국악관현악의 음률체계 정립을 위한 연구 : 창작곡대금의 활용을 중심으로

신주희 성균관대학교 일반대학원 2020 국내박사

한국의 전통합주에서 발전되어 나타나게 된 국악관현악은 현대에 이르러 장르를 가리지 않고 다양한 연주를 시도하고 있다. 하지만 전통음악은 삼분손익법에 의한 음률체계이고, 오선보를 사용하는 서양음악의 음률체계는 평균율을 사용하기 때문에 그 체계가 다를 수밖에 없다. 국악관현악단에서 사용하는 악기는 평균율에 맞춰 연주하기에 용이한 개량된 악기를 사용하는 악기들도 있지만, 전통음악에서 사용하는 악기를 사용하는 악기도 있어 창작음악을 연주함에 실질적인 불편함이 있다. 따라서 본 논문에서는 국악관현악단의 음률체계가 자리 잡을 수 있는 하나의 대안으로 여러 국악기 중에서 창작곡대금의 상용화를 제안하였다. 창작곡대금이란 국악창작곡 연주 시 사용하는 대금으로 악기 음률체계가 서양의 평균율에 맞게 만들어진 창작곡 연주전용의 대금을 일컫는다. 대금은 창작곡을 주로 연주하는 국악관현악에서 조율을 담당하는 악기로 음악전체의 음률에 중요한 악기이다. 하지만 정악대금이나 산조대금은 창작곡을 연주하기에 적합하지 않아 창작곡을 연주할 경우에는 반드시 평균율 음고에 맞는 창작곡대금을 사용해야 한다. 지금까지의 대금의 개량은 음정보다는 창작곡 연주 시 편리함을 돕기 위한 테크닉 문제를 해결하는 것을 주로 했다면, 본 논문에서 주장하는 창작곡대금은 기존의 전통 정악대금의 재질과 형태는 유지하되 지공의 위치나 대나무 안의 내경을 일정하게 맞추고 지공을 뚫을 때 지공 크기와 안쪽의 깊이를 규격화하여, 국악관현악에 적합한 음정을 가질 수 있는데 주안점을 두었다. 본 논문의 B♭창작곡대금과 B창작곡대금으로 이 두 악기의 운지법을 제시하여 실제 연주에 활용할 수 있도록 하였다. 본 연구를 통해 국악관현악이 음악 감상자들의 미감을 만족시키고 국악의 대중화를 이끌어 이 시대에 맞는 음악장르로 거듭날 수 있기를 희망한다. 국악관현악의 음률정립과 창작곡대금의 정착을 표준화된 음률체계 속에서 구축할 수 있다면 보다 발전된 국악관현악의 미래를 기대해 볼 수 있을 것이다. Korean traditional orchestral music, which has been developed from the traditional Korean ensemble, is trying to play various genres in modern days. However, the temperament of the traditional Korean music is based on the Sambunsonikbeop, and the Western music system using the staff notation employs the equal temperament, so the systems are different. Therefore, the instruments used by the Korean traditional orchestra are practically inconvenient and not appropriate even though they are tuned to the equal temperament. Therefore, in this paper, the commercialization of the Contemporary Daegeum was proposed as an alternative to establish a temperament system of the Korean traditional orchestra. The Contemporary Daegeum refers to the Daegeum used to play the contemporary Korean traditional music, and which is tuned to the equal temperament. Daegeum is a musical instrument that is in charge of tuning in the contemporary Korean traditional orchestral music, so is an important instrument for the overall temperament of the music. However, Jeongak Daegeum or Sanjo Daegeum are not suitable for playing contemporary songs, so the Contemporary Daegeum should be employed in order to play a contemporary song tuned to the equal temperament. So far, the modernization of Daegeum has been focused on facilitating the techniques used in the contemporary Gukak. However, the main focus of this paper is that standardizing the diameter of bamboo trees and the size and the depth of the holes will allow the instrument to be tempered appropriately for contemporary music, without changing the material or the form of the original Daegeum. I proposed the fingering methods of B♭ Contemporary Daegeum and B Contemporary Daegeum in order to be utilized in the actual performances. I hope that this study will be a stepping stone for Gukak to satisfy the taste of music listeners and lead the popularization of Gukak to become a music genre suitable for this era. If the appropriate temperament system with the Contemporary Daegeum can be established in a standardized and systemized manner, a more advanced future of Gukak can be expected.

국공립 국악관현악단 편성의 통시적 고찰 : 서울 소재 악단을 중심으로

설보라 서울대학교 대학원 2019 국내박사

In contemporary Korea, The Korean traditional orchestra which is called ‘Gugakgwanghyeonakdan(國樂管絃樂團)’ in Korean is a group of orchestra that performs a piece such as orchestral and concerto forms written for Korean traditional instruments. In order to draw up a improvement for the orchestration of Korean traditional orchestras, First, it is necessary to understand about the process of how Their orchestration has changed into the present form. In this paper, Therefore, I tried to identify the changing patterns of orchestration through the historical trends of the Joseon Dynasty(1392~1910)’s Akhyeon(樂縣, the arrangement of musical ensemble for ritual music of the royal court) and the contemporary Korean traditional orchestras in Seoul. The result of this study is as follows: First, the origin of contemporary Korean traditional orchestras could be traced right back to the ensemble of deungga(登歌, upper terrace orchestra) and jeonjeongheon-ga(殿庭軒架, front yard orchestra) for royal banquets in Joseon dynasty. Also, as a result of analyzing the orchestration of Akhyeon in the Joseon Dynasty, it could be seen that the Korean traditional classical instrumental ensemble at The National Center for Korean Traditional Performing Arts(NCKTPA) thought to have originated in deungga. During the 15th and 19th centuries, the deungga and the heon-ga had performed the music for yeohyang(宴享, ) with more than 100 players in ensembles, and in the 19th century, the deunga of yeonhyang and jongmyogerye(宗廟祭禮, ) had fundamentally orchestrated following instruments: the six chordophones such as Haegum(two-stringed fiddle), Dangbipa(Chinese-origin lute with four strings), Gayageum(twelve-stringed plucked zither), Geomun-go(six-stringed plucked zither), Ajaeng(bowed zither), Yanggeum(dulcimer); the four aerophones such as Daegeum(large size bamboo flute), Piri(cylindrical double-reed bamboo oboe), Dangjeok(Chinese-origin small size bamboo flute), Tungso(large notched bamboo oboe); the membranophone such as Janggu(hourglass-shaped double-headed drum) and the Idiophone such as Banghyang(metal chime with sixteen bronze slabs). Second, from the 1940s to the 1960s, the orchestration of Korean traditional orchestras were based on traditional ensemble. Various attempts about the orchestration to Korean traditional orchestras were made centering on the two branches. First branch is NCKTPA and The Department of Korean Music of College of Music Seoul National University(DKMCMSNU)). Second is National High School of Traditional Korean Arts(NHSTKA) and Seoul Metropolitan Traditional Orchestra(SMTO). The orchestration and arrangement of Korean traditional ensemble was formed by NCKTPA. The ajaeng are located in the center, and the gayageum and geomun-go are placed on the left and right, and the haegeum is placed between the string and the wind instruments. In the 1950s and 1960s, each instrument was converted into plural based on the arrangement of Korean traditional ensemble. These orchestrations were used when it’s performing such as orchestral or chamber pieces and chorus accompaniment. And SMTO contributed to the enlargement of the orchestration’s scale by introducing the ensemble with about 50 performers for the first time at the concert held in 1965. In addition, they improved the bass strings for orchestrating Korean traditional orchestras such as the won-geum(large body haegeum with three strings) and nine-stringed ajaeng, and used it for. Third, in the 1970s and 1980s, due to the increase in the number of ajaeng which is bass tune bowed chordophones on korean traditional orchestras, they have variously modified the arrangement of instruments. Among them, the orchestration of korean traditional orchestras focusing of plucked chordophones has become common. It is composed of the number of 40 to 50 performers and the arrangement is in front of gayageum and geomun-go, followed by haegeum and ajaeng in the back. the gayageum, geomun-go and haegeum are orchestrated about 8 each. and the ajaeng is about 4. It has been set by SMTP and NCTPA since 1974-5. In 1986, the KBS Traditional Music Orchestra(KBS TMO) changed this arrangement. They let moved the haegeum in the center to the left and adjusted the ajaeng behind the geomun-go to occupy the right rear seat of the stringed instrument group, so that the effect of four chordophones groups visually equally gave. Fourth, in the 1990s, with the improvement of chordophones and the changing of instruments in charge of playing main melody from gayageum to haegeum, the orchestration of Korean traditional orchestras focusing on bowed chordophones has been settled in addition to focusing on plucked chordophones. It is composed of the number of 50 to 60 performers and the arrangement is in front of haegeum, ajaeng and in the back of gayageum, geomun-go. The ratio of haegum and ajaeng is higher than that focusing on plucked chordophones. The orchestration of Korean traditional orchestras focusing on bowed chordophones has been established in 1995 with the emergence of National Orchestra of Korea(NOK). Since the 2000s, it has become one of the basic orchestration with the orchestration focusing on plucked chordophones. In the early days, the ratio of gayagum and haegeum had been the highest among the chordophones. After 2000, the number of haegeum has a tendency to increase, but gayagum decreases. There is also a tendency to increase the number of ajaeng to complement the bass range of chordophones. In short, the origins of Korean traditional orchestras can be found in the akhyeon of the Joseon dynasty, and since the advent of the Korean music orchestra in the 1960s, the main cause of the change in the orchestration of Korean traditional orchestras has been the supplementation of bass instruments centering on the ajaeng and the shifting of instruments in charge of playing main melody from gayageum to haegeum. 국악관현악단의 역사는 70여년 정도이며, 현재 전국에 약 30개의 국공립 국악관현악단이 활동하고 있어 이에 대한 역사를 정리할 필요가 있다. 이를 위해서는 조선시대 관현악과의 흐름을 연관시켜서 보고, 문제점과 개선방안을 마련해야 한다. 이에 본고에서는 조선시대 악현 및 서울 소재 국공립 국악관현악단을 대상으로 국악관현악 편성의 형성과정과 변화양상을 역사적 흐름을 통해 확인하고자 하였다. 그 연구결과를 정리하면 다음과 같다. 첫째, 국악관현악의 기원은 조선시대의 등가와 전정헌가의 합주에서 찾을 수 있으며, 현재 국립국악원의 전통 관현합주 편성(향피리 중심의 대편성)은 조선시대 악현 중에서도 등가를 전승한 것이라 볼 수 있다. 15~19세기에는 100여명의 대규모 관현합주 편성으로 연향의 음악을 연주하였으며, 19세기 연향과 종묘제례의 등가는 해금ㆍ당비파ㆍ가야금ㆍ거문고ㆍ아쟁ㆍ양금 등 6종의 현악기, 대금ㆍ피리ㆍ당적ㆍ퉁소 등 4종의 관악기, 장구와 방향 등 2종의 타악기를 기본편성악기로 사용하였다. 둘째, 1940~60년대에는 전통 관현합주 편성이 초기 국악관현악 편성의 기초가 되었으며, 60년대에는 두 갈래의 다양한 시도들이 이루어졌다. 국립국악원을 중심으로 아쟁이 중앙에 위치하며 그 좌우에 가야금과 거문고를 두고 현악기군과 관악기군의 사이에 해금을 위치시키는 전통 관현합주 편성이 생겨났다. 1950~60년대에는 전통 관현합주 편성을 기본으로 각 악기를 복수로 편성하는 형태를 창작 관현악, 실내악, 합창반주 등에 사용하였다. 또한 1960년대 이후 서울대학교 음악대학 국악과의 정기연주회에서는 다양한 형태의 배치들이 시도되었다. 1965년 서울시립국악관현악단의 창단연주회에서 약 50명 규모의 편성을 처음 선보이면서 편성규모의 확대에 큰 역할을 하였으며, 원금[圓琴, 3현 대해금], 9현 대아쟁 등 국악관현악 편성을 위한 저음 찰현악기를 개량하고, 편성에 활용하였다. 셋째, 1970~80년대에는 저음역 보완을 위해 전통 관현합주 편성을 기초로 다양한 형태의 배치가 등장하였으며, 그중에서도 발현악기 중심의 국악관현악 편성이 등장ㆍ보편화되며 이전 시기의 경향이 유지되었다. 이 편성은 앞쪽에 가야금ㆍ거문고, 뒤쪽에 해금ㆍ아쟁이 위치하는 40~50명 규모로, 가야금ㆍ거문고ㆍ해금은 8명 내외, 아쟁은 그 절반인 4명 내외로 편성하는 형태로 정착한다. 1974~5년경부터 서울시립국악관현악단과 국립국악원 한국음악창작발표회를 중심으로 정착하였다. 1986년 KBS국악관현악단은 이 편성에서 중앙에 위치한 해금을 왼편으로 옮기고, 거문고 뒤편의 아쟁이 현악기군의 뒤쪽 오른편 자리를 차지할 수 있도록 조절함으로써 시각적으로도 4가지 현악기군들이 동등하게 위치하는 효과를 주었다. 넷째, 1990년대에는 현악기의 개량으로 음량이 증대하고 가야금에서 해금으로 선율의 중심 악기가 이동함에 따라 기존의 연장선상인 발현악기 중심의 국악관현악 편성 이외에도 찰현악기 중심의 국악관현악 편성이 정착하였다. 이 편성은 앞쪽에 해금ㆍ아쟁, 뒤쪽에 가야금ㆍ거문고가 위치하는 50~60명 규모로, 발현악기 중심의 국악관현악 편성에 비해 해금과 아쟁의 편성비율이 높다. 찰현악기 중심의 국악관현악단 편성은 1995년 국립국악관현악단의 등장과 함께 정착하였으며, 2000년대부터는 발현악기 중심의 국악관현악단 편성과 함께 기본 편성 중 하나로 자리 잡게 되었다. 초기에는 현악기군 중 가야금과 해금의 편성비율이 가장 높았으나, 2000년 이후에는 해금의 편성수는 증가하는 반면 가야금은 감소하는 경향이 나타난다. 또한 현악기의 저음역을 보완하기 위해 아쟁의 편성수를 늘리는 경향이 지속적으로 나타난다. 요컨대, 국악관현악의 기원은 조선시대의 악현에서 찾을 수 있으며, 1960년대 국악관현악단의 등장 이후 현재까지의 국악관현악 편성에 있어 변화의 주요한 원인은 가야금에서 해금으로의 주선율악기 이동과 아쟁을 중심으로 한 저음악기의 보완이라 할 수 있다.

초등학교 국악관현악단 운영에 관한 연구 : 예술꽃씨앗학교 지원사업 중심으로

윤정아 전주교육대학교 교육대학원 2013 국내석사

국악관현악 활동은 연주활동을 통하여 조화를 이루게 하고 전통문화에 대한 올바른 가치형성에 도움을 주며, 다른 학생들과 화합하는 마음을 가지게 한다. 이러한 교육적 효과가 높기 때문에 많은 학교 현장에서 국악관현악단을 운영하고 있다. 그러나 학교 현장에서의 국악관현악단은 부족한 예산과 능력 있는 강사 확보의 어려움, 프로그램의 정보 부족, 국악관현악단 운영 전담 교사의 해당 분야에 대한 전문성 부족과 함께 학교 구성원들과의 유기적인 협조체제, 학생관리 등에서 많은 어려움을 겪고 있다. 이러한 문제점을 해결하기 위한 선행 연구가 부족한 상황이어서 초등학교의 국악관현악단의 운영 상황을 체계적이고 종합적이며, 그리고 장기간에 걸쳐 파악할 필요성이 제기되었다. 이러한 점을 바탕으로 2011년부터 3년간 ‘예술꽃씨앗학교 지원사업’으로 국악관현악단을 운영하고 있는 간중초등학교의 사례를 중심으로 초등학교 국악관현악단의 운영 현황을 검토하고 문제점과 개선 방안을 살펴보았으며, 그 결과를 정리하면 다음과 같다.

초등학교 국악관현악 활동과 인성교육에 관한 연구

차옥희 전주교육대학교 교육대학원 2014 국내석사

본 연구는 최근 들어 학생들을 대상으로 한 인성교육의 중요성에 대한 관심이 높아짐에 따라, 초등학생들의 국악관현악 활동이 인성교육에 미치는 영향을 알아보고, 인성교육에 대한 효율적인 방법을 모색하는데 있다. 이러한 연구목적을 달성하기 위하여 2011년부터 2014년까지 4년간 ‘예술꽃씨앗학교 지원사업’으로 국악관현악 활동을 하고 있는 농촌 초등학교의 3학년∼6학년 학생 55명을 대상으로 연구하였다. 연구방법은 2012년과 2013년에 걸쳐 이뤄진 교육활동을 토대로 한국종합심리 검사소에서 제작한 다중종합 심리검사지를 활용하여 학생들의 인성변화를 측정한 후, 2012년과 2013년의 측정치를 사전․사후검사로 하여 t검증을 통해 변화의 유의성을 분석하였으며, 그 결과 다음과 같은 사실을 알 수 있었다. 첫째, 다중지능의 8가지 영역의 변화 차이를 비교․분석한 결과, 인성적 지능에 해당하는 대인관계지능과 자기이해지능 영역의 변화가 가장 큰 것으로 나타났다. 둘째, 인성적 지능인 대인관계지능과 자기이해지능의 두 영역의 차이에 대한 유의성 분석 결과, 대인관계지능의 하위 영역인 다중지능과 다중적성, 다중흥미 영역에서 모두 유의미한 차이가 있는 것으로 나타났고, 자기이해지능에서는 다중흥미 영역에서 유의미한 차이가 있는 것으로 나타났다. 셋째, 학년별로 비교분석한 결과, 3학년은 대인관계 지능의 다중적성에서, 5학년은 대인관계 지능의 다중지능에서, 6학년은 대인관계 지능의 다중흥미와 자기이해 지능의 다중적성과 다중흥미 세 분야에서 유의미한 차이를 보였고, 4학년은 어떤 영역에서도 유의미한 차이를 보여주지 못했다. 이는 초등학교 국악관현악 활동이 중학년보다 고학년에서 인성교육에 미치는 영향이 더 크다는 것을 말해 준다. 넷째, 성별로 나누어 분석한 결과, 남학생은 대인관계지능과 자기이해 지능에서 다중적성 점수만 유의미한 차이를 나타냈고, 여학생은 대인관계 지능의 다중지능과 다중흥미, 자기이해 지능의 다중흥미 점수에서 유의미한 차이가 나타났다. 이러한 분석결과는 국악관현악 활동에 남학생보다 여학생이 더 적극적이고 능동적으로 참여한 결과로 해석된다. 다섯째, 악기별로 나누어 분석한 결과, 관악기를 연주한 학생은 대인관계 지능의 다중적성과 다중흥미, 자기이해 지능의 다중적성에서 유의미한 차이를 나타냈다. 현악기를 연주한 학생은 자기이해 지능의 다중흥미에서, 그리고 타악기를 연주한 학생은 대인관계 지능의 다중지능에서만 유의미한 차이를 나타냈다. 따라서 관악기를 연주한 학생들이 다른 악기를 연주한 학생에 비해 인성교육적 효과가 더 크게 나타난 것으로 볼 수 있다. 이 연구의 결과로 초등학생들의 국악관현악 활동이 학생들의 인성교육에 긍정적인 영향을 미친다는 사실을 알게 되었고, 후속 연구를 위해 다음의 몇 가지 제언을 하고자 한다. 첫째, 도시지역의 다인수 학생들을 대상으로 국악관현악 활동과 인성교육과의 관련성을 알아보는 추가적인 연구가 필요하다. 둘째, 정확한 결과를 얻기 위해서는 또 다른 객관적이고 효율적인 검사 도구를 활용한 분석이 필요하다. 셋째, 학교에서의 인성교육 방향 모색에 국악관현악 활동이 새로운 대안이 될 수 있겠다. 넷째, 국악관현악 활동이 대인관계지능 및 자기이해지능 뿐만 아니라 다른 지능에서도 의미 있는 변화가 있는 것으로 나타나 학교에서 잠재적 교육적효과를 염두에 둔 다양한 학생활동을 계획해 볼 수 있겠다.

국립국악관현악단의 운영개선방안에 관한 연구

권태연 단국대학교 2008 국내석사

국악관현악은 ‘국악’이라는 보존·계승해야할 가치 있는 전통음악을 기반으로 서양의 오케스트라 형식을 빌어 20세기에 들어 생성된 장르로서 보존보다는 계승·발전이 그 목적이라 할 수 있다. 이러한 특성상 그동안 대부분의 국악관현악단은 순수예술을 행하는 비영리 예술단체로 분류되어 공공기관의 주도로 설립되고 운영되어 왔다. 국립극장의 전속예술단체인 국립국악관현악단 역시 국가에서 운영되는 대표적인 예술단체로 새로운 민족음악의 창출과 국악의 생활화·세계화를 그 목표로 하고 있다. 그렇기 때문에 국립국악관현악단이 가지는 공공의 의무는 더욱 명확하다. 보다 많은 사람들이 양질의 예술 활동을 공유할 수 있고 이들의 다양한 요구들을 수용하여야 하는 의무를 안고 있는 것이다. 하지만 공공기관 주도의 운영시스템은 안정적인 공연활동의 여건을 마련해주는 긍정적인 측면과 함께 관객수요층을 확대하지 못하고 문화예술 향유자들이 만족할 만큼의 다양하고 적극적인 활동을 하지 못하는 한계점을 드러내고 있다. 현대사회는 문화 향수층이 점차 넓어지고 문화예술에 대한 다양한 요구가 증가하고 있다. 이러한 상황에서 시대적 흐름과 요구를 파악하지 못하는 예술단체는 본래 목적인 양질의 예술 활동물을 생산하고 보급하기에는 역부족이다. 따라서 많은 예술단체는 상황과 여건에 부합하는 효율적인 운영을 통한 자생력 마련에 초점이 모아지고 있다. 이러한 문화예술계의 흐름에 따라 국·공립 예술단체에서도 현재의 운영현황과 문제점을 정확하게 파악하고 이를 개선할 수 있는 방안에 관한 연구의 필요성이 대두되고 있다. 본 연구에서는 국립국악관현악단의 효과적인 운영과 그 개선방안을 연구하기 위하여 국립국악관현악단의 역사와 설립 의의를 알아보고 국립국악관현악단의 운영현황 조사와 함께 비슷한 성격의 국·공립 국악관현악단의 운영현황 조사를 통해 비교 분석하였다. 이를 통해 현재 국립국악관현악단의 운영상 문제점을 짚어내고 국내와 국외의 예술단체의 구체적인 운영개선 사례를 토대로 국립국악관현악단의 운영개선방안을 제시하여 보았다. Korean classical music orchestra is a genre created in the 20th century in the form of orchestra on the basis of “Korean classical music.” It aims to advance the Korean traditional music and hand it down to the next generation. Most Korean classical music orchestras have been founded and run by public institutions since they were classified as a non-profit pure arts organization. The National Orchestra of Korea, a top national art organization, belongs to the National Theater of Korea and aims to help the traditional Korean music come closer to the public and globalized as well as to create a new national music genre. In this regard, the public duty for the National Orchestra of Korea is clear: it is responsible for helping the public enjoy quality art activities and reflect various demands from people on its performance. The state-run system have a positive effect of providing a stable environment for performance yet it is also attributable to the National Orchestra’s failing to meet expectations such as expanding the audience and responding proactively to satisfy cultural patrons’ needs with various programs. With its fast growth and drastic changes, modern Korean society earned a new responsibility for meeting various needs from a wide range of cultural patrons. Arts administration, however ,has not advanced enough to keep up with these new trends and needs. The old-fashioned administration is unable to provide quality art activities and productions, which is seen as the main purpose of art organizations.Thus, many art organizations are now striving to foster the ability to stand on its own through management restructuring. In such trends in cultural and art circle, each national and public art organizations are aware of the need for research on how toaccurately examine the current situation and come up with solutions for improvement. In order to figure out effective management solutions for the National Orchestra of Korea, this study looked into the history and founding ideology of the National Orchestra of Korea as well as its current management and operation status. In addition, by examining the operationsof similar national and public Korean classical music orchestras, comparative analysis of the National Orchestra was conducted. Through the analysis and comparisons, this research found out what kinds of management problem the National Orchestra of Korea is facing now. Based on findings from the case studies of other art organizations home and abroad, management solutions for the National Orchestra of Korea were presented.

국악관현악 악기배치법의 역사적 전개양상

이진아 중앙대학교 대학원 2008 국내석사

The aim of this study was to discover the musical values and problems of creative national classical orchestral music―Korean's special music―which would be more creative and progressive in the future as a preparing process for a new age, while looking back the past and the present. For this, the investigator examined the musical instrument arrangement of court music in the Joseon Dynasty which kept the prototype of national culture in an ideological aspect. With the phenomena of the nature based on the interpretation of Eumyang-Ohaeng(陰楊五行) ideology from the Book of Changes Juyeok(周易), the principle and method of musical instrument arrangement was understood. For this, the investigator made reference to Oryeui(五禮儀) from a true record of the Joseon Dynasty. Besides, the investigator referred to musical theories from the Orye of the true record of King Sejong, and from Yegi(禮記) and Akgi(樂記). And the investigator also examined such literatures as Gukjooryeui(國朝五禮儀), Jeungbomunheonbigo (增補文獻備考), and Akhakgwaebeom(樂學軌範) for musical instrument arrangement. The musical instrument arrangement of the Joseon Dynasty was divided into two: The one of Sajikdan(社稷壇) and Jongmyo(宗廟) as a major sacrificial rite; and the other of Munmyo(文廟) as a secondary sacrificial rite. The musical instrument arrangement of the Joseon Dynasty was on the basis of Eumyang(陰陽) conception. In this vein, the Heonga(軒架) of Deung-ga(燈架) was not exceptional. According to the arrangement of 8 sounds, cloth/bamboo/wood―symbols of beginning of all things―were arranged in the east; metal/stone/earth in the west; silk―a symbol of summer―in the south; and leather―a symbol of winter―in the north. The prototype of national classical music appeared in the early days of the Joseon Dynasty, but the history of music underwent a lot of changes with many wars and battles in the latter part of the Joseon Dynasty. The changes of arrangement and the reducement of number of musical instrument in Deung-ga(燈架) and Heonga(軒架) was seemingly due to musicians' escaping or being killed and instrumental destruction and disappearing. In addition, the number of musicians and instruments in Jongmyo(宗廟) music was also reduced and its arrangement was changed from an orchestral pattern to an individual instrument-oriented one. This was a feature and main current of musical history in the latter part of the Joseon Dynasty, which could be observed in the arrangement of Jeonjeonggochwi(殿庭鼓吹) too. In this period, such music as Aak(雅樂), Dangak(唐樂), and Hyangak(鄕樂) began to decline, but private music appeared. Although Dangak(唐樂) and Hyangak(鄕樂) needed a different arrangement in the early part of the Joseon Dynasty, a Hyang-Dang(鄕唐)combinatorial arrangement appeared after two wars. The influence of Western orchestral arrangement upon the national classical orchestra was examined by means of the musical instrument arrangement of the national classical orchestral music. First, a Koran orchestra was founded with the introduction of a Western orchestra into a Korean military band. It has been developed from a small-scale indoor orchestra to a full-fledged orchestra. In that process of Korean orchestral development, 'the Central Music Association' has played an important role in settling the Western pure music. As a result, a Korean symphony orchestra led the introduction of Western music, shaped a new musical culture, and contributed to the cultivation of national emotion before and after the restoration of independence. And the modernization of a national classical orchestra was achieved in the 1960s when a national awakening for the construction of national culture occurred. In this study, this development was illustrated through photographic data on the City of Seoul Korean Music Orchestra specialized national classical music orchestra―established in 1965, by comparing its performances to those of a Western orchestra. As for the development of modern national classical music orchestra, the investigator examined Lee Wang-jik's Aakbu(李王職雅樂部) before the restoration of independence, and the City of Seoul Korean Music Orchestra, the National Classical Music Orchestra, and KBS National Classical Music Orchestra after the restoration of independence, focusing on their instrumental arrangement. The current instrumental arrangement of national classical orchestral music is the one that has been influenced by a Western orchestra. Comparing to the basic structure of national classical orchestral music, the current instrumental arrangement is irrational. A staged instrumental arrangement of national classical orchestral music of today has remained as an instrumental arrangement for creative classical national music only. Therefore, musical instruments should be arranged in a stage in which national tradition is taken into account, while considering Korean tones that will resound through the space. In addition, as for a sound aspect, it needs to improve musical instruments with which the limit of national classical instruments can be overcome, and then to establish a Korean-style instrumental arrangement. By so doing, the national classical orchestral music will be rational, national, and universal despite the influence of diverse world music. Thus, an important mission of leading musicians of today is to establish a practical system and to prepare a foundation for the development of the national classical orchestral music in which national spirit dwell. 본 논문은 우리의 과거와 현재를 돌아보며 새로운 시대에 대한 준비과정, 즉 더욱 창조․발전 될 우리민족의 특수한 음악인 창작국악관현악에 대한 음악적 가치의 발견을 위해서와 현재 처해있는 문제를 밝힐 수 있는 실마리를 위해 구성하였다. 우리민족의 사상적 측면에 따른 악현의 배치 내용을 우리문화의 원형을 간직하고 있는 조선 시대의 궁중음악의 악현을 통해 살펴보았다. 따라서「주역」의 음양오행적 사상을 해석하며 자연현상과 더불어 악현의 원리와 배치법에 대한 이해를 하였으며, 조선시대를 기점으로 한 악기 배치법 내용을 위해『조선왕조실록』의「오례의」를 참고하였다. 그 밖에 조선전기의 의례서인『세종실록』오례와『예기』「악기」의 악론을 중심으로 참고하였으며,『국조오례의』를 비롯한『증보문헌비고』「악학궤범」을 통해 악현의 배치와 관련된 내용을 참고하였다. 조선시대의 악현 에서는 대사로써 사직단과 종묘의 악현 실제 내용과 중사로써 문묘의 악현 으로 구분하였다. 조선시대 제례악의 악기배치는 음양오행사상을 근본으로 하였으며, 등가와 헌가에 따른 악기 편성과 배치는 이에 바탕을 두었다. 팔음의 배치에 따라 만물의 시작을 의미하는 동쪽에 해당하는 포․죽․목과 그와 반대인 서쪽에는 금․석․토의 악기를, 남쪽에는 여름에 해당하는 명주실을 의미하여 사를 배치, 겨울에는 가죽의 혁을 북쪽에 배치하였다. 우리음악의 원형을 보여준 조선전기를 기점으로 후기 조선시대는 많은 란을 겪으며, 음악의 역사도 그러한 시대적인 변천 속 에서 변화를 겪었다. 이로 인해, 등가․헌가의 악기배치의 변화와 악기 수의 감소의 원인은 악공과 악생이 도망가거나 잡혀죽었으며, 악기는 파손됐거나 산실됐기 때문이었음을 알 수 있었다. 또한 종묘 악현의 악생과 악기의 숫자도 축소됐으며, 관현악기 편성에서 관악기위주로 편성이 된다. 이는 종묘 악현 이외 전정고취의 편성에서도 발견되는 조선후기 음악사의 특징이자 역사적 대세임을 알 수 있다. 또한 아악․당악․향악의 궁중음악은 하향하였고, 궁중 밖의 민간음악이 등장한다. 조선전기에는 당악과 향악 연주를 위해 서로 다른 악기편성이 필요했지만, 양난 이후에는 당악기와 향악기를 섞어서 함께 편성한 향당교주가 당악과 향악을 모두 연주하도록 변천된 악기편성임을 알 수 있다. 양악관현악 편성 전개와 그 영향에서는 우리나라 교향악단, 즉 양악관현악 편성의 전개와 그에 따른 우리의 국악관현악 영향을 악기편성을 통해 살펴보았다. 먼저, 양악관현악편성의 역사적 전개를 통해 한국 교향악단의 창단이 서양음악의 수용으로 시작되면서, 군악대의 창설에 따른 양악대의 연주 역사부터 소규모 관현악단을 거쳐 실내악수준을 벗어난 우리나라 최초의 관현악단이 창설되면서 우리나라에 서양의 순수 음악이 뿌리 내리는 데 중요한 역할을 한‘중앙악우회’를 시작으로 해방 이전과 이후의 교향악운동의 역사를 통해 우리나라 양악사적 측면에서 한국의 교향악단은 초창기 서양음악을 보급하는데 앞장섰으며, 새로운 음악문화를 형성시켰고, 우리 민족의 정서 함양에 공헌하였다는 것을 알 수 있다. 여기에 맞서 민족문화 건설에 대한 각성이 일어난 1960년대 국악의 현대화를 통해 민족음악 창출이라는 지향에서 1965년 한국최초의 전문 국악관현악단인 서울시립국악관현악단의 사진자료를 통해 서양관현악의 모습을 볼 수 있었으며, 이를 서울교향악단 연주모습과 비교하여 그림으로 나타내었다. 그 후 근대 국악관현악 역사적 전개에서는 해방 이전의 이왕직아악부 중심의 이야기와 해방이후의 서울시립국악관현악단과 국립국악관현악단, KBS국악관현악단의 내용을 중심으로 창작국악관현악단의 발달사를 악기편성 배치법에 중점을 두어 살펴보았다. 지금의 국악관현악의 악기배치는 무대화된 악기배치를 위해 서양의 영향을 받은 배치이며, 이는 우리의 근본적인 구조와 비교하였을 때, 합리적이지 못한 배치이다. 무대화된 국악관현악의 배치는 현재까지 큰 변화 없이 국악기로 창작국악곡 만을 연주하는 관현악을 위한 악기배치라는 의미로 남을 수 있는 시점에 당도했다. 따라서 우리 민족의 전통을 되살린 무대 공간에 따른 악기배치, 그 공간에 울려 퍼질 우리의 음색을 위해 노력해야 할 것이다. 또한 음향적으로도 지금의 국악기의 한계점을 극복할 수 있는 악기개량 과 그에 따른 우리 민족의 악기배치정립이 필요하다. 그러할 때, 우리의 합리성은 가장 한국적이며, 세계의 다양함 속에서도 보편적일 수 있다고 생각한다. 따라서 국악관현악에 대한 실질적 고민으로의 체계정립과, 더 나아가 민족의 정신이 깃든 국악관현악의 발전을 위한 발판은 이 시대 음악을 이끌어가는 음악가들이 주도적으로 해야 하는 중대한 과제인 것이다.

권역별 국악관현악단 공연 현황 분석 연구 : 서울 · 충청 · 호남 · 영남 권역을 중심으로

고애니 원광대학교 일반대학원 2022 국내박사

본 연구는 KBS국악관현악단·청주시립국악단·광주시립국악관현악단·대구시립국악단을 대상으로 창단부터 2019년까지 공연현황 및 공연작품을 분석한 결과는 다음과 같다. 첫째, 각 단체별 연주단원은 KBS는 47명, 청주는 45명, 광주는 54명, 대구는 79명이다. 현재 활동하고 있는 상임지휘자는 KBS는 원영석, 청주는 한 진, 광주는 한상일, 대구는 이현창이다. 둘째, 권역별 각 단체의 창단 이후부터 2019년까지 공연현황 및 공연작품 분석 결과를 정리하면 다음과 같다. KBS국악관현악단 1980년대 가장 많이 연주된 장르는 창작곡 합주 64곡, 1990년대 창작곡 합주 114곡, 2000년대 창작곡 합주 111곡, 2010년대 창작곡 합주 90곡이다. 창작곡의 위촉 초연곡 작곡가는 106명, 연주된 위촉 초연곡은 총 197곡이다. 청주시립국악단 1990년대 가장 많이 연주된 장르는 창작곡 합주 부문이 20곡, 2000년대 창작곡 합주 부문이 40곡, 2010년대 기타음악 부문이 73곡이다. 창작곡의 위촉초연곡 작곡가는 10명, 연주된 위촉초연곡은 11곡이다. 광주시립국악관현악단 1990년대 가장 많이 연주된 장르는 창작곡 합주 20곡, 2000년대 창작곡 합주 56곡, 2010년대 기타음악 75곡이다. 창작곡 위촉초연곡의 작곡가는 30명, 연주된 위촉초연곡은 총 50곡이다. 대구시립국악단 1980년대 가장 많이 연주된 장르는 관현합주 정악 20곡, 1990년대 창작곡 합주 62곡, 2000년대 창작곡 합주 100곡, 2010년대 창작곡 합주 71곡이다. 창작곡의 위촉초연곡 작곡가는 15명, 연주된 위촉초연곡은 총 29곡이다. KBS국악관현악단·청주시립국악단·광주시립국악관현악단·대구시립국악단의 공연현황 및 공연작품을 분석한 결과, 창작곡 합주 부문 위주의 공연이 활성화 되어 연주되는 반면, 정악, 민속악 부문 연주는 다소 적은 양상을 보이고 있다. 각 단체에서는 지역의 음악적 특성과 특색을 드러내기 위해 창작음악과 위촉 초연곡 작품 및 작곡자를 차별화하여 연주하고 있다. 그러나 창작음악에 비해, 전통음악의 비중이 크게 감소하면서 국악의 정체성이 상실될 우려가 있으므로 창작음악과 전통음악 비중이 적절하게 구축될 필요성이 있으며, 시대의 흐름에 맞춰 수요자가 원하는 새로운 창작 작품과 지역의 음악문화가 반영된 작품이 지속적으로 개발되어야 하겠다. This study analyzed the performance status and components of KBS Traditional Music Orchestra, Cheongju Korean Music Orchestra, Gwangju Traditional Music Orchestra, and Daegu Korean Music Orchestra since their respective organization until 2019. The results are as follows: First, KBS Traditional Music Orchestra, Cheongju Korean Music Orchestra, Gwangju Traditional Music Orchestra, and Daegu Korean Music Orchestra have 47, 45, 54, and 79 musicians, respectively. The chief conductors for each of the group are Won Yeong-seok (KBS), Han Jin (Cheongju), Han Sang-il (Gwangju), and Lee Hyeon-chang (Daegu). Second, the performance status and components of each group since their organization until 2019 are as follows: The most regularly performed genre by the KBS Traditional Music Orchestra was original compositions ensemble with 64 pieces in 1980s, original compositions ensemble with 114 pieces in 1990s, original compositions ensemble with 111 pieces in 2000s, and original compositions ensemble with 90 pieces in 2010s. There was a total of 106 commissioned premiere composers with a total of 197 commissioned premiere pieces. The most regularly performed genre by the Cheongju Korean Music Orchestra was original compositions ensemble with 20 pieces in 1990s, original compositions ensemble with 40 pieces in 2000s, and guitar music with 73 pieces in 2010s. There was a total of 10 commissioned premiere composers with a total of 11 commissioned premiere pieces. The most regularly performed genre by the Gwangju Traditional Music Orchestra was original compositions ensemble with 20 pieces in 1990s, original compositions ensemble with 56 pieces in 2000s, and guitar music with 75 pieces in 2010s. There was a total of 30 commissioned premiere composers with a total of 50 commissioned premiere pieces.. The most regularly performed genre by the Daegu Korean Music Orchestra was classical orchestra music with 20 pieces in 1980s, original compositions ensemble with 62 pieces in 1990s, original compositions ensemble with 100 pieces in 2000s, original compositions ensemble with 71 pieces in 2010s. There was a total of 15 commissioned premiere composers with a total of 29 commissioned premiere pieces. An analysis on the performances of the four groups disclosed that they mostly performed original composition ensembles and somewhat disregarded classical music and traditional Korean music. Each group focused more on original compositions and commissioned premiere pieces and their composers in order to better divulge their regional musical characteristics. However, because the proportion of traditional music is by far less than that of original pieces, there is a need to balance the two music types in order to not misplace the identity of Korean traditional music. What’s more, we need to continue to create original pieces and compositions that reflect regional musical culture satisfy the needs of our time.

국악관현악단의 악기편성 변화요인 연구 : 국립국악관현악단을 중심으로

김석순 중앙대학교 대학원 2016 국내석사

Traditional Korean Music Orchestras(or Gugak orchestras) have employed instruments without specific standard, resulting in inconsistent instrumentation between orchestras. This thesis aims to highlight the discrepancies in gugak orchestra instrumentation and analyze the causes of orchestral modifications. The divergence in the number of performers and orchestral positions have caused the following issues: 1) discrepancy between what a composer intended and how the musical piece is performed; 2) difficulties in establishing group ensembles due to frequent use of guest musicians; 3) increasing influence of sound engineers’ mixing technique in music due to frequent use of microphones, apart from conductor’s interpretation or musicians’ expressions. This research examines changes in orchestral instrumentations of 18 gugak orchestras across South Korean history. In addition, the thesis particularly focuses on the National Orchestra of Korea’s performances from its birth to the present. The archival research practice, in this project, incorporates primary and secondary data, including historical materials and mass media articles. This further reveals variation, discourses, and causes of changes in gugak orchestra formation across different periods. This paper underscores following findings. First, the sizes of gugak orchestras in South Korea varied across orchestras, as well as time period. Second, there has been continuous decrease in the number of gayageum and geomungo while the number of piri, haegeum, and percussion performer has increased. Third, although the total number of permanent musicians in the National Orchestra of Korea has remained relatively steady, each art director has employed additional intern or guest performers driven by their musical tastes and intentions. Fourth, the use of synthesizers or Western instruments in the National Orchestra of Korea differed between art directors. For instance, Sang-hwa Choi and Sang-il Han frequently employed synthesizers while Byeonggi Hwang and Il Won used various Western instruments in the performances. Based on the research, this thesis proposes the following points. First, gugak instruments needs to be improved to amplify the sound for better tone quality. By doing so, gugak performance can ultimately present natural sound of instruments without using electronic amplifiers. Therefore, improving the instruments in gugak orchestras should be the first step to produce acoustic sound dynamics. Second, standardizing the formation of orchestras for wind, string, and bowed stringed instrument sections is needed. Like Western orchestras have achieved standardized instrument formations through continuous and cautious examinations, in-depth musical analysis of sound power output and tonal characteristics of gugak instruments is also required. The intentions of composers and conductors can be fully accomplished following the standardized rule. Third, orchestral positions should be appropriated throughout continuous experiments. Traditional monotonous system needs to be reexamined and there should be greater emphasis on musical characteristics of gugak instruments. Fourth, an enough number of musicians and permanent conductor should be employed to secure the quality of performances. Most importantly, constant feedbacks should be given to musical pieces performed multiple times, in order to continue musical experiments and establish frameworks for orchestra operation in the long run. 본 논문은 국악관현악단이 창단 후 현재에 이르기까지 구체적인 악기편성 기준 없이 단체마다 임의적으로 편성하고 있음에 따라, 전국의 국악관현악단 단체 간의 편성구조가 상이함을 밝히고 편성의 변화요인에 대해 연구하기 위해 작성 되었다. 국악관현악단의 편성인원과 배치구조가 상이함에 따라 나타나는 문제점은 첫째, 같은 곡을 연주할 때 단체마다 작곡가가 의도한 소리의 구현이 상이한 점. 둘째, 인원이 부족한 파트에 대해 불가피하게 객원연주자를 사용하게 되면서 단체의 앙상블을 구축하는데 어려움이 있는 점. 셋째, 상이한 악기편성을 해결하기 위해 마이크를 사용하는 과정에서 지휘자의 해석이나 연주자의 표현 외에 음향기사의 믹싱기술이 음악에 또 다른 큰 변수로 작용하게 되는 점이다. 구체적 연구방법으로 전국 국악관현악단 18개 단체의 편성구조를 시대별로 조사하여 비교하였다. 또 국립국악관현악단을 대표 표본으로 꼽아 창단부터 현재까지의 정기연주회와 의미 있다고 판단되는 기획공연의 악기편성자료와 그 당시의 신문, 잡지, 공연평 등을 수집하여 시대별로 어떤 변화와 논의들이 있었는지, 변화요인은 무엇인지를 연구하였다. 본 연구를 통해 밝힌 점은 첫째, 전국 국악관현악단의 편성인원수는 악단별·시대별로 차이를 보인다는 점. 둘째, 시대에 따라 가야금, 거문고는 점차 인원수가 적어지는 양상을, 피리와 해금, 타악은 인원수가 늘어나는 양상을 보이며, 전체 총인원수는 늘어난 점. 셋째, 국립국악관현악단의 총 정규 인원수는 창단 해를 제외하고는 대동소이하지만, 각각의 예술감독들은 인턴단원과 객원연주자를 통해 필요한 연주인원을 추가로 구성하였는데 이는 예술감독의 성향과 방향에 따라 편성한 악기의 차이를 가진다는 점. 넷째, 국립국악관현악단의 악기편성에서 예술감독의 변화에 따라 신디사이저와 서양악기가 사용되었는데, 최상화·한상일 예술감독 체계에서는 신디사이저의 사용이, 황병기·원일 예술감독 체계에서는 서양악기의 사용이 두드러졌다는 점이다. 국악관현악단의 편성에 관한 제언은 다음과 같다. 첫째, 국악관현악의 좋은 배합을 위해서는 악기의 소리크기를 확대할 수 있는 악기개량이 필요하다. 궁극적으로는 마이크를 사용하지 않는 국악기 본연의 소리만으로 공연할 수 있는 악기로 개량되어야 한다. 그보다 먼저 관현악의 음량의 다이내믹을 원활히 이뤄낼 수 있도록 악기개량을 하는 것이 관현악구성을 위한 첫 번째 과제이다. 둘째, 관악기·현악기·찰현악기 간의 체계적 편성 틀의 제작이 필요하다. 서양관현악이 오랜 기간 음악적 실험을 통해 구축한 편성 틀을 갖춘 것처럼, 국악기의 특성과 소리크기와 음향을 분석하고 연구하여 체계적인 국악기편성 틀이 제작되어야 한다. 그 틀이 제시된 후에는 작곡가와 작품의 작곡 의도에 따라, 또 지휘자의 음악적 추구방향에 따라 악기구성의 의도 구현이 가능할 것이다. 셋째, 배치에 관하여 계속해서 실험을 통한 합리적인 배치법이 제시 되어야 한다. 과거 고음하수 저음상수의 일률적인 관현악 배치법에서 벗어나 국악기의 악기특성을 고려한 배치법이 계속해서 실험되고 연구되어야 한다. 넷째, 연주에 부족한 편성인원을 인턴이나 객원연주자로 채워 운영하는 구조를 벗어나, 정단원수로 충분한 인력과 상주지휘자와 함께 운영되어야 한다. 배치와 편성에 대한 실험을 지속하기 위해서는 같은 곡이 여러 번 무대에 올라갈 때 그것을 피드백 하고, 장기적인 안목으로 운영 할 수 있는 체계가 필요하다.

김대성의 〈열반〉, Thomas Osborne의 〈거문고 그리고 국악관현악을 위한 'Rebirth(환생)'〉 비교 분석 : 텍스쳐를 중심으로

신지용 중앙대학교 대학원 2024 국내석사

1965년에 서울시립국악관현악단의 창단을 시작으로 지난 60여년간 창작국악 분야에서 많은 부분을 차지하며 악곡들이 연주되고 있다. 그러나 현재 우리는 ‘전통의 창조적 계승’과 서양 모더니즘을 극복하는 대안으로서의 창작국악의 방법론은 아직 이렇다 할 결론을 찾지 못하고 있다. 박진영, 앞의 논문, 158쪽. 따라서 본 연구는 국악관현악 편성 유형, 작품 발표 시기, 작곡가의 생활 문화권, 표현하고자 하는 곡 내용에 따른 텍스쳐 전개 유형이 상반되는 두 곡을 선정하여, 전통적 요소와 다양한 음악어법이 융합된 2000년대 초반의 작품 김대성의 <열반>과 ‘외국인’으로서 국악기 접근법을 제시한 토마스 오스번의 거문고 그리고 국악관현악을 위한 <Rebirth>(환생)>의 호모포니, 폴리포니, 헤테로포니, 음향적 텍스쳐 네 가지의 유형의 텍스쳐를 분석하였다. 두 작품을 분석한 결과는 다음과 같다. 첫째, <열반>은 서울 경기지방의 계면조 서도민요 긴아리의 선법, 범패의 메나리토리 선법을 근간으로 하며 조성의 바탕에서 서양음악적 개념과 전통음악적 개념이 혼용되므로 전경, 중경, 배경의 역할을 두드러지게 찾아볼 수 있으나, <환생>은 명확한 조성감이 나타나지 않고 마이크로폴리포니(Micropolyphony)와 같이 일종의 다성음악 질감으로, 서로 다른 템포 또는 리듬으로 움직이는 조밀한 모방기법을 통한 여러 라인으로 구성되어 수직으로 톤 클러스터(Tone cluster) 화음을 생성한다. 둘째, 두 작품에서 나타나는 헤테로포니 텍스쳐를 살펴본 결과 두 작품 모두 리듬 분할을 통한 주요선율 변주와 추성, 전성, 꾸밈음을 사용한 시김새, 거문고의 개방현을 사용한 동음이현 등 한국악기만의 특징적 요소를 적용하여 주요선율 변주를 전개하며 25현가야금은 넓은 도약이 가능한 발현악기의 특징을 활용하여 리듬 분할을 통한 주요선율 전개가 공통적으로 나타난다. 차이점으로는 <열반>은 음형의 유형이 악기군 별로 그룹화 되어 주요선율이 전개되나 <환생>은 음형의 유형이 악기별로 따로 그룹화 되지 않고 파트 전체에 걸쳐 하나의 선율선을 전개하는 차이점이 있다. 셋째, 두 작품에서 나타나는 폴리포니 텍스쳐의 모방기법을 살펴본 결과 두 작품 모두 선율·리듬 축소에 의한 모방기법이 주로 나타난다. 그러나 <열반>은 헤테로포니 텍스쳐의 전개 과정에서 모방기법이 주로 출현하며 관악기군에서 단3도 간격의 짧은 꾸밈음 음가의 시김새를 활용한 것으로 한국악기의 특징적 요소를 적용하여 나타낸다. <환생>은 찰현악기의 격한 농현을 사용한 미분음 사용 및 발현악기의 손톱으로 긁는 트레몰로 기법의 현대기법을 사용하여 음색의 변화와 함께 모방기법을 나타내며 음가의 축소와 확대를 통한 모방기법이 주로 출현하는 차이점이 있다. 넷째, 두 작품에서 나타나는 폴리포니 텍스쳐 중 폴리리듬을 살펴본 결과 두 작품 모두 각 악기군의 프레이즈 시작 박이 엇갈리게 분할되어 폴리리듬이 출현하나 <환생>은 하나의 단위 박보다 특정 리듬 패턴을 기준으로 한 폴리리듬으로 전개하여 두 악기의 리듬을 엇갈리게 분할하여 폴리리듬 구조를 형성하는 차이점이 있다. 다섯째, 두 작품에서 나타나는 음향적 텍스쳐를 살펴본 결과 두 작품 모두 농현, 추성, 퇴성 등 악기의 전통 주법을 활용한 음향 효과를 주로 사용하였으며 특히 관악기군의 특성을 사용한 음향 효과로 같은 지공에서 단2도 또는 장2도까지 음을 끌어 올리거나 끌어 내리는 주법인 포르타멘토(Portamento) 주법을 활용하여 음향 텍스쳐를 나타내는 공통점이 있다. 차이점으로는 <열반>은 포르타멘토(Portamento) 주법을 활용한 음향적 텍스쳐를 빠른 리듬감과 함께 주제선율의 동기로서 음향적 텍스쳐를 나타낸 반면에 <환생>은 미분음에 의한 거대한 클러스터 음향으로 나타내 불안감, 긴장감을 고조시키기 위한 음향적 텍스쳐로 표현한 차이점이 있다. 두 작품을 통해 편성 유형, 작품 발표 시기, 작곡가의 생활 문화권, 곡 내용 전개 전개의 차이에 따른 국악관현악 텍스쳐 특징을 일반화하여 볼 수는 없으나 본 논문을 밑거름으로 하여 각기 다른 특징을 지닌 작품의 텍스쳐 연구로 ‘전통의 창조적 계승’ 으로서의 창작 국악관현악 발전 방향 모색에 한 발짝 다가갈 수 있기를 기대하는 바이다. Since the establishment of the Seoul Metropolitan Traditional Music Orchestra in 1965, numerous compositions have been performed in the field of creative Korean traditional music over the past 60 years. However, we have yet to find a definitive methodology for "creative succession of tradition" and overcoming Western modernism in creative Korean traditional music. Park Jin-young, aforementioned paper, p.158). Therefore, this study selected two pieces with contrasting texture development types according to orchestration type, period of publication, cultural background of the composer, and the content intended to be expressed. The works analyzed are Kim Dae-sung's <Nirvana>, a piece from the early 2000s that integrates traditional elements with various musical techniques, and Thomas Osborne's <Rebirth> for geomungo and Korean orchestra, which presents an approach to Korean instruments by a 'foreigner.' The study analyzes four types of textures: homophony, polyphony, heterophony, and timbral texture. The results of analyzing the two pieces are as follows. First, "Nirvana" is based on the modes of the Gyeonggi and Seodo folk songs of the Seoul region and the menaritori mode of Beompae, blending Western and traditional music concepts. This results in prominent roles for the foreground, middle ground, and background. In contrast, "Rebirth" lacks a clear sense of tonality, resembling micropolyphony, and is composed of multiple lines moving at different tempos or rhythms, generating vertical tone cluster chords. Second, examining the heterophonic textures in both works, both feature rhythmic division-based main melody variations and ornamentations such as apseong, jeonseong, and grace notes. They also utilize characteristic elements unique to Korean instruments, such as the geomungo's open strings, to develop main melody variations. The 25-string gayageum, with its wide leaps, shares this rhythmic division-based main melody development. The key difference is that in "Nirvana," the patterns are grouped by instrument families, whereas in "Rebirth," patterns are not grouped by instrument families but spread across entire parts. Third, in analyzing the imitative techniques of polyphonic textures in both works, both predominantly exhibit imitation through melodic and rhythmic diminution. However, "Nirvana" features imitation techniques emerging mainly in the development of heterophonic textures, utilizing short grace notes with a minor third interval in wind instruments, applying characteristic elements of Korean instruments. "Rebirth," on the other hand, uses modern techniques such as microtonal glissandi in string instruments and tremolo with plucking, reflecting color changes and mainly presenting imitation through diminution and augmentation of note values. Fourth, examining the polyrhythms within polyphonic textures, both works exhibit polyrhythms through staggered phrase beginnings across instrument groups. "Rebirth" differentiates itself by developing polyrhythms based on specific rhythmic patterns rather than a single beat unit, creating a structure where rhythms of two instruments intersect. Fifth, analyzing the sound textures, both works utilize traditional techniques such as nonghyeon, chuseong, and toeseong for sound effects, especially in wind instruments, employing portamento techniques to slide pitches by minor or major seconds from the same fingering hole, creating sound textures. The difference is that "Nirvana" presents sound textures as motifs of the main melody with a fast rhythm using portamento, while "Rebirth" expresses sound textures through large cluster sounds with microtones, heightening a sense of unease and tension. This study compares and analyzes the characteristics of Korean orchestral texture in two works based on differences in orchestration type, period of publication, cultural background of the composer, and the development of musical content. It is hoped that this paper will serve as a foundation for the active study of textures in 21st-century Korean orchestral music, reflecting the diverse compositional techniques and materials of traditional music.

국악관현악단 활동이 초등학생의 자기효능감과 정의적 반응에 미치는 영향

김진희 서울교육대학교 교육대학원 2014 국내석사

This paper aims to measure the effects of traditional music orchestra activities on elementary school students’ self-efficacy and affective response in order to prove the value of the traditional music orchestra activities in terms of music and arts appreciation. This study was conducted with 70 students in the 5th and 6th grades of Y elementary school in Seoul. The experimental group and control group each consisted of 35 students. The experimental group participated in classes involving musical instruments and stage performance, which are part of the traditional music orchestra activities, whereas the control group did not participate in them. A method for measuring self-efficacy and the affective response was created by reorganizing previous methods such as the academic self-efficacy questionnaire developed by Kim and Park (2001) and the affective response measurement tool developed by Kim (2002). Tests were conducted before and after the music activities for both the experimental group and control group. Our study results were obtained through an analysis of covariance and a dependent sample t-test using i-STATistics. The findings can be summarized as follows: First, after the traditional music orchestra activities, the two groups did not show a statistically significant difference in terms of self-efficacy or its sub-domains “task difficulty preference,” “self-regulatory efficacy,” and “self-confidence” (p > .05). Second, after the traditional music orchestra activities, the two groups did not show a statistically significant difference with regard to the affective response or its sub-domains “emotional sensitivity” and “musical art appreciation” (p > .05). However, their “attitudes toward music classes” were significantly different (p < .01). This study has implications in that it quantitatively verified that traditional music orchestra activities have significant effects on students’ attitudes towards the music class. The study results indicate that further studies on the curriculum and teaching methodology for managing traditional music orchestra activities should be conducted in order to increase students’ self-efficacy and affective response. 본 연구는 국악관현악단 활동이 초등학생의 자기효능감과 정의적 반응에 미치는 영향을 알아봄으로써 국악관현악단 활동의 가치를 음악 예술 향유 측면에서 검증하고자 하였다. 본 연구의 대상은 서울 소재의 Y 초등학교 5∼6학년 학생으로, 실험 집단 35명, 비교 집단 35명, 총 70명이다. 실험 집단은 국악관현악단 활동인 악기 수업과 무대 연주 활동에 참여하였으며, 비교 집단은 국악관현악단 활동에 참여하지 않았다. 자기효능감과 정의적 반응을 측정하기 위한 도구는 김아영, 박인영(2001)이 제작한 ‘학업적 자기효능감 검사지’와 김향정(2002)이 개발한 ‘정의적 반응 평가 도구’를 참고하여 연구자가 재구성하였으며, 실험 사전·사후 검사를 실험 집단과 비교 집단 모두 실시하였다. 연구 결과는 i-STATistics를 사용하여 공분산분석과 종속 표본 t 검증을 하였다. 본 연구 결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 국악관현악단 활동에 따라 자기효능감과 그 하위 영역인 과제난이도 선호, 자기조절효능감, 자신감은 집단 간에 유의미한 차이를 보이지 않았다(p>.05). 둘째, 국악관현악단 활동에 따라 정의적 반응과 그 하위 영역 중 감정 민감성, 음악 예술 향수는 집단 간에 유의미한 차이를 보이지 않았다(p>.05). 그러나 음악 교과 태도는 집단 간 유의미한 차이를 보였다(p<.01). 본 연구는 국악관현악단 활동이 음악 교과 태도에 유의미한 영향을 준다는 점을 양적으로 검증하였다는 데 의의가 있다. 이 연구 결과는 학생들의 자기효능감과 정의적 반응 신장을 위한 국악관현악단 지도 내용과 방법의 연구가 이루어져야 함을 시사한다.