassicism in the middle period takes an important place in the 20th century. Neoclassicism was a music style that had emerged from 1920 to 1950. This neoclassicism tried to engraft the tradition rather than to disconnect the relation with tradition. It accepted the tradition with modern touch before the romantic period which includes tonal system. Stravinsky, who was a composer and a pioneer of the 20th century's neoclassicism, admitted and unified different musical style before the romantic period in a various way. As a result, all of these work were recreated as 20th century's music. Compared to other genres of his music, his piano music takes less part but his music style is most focused in it. In the beginning of this 20th century, he used piano as a composing instrument. As a result, most of his piano pieces are in this period. In this thesis, research on the neoclassicism which affected the 20th century music significantly by attaching the tradition rather than cutting the relation like other music style will be held. Neoclassicism style is especially focused in detail through Stravinsky's piano piece. Sonata for Piano(1924) is one of his neo-classical works. The traditional elements of this work are as follows. First, he used classical forms. The 1st movement is in sonata form, the 2nd in slow ternary form, and the 3rd in fugue form. Second, each movement has its clear central note: the 1st has note C, the 2nd Ab, and the 3rd E. Especially, the 2nd subject of the 1st movement has a clear tonality. Third, as for motive materials, all movements use triad-chord, seventh-chord, and seven-interval in common, which shows the relatedness of the movements. Fourth, the 1st and 3rd movement have their uniform rhythmic patterns respectively. Finally, the texture of this work is primarily contrapuntal which was used often in the 17·18th centuries. On the other hand, his features as a contemporary composer can be found from these facts. He weakens direct reference to a tonality by using sudden harmonic shifts, added notes in the chord, and chromaticism. And he makes a vague pulse by using syncopation, multimeter, irregular accent, and hemiola. In conclusion, Sonata for Piano(1924) is one of Stravinsky's neoclassical works which contains both classical elements - especially, baroque and contemporary aspects. Through the research of this musical piece, the conclusion is that neoclassicism adopted the tradition(16C-18C) by connecting the traditional elements of music and the modernistic composition techniques of the 20th century. I hope this thesis can be an opportunity that will enable us to approach the unfamiliar music of the 20th century.

Igor Stravinsky의 「풀치넬라」에 나타난 신고전주의 기법 연구

성명희 이화여자대학교 교육대학원 2002 국내석사

20세기 서양음악은 이전의 역사적 전통과의 급격한 단절을 보여주었고, 전통에서 벗어난 새로운 것에 대한 추구는 많은 음악가들에 의해 개성있게 시도되었다. 20세기 음악 가운데에 전통과의 단절보다는 전통과의 접목을 시도한 경향도 있었다. 이러한 경향을 <신고전주의>라 부른다. 신고전주의는 1920년경부터 1950년 사이에 나타난 음악 경향으로, 조성체계를 포함한 낭만시대 이전의 전통을 현대적 감각으로 새롭게 수용한 양식을 지칭한다. 20세기의 신고전주의를 주도한 작곡가는 스트라빈스키로서, 그는 원시주의에서 신고전주의로 다양한 음악 양식을 거쳐가지만, 1920년의 풀치넬라를 기점으로 하는 그의 신고전주의 작품에서 낭만시대 이전의 음악양식을 다양한 방식으로 수용하였다. 본 논문에서는 전통과의 관계를 통해서 20세기 음악에 폭 넓은 영향을 끼친 신고전주의를 연구하였다. 특히 신고전주의 양식을 20년대 초에 뚜렷히 음악사에 모습을 드러내게 한 계기가 된 작품인 스트라빈스키의 「풀치넬라 모음곡」(1949년판)을 통하여 신고전주의 양식을 보다 구체적으로 고찰하였다. 스트라빈스키의 「풀치넬라 모음곡」은 18세기의 바로크 작곡가인 페르골레지(Giovanni Battista Pergolesi), 갈로(Domenico Gallo), 바세나르(Unico Grafvon Wassenaer)를 포함한 여러 작곡가들의 작품을 바탕으로 편곡된 곡이다. 스트라빈스키는 원곡의 선율과 베이스 라인을 대부분 그대로 사용하면서 18세기의 원곡의 틀을 유지하지만, 삭제, 축소, 첨가, 반복, 변형을 통해 18세기의 형식을 깨뜨렸다. 또한 바로크적 악장구성, 악기편성, 대워법적 기법과 고전적인 조성관계, 중세의 선법 등의 전통에의 접목과 더불어 리듬, 화성, 관현악법에 있어서 자신만의 독자적인 어법을 제시하고 있다. 「풀치넬라 모음곡」을 분석 연구해 본 결과, 이 작품은 다음과 같은 특성이 나타난다. 이 곡은 바로크 모음곡의 악장명의 도입과 대조되는 악기군을 이용하는 바로크의 콘체르토 그로소의 형식이 사용되었고, 대위법적 처리를 통한 모방, 푸가토 등과 베이스 라인에서 제시되는 오스티나토, 지속음, 이중 페달음 효과가 나타난다. 또한 3도 관계 전조(C장조, A장조, F장조)를 통해 배열된 제3곡과, 5도 관계조로 전조가 되어 재구성된 제8곡의 피날레에서는 곡의 배열에 있어서 고전적인 면이 드러난다. 이러한 전통적인 틀 안에서 이 곡은 싱코페이션의 강조, 액센트와 박자의 변화에서 그만의 특유한 리듬적 특징이 나타나며, 지속음처럼 사용되는 이중화음과 음의 첨가로 인한 불협화음, 5도 구성화음, 복조성(bitonality), 다성화음(polychord)등에서 독특한 화성적 처리를 볼 수 있었다. 또한 악기들을 통해서 다양한 음색과 주법들이 사용됨으로써 관현악법에 있어서도 스트라빈스키만의 현대적이고 새로운 어법이 나타난다. 「풀치넬라」는 바로크적인 틀안에서 과거의 음악적 전통과 스트라빈스키의 새롭고 독특한 기법이 잘 나타난 작품이다. 이 곡을 통해서 신고전주의가 전통적인 음악적 요소와 20세기의 현대적 음악적 기법을 접목시킴으로써 전통을 현대적으로 수용했음을 알 수 있다. 본 논문을 통해서 신고전주의 음악이 보다 더 깊이 이해될 수 있기를 바란다. In the 20th century, modem music showed its drastic disconnection with previous tradition, and there have been trials to pursue of something new which freed from convention by numerous musicians. On the other hand, there have been appeared the attempts for connection with the tradition rather than severence with that. It is called Neoclassicism. Neoclassicism. broadly designated a general tendency of music of the period between 1920 to 1950. It refer to a music development that traditional musical traits preserved a degree of tonal system admitted to the twenty century aesthetic views. The features of Neoclassicism largely inspired by Stravinsky. The Stravinsky's music style reviews various period as the primitivism as well as neoclassicism. The works of Stravinsky from Puleinella adhered many chracterful style before romantic period. This thesis study is about the subject of Neoclassicism which generally affected the 20th century's music adhered to principal of the tradition. Stravinsky's Pulcinella(1949's version) which is a prelude to a neoclassicism period in the music history is benefit on the definite neoclassicism features. 「Pulcinella suite」 was the music piece arranged by Stravinsky which originally composed by many different composers of the 18th century; Giovanni Battista Pergolesi, Domenico Gallo, Unico Graf von Wassenaer. Stravinsky tried to maintain the melody and bass line of the orginal piece as the way of compostion, meanwhile he broke the formality of the 18th century through elision, repetition, prolongation. In addition, he presented his own uniqueness in the sphere of rhythm, harmony, instrumentation by connecting his music style with the tradition in a way of baroque's suite, concerto gross, counterpoint, classical tonality relation, and mode. As the result of the reserches, 「Pulcinella suite」 showed the following conclusions. Most of all, the order of the pieces in this composition were arranged according to his intention to settle by adopting a movement applied in baroque's suite, and were used the modality like concerto gross, which had been performed by contrasting instrumental groups. Besides, it showed the techniques of baroque such as imitation, fugato, ostinato in bass line, pedal point etc. And the original piece was recomposed on the basis of classical tonality relation. This piece showed his own unique rhythmical features within the frame of tradition; syncopation, change of accent and tempo. And harmony could be observed in dealing with double harmony used like pedal point, dissonant resulted in addition of sound, bitonality, polychord etc. Instrumentation showed the new and modernistic way of his own composition by using various tone color and a way of playing through musical instruments. 「Pulcinella suite」 appeared a link age the uniquely novel method of Stravinsky's composition with musical tradition. Through the reserch of this musical piece, it was concluded that Neoclassicism adopted the tradition by connecting the traditional elements of music and the modernistic composition techniques of the 20th century.

로이 토비아스(Roy Tobias)의 신고전주의 작품에 관한 연구 : 서울 발레시어터 신고전주의 작품을 중심으로

이명은 강원대학교 대학원 2009 국내석사

로이 토비아스(Roy Tobias)의 생애와 가치관, 예술성을 조사하고 작품분석과 인터뷰를 통해 안무에 나타난 신고전주의 성향을 고찰 하였다. 또한 그의 활동무대였던 한국발레사와 서울 발레시어터의 예술고문으로 활동 했던 시기에 중점을 두어 연구한 결과 혁신적인 업적을 남진 인물임을 확인 할 수 있었다. 신고전주의는 현대무용이 성장하는 시기에 있어서 새로운 방향을 제시하여준 현대적인 발레의 출발점으로 매우 중요한 것이다. 로이 토비아스에게 지대한 영향력을 준 조지 발란신은 신고전주의 발레의 창시자이며, 그로 인해 로이 토비아스가 신고전주의 발레의 수호자임을 입증할 수 있었다. 그가 남긴 작품으로 신고전주의 작품 성향을 살펴보면 다음과 같다. 첫째, 무용에 대해 몸이 중심이고, 그 몸에서 어떤 감정과 드라마가 자연적으로 나올 수 있다고 생각하였다. 무용동작이 갖는 순수한 움직임의 표현, 또 움직임에 함축되어 있는 표현 가능성을 주목하여, 무용수의 잘 다듬어진 동작과 정확한 마임, 구사력으로 인해 무용수의 역할이 비중, 확대 되었다. 둘째, 무용과 가장 밀접한 음악을, 표현하는 수단으로 만들었다. 줄거리의 부재로 인해 발레의 극적인 동기는 음악으로 대치되었으며 음악의 형태, 스타일, 리듬, 음조, 음색이 무용에 반영된다. 음악과 그것의 해석은 무용이 주는 순수한 움직임만을 음악과 함께 느낄 수 있게 된다. 신고전주의 발레는 음악의 중요성을 가장 강조시키는 경향중의 하나이다. 셋째, 점점 단순화, 간소화되었고, 결국 연습복과 크게 다르지 않는 의상이 만들어 졌다. 무대장치 면에서도 화려한 장식적인 수단을 피하였고, 결과적으로 이러한 표현은 현대인의 단순하고 편리함만을 강조하는 이미지와 흡사하다. 넷째, 현대적인 스텝과 동작들을 더했다. 발을 안쪽으로 돌리도록 만들었고, 펼 수 도 있지만 구부릴 수가 있으며, 우아하거나 아니면 뒤틀리기도 한다. 이전에 발레에서 찾아볼 수 없던 동작의 범위를 과감하게 개척하는 동시에 21세기의 감각 즉 현대에 맞게 작품을 만들어 냈다. 이러한 로이 토비아스 신고전주의 특징을 오늘날 미래지행적인 예술현태인 실험주의 작품들이 가지고 있는 이해의 한계점을 극복해 줌으로써 근대에서 현대로 이어지는 무용사의 흐름을 매끄럽게 이어주는 중추적인 역할을 하였다. 통상적인 의미의 신고전주의의 개념은 새로운 공간창출이고 언어의 영역확장으로 새로운 의미의 고전주의로 거듭나면서 대중에게 가까이 접근하기 위한 무용예술에 순수 정신의 강조를 이끌어 내면서 발레역사에 그 가치를 부여하였다. 고인이 된 로이 토비아스는 이제 우리 곁에 없지만 그간 이룬 업적과 남긴 작품들, 아직 무용계에서 살아 숨 쉬는 거장들의 증언과 가르침으로 한국 무용계에 커다란 공현을 한 바는 틀림이 없다. 발레의 본 고장인 유럽의 무대에서도 동양인이 풍기는 매력과 잠재적인 능력을 보면서 새롭게 다가가는 동양의 예술성에 초점을 모았으며 한국발레의 결과물로 한국 문화 속에 서양 예술을 정착시켰고, 무용수뿐만 아니라 안무가, 연출가, 새로운 것을 시도하는 그 무엇에게 발판이 되어줄 중요한 지침으로서 충분이 가치가 있다고 본다. This study addresses the neoclassicism in choreography of Roy Tobias through analysing his works and interviewing with dance masters worked with him based on researching his life, value, and art. Resulting from a research of Korean ballet history, specially focused on the era of Seoul Ballet Theatre as an art advisor, he absolutely had taken an innovative achievement. Neoclassicism leading the development of modern dance is very important as a starting point of modern ballet. Roy Tobias, considerably influenced by George Balanchine who was a progenitor of neoclassicism ballet, can be named as a spokesman of neoclassicism ballet. The analysis of his neoclassicism works is as belows: First, he thought that the key of dance is a human body through which any emotion and drama could be expressed naturally. Focusing on the pure body movement and its possibility to express the implied in the movement, the role of dancer such as sophisticated movement, exact mime, and expression became more important. Second, the music was used as another media to express. Due to the absence of a plot, the dramatic motive of ballet was replaced by the music of which genre, style, rhythm, melody and tone were reflected in dance. The music and its explanation could be described by the pure movement of body. The neoclassicism ballet is one of the ism stressing the importance of music. Third, the clothes for the stage became simple and plain and finally, was made similar to the training suit. The stage setting was also avoid a showy and decorated things. These trend was to reflect the modern life preferring simple and convenient things. Forth, it was added modern step and movement. It made the ankle turn inside, body stretch or bend, and elegant or ugly. He had developed the movements could not be found before as well as made a modern works for 21 century. The neoclassicism of Roy Tobias made us understand today's experimentalism art works as a futurism. Therefore, his works took a role to bridge between modern and contemporary dance history. Re-identifying the general concept of neoclassicism through creating a new space and expanding the linguistic meaning, the neoclassicism made the dance art underline a pure art to access to the public, which took a meaningful mark on the history of ballet. Even though having passed away, he has contributed considerably to Korean dance history though his works and the instruction of masters influenced by him. He took an attention on the oriental characteristics and potential even in Europe, a home of ballet, and focused on the oriental ballet as a new perspective. Also, through his work, he integrated western ballet into Korean culture-Korean ballet. His works is worth of a important guide as a foothold for a dancer, a choreographer, a producer and any other who try to challenge something new.

Igor Stravinsky의 음악미학관에 근거한 신고전주의 연구와 Opera<The Rake's progress>의 실제해석

민정은 이화여자대학교 대학원 2004 국내석사

본 논문은 스트라빈스키(Igor Stravinsky 1882-1971)의 음악관, 창조관, 전통관, 연주관 등 음악미학관에 근거하여 신고전주의를 연구하고 이를 해석의 실제에 활용하고자 한 논문이다. 스트라빈스키는 음악의 객관성과 질서를 중시한 작곡가로서 그의 미학적 저변을 살펴보면 다음과 같다. 음악관에 있어 그는 낭만주의 음악관과 감정미학을 비판하였으며, 절대음악의 추구, 기악음악의 강조 등 음악 그 자체에 집중하고자 하는 창조관을 지니고 있었다. 또한 전통을 통해 새로움을 발견하고자 하였으며, 전통의 질서에 주목하여 이를 발전시키고자 노력하였다. 연주관에 있어서도 그는 전통과 질서를 중시하여 작곡가의 의지를 청중에게 중재하는 객관적인 작업으로 인식하였다. 이러한 스트라빈스키의 음악미학관은 신고전주의의 양식적, 의식적 맥락에 닿아있다. 20세기의 수많은 음악가들이 전통과의 단절을 통해 새로움을 추구한 반면, 신고전주의는 전통과의 접목을 통한 음악적 진보를 꾀하였다. 신고전주의는 1920년경부터 1950년 사이에 나타난 음악경향으로, 조성 체계를 포함한 낭만시대 이전의 전통을 현대적 감각으로 새롭게 수용한 양식을 지칭한다. 스트라빈스키는 그의 음악적 신념에 기반하여 신고전주의를 주도하였으며, 많은 작품을 통하여 전통을 인용하고 재해석하는 한편, 기법적 진화를 거듭하였다. 특히 그의 신고전주의 시기 최후의 작품인 오페라 <난봉꾼의 행각 The Rake's progress>은 자신의 고유한 양식을 구체화한 역작(力作)으로 평가할 수 있다. 18세기로 회귀한 듯한 구성과 양식을 지닌 <난봉꾼의 행각>은 모차르트(Wolfgang Amadeus Morzart 1756- 1791)의 다 폰테(Lorenzo da Ponte 1749∼1839) 오페라와 닮아있다. 그러나 이 작품은 소재 혹은 주제를 과거로부터 차용한 것이 아니라 스트라빈스키 고유의 역량을 통해 전통을 재해석하고 전통적 양식을 인용하였다는 점에서, 다른 신고전주의 시기 작품과 구별된다. 본 논문에서는 <난봉꾼의 행각> 전곡 중 여주인공 앤(Ann)의 아리아를 구체적으로 분석하고 연주의 실제에 활용하고자 하였다. 앤은 사랑과 용서를 상징하는 인물로서, 1막의 scene 3에 등장하여 모놀로그(monologue) 형식으로 극을 진행한다. 이 곡은 조성, 성악 선율 등에 있어서 고전주의 기법을 두루 사용하고 있는데 스트라빈스키의 독창적인 재해석과 그 활용이 돋보인다. 여기서는 대위법에 근거한 모방, 오스티나토, 지속음의 사용 등의 고전주의적인 기법이 등장하며, 관현악법과 리듬, 곡의 발전양식 등에서 다양한 변형을 통해 독창적인 음악양식을 보여준다. 본 논문은 20세기 음악의 한 전형인 스트라빈스키의 신고전주의를 이해하는 과정에 있어 그의 음악미학관에 주목하고 음악적 질서와 객관성을 추구한 그의 음악을 본질적으로 분별하여 터득하고자 하는데 논점을 두었다. 즉 스트라빈스키 최후의 신고전주의 작품인 오페라<난봉꾼의 행각>을 '해석'의 단계에까지 이해함으로써 연주자로서 궁극적 재현의 실제를 경험하는데 도움이 되고자 하는 것이다. The present study is to examine neo-classicism based on Igor Stravinsky's (1882-1971) view of musical aesthetics including his views of music, creation, tradition and performance, and utilize the results in actual music interpretation. Stravinsky is a composer who emphasized the objectivity and order of music, and the base of his aesthetics is as follows. As to his view of music, he criticized romantic view of music and the aesthetics of feeling, and maintained the view of creation focused on music itself, pursing absolute music and stressing instrumental music. What is more, he tried to discover newness through tradition and, directing his attention to the order of tradition, made efforts to develop it. Valuing tradition and order in his view of performance as well, he regarded performance as an objective work that conveys composers' intentions to audience. Stravinsky's such a view of musical aesthetics is in collusion with the style and consciousness of neo-classicism. While a large number of musicians in the 20th century pursued newness through renouncing tradition, neo-classicism promoted musical progress through being grafted into tradition. As a musical trend emerging between 1920s and 1950s, neo-classicism refers to a style that admitted traditions before classicism including its tonal system. Stravinskyled neo-classicism based on his musical belief and quoted and reinterpreted tradition through many works, and on the other hand repeated technical evolution. In particular, the last work of his neo-classic period, <The Rake's Progress> is regarded as his labored work that materialized his unique style. The work, which structure and style that seems to return to the 18th century, is similar to operas of Wolfgang Amadeus Morzart's (1756-1791) and Lorenzo da Ponte (1749∼1839). However, the work is distinguished from his earlier neo-classic works in that it did not borrow its material or subject from the past but reinterpreted tradition and quoted traditional styles through Stravinsky's original abilities. This study analyzed the aria of Ann, the heroine throughout the whole of <The Rake's Progress>, and applied the results to actual performance. Ann is a character symbolizing love and forgiveness, appearing from Act 1, Scene 3 and leading the drama in monologue. The music widely employs classic techniques in tone, vocal melody, etc., and is remarkable in Stravinsky's original reinterpretation and its utilization. The music uses classic techniques such as imitation based on counterpoint, ostinato and the use of organ points, showing an original musical style through diverse variations in orchestration, rhythm, the development pattern of music, etc. Taking note of his view of musical aesthetics in understanding Stravinsky's neo-classicism as a model of 20th century music, the present study focused its discussion on analyzing and comprehending the nature of his music that pursued musical order and objectivity. That is, this study purposed to contribute to performers' experience in the reality of ultimate reproduction by understanding opera <the Rake's Progress, Stravinsky's last neo-classic work>, to the depth of 'interpretation.

Ballet에 있어서 신고전주의 경향에 관한 연구 : George Balanchine과 Igor Stravinsky를 중심으로

김수진 이화여자대학교 대학원 1996 국내석사

Igor Stravinsky 음악시기에 의한 발레 작품연구 : (신고전주의 중심으로)

허가영 공주대학교 교육대학원 2020 국내석사

음악과 무용의 관계에 있어서 아르망 마하비(Armand Machabey1886~1966)는 음악과 무용의 요소의 부분이나 측면에서 공통으로 통하는 성질을 지니고 있음을 강하게 주장하였다. 무용과 음악과의 관계는 나눌 수 없이 서로 연결하여 형성되어 왔고 그러한 결합의 정도가 음악형성에 크게 작용함으로써 청각으로 의식되는 무용승화에 중요한 요소로 제기된다는 것을 알 수 있다. 이에 본 연구는 발레 《풀치넬라》,《아폴론》 작품안에 나타난 무용과 음악의 신고전주의의 사조적 구조와 특징이 서로에게 미친 구체적 영향을 살펴보고, 이를 위해 두 발레 작품의 신고전주의의 사조적 특징이 작품안에 내제된 결합의 정도가 어떠한 형태로 나타나는지, 그 유사점과 차이점은 무엇인지 고찰해 보고자 하는 것에 본 연구의 목적이 있다. 이러한 연구 목적을 토대로 신고전주의 음악적 특징과 신고전주의 발레특징을 살펴보면 다음과 같다. 첫째, 음악적 형식과 시대적 특징을 사용한다. 둘째, 18세기 협화음적인 스타일을 추구하였다. 셋째, 옛 작품의 구조적인 방식을 사용하였다. 넷째, 형식주의와 패러디방법을 사용하였다. 발레의 신고전주의 특징은 다음과 같다. 첫째, 추상적이다. 둘째, 비문학적 비표현주의적 모더니즘 경향이다. 셋째, 미니멀리즘 경향이다. 넷째, 혁신적인 스텝의 변화가 나타난다. 신고전주의 음악의 특성은 풀치 넬라 음악의 특성에서 모두 드러난 것으로 조사되었으며, 신고전주의 발레의 특성은 풀치 넬라 발레의 특성에서 첫 번째, 두 번째 및 네 번째로 밝혀졌다. 신고전주의 음악의 특성은 아폴로 음악의 특성에서 첫 번째, 세 번째 및 네 번째로 조사되었으며, 신고전주의 발레의 특성은 아폴로 발레의 특성에서 첫 번째, 두 번째 및 네 번째로 조사되었습니다. 두 개의 발레작품에 나타난 스트라빈스키 신고전주의와 발레작품의 사조적 특징을 고찰해 본 결과, 신고전주의 사조라 하더라도 음악과 발레간에 공통적인 사조적 특징이 없음을 알 수 있다. 이는 각각의 예술의 형태가 사조적 특징을 독자적으로 지니고 있음을 알 수 있다. 발레는 모든 예술 형태가 그러하듯 끊임없이 발전하고 변화를 이어오고 있다. 20세기 발레는 다른 분야의 현대 예술과 마찬가지로 다양한 실험적인 시도를 통해 변화를 주고 예술적 과정으로 전통을 고수하였다. 전통과 현대에 만남에 있어서 그 통로를 찾아 신고전주의의 현대화 작업은 이를 성공적으로 이루어 접목하였다고 하겠다. Regarding the relationship between music and dance, Armand Machabey (1886~1966) argued strongly that music and dance have common parts or aspects in their elements. The relationship between music and dance has been formed not being separated but being connected with each other, and it can be seen that the degree of such connection has been suggested as an important element in the sublimation of dance recognized through the auditory sense by impacting the formation of music. Thus, this study was aimed at examining the specific impact of the structure and characteristics of the neoclassicism genre of dance and music in two ballet works《Pulcinella》and《Apollon》on each other, and investigating how the combination of the genre characteristics of neoclassicism in the two ballet works are represented, and what their similarities and differences are. For this purpose, the characteristics of neoclassical music are summarized as follows. First, classical musical forms and characteristics of the time were used. Second, an 18th-century consonant style was pursued. Third, the structural methods of old works were used. Fourth, the formalism and parody methods were used. Next, the characteristics of neoclassical ballet are as follows. First, it is abstract. Second, it has a trend of non-literal non-expressive modernism. Third, it has a trend of minimalism. Fourth, it exhibits innovative changes in step. The characteristics of neoclassical music were investigated to be all shown in the characteristics of Fulcinella music, and the characteristics of neoclassical ballet were found to be the first, second, and fourth in the characteristics of Fulcinella ballet. The characteristics of neoclassical music were investigated as the first, third, and fourth in the characteristics of Apollo music, and the characteristics of neoclassical ballet were investigated as the first, second, and fourth in the characteristics of Apollo ballet. From the analysis of the genre characteristics of neoclassical music and ballet in the two ballet works of Stravinsky, it can be seen that common genre characteristics could not be found between music and ballet although both were neoclassical works. This implies that each form of art has its own genre characteristics. Ballet has been constantly developing and changing just as other forms of art have been doing so. Like other areas of modern art, 20th-century ballet has made changes through various experimental attempts and at the same time, adhered to tradition through artistic processes. It may be suggested that modernization efforts of neoclassicism have been successful in finding a path in the meeting of tradition and modernity.

20 세기 신고전주의 플루트 소나타 연구 : P. Hindemith Sonata for Flute and Piano 와 S. Prokofiev Sonata for Flute and Piano 를 중심으로-

팽문배 단국대학교 대학원 2024 국내박사