中國古代小說探源 : 論先秦史傳的小說因素

제해성 北京師範大學 1997 해외박사

오랜 기간 중국학자들은 중국 古代小說이 史傳 文學에서 연원 하는지에 대해서 서로 다른 의견을 갖고 있었다. 그들은 일반적으로 중국 고대소설의 연원을 上古 시대의 神話 傳說과 先秦 시기의 寓言 故事 및 漢 魏 六朝의 志怪 ·志人小說에서 찾을 뿐, 先秦 兩漢 시기에 번성한 史傳 문학이 중국 소설사에서 갖는 지위와 그것이 후세 소설에 미치는 영향에 대해서는 대체로 관심을 갖지 못했었다. 사전 문학은 비교적 완전한 소설 체재를 갖춘 문학작품이라고는 할 수 없지만, 思想, 題材, 言語 藝術의 표현 방법상에 있어서 후세 소설의 형성과 발전을 위해 다방면으로 준비를 하였다고 볼 수 있다. 최근에 나온 사전 문학과 중국 고대소설과의 관계를 규명하는 논저들은 일반적으로 漢代 ≪史記≫의 人物 傳記가 지닌 예술적 특징에서부터 언급하고 있다. 중국 고대 紀傳體의 개척과 번성은 司馬遷이 쓴 ≪史記≫의 탁월한 공로임은 의심할 여지가 없지만, 작품의 敍事 구조나 인물 형상을 塑造하는 방법과 기교는 오히려 그보다 앞서 쓰여진 先秦 시기의 사전 문학에서 비롯되었다고 할 수 있다. 先秦 시대는 역사와 문학이 아직 명확히 구분되지 않은 시기로서 당시 史家들은 일반적으로 문학적인 수법으로 역사를 기술하였는데, 이러한 歷史 典籍을 우리는 오늘날 문학적인 시각에서 보아 '史傳 文學'이라고 일컫는다. 중국에는 유구한 史學 전통이 있으며, 이러한 사학 전통중에서 先秦 史傳 문학은 역사와 문학의 두 가지 속성을 겸비한 역사의 記載로써, 중국 고대소설의 발전을 위해 광활한 題材 영역을 개척했을 뿐만 아니라, 史書가 역사 사건의 實錄과 환경 및 인물 등에 대해 구체적이고 세밀한 묘사를 함으로써 후세 소설가에게 양호한 敍事 模式을 제공하였다. 특히 ≪逸周書≫·≪左傳≫·≪國語≫·≪戰國策≫으로 대표할 수 있는 先秦 사전 문학작품은 창작 방법, 제재 선택, 형식 체제, 서사 기교, 인물 묘사, 환경 묘사, 심미 사상 등 방면에 있어서 충분한 창작 경험을 쌓음으로써 후세 文言과 白話 소설의 형성과 발전에 깊은 영향을 주었다. 본 논문은 <緖言>에서 史傳 문학작품 속에 내포된 소설적 요소의 발굴을 시도했고, <總論>의 第一章에서는 중국 전통 소설 관념의 발전과 변화에 대해서 전면적인 고찰을 진행하였다. [(1)중국 고대소설 개념의 발생과 변천 (2)近·現代 소설 관념으로 본 사전 문학의 소설적 요소 (3)'史貴於文'관념 및 그것이 소설에 끼친 영향] 第二章에서는 중국 고대소설의 원류 문제를 구체적으로 상세하게 논술하였다. [(1)上古 시기 神話 傳說의 중국 고대소설에 대한 영향 (2)先秦 시기 諸子 寓言과 중국 고대소설의 관계 (3)중국 고대소설의 기원을 先秦 사전 문학에서 찾음] 第三章부터 第六章까지의 <分論>에서는 ≪逸周書≫·≪左傳≫·≪國語≫·≪戰國策≫ 등 先秦 사전 문학작품 중의 소설 요소를 각각 실제 예문을 들어 구체적으로 논술하고, <結論>에서는 先秦 사전 문학이 중국 소설사에서 지니는 지위와 후세 소설의 형성과 발전에 미친 영향을 고찰하였다. 종합해서 말하자면, 先秦 사전 저작중 ≪逸周書≫·≪左傳≫·≪國語≫·≪戰國策≫의 연속적인 출현 및 그것들이 지닌 소설적 요소의 再發掘은 우리에게 중국 고대 사전 문학의 작품 수준이 상당히 높은 경지에 도달해 있음을 인식시켜줄 뿐만 아니라, 그것들이 후세 소설의 형성과 발전에도 깊은 영향을 미치고 있음을 숨김없이 드러내 준다. 그러나, 사전 문학은 필경 역사 문학이다. 그것이 어떻게 虛構와 想像을 애써 헤아리든 간에 결국은 역사적 사실을 위배할 수 없다는 전제가 따르기 마련이다. 소설가들이 인물 형상과 허구의 경지를 만들 때 역사적 사실을 전제로 하거나 규범으로 삼지 않는 것과는 그 의도가 확연히 다른 것이다. 先秦 시기의 사전 문학작품중에 비록 많은 篇章들이 소설에 근접하거나 소설과 유사하지만, 正史를 소설에 열거할 수 없음은 분명한 사실이다. 그러나 작자의 입장에서 보면 의도적으로 창작을 한 소설 작품은 아니지만, 그것이 근·현대적 의미에서의 소설적 제요소를 갖추고 있어서 이 시기중 부단히 발전·성숙되고 융합·누적되어져서 후세 소설의 초보적 형성에 필요한 조건을 준비한 것은 홀시될 수 없는 것이다. 우리가 先秦 사전 문학의 연구함에 있어서 한편으로는 그 본래의 文史 가치를 충분히 중시하여야겠지만, 다른 한편으로는 응당 그 중의 소설 요소가 중국 소설사에서 지니는 지위와 후세 소설에 미친 영향을 탐구하여 그에 대해 전면적이고도 객관적인 평가를 진행해야 할 것이다.

古代 裝身具의 美學的 特性 硏究 : Orient 裝身具의 퍼스記號解析을 中心으로

최진 단국대학교 대학원 2010 국내박사

This study examines symbolic expressions of mythical and religious elements represented in ancient Orient jewelry from aesthetic point of view and proposes the methodology for applying the conclusion of the study to contemporary jewelry design. As a way of expression of synthetic art for body decoration, jewelry implied information about its wearer; furthermore, it made social norms and was the vehicle that played a prominent role in the reproduction for future society. Generally, however, studies on ancient jewelry has taken the comprehensive delivery system of anthropology such as the trend of the times, locality, and materials based on anthropological references. The delivery system based on the historic context is able to approach to the understandings about various aspects implied in jewelry. However, I deduced that this system would have a limit to understand visibility, which is the essential aspect of jewelry. Therefore, I am going to suggest that symbolic forms of mythical and religious aspects in the ancient jewelry imply the meaning of modification and implication. Also, I am going to apply this meaning, which is useful for the establishment of contemporary jewelry, to a design methodology. As the methodology for the research, which corresponds with symbolic characteristics of mythical and religious aspects of ancient jewelry, I applied Charles S. Peirce?s semiotics and selected samples based on it. In this perspective, I paid attention to the symbolic power of the shapes of jewelry which implied the spiritual conception of ancient societies and limited the range of samples that were excavated from ancient Orient regions, including Mesopotamia, Egypt and the Levant. For the microscopic approach, first of all, I researched the development process and related backgrounds of symbolic meanings implied in ancient Orient jewelry ? especially excavated from Mesopotamia and Egypt ? and divided them into several types in terms of historic and cultural background. In the early human history, most jewelry was made of original materials ? including stones, shells, bones and feathers of animals, leather, and teeth ? that were found in the nature. In the Iron Age, they were gradually replaced by more advanced materials, such as gems, gold, or iron, and those materials naturally had relation to wearer?s social class and position. For the ancient Orient people, jewelry also functioned as a strong means for indicating social class or position with its decorative use. Furthermore, it obtained wider variety of spiritual functions ? it functioned as charms for fortune and healing therapy and used as rewards for contributors to serve their political system ? as the ancient people introduced mythical and religious elements into jewelry. As I investigated situations of appearance of symbolic aspects in the ancient tomb murals and papyrus expressed as figures of gods, jewels and in other forms, I inferred that the ancient Egypt jewelry implied social and political functions generally. From the process of selecting samples for semiotic analysis, I divided the ancient myths of Egypt into three parts. The first part is the creation mythology that makes us infer the ancient Egyptian concept of the universe and nature. The second part is the royal mythology that emphasizes holiness of pharaoh. The last part is the myth of Osiris that represents the belief in afterlife. Especially, as I examined correspondences between jewelry expressed in mural paintings and excavated artifacts, I considered on what basis the ancient jewelry propagated their myths; how they helped to establish the royal authority; what steps were taken for establishing functions of religious belief and social morals. Also, I contemplated the aesthetic characteristics of ancient Orient jewelry from social, functional, and formative perspectives. The social and political function of the ancient Egypt jewelry could be verified by interpretation of the myths expressed in mural paintings and papyrus. Symbols, taken by the characters in the mythical illustrations without individuality, were analyzed by Peirce?s semiotics. Because the symbols and jewelry in the mural paintings performed a kind of semiotic functions that carried mythical contents rather than inspiring the people of the day to get aesthetic consciousness, I framed a hypothesis that the analysis based on Pierce?s semiotics is more effective than the other based on Erwin Panofsky?s iconology, which is helpful for art historical analysis. To embody my hypothesis, I tried to select figures of gods with their respective roles and jewelry that were related to them through adopting Pierce?s semiotic methodology. As a result, I selected 29 samples of jewelry derived from the figures of gods, and I analyzed their mythical symbols through Pierce?s semiotics. Through semiotic analysis, I examined the aesthetic characteristics of ancient Orient jewelry; consequently, I discovered the tendency and characteristic of mythical and religious symbols that were prevalent in the ancient countries. Furthermore, I inferred that social ideology and occult wish, related to the phases of ancient societies, were the elements of spiritual culture of ancient societies. From the results of this study, it is expected that the aesthetic characteristics of ancient jewelry could provide a new direction for contemporary jewelry emphasizing on decorative aspects rather than spiritual aspects. 본 연구는 고대오리엔트지역의 장신구(裝身具)에서 나타난 신화와 종교요소의 상징적 표현을 미학적(美學的) 관점에서 검토하고 여기서 도출된 결과를 현대 장신구디자인에 활용하기위한 방법론을 제시하는데에서 시작되었다. 장신구는 인류사에서 인체장식을 위한 종합예술의 표현행위로서 착용자에 관한 정보를 내포하고, 나아가 사회적 규범을 만들며 미래사회를 위한 재생산에 중요한 역할을 하는 매개체다. 특히 고대 장신구에 대한 연구는 인류학적 문헌에 기반을 둔 시대성이나 지역성, 그리고 소재 등 영역별 분류방법같이 인류학을 통한 포괄적 전달방식이 일반적으로 진행되어져 왔다. 이러한 사적 맥락에서의 전달방법은 장신구에 내재된 다양한 요소별 이해에 접근할 수 있으나, 장신구요소의 핵심인 가시성(可視性)의 이해에는 한계가 있을 것으로 연구자는 추단(抽單)하였다. 따라서 본 연구는 고대 장신구에 내재된 신화와 종교의 상징적 형태를 새로운 현대 장신구의 수립에 유용한 변용성(變容性)과 함축성(含蓄性)의 의미로 디자인방법론을 제시하고자 하는 것이다. 이러한 연구목적으로 고대 장신구의 신화와 종교의 상징적 특성에 부합할 수 있는 방법론을 모색하고자 찰스퍼스(Charles S. Peirce)의 기호학을 바탕으로 분석대상을 설정 하였으며 연구배경에서 고대사회의 정신적 사상을 함유(含有)한 장신구형태의 상징성에 주목하고 고대오리엔트지역인 메소포타미아와 이집트 및 레반트의 장신구를 연구대상의 범위로 설정하였던 것이다. 이를 위한 세부적 연구절차는 우선 메소포타미아와 이집트 및 레반트를 중심으로 한 고대오리엔트지역의 장신구를 사적배경과 문화적 배경의 측면으로 장신구에 나타난 상징의 형성과정과 관련배경을 파악하고 상징의 유형을 도출하였다. 인류역사의 초기에 사용된 장신구들은 자연에서 접할 수 있는 돌이나 조개, 달팽이, 동물의 뼈나 깃털, 가죽, 치아 등 원형(原形)재료들이 주로 사용되었으며, 철기시대에는 보석이나 금, 철 등 보다 진보된 재료들이 순차적으로 대체되면서, 자연스럽게 착용자의 사회적 계급과 신분이 연관성을 갖게 되었다. 고대오리엔트 인들은 사회적 계급이나 신분을 나타내기 위한 강력한 수단으로 장식성은 물론, 인간의 길흉을 위한 부적이나 치유효과와 공로자의 포상용 등 정치적 체제로 활용하기위해 신화와 종교적 요소를 도입하므로써 보다 다양한 정신적 기능을 지니게 되었다. 여기서 산출된 고대 이집트 장신구들은 고분벽화와 파피루스에 그려진 신들의 형상과 장신구(왕관)과 기물(器物)들에서 상징적 요소들이 나타난 정황(政況)을 통해 장신구의 사회정치적 기능이 일반화된 점을 추론할 수 있었다. 기호분석을 위한 표본산출절차로 고대 이집트 신화를 세부분으로 나누었는데, 첫째, 고대 이집트인들의 우주관, 자연관을 유추할 수 있는 창조신화와 둘째, 파라오의 신성함을 강조하는 왕권신화, 마지막으로 내세(來世)에 대한 믿음을 나타내는 사후세계의 오시리스 신화를 담은 벽화 속 장신구와 출토된 유물의 일치가 고대 이집트인들에게 있어서 어떠한 근거에서 신화적 내용을 전파하고, 왕권을 수립하였으며, 종교적 신념과 사회적 윤리관을 확립하는 기능을 어떠한 절차로 수행하였는지, 그리고 고대오리엔트 장신구들의 미학적 특성을 사회적, 기능적, 조형적 측면에서 고찰하였다. 고대 이집트 장신구들의 사회정치적 기능은 벽화와 파피루스에 표현된 각각의 신화해석(神話解析)을 통해 증명될 수 있는데, 비개성적으로 표현된 신화 속 도상(圖上)에 등장하는 인물들에 착용(着用)된 상징들은 퍼스의 기호학에 근거하여 분석되었다. 이는 벽화 속의 상징이나 장신구가 당대인들에게 미의식의 고취(高趣)보다는 신화의 내용을 전달하는 일종의 기호적 기능을 수행한 것으로 확인되는바, 연구자는 미술사적 의미 분석에 유용한 파노프스키(Erwin Panofsky)의 도상학(iconology)에 의한 분석보다는 퍼스의 기호학(semiotics)에 의한 분석이 보다 효과적으로 해석 될 수 있다고 판단하였다. 이를 구체화하기 위해 퍼스의 기호학 해석범위를 각각의 다른 기능을 지녔던 신들의 모습과 신들이 연관된 장신구들을 설정하고자 분석대상인 신화의 상징적 표본을 신들의 도상과 그들로부터 파생된 장신구 29점 추출하여 표본대상으로 설정하고 이를 퍼스의 기호학으로 분석하였다. 고대오리엔트지역 장신구의 미학적 특성을 기호분석을 통해 고대국가에 성행한 신화와 종교적 상징의 경향과 특성을 알 수 있었으며, 고대사회의 시대적 상황과 관련된 사회적 이념과 주술적 염원 등이 고대사회의 정신문화적 요소임을 유추할 수 있었다. 이상의 연구결과에서 고대장신구의 미학적 특성에 대한 연구결과는 정신적 측면보다는 장식적 측면이 강조된 현대장신구에 새로운 방향성을 제시할 것으로 예상된다.

고대 동서양의 예술·교육사상과 교육과정 이해에 근거한 미술과 교육과정이론

최명숙 한국교원대학교 대학원 2013 국내박사

This study discussed a new paradigm of the curriculum theory of art education based on the artistic·educational thought of the ancient east-west and understanding curriculum in terms of a philosophical point of view. The writer sees our existing curriculum theory of art education as being much focused on 'development' paradigm. Therefore, metaphysical values and philosophical reasons were revealed as bases for discussion from the ancient east-west artistic·educational thought. They were neglected in revealing the intrinsic purposes or values of the existing curriculum theory of art education. The writer also reinterpreted the ancient ideological discussions into modern procedural and practical applications, and based on this, it looked at the curriculum of art education in terms of curriculum understanding as a new paradigm. In order to philosophically discuss a new paradigm of the curriculum theory of art education, this study searched human-centered aspects, art-based aspects, and process-oriented aspects. The central questions were the following. Firstly, do human-centered aspects of the curriculum theory of art education present essential bases for human understanding and human growth? Secondly, in a perspective of the curriculum theory of art education based on art what kind of intrinsic value do the way of art existence and the truth experience of art provide for the curriculum of art education? Thirdly, in a point of the curriculum theory of art education as a process-oriented perspective view, how were the essential aspects of the curriculum of art education and practical aspects of the curriculum of art education related? In order to achieve the objectives of this study, the ancient east-west artistic·educational thought and understanding curriculum were reviewed. This study confirmed philosophical discussion bases and implications for the new curriculum theory of art education based on this. Also it proposed directions for the curriculum theory of art education should go forward and the results of the new philosophical discussion of the curriculum theory of art education followed. First, the curriculum theory of art education as human-centered aspects provided the essential bases for the understanding and growth of humanity. To have a fundamental understanding of human itself, understanding about human mind (mental) should be essential. The ancient Lao-Jang, Plato, and Aristotle's structures of mind(mental) provided the writer with the bases of trichotomic structure of mind(mental) and enable her to understand human essence. In other words, the result of re-interpretation of this dichotomous structure of the mind(mental) in the writer's perspective enabled to understand human as the trichotomic; body, mind(mental), and spirit. This acted as a reason why children's mind(mental) had to be developed and recovered in order for the growth of the concept of human in the field of the curriculum of art education. It is very clear why we should focus on children's mind(mental) development and recovery in the curriculum theory of art education of human-center aspects. This is because the mind(mental) of humanity itself was the subject which captured both the nature and reality of the curriculum of art education. The mind(mental) of humanity itself is prior to the great art educational environment. The completeness of the human looked forward from the ancient east-west as well as contemporary curriculum of art education could be eventually achieved through the mind(mental) of humans themselves. In other words, the growth of human is possible by the development and recovery of mind(mental). Secondly, in the curriculum theory of art education based on art, the way of art existence and the truth experience of art provided an intrinsic value to the curriculum of art education. Looking at the curriculum of art education within an ontological understanding of the art, we should escape 'scientific' views which relied on rational benefits and understand the curriculum of art education based on an artistic intrinsic value. In the curriculum of art education, using play is a way of art existence enabled children to have the presence of a unique completed art experience. Art experience as play itself was unique and clearly showed one's personality. Children could form the essence of human by immersing themselves and forgetting. Furthermore, in the curriculum of art education, what children experienced as truth was done by experiencing meaning. Children's art performance contained another experience beyond the representation of children's art, which evoked children's inward experience. This was a new experience of meaning for children, and it involved their own experiences of wonderment, awe, and self-fulfillment. This meaning experience enabled children to experience the truth from the aspects of art. These experiences of meaning possibly occurred because children did art activities with the willingness to transcend the 'moment'. Since children had different dimensions of 'moment' when they had experiences of meaning, they also had different dimensions of experiencing truth. Although children's truth experience seemed far from rationality and objectivity, it built meaning for themselves and became a unique metaphysical activity. Thirdly, the process-oriented aspects of the curriculum theory of art education involved an essential part of the curriculum of art education and actual characters as metapraxis. Children's artistic process needed the essential and philosophical question 'why' rather than results-oriented questions, 'what' and 'how'. Currere as a phenomenon in artistic process, tried to grasp children's essence of creative experiences. Children themselves could sensitively see deep inside themselves. They formed authentic self-knowledge through artistic process. Therefore, Currere as a phenomenon enabled children to see things they hadn't seen and to find one's own essence that they hadn't thought about through 'running experience' as an artistic process. Furthermore, the essence of that experience acted as a driving force which led children as subjects of creative lives. However it could be asked if children's actual experiences which were currently happening in artistic process equaled the best creative activities or lives. This question could be clarified by metapraxis. In other words, the artistic process had a metapraxis character that was 'practice of practice'. The essence of art which we had neglected already existed in children's creative experiences and real lives. That is to say, the essence of art was not just an idea but it stayed near as an actual existence. The curriculum theory of art education had been criticized since it opposed to the actual characters, however, the metapraxis character of the artistic process became a critical clue against the criticism. This study looked the curriculum theory of art education based on the ancient east-west artistic·educational thought and understanding curriculum, and it philosophically revealed immanent purposes and values that had been neglected. Beyond the existing 'development' paradigm, it enable to look the curriculum of art education in a new perspective. When we looked at the curriculum of art education, it was undesirable not only insisting it on science and rationality of modernism but also claiming it in terms of a post-modern discourse. The curriculum theory of art education should embrace all these. And based on the ancient east-west artistic·educational thought and understanding curriculum, it was confirmed the possibility by looking at the curriculum of art education at these common points of contact. So the meaning of curriculum of art education which we are performing now became more clear. Art was the most basic and essential education which enabled to react on the meaning of human existence in terms of experience. We should let children have the deep introspection of the presence of themselves, as well as eventually reach creative life through the curriculum of art education focused on children's flexible and infinite mind(mental). This is the true meaning of what the curriculum theory of art education to pursue at this study. Therefore, it was worthy that the curriculum theory of art education based on artistic·educational thought of the ancient east-west and understanding curriculum was a theoretical activity balanced with practice of the curriculum of art education. 본 연구는 고대 동서양의 예술·교육사상과 교육과정 이해에 근거하여 미술과 교육과정이론의 새로운 패러다임을 철학적으로 논의하였다. 연구자는 우리의 기존 미술과 교육과정이론이 ‘개발’ 패러다임에 치중되어 있다고 본다. 이에 교육과정 이해 차원, 즉 현상으로서 미술과 교육과정을 바라보면서 철학적 질문을 제기하고 이에 대한 답변을 모색하는 이론적 활동으로 실제와의 균형을 필요로 한다. 연구자는 고대 동서양의 예술·교육사상이 기존 미술과 교육과정이론에서 내재적 목적 내지는 가치로서 드러내는데 소홀하였던 형이상학적 가치와 철학적 사유들을 논의 근거로 제공한다고 생각하였다. 뿐만 아니라 고대의 관념적인 논의 근거를 현대의 과정적, 실천적인 것으로 재해석하고 이를 토대로 교육과정 이해라는 새로운 패러다임으로 미술과 교육과정을 바라보는 것이 가능하다고 판단하였다. 본 논문의 목적인 미술과 교육과정이론의 새로운 패러다임을 철학적으로 논의하기 위하여 인간중심 관점, 예술에 근거한 관점, 과정 지향적 관점으로 나누어 탐구하였다. 그 중심적인 질문은 다음과 같다. 첫째, 인간중심 관점에서 미술과 교육과정이론은 인간의 이해와 인간의 성장을 위한 본질적 근거를 제시하는가? 둘째, 예술에 근거한 관점에서 미술과 교육과정이론은 미술과 교육과정을 위한 어떠한 내재적 가치를 제공하는가? 셋째, 과정 지향적 관점에서 미술과 교육과정이론은 미술과 교육과정의 본질적 측면과 실제적 측면이 어떻게 관련 되는가? 이러한 연구 문제를 해결하기 위해 고대 동서양의 예술·교육사상과 교육과정 이해를 검토하였다. 이를 토대로 새로운 미술과 교육과정이론을 위한 철학적 논의 근거와 시사점을 확인하였다. 그리고 미술과 교육과정이론이 나아갈 방향을 제안하였으며, 미술과 교육과정이론의 새로운 철학적 논의를 제기한 바 그 결과는 다음과 같다. 첫째, 고대 동서양의 예술·교육사상과 교육과정 이해는 인간중심 관점에서 미술과 교육과정이론을 바라볼 수 있도록 인간의 이해와 인간의 성장에 대한 철학적이고 본질적인 근거를 제공한다. 인간 자체의 본질적 이해를 위해서는 인간의 마음(정신)에 대한 이해가 필수사항이다. 고대 노장과 플라톤, 아리스토텔레스 마음(정신)의 구조는 연구자 관점의 삼분법적 마음(정신)의 구조에 근거를 제시함으로써 인간의 본질적 이해를 가능하게 하였다. 즉, 노장과 플라톤, 아리스토텔레스는 이분법적 마음(정신)의 구조로서 인간을 이해함으로써 그들의 예술․교육에 관한 철학적 사유가 현대와 맞지 않는 형이상학적 관념이라는 오해를 불러일으켰다. 그러나 이들의 마음(정신)의 구조를 연구자 관점으로 재해석한 결과 육체, 마음(정신), 영이라는 삼분법적 인간의 이해를 가능하게 하였다. 이것은 인간의 성장을 위해 미술과 교육과정에서 왜 어린이들의 마음(정신)을 발달시키고 회복시켜야 하는지를 드러내는 근거로도 작용하였다. 인간중심 관점의 미술과 교육과정이론에서 어린이들의 마음(정신) 발달과 회복에 관해 주목해야 하는 이유는 간명하다. 미술과 교육과정의 본질과 실제 이 모두를 담아내는 주체는 미술교육이라는 커다란 환경 이전에 인간 자체의 마음(정신)이기 때문이다. 고대 동서양뿐만 아니라 현대 미술과 교육과정을 통해 이루려는 인간의 완성도 결국 인간 자체의 마음(정신)을 통해 이루어진다. 이를 위해 인간은 마음(정신)을 통한 변화의 과정을 거쳐야 한다. 이 변화의 과정은 인간의 성장을 가져온다. 다시 말해 인간의 성장은 마음(정신)의 발달과 회복에 의해 가능한 것이다. 둘째, 고대 동서양의 예술·교육사상과 교육과정 이해는 예술에 근거한 미술과 교육과정이론을 구성하는 예술의 존재방식과 예술의 진리경험이라는 내재적 가치를 제공한다. 예술의 존재론적 이해 안에서 미술과 교육과정을 바라보는 것으로 합리성, 효용성에 의존하는 ‘과학’에서 벗어나 예술적인 내재적 가치들에 근거하여 미술과 교육과정을 이해한다. 미술과 교육과정에서 어린이들은 예술의 존재방식인 놀이가 그 고유한 존재로 완성된 예술경험을 할 수 있다. 어린이들이 예술경험 그 자체에 목적을 가지고 무위(無爲)적 태도로서 그저 놀이한다면 예술경험 자체 안에서 어린이들은 내적으로 성장하고 진리를 발견하게 된다. 즉, 놀이로서의 예술경험은 독창적이며 자기다운 것으로, 나를 잊는 망아(忘我)적 몰입을 통해 어린이들의 본질을 형성한다. 나아가 미술과 교육과정에서 어린이들이 진리를 경험한다는 것은 의미체험에 의해서이다. 어린이들의 미술행위에는 표현을 넘어서는 또 다른 체험이 담겨있는데, 즉 내적인 체험을 불러일으킨다. 이것은 어린이들에게 새로운 의미체험이며 거기에는 놀라움, 경외심과 자기 자신에 대한 성취의 체험 등이 내포되어 있다. 이 의미체험은 어린이들이 예술의 관점으로 진리를 경험하게 하는 것이다. 이러한 의미체험을 가능하게 하는 것은 어린이들이 ‘순간’을 초극하는 의지를 가지고 미술활동을 하기 때문이다. 의미체험을 하는 ‘순간’의 모습이 어린이들마다 각각 차원이 다르기 때문에 진리경험의 차원 또한 다른 것이다. 그러나 어떤 형태의 ‘순간’이든 어린이들의 의미체험과 진리경험은 일어나기 때문에 의미가 있다. 비록 합리성, 객관성과는 거리가 먼 진리일지라도 미술에서 어린이들의 진리경험은 자신의 의미를 구현하는 것이기에 고유한 형이상학적 활동이 된다. 따라서 예술에 근거한 미술과 교육과정에서 교과의 내면화를 통해 얻고자 하는 형이상학적 마음의 획득은 놀이로서의 예술경험과 의미체험을 통해 가능한 것이다. 셋째, 고대 동서양의 예술·교육사상과 교육과정 이해는 과정 지향적 관점에서 미술과 교육과정이론을 접근할 수 있게 미술과 교육과정의 본질적 측면과 메타프락시스로서 실제적 성격을 포함하고 있다. 어린이들의 미술적 과정은 ‘무엇을’, ‘얼마나’의 결과중심 보다는 ‘왜’라고 하는 본질적이고 철학적인 질문이 더 필요하다. 현상으로서의 쿠레레는 미술적 과정에서 어린이들이 갖는 창조적 경험의 본질을 파악하려는 것이다. 어린이 스스로가 자기 자신의 내면 깊은 곳을 민감하게 들여다본다. 이때 미술적 과정을 통해 ‘나’라는 자신과 대상의 근원적인 대면을 통해 진정한 자기지식을 형성한다. 따라서 현상으로서의 쿠레레는 어린이들이 미술적 과정이라는 ‘달리는 경험’을 통해 그동안 못 보았고, 생각지 못했던 스스로의 본질을 찾아내는데 의미가 있다. 나아가 그 경험의 본질이 어린이들을 창조적 삶의 주체로 이끄는 힘으로 작용한다. 그런데 미술적 과정에서 현재 일어나는 어린이들의 실제적 경험이 그 자체가 최선의 창조적 활동, 삶이냐는 질문을 할 수 있다. 이것은 메타프락시스로서 해명하였다. 다시 말해 미술적 과정은 ‘실천의 실천’이라는 메타프락시스적 성격을 지니고 있다. 우리가 소홀히 여겼던 미술의 본질이라는 것은 어린이들의 창조적 경험과 실제 삶속에 이미 존재하고 있다는 것이다. 즉, 관념이 아니라 실제적 존재로 가까이 있다는 것이다. 따라서 미술적 과정의 메타프락시스적 성격은 미술과 교육과정이론이 실제적 성격을 띠지 못한다는 비판에서 벗어나는 단초가 된다. 본 연구는 고대 동서양의 예술·교육사상과 교육과정 이해에 근거하여 미술과 교육과정을 바라보며 그동안 간과하고 소홀히 여겼던 내재적 목적과 가치 등을 철학적으로 드러내었다. 이는 기존에 치중된 ‘개발’ 패러다임을 벗어나 ‘이해’ 차원에서 새롭게 미술과 교육과정을 바라볼 수 있게 하였다. 미술과 교육과정이론은 모더니즘이나 포스트모더니즘 시대를 초월하여 인류에게 현존재의 의미를 제공해온 본질을 들여다보는 것에서 출발해야 한다. 뿐만 아니라 과학과 합리성의 모더니즘을 확장시킴과 동시에 포스트모던 담론까지 끌어안을 수 있어야 한다. 이렇게 했을 때 우리들이 미술교육의 본질을 흐트러뜨리지 않으면서 미래의 미술과 교육과정이 나아갈 방향을 찾아나갈 수 있게 된다. 그러므로 고대 동서양의 예술·교육사상과 교육과정 이해에 근거하여 미술과 교육과정이론의 새로운 패러다임을 철학적으로 고찰함으로써 지금 우리가 행하는 미술과 교육과정의 의미가 더 명확해진 것이다. 미술은 체험에 입각한 인간의 존재 의미에 반응하게 하는 가장 기본적이고 핵심이 되는 교육이다. 미술과 교육과정은 어린이들이 미술을 한다는 의미가 무엇인지, 미술은 어린이들의 마음(정신)에 어떤 의미로 다가오는지 등 ‘왜’라는 질문들을 통한 철학적 들여다봄이 이루어져야 한다. 그래서 우리는 유연하고 무한한 어린이들이 미술과 교육과정에서 자신의 존재에 대한 깊은 성찰뿐만 아니라 창조적 삶으로까지 다다를 수 있도록 이끌어주어야 한다. 이것이 본 연구 미술과 교육과정이론이 추구하는 진정한 의미인 것이다. 그리하여 고대 동서양의 예술·교육사상과 교육과정 이해에 근거한 미술과 교육과정이론은 미술과 교육과정의 실제와 균형을 이루는 이론적 활동이었다는데 가치가 있다.

고대 영원성 상징물에 대한 동시대적 표현 연구 : 본인 작품 중심으로

정원희 국민대학교 일반대학원 2024 국내박사

The purpose of this study is to contemporize the vitality and eternality embedded in ancient Eastern and Western cave paintings, hieroglyphs, and royal crowns, reinterpreting these elements as enduring values that transcend temporal boundaries. By reexamining eternality as an internal meaning, the study expresses this concept through painting. Specifically, the noble symbolism and timeless essence inherent in ancient artifacts are newly interpreted from a contemporary perspective, aiming to convey the universal human values that remain unchanged through the passage of time. In this research, eternality is not viewed as immutable or detached from time, but as a concept that interacts with time and continuously transforms. This philosophical framework is visualized through three pictorial experiments conducted by the researcher. The first experiment involves a pastiche technique that deconstructs and hybridizes the compositional elements of crowns—ancient symbols of eternality. This process visually manifests a “simultaneous and organic sense of time,” wherein the past and present coexist. Motifs such as the dragon crown of the Silla period, the upright crowns of Goguryeo and Gaya, the eagle and antler ornaments of Scythian crowns, and the laurel wreaths of Greek mythology encapsulate authority, divinity, vitality, and eternal life. These fragmented symbols are recombined to create new abstract icons of life and eternity, thus expanding their significance. The visual language adopts the frontal composition principle of Egyptian frescoes, emphasizing simplicity, flatness, and a primitive aesthetic to embody the abstract notion of eternity. The second experiment abstractly expresses the spirituality and vitality underlying hieroglyphs in ancient murals as a form of typographic painting. Two distinct formats are explored: one mimicking the linear arrangement of cave paintings, and the other a free-form reconstruction based on full deconstruction. Techniques include the use of syringes to apply thick paint layers onto flat canvases, emphasizing matière in the abstraction of symbols. Drawing from Bergson’s concept of the “pure past,” the temporal stratum of antiquity in the artist’s work is not a recall of memories but a reconstruction of the past through perception and imagination. This stratified temporality is visually represented through layered compositions. In the series titled Repetition at the Boundary, the researcher experiments with etching, drypoint, and silkscreen techniques to explore this concept further in printmaking. The third experiment interprets deconstructed fragments of crowns and hieroglyphs through a perspective of nature, assigning meaning to imagination and eternality through natural imagery. The works emphasize forms reminiscent of mountains and rocks, negative space in the background, and symmetrical compositions. The spacious voids within the paintings function as meditative realms for eternal reflection. Symmetrical arrangements and the interconnectedness of natural elements suggest an unconscious human impulse to restore balance and order amid the chaos of contemporary life, symbolizing harmony between material temporality and spiritual eternality. Another notable feature is the symbolic placement of eternal forms over geometric fields of color that schematize nature. On these flat backgrounds, abstract scripts rendered with matière techniques evoke spontaneity and contingency. This study interprets the eternality inherent in humanity not as an existential negation of essence but as a presence grounded in it. Through deconstructed symbols, fluid images, and the symbiotic flow of thought that accompanies them, the artworks respond to the spiritual and eternal conditions of contemporary life. The research resists a linear concept of time, instead drawing upon Bergson’s la durée, Levinas’s Time and the Other, and the notions of Aion and eternal recurrence. Future works by the artist will continue expanding the artistic horizon by addressing the temporal and conceptual tensions between antiquity and modernity, thought and sensation, hybridity and inner necessity. 본 논문의 목적은 고대 동서양의 동굴벽화와 상형문자, 그리고 왕관과 그 구성 요소들이 지닌 생명성과 영원성을 동시대로 소환하여 본질적으로 변하지 않는 가치로 확장시키고, 내적 의미로서의 영원성을 재해석하여 회화작품으로 표현하는데 있다. 즉, 고대의 예술적 상징물에 담긴 고귀한 가치와 영원성을 오늘날의 시각으로 새롭게 해석하여, 시간의 흐름 속에서도 변치 않는 인간 보편적 가치로 표현하고자 하였다. 이 연구에서 영원성은 시간을 초월한 고정불변이 아닌 시간과 상호작용하며, 새롭게 펼쳐지는 변화의 개념으로 파악하고, 이러한 철학적 개념을 토대로 연구자의 작품 주제와 표현을 세 가지 조형적 실험을 통해 구체화하였다. 첫 번째는 고대 영원성 상징물인 왕관의 각 구성 요소를 해체하고 혼종적으로 재구성한 패스티쉬 기법이다. 이러한 해체와 재구성의 작업은 과거의 상징물을 과거와 현재가 공존하는 ‘동시적이고 유기적인 시간 감각’을 시각적으로 표현하려는 시도이다. 고대 영원성 상징물인 신라 시대의 용금관, 고구려·가야 시대의 세움 금관, 스키타이 금관의 독수리·사슴뿔 장식, 그리스 신화의 월계관(월계수 잎) 등의 왕관 장식 모티프들은 지배자의 권위와 신성, 그리고 생명성과 영원성의 의미를 함축한 것으로, 연구자는 이러한 파편화된 요소들을 혼종적으로 결합함으로써 새로운 추상적 ‘생명성과 영원성 상징물’로 재탄생시켜, 그 가치를 확장하고자 했다. 본 작품의 조형적 특징은 이집트 프레스코 회화에서 나타나는 정면성의 원리를 차용하여, 영원성을 상징하는 추상적 표현으로 재구성한 것이다. 기법의 특징은 단순하고 평면성이 강조되며, 원시적인 특성을 강조하였다. 두 번째는 고대 벽화의 상형문자에 내재한 생존과 염원 등의 정신성과 생명성을 문자 회화의 개념으로 추상적으로 표현하였다. 작품의 형식적 특징은 동굴벽화와 같이 추상적 문자 회화를 가로, 세로 일련의 배치로 구성한 작품 형식과 완전히 해체되어 자유로운 형식으로 조합한 새로운 문자 회화작품 형식으로 구분된다. 작품에서 사용된 기법으로는 평면적 캔버스 위에 물감을 넣은 주사기를 이용하여 두꺼운 물성이 강조되는 마티에르를 통한 문자 추상을 표현하였고, 베르그송의 ‘순수 과거’처럼 연구자 작품에서 고대의 시간은 과거 이미지를 떠올리는 기억이 아닌, 과거의 것을 지각하고 재현하는 것 사이에 작가의 상상력으로 작품 속 새로운 형상과 세계가 존재한다. 연구자의 상상력이 개입된 고대 시간의 지층은 작품 속에 층층이 쌓여진 레이어를 통해 발견할 수 있다. ‘경계에서의 반복’ 주제에서는 에칭, 드라이포인트, 실크스크린 기법을 사용한 연구자의 판화 작품을 실험적으로 표현하였다. 세 번째로 왕관의 구성물과 상형문자의 해체된 조각을 자연관으로 표현함으로 자연에 대한 상상 작용과 영원성의 의미를 부여하였다. 작품의 조형적 특징은 산과 바위가 연상되는 형상과 배경의 여백, 그리고 대칭적 구도를 강조한 작업으로, 작품 속 넓은 공간감과 여백은 연구자만의 영원한 사유의 공간이다. 아울러 대칭적 구도로 배치하고 자연물로 서로 연결하였는데, 대칭성을 통하여 혼돈 속의 동시대를 살아가는 우리 자신이 균형과 질서를 맞추기 위한 무의식적 행위이자, 동시대의 물질성과 정신적 영원성에 대한 조화를 상징한다. 또 다른 특징은 배경에 자연을 도식화하여 색 면의 기하학적 형상 위에 재료의 물성을 강조한 영원성 상징물을 배치한 것이다. 그리고 평면적인 이미지의 배경 위에 마티에르 기법의 문자 추상은 자유롭고 우연적인 효과를 나타낸다. 본 연구는 고대 영원성 상징물에 대한 조형적 실험을 통해 인간에게 내재 된 영원성을 본질을 부정한 실존이 아닌, 본질을 바탕으로 인간에게 현존하고 있는 영원성으로 해석하였다. 해체된 상징, 유동하는 이미지, 그리고 그것들과 공생하는 사유의 흐름은 결국 동시대적 정신성과 영원성에 대한 응답이다. 그리고 고대에서부터 동시대까지 물리적으로 흐르는 시간의 개념이 아닌 베르그송의 ‘순수지속’과 레비나스의 ‘시간과 타자’, ‘아이온’과 ‘영원회귀’의 관점으로 작품을 표현하였다. 앞으로 연구자의 작업은 고대와 현대, 사유와 감각, 혼종성과 내적 필연성 사이에서 시대적 문제를 다루 방향으로 예술적 지평을 확장해 나갈 것이다.

古代小說에 나타난 社會性 考察

高琳順 이화여자대학교 대학원 1958 국내석사

韓國古代舞踊의 歷史的 考察 : 舞踊에 포함된 宗敎的 性格을 중심으로

이종숙 梨花女子大學校 1985 국내석사

고대시가의 형성 기반과 존재 양상 연구

이현정 제주대학교 2020 국내박사

이 글은 고대시가(古代詩歌)의 형성 기반과 존재 양상을 향가와 연계하여 구명하고 그 시가사적 의의를 찾고자 하는데 목적을 두었다. 주요 연구 대상은 고대시가 <구지 가>, <공무도하가>, <황조가>와 4구체 향가 <헌화가>, <해가>, <도솔가>이다. 고대시가는 글말로 정착되기 이전 입말로 전승되었던 문학이다. 고대시가의 특별한 전승 형식인 ‘전승서사와 전승시가의 결합’은 향가까지 이어져 온 시가 형식의 총체적 범형(範型)이다. 이 같은 전승 형태를 주술적 제의적 서정적 인식이 미분립 되어 있던 원시종합예술의 잔영(殘影)으로 상정하여, 각편의 전승서사와 전승시가에 내재된 주술 적 제의적 서정적 인식의 교섭 양상과 단계적 변화를 추적하였다. 그 결과 고대시가와 향가는 주술적 제의적 서정적 인식으로 대변되는 원시 고대 중세의 시대 이념이 조응 변이하는 과정에서 계기적으로 출현하였다는 사실을 확인할 수 있었다. 각편 시가의 형성 기반은 전승서사가 함의한 제의성을 텍스트 컨텍스트의 측면에서 분석하여 형성 국면을 재구하는 과정으로 입증하였다. <구지가>는 원시의 기우 주술 요인 <구지가>계 노래가 체계화 규범화 된 풍요 제의와 결합하였다가 수로왕 탄강담 과 결합하여 형성된 시가, <공무도하가>는 진혼 제의의 파탄상에 따른 민간의 상장(喪 葬) 가요가 이념성 대신 비탄의 감정을 담는 쪽으로 변모하며 개인 서정과 집단적 감 성까지 아우르게 되었던 시가, <황조가>는 유리왕이 정치적 위기를 극복하고자 민간 서정 민요를 풍요 제의의 맥락으로 소급하여 재맥락화 한 시가, <헌화가>와 <해가> 는 가뭄으로 인한 기근의 해결과 민심 회복을 위하여 민간 제의 형식을 빌어 치른 별 제(別祭)에서 불린 시가, <도솔가>는 무열계 왕권의 정치적 위기를 해결하기 위한 중 세의 일월제치제의(日月除治祭儀)에서 불린 무속적 선풍적 불교적 이념이 혼합된 주 술 제의가로 규정하였다. 더불어 이 과정에서 각편 시가의 형성 국면이 곧 시대 이념 을 반영한 주술적 제의적 서정적 인식의 교섭 양상임을 밝혔다. 각편 시가의 존재 양상은 주술적 제의적 서정적 인식의 교섭이 통시적으로 지속과 변화를 거듭하며, 형식적 측면과 이념적 측면에서 일정한 양식 체계를 정립한 패러다 임이란 사실을 해명하는 것으로 탐구하였다. 주술적 제의적 서정적 인식은 형식적 측 면에서 특정한 언술 방식과 시적 주체의 인식 지향에 따른 지속과 변모로, 이념적 측 면에서는 제의와 가악(歌樂)을 매개로 한 시대적 문화적 이념의 결합과 변모라는 일정 한 계기적 체계적 일관성을 띠고 있었다. 이러한 흐름 안에서 주술적 제의적 서정적 인식의 교섭은 우리 시가사에서 서정시가를 태동시키는 동인이 되었다. 고대시가의 시가사적 의의는 고대시가와 향가 각편이 미의식이 구현되는 작동 체계 를 조명하여 도출하였다. 우선 고대시가와 향가의 형성에 관여한 주술적 제의적 서정 적 인식이 집단과 개인, 주술 제의 서정, 신앙(신념)과 역사, 우주와 인간이란 이질적이 면서도 상호 보완적인 요소들의 간섭으로 구성되었다는 사실을 감안하여 이를 구체적 으로 살필 수 있는 작동 준거를 마련하였다. 작동 준거는 인식 주체인 집단과 개인, 인 식의 최종 결과이자 각편 시가의 속성인 예찬(禮讚)과 찬탄(讚嘆) 그리고 비탄(悲嘆)과 추도(追悼)로 하였다. 이 같은 구도에 고대시가 각편과 향가 14수를 재배치한 결과, 고 대시가는 우리 시가사에서 미학적 패러다임을 생산한 원류로서 시학적 전통을 마련한 역동적 생명력을 갖춘 존재라는 사실을 확인할 수 있었다. 고대시가는 갈래라는 고정된 틀이 아닌 양식이란 속성적 범주에서 살펴야만 온전한 실체와 그 시가사적 의의를 찾을 수 있다. 문학사에서 전대에 폭넓은 향유층을 지녔던 기존의 패러다임이 다양한 방식으로 전용(轉用) 또는 전화(轉化)되어 후대의 패러다임 을 발현시키는 동력이 되어 온 사실을 잊어서는 안 된다. 고대시가를 우리 시가사의 한 양식 체계로 대하여 후대 시가 갈래들 간의 상관 관계를 폭넓게 파악하는 점진적인 논의가 절실하다. 이러한 접근만이 지금 고대시가 연구에서 진척된 성과를 얻는데 소 중한 기여를 할 수 있다는 사실을 다시금 환기하게 된다. This study investigates the formation base and existent pattern of the Korean ancient poetic songs in association with the 4-line Hyang-ga and finds its meaning from the perspective of the history of Korean classical poetry. The discussions made in this study focus on renewing the established convention about the Korean ancient poetic songs and extending its vitality and influence in the history of Korean classical poetry. The main research objects are the Korean ancient poetic songs "Guji-ga," "Gongmudoha-ga," and "Hwangjo-ga," and the 4-line Hyang-ga style poetic songs "Hyeonhwa-ga," "Hae-ga," and "Dosol-ga." The Korean ancient poetic songs are literature that have been passed on orally before settling into written forms. In addition, the special transmission form of the Korean ancient poetic songs, which is a combination of the "narrative in tradition and poetry in tradition," is the comprehensive exemplar of the style of the poetic songs that have been continued via the transmission of Hyang-gas. The study presumes the poetic songs as relics of the ballad dance with the unseparated perception of natural magicalism, ritualism, and lyricism, and traces the negotiating patterns and the changes by stages of the perception of natural magicalism, ritualism, and lyricism that are inherited in each piece of the narrative in tradition and the poetry in tradition. The study also tries to reveal that the Korean ancient poetic songs and Hyang-gas are the forms of poetic songs that have opportunistically emerged during the process that primitive, ancient, and medieval times, often represented by the perception of natural magicalism, ritualism, and lyricism, closely correspond to each other and be transformed. The study examines the foundation base of each piece of poetic songs by investigating the ritualism implied in the narrative in tradition from the perspective of text and context and reorganizing the formation process of poetic songs. By doing so, the study defines "Guji-ga" as a poetic song where the song of "Guji-ga" style, one of the magic songs praying for the rain in primitive times, combined with the fertility rituals that have been systematized and standardized, and then be narrated and formed as a part of the King Suro's birth story that he descended from the sky, "Gongmudoha-ga" as a lyrical poetic song where the breakdown of funeral rituals has been passed on to the civil and converted and formed to incorporate collective sensibility rather than ideology, "Hwangjo-ga" as a poetic song where the civil's lyric fork songs have been retroacted and recontextualized in the context of fertility rituals to overcome political difficulties during the ritual times that focused on mythical awareness, "Hyeonhwa-ga" and "Hae-ga" as poetic songs that have been sung during the special ritual by taking the form of civil rituals to overcome the famine caused by droughts and restore the public sentiment, and "Dosol-ga" as a magic poetic song mixed with shamanistic, sensational, and buddhist ideas that has been sung during the Ii-wol-jea (ritual of the son and moon) in medieval times to resolve the political crisis of the Mooyeol lineage. Furthermore, it confirms that such a process that has been formed by reflecting the idea of each time is no different from the negotiating patterns of the perception of natural magicalism, ritualism, and lyricism. The study sheds light on the existent pattern of each piece of poetic songs by demonstrating that the negotiating patterns of the perception of natural magicalism, ritualism, and lyricism repeat continuance and changes from the formality and ideology point of view and belongs to the flow that arranges the system of the forms. It allows confirming that the perception of natural magicalism, ritualism, and lyricism that has continued to get involved in the emergence of Korean ancient poetic songs and Hyang-gas represents a constant opportunistic flow as continuance and change in accordance with the pursuit of specific verbal style and poetic subjects from the formality point of view and as convergence and change of periodic and cultural ideas by means of rituals and music from the ideology point of view. It is also confirmed that the lyrical perception manifested in such aspects has become a motive of the full-scale emergence of lyrical poetic songs in the history of Korean classical poetry. Lastly, the study tries to find the meaning of the only three pieces of Korean ancient poetic songs from the perspective of the history of Korean classical poetry, focusing on the aesthetic sense of the link between the Korean ancient poetic songs and Hyang-gas. The perception of natural magicalism, ritualism, and lyricism that has been involved in the formation base of the Korean ancient poetic songs consists of the interference of heterogeneous yet inter-complementary elements of the group and individual, magic, ritual and lyrics, faith(belief) and history, and universe and humans. As a result, the study suggests that the Korean ancient poetic songs are a direct root that has produced the emergence of assorted forms of poetic songs and aesthetic paradigms in the history of Korean classical poetry and are an existence equipped with dynamic vitality that arranged the poetic traditions. The Korean ancient poetic songs are at the forefront of Korean literature. It should not be forgotten that the established paradigms that have been enjoyed by the wide range of people in the previous generations serve as a motive to generate the paradigms in the future generation after being redirected and transformed. The study confirms that the Korean ancient poetic songs should be examined in conjunction with the form of poetic songs, which is the category of properties, and not the frame of genres to investigate the piece itself. It is imperative to have discussions to broadly understand the correlations among genres of poetic songs in future generations, and only with such an approach method are the valuable contributions made to obtain progressed performance based on the existing researches.

古代英語 從屬節 硏究 : 語順을 中心으로

한상우 成均館大學校 1995 국내박사

중국 고대기공(古代氣功)의 유파별 공법에 관한 고찰 : 유가, 도가, 불가기공을 중심으로

구혜림 경희대학교 대학원 2021 국내석사

Human beings have been struggling with aging and disease ceaselessly to achieve perennial youth and longevity(延年益壽). The foregoing was originated from the ancient philosophers of both East and West long ago, and many theories looking at humans from a religious standpoint of the past to the perspectives on human body and nerve of the present time have been pouring out. For the aforementioned, ancient China(古代中國) which is one of the countries with old civilization started to be more concerned with training of body and soul for a long time. Chinese traditional thought of health caring researches focusing on the human body and soul, and started to receive attention from the people all around the world as a cultural heritage of the Orient through cultural exchange between countries as it seeks stability of mind and body, lays stress on the overall training and exerts an influence on the everyday life. Of the methods of exercise originated from the thought of health caring, qigong is considered an outstanding training method with long history and systematic theory as one of the training methods to develop and supplement energy through gymnastics, breathing and consciousness training by promoting health of body and soul through smooth communication of energy. Literally, qigong(氣功) means ‘putting efforts into energy’and the letter‘Qi (氣) stands for driving force the activity of life with the meaning of‘breath’and Gong (功) means putting sincerity and efforts into one thing. In other words, qigong represents the rules for health to train body and improve soul to be healthy and to live long without coming down with a disease. Qigong is also considered a method of psychosomatic discipline for learning how to operate and practice enhanced energy in an effective way by supplementing energy into one’s body, circulating energy smoothly, eliminating bad spirit and strengthening good energy (Lee Dong Hyeon, 1992). And qigong has been continued from the ancient times and spread as life sports in the form of qigong exercise in this day and age, and Korea also adopted qigong exercise for seeking qualitative changes in demand and supply of health and medical treatment according to the changes in disease types, and is promoting Korean medicine health promotion projects centering around health centers (Ministry for Health, Welfare and Family Affairs, 2009). This is considered a proof of nationwide attempt to take efforts for improvement of life quality and health promotion for people through supplementation with changes in health policy. Of the training method of the ancient qigong by the sect, this study aimed to conduct a research on the characteristics and values of training method of qigong by the sect based on the Chinese representative thoughts such as Confucian, Taoistic and Buddhistic thoughts. Especially, this study intended to research the value and significance through a multilateral and in-depth analysis on how training methods by the sect affects inheritance process and development of today’s qigong. This study is a literary study to examine histories of Confucian, Taoistic and Buddhistic qigong out of training methods of Chinese ancient qigong by the sect and establish modern meanings through the former. However, this study has a limit of study as below. First, the scope of training methods of Chinese ancient qigong by the sect in this study is limited to Confucian, Taoistic and Buddhistic qigong. As for other sects, this study suggested a brief explanation. Second, citation used in this study comprehensive understanding of various literature in principle, and was extracted and cited within the limit not digressing from the main subject.

고대 한국의 기하학 문양의 기원과 유형 탐색 : 원, 네모, 세모를 중심으로

박선화 인하대학교 교육대학원 2018 국내석사

문양(紋樣)은 한 민족 문화의 소산이다. 각 시대의 민족 생활 풍습이나 정서를 상징적으로 표현하는 것이다. 이러한 ‘상징적 표현’은 오랜 역사를 통하여 변화 및 발전을 거듭한다. 그리하여 한 민족의 보편적인 미의식(美意識)을 축적(蓄積)시킨다(정복상, 정이상, 1996). 민족마다의 생활습관과 사고방식이 상징적으로 표현되는 조형적이고 아름다운 가치 있는 고대 문양이 있다. 우리 민족은 고대부터 나라의 안녕, 가정의 평안과 행복을 절실히 갈구해 왔다. 이러한 염원과 소망은 문양에 상징적 의미를 부여해왔고 이렇게 만들어진 기호를 시각적인 조형으로 사용하기 시작하였다. 본 연구의 목적은 한국의 고대 문양의 형태를 분석하여 그 의미와 상징성을 밝히는 것이다. 이를 위해 선사시대부터 고대에 이르기까지 복식과 유물 등에 나타난 다양한 문향을 고찰하고자 한다. 본 연구의 내용은 예로부터 자연을 숭상하고 예(禮)를 중시한 선조들이 어떠한 문양(원형, 네모, 세모)을 선호하고 그 문양에 어떠한 의미를 부여했는지를 파악하는 것이다. 이와 같은 본 연구의 목적 및 내용을 달성하기 위해 다음과 같은 연구 방법을 통해 한국의 고대 문양을 연구하고 분석하였다. 첫째, 고대 문양의 일반적인 정의 및 특성과 종류를 문헌조사를 바탕으로 한다. 미술 전집, 박물관 소장품으로부터 자료를 얻고, 정기 간행물 연구 논문 등을 참조하여 비교·분석하였다. 또한 선행 논문, 도서, 인터넷 자료, 사진자료 등을 이용하였으며 도자기. 공예품, 복식 등 다양한 문양에서 나타난 고대문화에 연결고리를 고찰하였다. 둘째, 한국의 고대 문양 중 원형, 네모, 세모 모양의 기원을 알아보고 그 쓰임새와 의미를 다시 한 번 비교 분석하였다. 셋째, 한국 고대의 문양 이미지가 주변 국가 예술에 미쳤던 영향과 미래에 기여할 가치에 대해 조사 분석하였다. 넷째, 각 문양이 의미하는 것들을 바탕으로 다양한 종류의 유적 및 의복, 장신구에 쓰임새에 대하여 파악하였다. 특히, 선사시대의 복식과 관련된 유물은 주로 가죽, 모피 등으로 그 흔적이 사라져 의미와 형태를 알아보기란 매우 힘들었다. 그리하여 주로 장신구 및 토기 등에서 찾아 분석할 수 있었다. 다섯째, 고대의 문양 발전사를 중심으로 내용분석을 실시하였으며 추가적으로 지리·역사적인 위치를 고찰한 후 고대의 문양을 비교 분석하였다. 이러한 연구과정을 통해 다음과 같은 연구결과를 도출하였다. 연구결과는 첫째, 원 무늬는 태양을 상징하는데, 한편으로는 타원 무늬와 더불어 씨족공동체의 성원(成員)이나 씨족 신의 수호 밑에 있는 씨족 개개인의 혼을 나타내는 것으로도 보고 있다. 고조선족과 고조선 문명권에 포함된 부족들은 '태양숭배', '천재숭배' 등의 사상을 바탕으로 자신들을 '태양의 자손', '천손'이라는 의식을 가지고 있었다. 즉, 하늘과 땅과 사람이 하나가 되는 ‘회삼귀일(會三歸一)’의 원리는 태극문양으로 표현하여 그 의미를 부여하였다. 또한 연성문을 통해 별을 관측하여 풍요를 기원하였으며 우리의 문물이 멀리 만주지역으로 전파되었음을 알 수 있는 중요한 발견이었다. 둘째, 우리의 선조들은 공동체의 풍요와 건강을 위해 하늘뿐만 아니라 땅에도 제(祭)를 지내며 소원을 빌었다. 하늘과 태양을 상징하는 문양이 원형이라면 땅(地)을 상징하는 문자는 네모라고 볼 수 있다. 이로써 우리선조들의 문양에서 주로 원형과 네모문양을 쉽게 접하는 이유를 알게 되었으며 자신의 안녕보다는 가족과 더 나아가 국가의 안녕을 기원하는 마음이 담긴 문양을 선호한 것을 알 수 있었다. 셋째, 빗살무늬에서 삼각무늬가 파생되었으며 하늘, 땅 다음으로 사람이 중요하다는 고대인의 사고에서 발생한 듯하다. 재생의 뜻과 다산을 상징하므로, 삼각무늬의 배열은 곧 다산과 복의 상징물로 볼 수 있다. 바람이나 물결, 구름결 등은 나선형이어서 물의 소용돌이, 뱀과 조개 및 고사리과 식물의 와상(渦狀), 그리고 회오리바람 등의 자연적인 형상에서 얻어진 것으로 보고, 그 상징적 의미는 죽음이거나 우주의 무한함 또는 그 반대적인 의미로 여기는 것이다. 선사시대를 거쳐 고구려에 이르기까지 우리나라 문화예술은 전성기를 맞이하였다 해도 과언이 아니다. 이 시대의 문양에서는 특히 자연숭배사상과 나 자신보다는 가족과 나라의 안녕을 기원하는 것을 알 수 있었으며 이는 하늘과 태양을 숭배하는 원 문양, 땅을 숭배하는 네모문양 그리고 다산을 기원하는 세모문양으로 크게 구분되었다. 이 문양을 바탕으로 조사하고 분석하여 문양을 통해 우리 선조들의 얼을 기리고 알아보고자 하였다. 고대 문양은 우리 문화의 뿌리와 역사를 올바르게 밝히는 일임과 동시에 더 나아가 찬란한 문양을 되새기며 더욱 계승 발전시켜 순수한 고대의 문양을 정립하여 문화 산업에 적용되어야 할 것으로 본다. 이처럼 본 연구를 통해 도출된 연구 결과는 우리역사의 얼과 혼을 더욱 잘 파악하여 지속적인 문화보존 및 새로운 문화 창조에 기여할 수 있는 기초자료로 활용될 것으로 기대한다. ABSTRACT A Study on Origin and Meaning of Geometry Patterns in Ancient Times of Korea - Focusing on Circle, Square, Triangle Patterns - A pattern is the outcome of a national culture. It symbolically expresses the life customs and emotions of each period. The ‘Symbolic Expression’ repeatedly changes and develops through a long history. The general aesthetic consciousness of an ethic group is accumulated in such way (Boksang Jeong. Isang-Jeong, 1996). Each ethic group has own figurative, aesthetic, and valuable ancient pattern which expresses the life style and attitudes. Our people has been desperately longing for wellness of nation, peace and happiness at home. Such wishes and aspirations has been assigning the symbolic meaning to patterns and those symbols has been used as the visual form. The purpose of this study is to analyze the traditional Korean patterns to identify the meaning and symbols of the patterns. For the research, this study examined various patterns on clothing and relics from the prehistoric times to the ancient times. This study also seeks to examine the patterns (circle, squire, comb patterns) preferred by the ancestors who worshipped nature and emphasized courtesy and identify the pattern’s meaning assigned by the ancestors. To accomplish the objective and contents of this study, this study conducted research and analysis on traditional Korean patterns with following research methods. First, this study researched on general definition, characteristic, and types of traditional pattern based on the literature survey. The study obtained data from arts books and museum collections and compared and analyzed the data by referring to periodical publications of research papers. This study also used preceding studies, books, internet material, and photo data and examined the link to the ancient cultures appearing on various patterns of pottery, craftworks, and clothing. Secondly, this study researched on origin of circle, square, and triangle patterns among traditional Korean patterns and conducted comparative analysis on usage and meaning of patterns. Third, this study conducted research and analysis on how traditional Korean patterns influenced on arts of neighboring nations and their value for future contribution. Fourth, this study identified usage of various relics, clothing, and accessories based on the meaning of each pattern. Especially, relics related to clothing of the prehistoric times were leather and fur and it was hard to identify the meaning and shape as the traces of relics disappeared. Therefore, this study found the usage of patterns mainly in accessories and earthenware. Fifth, this study conducted content analysis focusing on development of patterns in the ancient times. Additionally, the study compared and analyzed the traditional pattern in consideration of the geological and historical location. The following research results were derived from above research process. First, the research showed that the circle pattern indicated the sun. On the other hand, the circle pattern may also have indicated the souls for members of clan community or individual clan protected by the god of the clan along with oval pattern. The Gojoseon group and the tribes of Gojoseon civilization perceived themselves as ‘Son of the Sun’ or ’Son of the Sky’ based on the ‘worship of sun’ and ‘worship of the sky’s son’. They expressed the principle of ‘Hei-Sam-Geui-Il’ (unification of sky, land, and human) in Taegeuk (yin-yang) pattern and assigned meaning. They also observed the starts with Yeonsungmun and prayed for the prosperity. Those findings are significant as they indicate that Korean culture was widely spread to Manchuria regions. Secondly, the ancestors practiced ancestral rites to land and sky and made a wish for the prosperity and healthy of themselves and their family. While the circle patterns symbolized the sky and sun, the square patterns symbolized the land. These findings indicate the reason why circle and square patterns often appear in patterns used by the ancestors. The patterns also demonstrated that the ancestors preferred the patterns wishing for wellness of family and the nation rather than their own wellness. Third, the comb pattern was derived from the triangle pattern and it symbolizes regeneration and genital organ of women. Thus, arrangements of the triangle patterns can be seen as the fecundity and feminine symbol of animal. Also, coil pattern has spiral shape and it is assumed to be derived from spiral figure of snail, clam, and Pteridaceae family and natural shapes of whirlwind. The symbolic meaning of coil pattern is death, infinite universe, or the opposite meaning. Korean culture and arts enjoyed their golden age from the prehistoric times to Goguryeo times. The patterns found in these times emphasized nature worship and wished for wellness of family and nation rather than individual. The patterns are largely classified into circle pattern worshipping the sky and the sun, square pattern worshipping the land, and triangle pattern wishing for fecundity. This study aimed to praise the spirits of ancestors and understand the ancestors better based the research and analysis on the patterns. Through research and analysis on the traditional patterns, it is possible to identify the root and history of Korean culture. Furthermore, such research and analysis should be applied on Korean culture business by reviewing the glorious patterns, inheriting and developing the patterns to establish the pure traditional patterns. The research results derived from this study helps in identifying the spirits and souls of Korean history and can be utilized as the basic material for contribution to constant cultural preservation and creation of new culture.