다중의 기억으로 중첩된 DMZ 미술에 대한 연구

김태현 홍익대학교 미술대학원 2025 국내박사

본 논문은 한국전쟁으로 등장한 DMZ(Demilitarized Zone, 이하 DMZ)를 주제로 전개된 미술 활동을 기억에 대한 이론을 토대로 분석한다. Ⅰ장에서는 본 논문의 구성과 연구 방법에 대하여 기술한다. 그리고 미술에서 사용된 분단에 대한 개념의 설명을 하고 지금까지 논의된 한국전쟁 이후의 미술에 대한 용어를 분석하고 정리한다. 한국전쟁 후 70여년이 지난 시점의 오늘 DMZ를 소재로 하는 미술 전시와 작품은 낯설지 않다. 그러나 우리는 북한과 관련된 정보는 여전히 제한되어 있으며 남북 관계 역시 답보적인 상황이다. 이러한 이유로 우리는 동시대에 직접 경험하고 있음에도, 이 사건의 중요성을 충분히 인식하지 못하고 있다. Ⅱ장에서는 DMZ의 생성과 그 의미를 다루었으며 한국전쟁 이후 한국의 사회가 분단으로 인하여 어떻게 변화하였는지 살펴본다. Ⅲ장은 안드레아스 후이센(Andreas Huyssen)의 기억 이론을 중심으로 전개되고 있는 기억 이론들을 고찰한다. 기억 이론의 선구자인 윌리엄 제임스의 기억 분류체계와 프로이트의 정신분석학적 해석, 그리고 이를 계승한 도미니크 라카프라(Dominick Lacapra)의 역사-기억 구분론을 통해 기억의 전승 메커니즘을 고찰한다. 이어서 한국전쟁의 트라우마가 어떻게 예술적으로 재현되고 있는지 살펴본 후 안드레아스 후이센의 기억 이론을 심층적으로 검토한다. 후이센은 기억과 망각을 동일 평면에서 바라보며, 기억의 소멸을 하나의 독립된 현상으로 인식한다. 그는 기억과 망각이 단순한 과거 보존의 차원을 넘어 정치적, 문화적 권력의 작동 지점이 된다고 보았으며, 기억의 이데올로기적 왜곡을 경계하기 위해 더 많은 기억의 보존을 주장한다. 후이센은 예술작품과 도시 공간에 중첩된 기억의 양상을 고대의 팔림프세스트(Palimpsest)에 비유한다. 이는 데리다의 『아카이브 충동(Archive Fever)』에서 논의된 기억의 본능적, 강박적 특성과도 맥을 같이한다. 이러한 이론적 논의의 실제적 적용 사례로 로스앤젤레스 현대미술관의 《지구의 끝: 1974년까지 대지미술》(2012)전시를 분석한다. 이 전시는 대지를 배경으로 한 대지미술 작품을 총정리한다. 당시 대지미술이 지닌 단점인 장소의 제약에서 나아가 그 작품에 관한 여러 아카이브를 보여주는 방식으로 진행하여 새로운 전시 형태를 선보인다. Ⅳ장에서는 1980년대 이후 지금까지 진행된 DMZ를 주제로 한 미술 전시를 추적하였다. 1980년대의 정부 비판적 성격에서 시작하여, 1990년대의 세계화 맥락 속 평화·반전 담론의 확산, 그리고 2000년대 이후 인터넷과 지방자치제의 영향, 해외 유학파 작가들의 새로운 시각이 더해지며 DMZ 미술이 보여준 다층적 변화를 고찰한다. 이처럼 사회 변화에 맞춰 DMZ 미술은 그 규모가 확장되었고 지속적으로 작품을 선보일 수 있는 기회의 장이 되었다. Ⅴ장에서는 DMZ의 다층적 기억을 담아낸 현대 작가들의 작품을 분석했다. 임흥순의 〈고야〉(2021)와 〈전망대〉(2022)에 나타난 과거-현재의 중첩, 문경원·전준호의 〈미지에서 온 소식: 자유의 마을〉(2021)과 〈풍경〉(2021)이 보여주는 현재-미래의 교차, 최재은의 〈자연국가(自然國家)-Nature Rules〉(2021)에 구현된 현재의 시점을 기억 담론의 관점에서 분석한다. 그리고 권하윤의 〈489년〉(2015〜2016)을 통하여 현재의 경험과 기억이 어떻게 전이되는지 살펴본다. Ⅵ장에서 지금까지 살펴본 DMZ 미술의 의미와 그 가치를 모색한다. DMZ는 정지된 장소가 아닌 시간이 흐르는 장소로 한국전쟁의 기억을 전승하는 장소이다. 그러므로 지속적인 미술작품과 전시를 통하여 이 장소가 지닌 현재를 기억하고 미래의 제안들을 전개해야 한다. This paper analyzes art activities centered on the DMZ, which emerged from the Korean War, based on theories of memory. The first chapter describes the structure and research methodology of this paper. It also analyzes and organizes the terminology used to discuss post-Korean War art through an explanation of the concept of division. Chapter II examines the creation and meaning of the DMZ, and how Korean society changed due to division after the Korean War. Chapter III explores memory theories developing around Andreas Huyssen's theory of memory. It examines the mechanism of memory transmission through William James's memory classification system, Freud's psychoanalytic interpretation, and Dominick LaCapra's history-memory distinction theory which succeeded them. It then examines how the trauma of the Korean War is artistically represented before deeply analyzing Andreas Huyssen's discourse on memory. Huyssen views memory and forgetting on the same plane, recognizing the extinction of memory as an independent phenomenon. He saw memory and forgetting as points where political and cultural power operates beyond simple preservation of the past, and advocates for greater preservation of memory to guard against ideological distortion. Huyssen compares the layered aspects of memory in artworks and urban spaces to ancient palimpsests. This aligns with the instinctive, compulsive characteristics of memory discussed in Derrida's "Archive Fever." As a practical application of these theoretical discussions, the paper analyzes the 2012 exhibition "Ends of the Earth: Land Art to 1974" at the Los Angeles Museum of Contemporary Art. This exhibition comprehensively presents land art works that had been exhibited against the backdrop of earth, showcasing a new exhibition format by presenting various archives about the works beyond the spatial limitations that were a drawback of land art at the time. Chapter IV traces DMZ art exhibitions from the 1980s to the present. It examines the multifaceted changes in DMZ art, beginning with its government-critical nature in the 1980s, the spread of peace and anti-war discourse in the context of 1990s globalization, and the influence of the internet and local autonomy system after 2000, along with new perspectives from artists who studied abroad. Thus, DMZ art has expanded in scale in line with social changes and serves as an ongoing platform for presenting artworks. Chapter V analyzes works by contemporary artists capturing the multilayered memories of the DMZ. It analyzes from a memory discourse perspective: the past-present overlap in Im Heung-soon's "Goya" (2021) and "Observatory" (2022), the present-future intersection shown in Moon Kyungwon and Jeon Joonho's "News from Nowhere: Freedom Village" (2021) and "Landscape" (2021), and the present perspective embodied in Choi Jaeeun's "Nature Rules" (2021). Through Kwon Hayoon's "489 Years" (2015-2016), it examines how current experiences and memories are transferred. The conclusion explores the meaning and value of DMZ art examined thus far. The DMZ is not a static place but rather a place where time flows, transmitting memories of the Korean War. Therefore, through continuous artworks and exhibitions, we must remember the present of this place and develop proposals for the future.

김원(金源)(1912~1994)의 풍경화 연구

이정훈 홍익대학교 미술대학원 2022 국내석사

본 논문은 서양화가 김원(金源)(1912~1994)의 삶과 작품세계를 연대기적으로 정리하고 그 미술사적 의의를 찾고자 하는 데 목적이 있다. 김원은 일제 강점기에 동경에서 유학하며 조선인 유학생들을 모아 ‘백우회(白牛會)’를 조직하여 화가를 꿈꾸는 젊은이들이 자신의 작품세계를 마음껏 펼칠 수 있는 장(場)을 만들었다. 고국으로 돌아와서는 작가로서 평생 그림을 그리고, 우리나라에 미술대학이 생긴 이래 이화여대를 시작으로 홍익대학교에서 학생들을 가르치며 은퇴 후 종신 명예교수로도 남아 수많은 제자를 길러냈다. 광복 이후 미술대학에서 공부하고 1950년대 이후 작가로 활동하게 된 이들의 삶과 작품에 김원은 어떤 식으로든 영향을 끼쳤다. 기본기를 연마하던 일본 유학 시기와 6·25 전쟁기에 종군화가로 활동하며 전쟁의 참상을 그렸던 것 이외에 김원은 한국 전역의 산과 들, 그리고 자연의 아름다움을 그리는 작업으로 평생을 일관했다. 그중에서도 그는 특히 산에 애착을 두고 많은 작품을 남겼다. 그의 작품 밑바탕에는 자연에 대한 경외심과 귀의 의식이 흐르며 자연을 단순히 바라보고 묘사하는 대상이 아닌, 자연에서 감동을 찾아내고 그것을 통해 자연과 동화되려는 맑고 깨끗한 마음의 본체를 보여준다. 서양에서 발전한 풍경화가 일본으로 유입되고 20세기 초반 조선에서 일본으로 유학 갔던 유학생들이 귀국하면서 우리나라에도 풍경화가 들어와 발전하게 된다. 따라서 당시의 풍경화가 일본의 영향을 받았음을 부정할 수 없다. 그러나 김원 작품의 미술사적 의의를 찾기 위해 그의 작품이 단순한 일본 풍경화의 모방이 아닌 한국적 미의식이 담겨있는 작품이라는 전제를 가지고 근거를 찾으려 했다. 먼저 조선 후기 진경산수화와의 비교를 통해 우리의 옛 그림인 산수화로부터 비롯된 정서와 기교가 묻어나 있다고 보았고, 한국의 자연미에 대한 선행 연구논문들과 자료를 통해 김원의 작품에는 한국인이 자연을 대하는 정서가 들어가 있고 한국인의 삶의 역사와 환경이 반영되어 있다는 결론을 내렸다. 김원의 작품세계와 교육자로서의 활동들은 나라에서 수여하는 각종 훈장, 그리고 예술가들이 받는 최고의 영예로운 상이라는 대한민국예술원 상 수상으로 그 공로를 인정받았다. 그러나 김원을 포함하여 사실주의적 화풍의 그림을 그렸던 작가들에 대한 기록은 현재 남아 있는 것이 거의 없다. 우리나라 근대미술에서 아카데미즘은 ‘구태’라는 부정적 의미로 통용되는데, 김원과 같이 대상의 외형을 사실적으로 재현하는 고전주의 화풍의 그림들은 아카데미즘으로 치부되었고 차츰 역사 속에서 사라져버렸다. 《대한민국미술전람회(大韓民國美術展覽會, 이하 ‘국전’으로 약칭)》는 나이 든 화가들의 독점적 권위와 진부함으로 비판을 받다가 1981년 제30회를 끝으로 폐지되었다. 그러나 《국전》의 변천사를 살펴보았을 때 ‘추상’이 《국전》에서 배제되었다는 것은 잘못 알려진 사실이며, ‘추상’ 또한 상당한 비중을 차지했었다는 것을 알 수 있었다. 당시 《국전》 당선작가의 실력이 뛰어났다는 사실은 모두가 인정하는 바였으며, 《국전》이 비판받았던 이유는 구상 화풍 출품작들의 구태의연함이라기보다는 국가의 문화예산이 《국전》에 지나치게 집중된 현실 때문이었다. 우리나라에 서양화가 들어와 발전하던 시기에 김원과 같은 사실적 화풍의 구상작가들은 미술계에 영향을 끼쳤으며 그 영향력은 한국 근현대미술 발전의 기초가 되었다. 한국미술의 발전을 위해서도 김원을 포함한 잊힌 근현대 구상작가와 작품들에 관한 관심과 연구는 계속되어야 한다.

1970년대-1990년대 전시 분석을 통한 한국 산수화 흐름과 변화

유서진 홍익대학교 미술대학원 2024 국내석사

본 연구는 국내 미술사에서 지속적으로 논의되고 있는 한국화의 정체성 모색의 방향성을 새롭게 개진해보고자 1970년대 1980년대를 중심으로 1990년대의 한국미술흐름 속 전시들을 열거하면서 한국화 중에서 한국 산수화의 위치와 역할을 고찰하는 것에 그 목적이 있다. 한국 미술계에서는 한국화의 정체성, 정통성에 대한 용어와 개념의 적합성에 대한 의문은 지속해서 제기되어왔다. 이를 모색하는 한 방법으로서 한국화단에서 산수화 제작이 고조되고 활발한 전개된 1970년대와 1980년대, 그리고 1990년대의 한국화단에서 열린 상황, 전시, 작품에서 나타난 산수화를 추적한다. 한국산수화는 시기별 흐름에 따라 진경(眞境), 남종화(南宗畵), 사경(寫景), 실경(實景)등 명칭의 변모를 겪었다. 1970년대의 산수화 부흥현상과 더불어 1980년대에는 동문전과 단체 전시가 증가하면서 수묵화운동으로 이어지게 되었다. 본 연구는 전시분석을 위해 국립현대미술관의 1990년대 한국미술 진흥 기획전시와 한국화 소장품 전시, 기증 한국화 소장품 연구 전시인 《동녘에서 거닐다: 동산 박주환 컬렉션 특별전》에 출품된 작품을 양식에 따라 분류하여 한국화 속 산수화의 분포도에 나타난 의미를 고찰하였다. 이에 본 논문에서는 1970년대 산수화 부흥현상과 더불어 1980년대 단체 중심 움직임 속에서 신묵회와 묵삼전의 출품작이 대부분 산수화 양식인 점을 파악하였다. 나아가 1990년대 국립현대미술관 기증 소장품 연구 전시에서도 한국화부문에서 산수화의 분포도가 높은 것을 통해, 한국 산수화가 한국미술사의 흐름과 밀접하게 변천을 동반하고 있고, 전통, 현대, 동시대로 이어지는 하나의 한국미술 장르로서 산수화의 확고한 위치를 규명하고 미술사적 의의를 차지하고 있었음을 밝혀보고자 한다. To identify the changes in artistic movements since the late 19th century, terminologies such as modern, contemporary, simultaneous art have been adopted from western-art-oriented art historical classification method. This classification method that did not fit to the cultural or art historical context of Korean art led to unresolving debates on identification of era-specific artistic movements. Fundamental questions about the suitability of terms and concepts for the specificity of Korean painting within contemporary Korean art have persistently existed. In 1988, as Korean contemporary art began to acquire contemporaneity, Korean art scene started voicing out the needs for new interpretation of Korean art as genre. Critics have argued that the term "Hangukhwa" (Korean painting) should be used instead of "Dongyanghwa" (Oriental painting) in describing the specific identity of Korean art. Taiwan, China, and Japan clearly define and identify their nation-specific style of painting with their nation names. However, Korea does not clearly define the style of Korean painting, which led to the absence of a clear definition of "Hangukhwa" (Korean painting). In this context, the researcher identifies “Korean Sansu”(landscape painting) as a representative style of Hangukhwa, and the 1970s as an era of the Korean art scene’s radical development marked by strengthened creation of Sansu. The researcher is to suggest a new perspective of understanding the Sansu which developed along with the development of Korean art. Lastly, for the practice of seeking Korean nature through exhibition analysis, the researcher intends to organize and compare the Sansu painting exhibitions at the National Museum of Modern and Contemporary Art and the specialized Dong San Bang gallery’s Korean painting exhibitions. In this thesis, the researcher seeks to clarify that it was a phenomenon that repeatedly sought answers whenever an interpretation of tradition was required based on the commonalities observed in the Sansu paintings exhibited, and aims to reveal the art historical significance of Sansu painting as a traditional genre that connects tradition and modernity.

동시대 미술에서 오브제를 이용한 작품제작 연구 : 본인 작품을 중심으로

임재욱 홍익대학교 미술대학원 2021 국내석사

The development of science and technology, social change, change in life, change in culture, change in consumption, and so on, humanity has developed in many areas, which has brought enormous changes to art since modernism. Since modernism, there have been numerous changes in art such as materials, techniques, and forms, among which the most visually striking change is the change of materials. Now, the material is no longer a simple means of expression, but a work, philosophy, and intended shape. I would like to study the role and characteristics of contemporary art in post-modern art, and how the object as a “material” is used in it. In addition, I will study works and artists using objects, and based on them, I will look back and study my work and identity as an artist. First of all, in defining contemporary art, I will solve not only the viewpoint of art history, but also with my identity and opinion as a writer. In addition, due to the nature of contemporary art, where the role of viewers is not limited, research will be conducted on the premise of respect for the diversity in interpreting individual works. On the other hand, the material value of individual works is to be excluded from this study. This will focus on respect for diversity and its role in the immaterial value of art. In addition, in this study, traditional genres will not be meaningfully classified and defined, and this will be developed based on respect for individual works. This study is a study that defines and analyzes the characteristics of contemporary art running out of the times, and a study on the role of objects in contemporary art. And I will explain what kind of contemporaneity is melted in the researcher's work and how it is expressed through what object. Finally, the researcher himself expects to establish his identity as an artist through this research and open up the possibility of future works. 과학기술의 발전과 사회적 변화, 생활의 변화, 문화의 변화, 소비의 변화 등 인류는 많은 부분에 있어 발전을 이룩하였으며 이는 모더니즘 이후 미술에 엄청난 변화를 가져왔다. 모더니즘 이후 미술의 변화에는 재료, 기법, 형태 등 무수히 많은 변화가 있었는데, 그중 가장 시각적으로 도드라지는 변화는 재료의 변화이다. 이제 재료는 더 이상 단순한 표현의 수단이 아닌 그 자체가 작품이며, 철학이고 의도된 형상이다. 나는 모더니즘 이후의 미술 중 동시대미술(contemporary art)의 역할과 그 특성을 연구하고 그 안에서 ‘재료’로써의 오브제(object)가 어떻게 이용되고 있는지 연구해보고자 한다. 그리고 오브제(object)를 이용한 작품 및 작가에 대해 연구하고 이를 바탕으로 나의 작품과 작가로서의 정체성을 되돌아보고 연구하고자 한다. 우선 동시대미술을 정의함에 있어 나는 미술사적인 관점뿐 아니라 작가로서 나의 정체성과 견해와 함께 풀어갈 것이다. 또한, 관람자의 역할이 제한적이지 않은 동시대미술의 특성으로 인해 개별 작품을 해석함에 있어 그 다양성에 대한 존중을 전제로 연구를 진행할 것이다. 반면 개별 작품에 대한 물질적 가치는 이 연구에서 배제하고자 한다. 이는 다양성의 존중과 예술의 비물질적 가치에 대한 역할에 집중하도록 할 것이다. 또한, 이 연구에서는 전통적인 장르를 유의미하게 구분하여 정의하지 않을 것이고 이는 개별 작품에 대한 존중을 배경으로 전개될 것이다. 이 연구는 시대 밖으로 질주하는 동시대미술에 대하여 정의하고, 그 특성을 분석하는 연구이며, 동시대 미술에서 오브제의 역할에 대해 연구일 것이다. 그리고 연구자의 작품에 어떠한 동시대성이 녹아있는지, 그것을 어떠한 오브제를 통해서 어떻게 나타내고 있는지 설명하겠다. 최종적으로 연구자 본인은 이 연구를 통해 예술가로서의 정체성을 정립하고 앞으로의 작품이 전개될 가능성을 열 수 있을 것으로 기대하고 있다.

지역의 특성을 접목한 미술관·박물관 활성화 방안 연구 : 미국 네브래스카 주립 미술관의 사례와 대전지역 미술관·박물관과의 비교를 중심으로

송동근 홍익대학교 미술대학원 2012 국내석사

현 한국 미술계를 포함한 문화계는 서울 및 수도권에 밀집되어 있어 그 외 지역(지방)은 문화 발전의 기회 및 향유의 기회가 이들 도시에 비해 적은 것이 사실이다. 그 배경에는 한국의 역사, 문화, 정치 문제 등 다양한 이유가 있다. 예로부터 서울 및 수도권은 한국 역사의 중심이었고 광복 65년 이후에도 경제, 정치, 문화 발달이 서울 및 수도권을 중심으로 이루어졌기 때문이다. 인류의 역사로 볼 때 이러한 현상은 단지 한국 뿐 만 아니라 인류가 생기고 역사가 이루어지면서 한 나라의 수도와 그 근방 지역이 발전의 우위에 선 사례들은 어렵지 않게 접할 수 있다. 하지만 문화 발달 및 균형의 측면에서 볼 때 한국과 문화 국가로서 대접을 받는 다른 나라, 예를 들어 프랑스, 독일, 미국, 중국 등에 비해 한국은 광복과 한국전쟁 이후 경제 발전에 많은 비중을 두었고 그로 인해 현재는 G20 국가에 포함되는 괄목할 만한 성장을 이루었지만 경제 성장 속도에 비해서 ‘문화’ 자체의 중요성과 문화의 ‘균형발전’에 대한 인식과 성장은 부족했던 것이 현실이다. 본 연구에서는 문화의 ‘균형발전’측면에서 지역의 문화적 장점을 활용한 지역 미술관·박물관의 운영 활성화 방안을 연구하고자 한다. 외국의 성공 사례로 미국 네브래스카 주립미술관(Museum of Nebraska Art, Nebraska, USA)의 지역문화를 활용한 다양한 전시, 교육프로그램, 지역주민 참여 등의 성공 사례를 중심으로 조사하고 네브래스카 주립대학교 주립 박물관(University of Nebraska State Museum) - 자연사 박물관 - 의 과학과 문화예술의 융‧복합 전시 및 프로그램의 사례를 살펴보면서 대전 지역의 특성을 접목한 미술관·박물관의 특성화 및 활성화 방안을 연구하고자 한다. 본 연구의 주요 구성은 지역 미술관·박물관의 특성화를 위한 관련 문헌을 통한 이론적 연구와 미국 네브래스카 주립미술관의 성공사례로 이루어져 있다. 성공사례지 선정은 미국 중부에 위치해 있으며 서부 개척시대의 역사와 훼손되지 않은 자연을 적극적으로 활용하여 주립미술관으로서의 목적과 역할에 충실하고 지역의 작가, 미술품, 역사를 지역민과 외래 관광객들에게 알려 미술관의 이미지 향상과 운영의 활성화를 이루어낸 미술관으로 미국 내에서 성공사례로 꼽히고 있는 미술관으로 지역 미술관으로서의 목적과 역할에 충실하여 선정하였다. 본 연구를 통해서 네브래스카 주립미술관의 성공사례와 대전의 특성을 조사/연구 하고 이들 특성과 접목한 프로그램을 연구 및 적용하여 대전지역 미술관·박물관의 운영 활성화 방안을 연구하고자 한다. 글로벌 시대와 급진적인 IT산업의 발전으로 사이버(Cyber)상으로는 이미 국가의 경계가 허물어진 상태에서 국민의 문화적 수준과 욕구는 점 점 향상 되고 이를 만족시킬만한 미술관·박물관은 주로 서울과 수도권에 집중되어 있음은 물론 수준 높은 전시, 공연, 행사는 서울을 중심으로 치러지고 있는 현실이다. 하여 수준 높은 문화를 체험하고자 하는 많은 사람들이 서울 및 수도권으로 몰리는 현상을 야기하고 있다. 이로 인해 지역의 미술관·박물관은 낮은 관람객 참여도 및 서울 및 수도권에 비해 열악한 자치단체의 재정적, 행정적 문제들로 미술관·박물관의 질적 수준의 향상과 발전 속도는 점 점 더 늦어지는 현상을 보이고 있다. 이러한 문제점을 보완하기 위해서는 타 지역과 차별화된 그 지역만의 문화와 특징을 활용한 독창적인 콘텐츠 개발과 이와 관련된 전시기획 및 다양한 프로그램 개발을 통한 특성화를 이루어 내야 한다. 대전은 예로부터 사통팔달의 교통 요충지로서의 중요한 지리적 장점을 가지고 있는 도시이다. 하지만 이러한 편리한 교통 요충지로서의 장점은 경제적인 측면에서의 장점일 뿐 문화적 발달에는 커다란 장애가 되고 있기도 하다. 대다수의 사람들이 대전은 잠시 머물러 가는 도시, 언제든 서울 및 수도권으로 단시간에 갈 수 있는 도시 등 일종의 경유지라는 인식이 강하기 때문이다. 대전에서 열리는 공연, 행사, 전시를 보느니 조금만 더 가서 서울 또는 수도권에서 열리는 공연, 행사, 전시를 보겠다는 사람들이 더 많은 것이 현실이다. 또한 중앙 정부에서 관리 감독하는 문화·예술 공간 -국립현대미술관, 국립중앙박물관 등 - 이 대전에 세워지지 않았던 것도 그 이유에서다. 교통 요충지라는 지리적 장점 측면에서 볼 때 국립 차원의 문화·예술 공간이 짧은 시간 안에 닿을 수 있는 대전에 상당 수 있어야 하는 것이 옳다. 하지만 현실은 그렇지 않다. 그 이유에 대해서는 앞으로도 심도 있게 연구할 필요성이 있다. 본 연구에서는 ‘대전’이라는 도시를 바탕으로 한 지금까지의 학술, 정책 관련 문헌에서 밝혀진 문제점에 초점을 두는 것이 아니라 현재 대전이 가지고 있는 문화적, 역사적 배경에서 대전만이 가질 수 있는 독창적인 콘텐츠를 찾아내어 미술관·박물관에 활용, 특성화 하는 방안을 모색하고자 한다. 첫째로 대전에는 박정희 정권시절부터 계획되고 1980년대 이후 본격적인 대덕연구단지 활성화에 힘입어 많은 국·공립 연구기관들이 상당수 자리하고 있다. 21세기 들어 세계는 융·복합 연구 사업에 매진하고 있다. 한 가지 분야의 사업으로는 더 이상 글로벌 경쟁 시대에는 역부족이기 때문에 서로 다른 분야와 어울려 사업을 진행하고 있다. 이러한 시대 상황과 더불어 대전이 가지고 있는 과학 인프라를 이용한 과학과 예술이 함께 어울릴 수 있는 프로그램 개발을 연구 하였다. 둘째는 대전은 예로부터 양반의 도시라 일컬어지며 충절, 전통, 예절 등 흔히 사람들이 쉽게 생각할 수 있는 ‘시골(rural)' 혹은 고향의 이미지를 간직하고 있는 도시이다. 흔히 알려진 것과 달리 대전은 근대에 형성된 신흥도시가 아니다. 서구지역을 중심으로 청동기 유적이 다수 발굴되면서 대전의 역사는 선사시대로부터 시작된다고 해도 과언이 아니다. 대전은 우암 송시열로 대표되는 기호학파의 본거지로서 역사적으로 유명한 조선시대 학자들의 가옥이 잘 보존되어 있어 대전의 정체성을 양반도시·선비도시라고도 일컫는다. 이러한 대중의 인식을 바탕으로 한 축제가 매년 행해지고 있다. 본 연구는 위의 두 가지 현재 대전이 가지고 있는 지역적 특성을 접목하고 각 분야와의 상호 연계한 전시 및 프로그램을 통한 미술관·박물관 운영 활성화 방안에 대해 연구하였다. The vast majority of cultural resources, including artistic activities, in Korea are concentrated in Seoul and the surrounding regions, extremely limiting the opportunities for the other regions in the country to enjoy and advance cultural life the locals could enjoy. There are multiple factors involved in such imbalance, including historical, cultural, and political ones unique to Korea. Seoul and the surrounding region have long form the center of Korean history. Must of economic, political, and cultural advancement the country has experienced in the sixty-five years since its liberation from the Japanese rule also occurred in and around Seoul. Of course, it is not uncommon to see around the world how cultural accomplishments and resources tend to accumulate in and around the capital cities. The phenomenon is especially prominent in Korea, however, in comparison to other such culture-leading countries as France, Germany, the United States, and China. The aim of this study is to research and suggest measures that can promote the usage and growth of local museums and galleries by allowing them to make maximum use of the unique cultural resources available in their respective regions. To this end, this study looks into the successful case of the Museum of Nebraska Art in the United States, seeking to derive implications for successful local museum and gallery programs from the Nebraskan museum’s educational, exhibit, and participation programs. This study consists of a survey of the existing literature on the specialization and advancement of local museums and galleries, and a case study of the Museum of Nebraska Art. The museum at the center of the case study is located in America’s heartland, and has developed a wide range of programs making full use of the historical resources of Western development and the well-preserved natural environment of the surroundings, introducing local artists, their works, and history to the local visitors and tourists from the outside world. In other words, it provides a good example of the roles and purposes that local museums can serve. By analyzing the success of the Museum of Nebraska Art and comparatively researching it and Daejeon, this study seeks to explore how the museums and galleries in and around Daejeon could be further developed and advanced. The continuing globalization around the world and the radical innovations in information technology have served to bring down the traditional concept of international barriers and boundaries. While all these changes have contributed to the Korean public’s increasing desire for cultural experience and knowledge, most of the museums, galleries, performances, and other cultural and artistic resources available in Korea are concentrated in and around Seoul, leading more and more people seeking higher-quality cultural experiences to Seoul. As a result, museums and galleries outside Seoul continue to suffer decreasing levels of audience participation and drops in financial and administrative support, which, in turn, feed the vicious circle of their declining quality and popularity. In order to overcome these problems, it is of utmost importance for these museums and galleries outside Seoul to develop unique programs and exhibits based on the cultural and historical resources specific to their respective regions. As a central hub of transportation located in the middle of South Korea, Daejeon has served as an important geographic and strategic point in the country for centuries. The economic and financial benefits associated with the city’s location a transportation hub, however, have also tended to slow down the development of unique culture of the city. To many Koreans, Daejeon is merely a stopping point, often just part of the stops one makes before reaching Seoul. More people would prefer to travel just a bit farther to go to Seoul in order to enjoy cultural and artistic resources than staying in Daejeon. The central Korean government decided to find the spaces of various cultural venues under its charge, such as the National Museum of Contemporary Art or the National Museum, in Seoul and not Daejeon for that reason. Even though more national-status cultural and artistic resources should be found in Daejeon because of its proximity to all other major cities in Korea, the reality cannot be further from the ideal. In-depth research is therefore required to analyze the exact reasons and conditions. This study seeks to find the potential for unique programs that museums and galleries in Daejeon could develop, not on the basis of the existing academic and policy literature, but on the basis of the region’s cultural and historic resources and backgrounds. First and foremost, Daejeon is a leading center of major public research projects in Korea, thanks to the Daedeok Research Cluster that was encouraged beginning with the Park Chung Hee administration in the 1960s and that began to lead science and technology in Korea since the mid-1980s. The world today is moved greatly by research on fusion and convergence. Because it is impossible to secure success by specializing in only one area of technology, many leading researchers around the world are engaged in inter-technology and inter-disciplinary projects. This study therefore suggests developing programs that mix science and arts, taking advantage of Daejeon’s central place in the nation’s scientific infrastructure. Second, Daejeon has long been associated with yangban, the learned, aristocratic class of the traditional ruling order in Korea. Many people still associate the city with images of loyalty, tradition, etiquette, and the tranquility and comfort of rural hometowns. Contrary to its outer appearance, Daejeon was not built overnight. The great volume of artifacts and relics found in Daejeon and the western provinces of Korea dating back to the Bronze Age indicate that the city’s history starts from the pre-historic periods. Inaddition, as the central cradle of the Kiho school represented by “Uam” Song Shi-yeol, Daejeon boasts well-preserved houses and mansions of the renowned literati of the Joseon period that form core parts of Daejeon’s identity as a city of learned aristocrats. The city already organizes an annual festival based on its popular image. By combining these two major elements of Daejeon’s local identity and developing new exhibit and cultural programs accordingly, this study seeks to help revive the local galleries and museums in the city.

노부오 세키네(Nobuo Sekine)의 作品世界 硏究 : 環境美術(環境彫刻) 作品을 中心으로

배수관 弘益大學校 美術大學院 2001 국내석사

역사이래 예술은 꾸준히 인간의 삶과 직접적인 상관관계 속에서 발전을 거듭하여 왔다. 동양의 전통사상인 '자연관'과 서양 신과학의 공통된 뉴 패러다임인 '전일적 세계관(全一的世界觀)에 대한 관심으로 물질문명에 대한 반성과 자연중심주의의 경향으로 흐르고 있으며 미술도 예외는 아니다. 상호의존성과 상생을 강조하는 새로운 사상적 시대 흐름과 함께, 삶과 별개로 취급되어온 예술에 대한 회의가 대두되면서 인간과 환경을 합일된 공간으로 인식하는 환경미술(environmental art)이 다양하게 전개되고 있다. 현대미술에서 '총체적인 예술'의 대안으로 부상하고 있는 환경미술을 고찰하기 위하여 이사무 노구찌(Isamu Noguchi), 대니 카라반(Dani Karavan)등의 환경미술가들 중에서 노부오 세키네 (Nobuo Sekine)의 환경 미술을 사례로 설정하여 고찰하였다. 자연현상에 대한 남다른 감동을 느끼며 어린 시절을 보낸 세키네는 현대 미술의 전위적인 활동들이 활발히 진행될 무렵 대학에서 위상기하학과 동양의 신비주의에 관심을 가지며 예술에 대한 열정을 보인다. 특히 선(禪)사상과 도가의 노장(老莊)사상은 그의 사상적 기반이 되었다. 1968년 대학원 유화과를 졸업하자마자 세키네는 입체적인 회화작품을 출품한 공모전에서 조각부문 콩쿨상을 수상하여 조각가의 길로 접어들었고, 몇 달 뒤 모노파(mono-ha)의 계기가 되었던 <위상-대지(位相-大地)>라는 작품으로, 이론정립자인 화가 이우환과 함께 모노파의 중심인물로 미술계에 두각을 나타낸다. 1970년 제35회 베니스 비엔날레에 일본대표로 참가하였으며 예술작품이 사회적 환경과 일체화 된 유럽의 문화에 충격을 받고 작업에 대한 원초적 고민을 안고 귀국한다. 예술의 사회적 역할에 대한 의지를 다지며 모든 사물은 하나로 통한다는 칠학적 사고로 회화, 조각뿐 아니라 환경미술도에 큰 관심을 보이며 왕성한 활동을 펼치고 있다. 모든 사물은 유기적으로 연결되어 있다는 전일적 세계관(全一的 世界觀)을 바탕으로 삶에 대한 유연한 사고와 예술적 의지를 삶속에서 실천하고 있으며, 그 결과로 그만의 작품세계가 자연스럽게 도출되었다. 오브제가 놓이는 공간 주변과의 상호작용을 고려하여 역사, 문화 등의 환경적 제 요소들을 분석하는 세키네의 환경미술을 통해 총체적인 환경미술의 가능성을 발견할 수 있을 것이다. 세키네의 작품세계를 크게 회화, 조각 그리고 환경미술로 나눌 수 있다. 환경미술은 다시 오브제적 모뉴먼트(object monument)와 시스템적 설치(systematic installation)로 세분되어지는데, 시스템적 설치는 조각이 오브제에서 더 나아가 환경속으로 합일화(the process of unity)되어가는 하나의 생명체로 인식하는 개념이다. 인간을 위한 사회적 활동이라는 대 전제 아래, 조각의 예술적 순수성을 바탕으로, 관련 분야와 상호보완적인 협력을 통해 상생(相生)의 우주순환원리(cosmos)에 부응하는 철학적 작품세계를 펼쳐가야 할 것이다. Since history, art has constantly repeated its development in direct correlation with human life. It is flowing into the tendencies of the reflection on material civilization and naturalism with the concern about the view of nature, the Oriental traditional idea, and the world view with the whole mind, a new paradigm common in the Occidental new science, and even fine art is not an exception to it. With new age flow of ideas stressing interdependency and the superstition of deciding on the unity between men and women, environmental art recognizing man and environment as united space is being developed in various ways while the skepticism about art which has been treated apart from life comes to the front. In order to investigate environmental art surfacing as an alternative for 'general art' in modern art, I set up as an example the environmental art of nobuo Sekine among environmental artists of Isamu Noguchi, Dani Karavan and so on and investigated it. Sekine spending his childhood feeling extraordinary impression for natural phenomena shows his passion for art while concerned with topology and Oriental mysticism in his college around at the time when avant-garde activities of modern art would be actively progressed. In particular, the idea of Zen and Taoist Taoism became the bases of his ideas. As soon as he graduated in the department of oil painting from a graduate school in 1968, Sekine set in the way of a sculptor by being awarded concours prize in the department of sculpture in the exhibition of works collected publicly in which he submitted cubic works of painting, and he cuts a conspicuous figure in fine art circles as a central figure of mono-ha with Painter Uhwan Lee, one who establishes a theory, with the work of <Phase-the Earth> which became the motive for mono-ha some months later. In 1970, he attended the 35th Venice Biennale as a Japanese representative and goes home with the primitive agony for his working, shocked by European culture in which works of art have been identified with social environment. Strengthening the will for the social role of art, he is spreading vigorous activities, showing his great concern not only with painting and sculpture but with environmental art with the thought that all things lead to one. He is practicing flexible thought and artistic will for life in his life based on the world view with the whole mind that all things are organically connected, and, as the result, his own world of work has been naturally derived. You will be able to discover the possibility of general environmental art through the environmental art of Sekine who analyzes all environmental elements such as history, natural objects and culture by considering the interaction with surroundings of the space in which object is laid. His world of work can be broadly divided into painting, sculpture and environmental art, and the third is again subdivided into object monument and systematic installation, and the latter is the concept of being recognized as one living body in which sculpture is being united into object, further, environment. Under the major premise of social activity for man, based on the artistic purity of sculpture, he will have to spread philosophical world of work corresponding to the principle of cosmically circulating superstition of deciding on the unity between men and women through complementary cooperation with related fields.

국립현대미술관의 전시현황 및 전시동향에 관한 연구: 1999년부터 2008년까지의 기획전시를 중심으로

박신영 홍익대학교 미술대학원 2009 국내석사

This paper aims to analyse the exhibition status and trends of the National Museum of Contemporary Art (MOCA) of Korea, focusing on special exhibition from 1999 to 2008. Museums today play a crucial role as the center of the 21st cultural industry and a source of tourism as well as a major contributor in formulating a national brand. Moreover, the National Museum has responsibility for establishing the identity by preserving cultural heritages and guiding to new age. Since it is the leading cultural organization which contains the national identity, it affects the national image and the global competitiveness. It also has an effect on various industries directly or indirectly. The National Museum of Contemporary Art that exists only one in Korea, however, has reached the limit of capability in performing those roles, when it has to conduct a contradictory role to consider public duties and professionalism, plus popularity at the same time. Moreover, there has been an accessibility issue raised when the museum supposed to lead the trends of contemporary art moved to Gwacheon. Under these circumstances, a new decision was made to build an annex of MOCA on the plot of the former Defense Security Command, which is expected to establish a platform for MOCA to strengthen its position as an innovative and creative body to produce and lead the 21st century cultures, with its new missions on publicity, internationality, and experimental, not to mention its physical extension. It will also greatly contribute to strengthening national competitiveness in the cultural sector as well as art circles. This study was initiated with the realization that it is essential to build a database on the trends of the exhibition of MOCA up until now regarding formulating art gallery policy, through which analysis of the current status and constructive criticism should be carried out before opening the new art museum. On top of that, this study is crucial in that analysis of the exhibition trends of a national art museum that represents the country helps measure foundation data that shows the country's cultural index. In Chapter Ⅱ, the specific activities and current institutional status of the National Museum of Art Contemporary are divided by period, based on its foundation background and role, to identify the changes of office regulations and organizational structure in a broad manner. The Chapter Ⅲ reviewed the total number of exhibition and financial budget for exhibition to identify the overall status of exhibition of MOCA over the last 10 years. Also, it classified the exhibitions in the Gwacheon main museum and the annex of Deoksu Palace by display characteristic and type, based on which the trend of exhibition was analyzed. The characteristics of exhibition include domestic, international, and overseas ones, while the types of exhibition were divided into solo and group. As a result of the analysis based on these classifications, six problems and their supplementary factors were suggested. First of all, the current structure of the maximum five year term of the director, not based on the system of curators, did not allow experts involved in from active cooperation, with the limit of structuring a long-term vision. Thus, the characteristics of its administrative should be differentiated from other general institutions that the museum's autonomous environment should be ensured with the maximum of effort. In addition, the minimum 5-year term should be ensured to push forward with the art museum project with a long-term master plan, and a realistic system should be introduced for the former directors to continue to contribute to the development of the museum with their knowledge and experiences. Second of all, when it comes to exhibition organization, the paper mentioned that MOCA needs to make efficient exhibition organization within the budget in harmony with its role of quantitative and qualitative distribution as well as its publicness and professionalism. Third of all, the stream of Korea's contemporary art was considered by field systematically, while there have been few exhibitions that were designed to reflect social issues or to display a new stream of modern art, and there were not sufficient efforts accompanied with for research and study in systematic exhibition structure. In order to overcome these problems, the overall process for cultural consensus should be taken before human placement. Forth of all, there should be more effort made for the characteristics and transparency of the criteria for selecting artists and its method, in order to establish the prestige of the museum's representative projects to explore young artists, including `Artist of the Year' and `Young Korean Artists'. Fifth of all, the National Museum of Contemporary Art took the lead in introducing the stream of major art trends overseas to Korea or Korea's art to other countries, but it failed to identify the overall stream of the world art but focused on some particular countries. Therefore, it is required that while continuing exchange with major developed countries where contemporary art is strong, the efforts should not be biased to certain countries. In addition, more precise research should be conducted in the long term with the stream of international art circles and cultural diversity in harmony. Finally, the paper stressed that Deoksu Place at the current moment over the 10 years since the opening of the annex should carry its distinct identity as modern art gallery, not just regarded as an annex placed at Deoksu Place. In this way, the direction made by people's thoughts and activities in charge of exhibition is called the trend of exhibition, which is an opportunity to identify the movement of the National Museum of Contemporary Art throughout the needs and transition of this age. In addition, it helps find out the levels and situation of Korea's art culture. In this sense, the analysis of the exhibition trend of MOCA over the 10 years will lay a foundation for checking the overall status of exhibition operation of the museum, in addition to contributing to providing great help to set the direction of the exhibition operation before the preparation to establish an annex on the former Defense Security Command, which may become the center for contemporary art. 본 연구는 국립현대미술관의 전시 현황 및 동향을 1999년부터 2008년까지의 기획전시를 중심으로 조사ㆍ분석된 것이다. 오늘날의 미술관은 21세기 문화지형 속에서 문화산업의 중심이자 관광의 원천인 동시에 국가브랜드 형성에 주요한 역할을 담당하고 있다. 더욱이 국립미술관은 자국의 문화유산을 보존하여 정체성을 확립해야 하는 역할과 새로운 시대를 선도하는 미술관으로서 임무를 요구받고 있다. 이는 한 나라의 정체성을 담은 대표 문화기관으로서 국가전체의 이미지, 나아가 국가의 경쟁력을 결정짓고 각종산업에까지 직ㆍ간접적으로 영향을 미치고 있기 때문이다. 이러한 미술관의 역할 수행에 있어 우리나라의 유일무이한 국립현대미술관은 국립미술관으로서의 공공성과 전문성을 가지되 대중성까지 고려해야하는 상호이율배반적인 역할수행으로 인하여 그 능력이 한계에 이르렀으며, 과천으로 이전하면서 현대미술의 동향을 선도하는 미술관으로서의 접근성 결여문제가 빈번히 제기되어왔다. 이러한 현 상황 가운데 2009년 1월 옛 국군기무사 부지에 국립현대미술관 서울관 분관 건립이 확정되었으며, 새로운 전시관 개관은 미술관의 물리적 확장뿐만 아니라 공공성, 국제성, 실험성이라는 새로운 미션(mission)을 기반으로 21세기 문화를 생산하고 선도하는 역동적인 창의적 주체로서 국립현대미술관의 새로운 위상을 강화하는데 큰 발판의 계기를 마련해 줄 것이다. 본 연구는 새로운 전시관 개관에 앞서 전반적인 미술관 정책수립에 있어서 국립현대미술관에서 그 동안 실행되어 온 전시의 동향에 대한 데이터베이스화와 이를 통한 현황분석 및 비판이 선행되어야 한다는 배경의 필요성으로 시작되었다. 전시를 담당하고 미술을 다루는 사람들의 사고와 활동들에 의해 만들어진 방향이 전시동향이며, 이는 시대의 요구와 변화 속에 국립현대미술관에서 어떠한 움직임이 있었는지 알아볼 수 있는 기회이다. 또한 현 단계 우리 미술문화의 수준과 상황을 판단하는 일이기도 하다. 따라서 한 나라를 대표하는 국립미술관의 전시동향분석은 그 나라의 문화지표가 될 수 있는 근거자료를 측정하는데 있어 매우 중요하고 필요한 연구이다. 본문의 Ⅱ장에서는 국립현대미술관의 형성배경 및 역할에 따른 구체적 활동과 조직현황을 시기별로 나뉘어 직제개정 및 조직구조의 변화에 대해 개괄적으로 살펴보았다. Ⅲ장에서는 국립현대미술관의 10년 동안의 전체 전시 현황을 총 전시 횟수 변화와 전시예산을 통해 살펴보았고, 과천본관과 덕수궁분관의 전시를 전시성격과 전시형식으로 분류하여 전시현황을 조사해보았으며 이를 토대로 전시동향을 분석하였다. 전시성격은 국내, 국제, 해외 전시로, 전시형식은 개인전, 단체전으로 구분하였다. 이러한 분류에 의해 전시현황을 조사하여 전시동향을 분석 한 결과 나타난 문제점에 대한 비판 및 앞으로 보완해갔으면 하는 사항들을 여섯 가지로 제시하였다. 첫 번째로 학예연구직 중심의 체제가 형성되지 못하여 전문 인력 간의 원활한 협업이 이루어지지 않았으며, 최대 5년의 관장 임기는 미술관이 장기적인 비전을 구축하는데 한계점으로 작용하였다. 비록 공공기관일지라도 자율적 운영을 위한 환경을 최대한 보장해주도록 노력해야하고, 장기적 마스터플랜을 갖고 미술관 사업을 추진하기 위해서 최소한 5년 이상의 임기 보장뿐만 아니라 전임 관장의 지식과 경험의 자원이 미술관 발전에 지속적으로 기여할 수 있도록 현실적인 장치를 도입하여야 할 것이다. 두 번째로 국립현대미술관의 전시편성에 있어서 전시의 양적인 질적인 분배와 공공성과 전문성을 적절히 조화시켜 적절한 예산 안에서 효율적인 전시편성을 해 나갈 필요성에 대해 언급하였다. 세 번째로 국립현대미술관은 한국 현대미술의 흐름을 분야별 체계적으로 접근해왔으나, 시대적인 사회적 이슈나 흐름이 반영된 기획이라든지 현대미술의 새로운 흐름을 선보이고자 기획된 전시는 그리 많지 않았을 뿐 더러 밀도 있는 전시구성을 위한 충분한 조사ㆍ연구과정이 수반되지 못한 채 이루어졌다. 이러한 문제를 극복하기위해서는 전문성 있는 인력배치가 가장 먼저 이루어져야 할 것이다. 네 번째는 국립현대미술관의 대표적인 작가발굴프로그램인 올해의 작가전과 젊은 모색전의 위상을 확립하기위해 작가선정기준과 선정방식에 명확한 성격정립과 투명성을 기해야 함을 언급하였다. 다섯째 국립현대미술관은 해외 주요 미술경향의 흐름을 한국에 소개하거나 한국미술을 해외에 소개하는 데 앞장서 왔지만, 특정국가의 전시로 편중된 경향이 나타났다. 때문에 세계미술의 전체적인 흐름을 파악하기 어려웠다. 이에, 현대미술이 강세인 주요 선진 국가와의 교류를 지속하면서 특정국가에 편중되지 않도록 안배해가는 일이 필요할 것이며, 국제미술계 흐름과 문화적 다양성 등을 균형 있게 배려하여 장기적인 관점에서 좀 더 치밀한 조사ㆍ연구가 이루어져야 할 것이다. 마지막으로 덕수궁 분관이 개관된 지 10년이 지난 현 시점에서, 덕수궁 미술관이 단지 덕수궁에 위치한 분관 개념의 미술관으로서가 아닌 근대전문미술관으로서의 뚜렷한 정체성을 지닌 미술관으로 특화시켜나가야 할 필요성을 강조하였다. 이 같은 사항들을 보완해가며 기반을 이루고 노력할 때, 국립현대미술관은 보다 체계화되고 경쟁력 있는 미술관으로서 성장하고 발전할 것이다. 이에 본 연구는 국립현대미술관의 전시운영전반의 점검의 계기를 마련해 줄 것이며, 현대미술 중심의 기무사 분관 건립 준비에 앞서 발전적인 전시운영 방향설정에 큰 도움이 되는 자료로서 역할을 다 할 것이라 사료된다.

국내 동남아시아 동시대미술의 전시 담론 형성(1986-2025) : '수용'에서부터 '연대', '공동미래'까지

김미소 홍익대학교 미술대학원 2025 국내석사

This study examines the formation and development of exhibition discourses on contemporary Southeast Asian art in Korea from 1986 to 2025. It explores how the Korean art world has received, interpreted, and progressively engaged with Southeast Asian contemporary art, tracing the shifts in curatorial practices, institutional frameworks, and critical narratives over time. Southeast Asia, as a region marked by long histories of colonialism and political upheaval, has nurtured distinctive artistic languages rooted in critical reflection and self-determination. Since the early 21st century, contemporary Southeast Asian art has gained increasing visibility in the global art world as a site of postcolonial resistance and non-Western cultural expression. These developments have influenced the Korean art field, where exhibitions began to reflect discourses of Asian identity, multiculturalism, and transregional solidarity. Despite the growing visibility of Southeast Asian art in exhibitions, scholarly research and critical discourse in Korea remain limited. This gap can be attributed not only to the absence of sustained critical platforms and archival infrastructure, but also to entrenched cultural biases and a lack of public awareness about Southeast Asian societies. In response, this research focuses on the period between 1986—when Southeast Asian artists first participated in an exhibition in Korea—and 2025, analyzing key exhibitions across three distinct phases. The early phase (1986–2007) is characterized by the emergence of Southeast Asian artists and the rise of Asian identity discourses. The middle phase (2008–2014) saw the institutionalization of cultural exchanges and the formation of solidarity-based frameworks, shaped by shifting international art discourses and ASEAN-Korea cooperation policies. In the recent phase (2015–2025), exhibitions have increasingly emphasized the complexity of Southeast Asian contexts and their intersections with Korean society, evolving into cultural platforms that imagine shared futures. The study investigates major exhibitions organized by institutions such as the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwangju Biennale, Seoul Mediacity Biennale, Asia Culture Center (ACC), and ASEAN Culture House (ACH). Through a critical analysis of curatorial intent, artist selection, and socio-political context, the research reveals the evolving discursive strategies through which contemporary Southeast Asian art has been positioned within the Korean art field. Ultimately, this thesis sheds light on the cultural and political significance of how Southeast Asian contemporary art has been received and framed in Korea. It proposes the necessity of expanding curatorial diversity, building sustainable ASEAN–Korea art networks, and enhancing public understanding as foundations for more inclusive and collaborative art discourses in the future. 본 논문은 국내에서 개최한 동남아시아 동시대 미술전시의 형성을 시기별로 분석하고, 이를 통해 한국 미술계가 동남아시아 미술을 어떻게 수용하고 전개해왔는지를 고찰한다. 동남아시아는 오랜 식민 경험과 정치적 격변을 공유한 지역으로, 이러한 역사적 맥락은 동시대 예술가들에게 비판적이고 주체적인 시각 언어를 형성하는 기반이 되었다. 21세기 이후 동남아시아 동시대 미술은 글로벌 미술계에서 서구 중심의 미술사 서사에 대한 비판과 더불어, 탈식민주의적 관점에서 비서구 지역의 예술 실천으로 주목받았다.이러한 흐름은 국내 미술계에도 영향을 미치며, 아시아 정체성, 다문화주의 및 연대 협력 담론을 매개로 한 전시들이 점차 확산하였다. 그러나 전시 실천에 비해 관련 학문적 연구는 여전히 부족하며, 국내에서의 이해도 역시 낮은 수준에 머무르고 있다. 이는 비평 플랫폼의 부재, 자료 축적의 한계뿐 아니라, 한국 사회 내 동남아시아 국가에 대한 인식 부족과 문화적 편견이 구조적 제약으로 작용하고 있음을 보여준다.이에 연구자는 동남아시아 예술가가 국내 전시에 처음으로 참여한 1986년부터 현재인 2025년까지를 연구 범위로 설정하고, 이 시기 동안 주요 전시 사례들을 시기별로 구분하여 살펴보았다. 분석 결과, 초기 전시들은 각국의 지역 예술을 소개하거나 ‘아시아성’과 문화적 정체성을 탐색하는 데 중점을 두었다. 중기에는 국제미술 담론의 변화와 더불어, 한국과 아세안 국가 간 외교 및 문화 협력 정책이 활성화되면서, 전시 담론 역시 ‘연대’와 ‘협력’의 방향으로 전환하였다. 2015년 이후의 후기 전시들은 동남아시아 내부의 복합성과 한국과의 교차적 관계에 더욱 주목하며, 전시를 ‘공동미래’를 상상하고 모색하는 문화적 플랫폼으로 장으로 확장했다. 이에 본 논문은 국내 동남아시아 동시대 미술 전시의 전개 양상을 1) 동남아시아 예술가의 등장과 아시아 정체성 논의의 부상기(1986–2007), 2) 동남아시아 연대 담론의 형성과 협력 확산기(2008–2014), 3) 주체적 서사와 공동미래의 논의 강화기(2015–2025)의 세 시기로 구분하였다. 국립현대미술관, 광주비엔날레, 서울미디어시티비엔날레, 국립아시아문화전당, 아세안문화원 등 주요 전시기관에서 기획한 전시를 대상으로, 각 전시의 기획 의도, 참여 작가 구성, 국내 미술계의 담론 형성 양상을 사회·정치적 배경과 비평적 관점에서 분석하였다. 본 연구는 이러한 전시 담론과 실천의 흐름을 종합적으로 조망함으로써, 국내 전시기관이 동남아시아 동시대 미술을 수용하고 전개해온 담론적 전환과 문화정치적 의미를 밝혀낸다. 나아가 향후 전시 기획의 다양성 확대, 아세안 예술 네트워크의 구축, 대중의 문화 이해도 증진을 위한 이론적·실천적 기반을 제시하고자 한다.

버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험 강화가 브랜드 커뮤니케이션 향상에 미치는 영향 연구 : 사비나미술관을 중심으로

김지수 홍익대학교 산업미술대학원 2023 국내석사

본 연구는 확장하는 미디어 환경과 온라인으로 이동한 미술관 패러다임 속에서 버추얼 미술관(Virtual Museum)의 디지털 브랜드 경험(Digital Brand Experience) 강화를 통한 효과적인 브랜드 커뮤니케이션(Brand Communication)이 고객과의 관계 형성과 미술관의 생존, 그리고 성장에 있어 중요한 영향을 미칠 것이라는 인식에서 출발하였다. 지역 사회에 물리적인 거점을 두고 확장해온 미술관이라는 사업 형태는 지금까지 오프라인을 중점적으로 관람객과의 커뮤니케이션을 진행해왔다. 하지만 디지털시대에는 버추얼 미술관과 같은 디지털 매체가 관람객이 가장 먼저 브랜드를 만나는 창구로 변화하고 있다. 미술관 아이덴티티(MI)는 관람객이 미술관을 접하는 상황에서 가장 먼저 접하는 시각물일 가능성이 크다. 버추얼 미술관 아이덴티티는 실제 오프라인 전시를 관람할 때 관람객이 대면하게 되는 미술관의 전경, 어플리케이션 시스템, 전시 디스플레이 등 미술관의 얼굴을 대신하게 될 것이다. 이러한 변화에 따라 디지털 브랜드 경험은 온라인 공간에서 전체적인 브랜드 인상을 형성하고 기능적으로는 관람객의 브랜드 커뮤니케이션을 좌우하는 핵심 요소로 작용한다. 이러한 중요성에 따라 본 연구는 국내 미술관 최초로 VR 전시 프로그램을 개발하여 2012년부터 현재까지 40여 개의 전시를 버추얼로 구축해온 사비나미술관을 연구 대상으로 선정하여 연구를 진행하였다. 사비나 미술관은 기존 아이덴티티를 충분히 활용하지 못해 버추얼 미술관 내에서 디지털 브랜드 경험이 현저히 부족한 문제, 작품 감상 효율성 부족의 문제 등을 개선할 필요성이 존재하였다. 이러한 필요성에 따라 본 연구는 다음과 같이 진행되었다. 버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험과 브랜드 커뮤니케이션에 대한 이론적 고찰을 진행하고, 선행 연구 고찰을 통해 디지털 브랜드 경험과 브랜드 커뮤니케이션의 정의를 내린 후 디지털 브랜드 경험 평가지표를 도출하였다. 또한 국내외 버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험 사례를 조사하고 디자인 관점과 전시 감상 효율성 측면에서의 문제점을 조사 및 분석하였으며 전문가 심층 인터뷰를 실시하여 버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험 키워드와 시각 사례 요소를 추출하였다. 이를 바탕으로 디지털 브랜드 경험을 어떠한 프로세스로 강화할 것인지 그 방안을 설명하고 개선된 디지털 브랜드 경험을 제안하였다. 본 연구에서는 디자인 개선안을 토대로 설문지를 구성하여 버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험 강화 전 아이덴티티와 강화 후 아이덴티티의 브랜드 커뮤니케이션 향상 정도에 관한 실증 연구를 진행하였다. 연구 대상은 통계청이 발표한 '국민 삶의 질 2022'에 근거하여 문화예술 관람 횟수와 문화 여가 지출률이 가장 높은 39세 이하 성인(20대, 30대)을 중심 대상으로 선정하였으며 버추얼 미술관 이용 경험 유무에 따라 디지털 네이티브 그룹(Digital native)과 디지털 이미그런트 그룹(Digital immigrant)으로 나누어 반응 차이를 측정하고자 하였다. 총 206명을 대상으로, 2023년 04월 28일 ~ 2023년 04월 30일 3일간 진행되었으며, 구글 폼(Google forms)을 통한 모바일, 온라인 설문 진행 방법을 이용하였다. 실증 분석을 위한 프로그램으로는 SPSS 26.0을 이용하였으며, 빈도분석, Varimax 회전 방법을 통한 요인분석, Cronbach's α계수를 이용한 신뢰도 분석, 기술통계분석, 독립표본 t-test,분산분석(two-way-ANOVA)을 실시하였다. 분석 결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 디지털 브랜드 경험 강화 후 아이덴티티가 강화 전 아이덴티티보다 브랜드 커뮤니케이션(인지적 반응, 감정적 반응, 행동의욕적 반응) 평가가 모두 높게 나타나 연구 문제1의 가설은 모두 채택되었다. 이는 본 연구에서 논의된 디자인 개선 방안과 그 적용이 효과적이었음을 입증한다. 둘째, 디지털 브랜드 경험을 강화했을 때 이용 경험의 유무에 따른 브랜드 커뮤니케이션의 차이는 ‘있다’보다 ‘없다’의 평균값이 높게 나타났지만, 통계적으로 유의하지 않은 것으로 나타나 연구 문제2의 가설은 모두 기각되었다. 이는 디지털 네이티브 그룹과 디지털 이미그런트 그룹의 경계의 차이가 조절변수에 적게 나타나 본 연구의 실험자극물이 기존 버추얼 미술관 이용 경험 유무와 관계없이 쉽게 상호작용 가능하게 제작되었음을 의미한다. 앞서 분석한 연구 결과에 따라 얻은 제언은 다음과 같다. 첫째, 선행 연구 분석을 통해 도출한 디지털 브랜드 경험 평가지표(가독성, 상호작용성, 서사성, 심미성, 일관성, 편리성)는 FGI(Focus Group Interview) 시행 결과 버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험을 평가하기에 충분한 평가지표임이 입증되었다. 둘째, 종합 분석에 따라 사비나미술관의 버추얼 미술관에 대한 디지털 브랜드 경험 개선과 디자인 개선을 진행한 결과, 디지털 브랜드 경험 강화 후 아이덴티티가 강화 전 아이덴티티티보다 브랜드 커뮤니케이션(인지적 반응, 감정적 반응, 행동의욕적 반응)이 향상된 것을 증명하였다. 특히 디지털 브랜드 경험 강화뿐만 아니라 작품 감상 효율성 향상을 위한 버추얼 미술관 감상 여정에 대한 개선을 동시에 진행하였기 때문에 지금도 계속되고 있는 전시 및 행사의 온라인화(on-line化)에 대한 관련 기초 자료로 활용될 수 있다는 학술적인 가치가 있다. 셋째, 실증 연구를 통해 과반수 이상의 관람객은 버추얼 미술관의 전시 경험이 오프라인 전시와 큰 차이가 있을 것이라고 생각하지만, 한편으로는 과반수 이상이 문화 향유권 보장 측면에서 이동이 불편한 장애인이나 비용의 문제에 직면한 이들에게 버추얼 미술관이 전시 관람의 어려움을 해소할 수 있을 것이라는 긍정적인 인식을 확인할 수 있었다. 실제로 버추얼 미술관은 음성 해설, 영상 등의 구성이 비교적 용이한 장점이 있다. 넷째, 본 연구의 결과는 소비자 유형을 버추얼 미술관 이용 경험 유무에 따라 구분하고 디지털 브랜드 경험이 브랜드 커뮤니케이션 향상에 어떠한 영향을 미치는지를 검증하였다. 예상과 달리 디지털 네이티브 그룹과 디지털 이미그런트 그룹의 차이가 유의미하게 나타나지 않았다. 다만 본 연구는 버추얼 미술관 관람객의 주축인 20대에서 30대 사이의 연령층을 중점적으로 연구하였기 때문에, 전 연령을 대상으로 하거나 특정 연령 세대에 대해서는 다른 결과가 나타날 수 있으므로 관련된 후속 연구로 보완이 필요할 것으로 판단되며 모든 연령층을 적절히 고려해야 함을 시사한다. 다섯째, 팬데믹(Pandemic)으로 인해 폭발적으로 증가했던 버추얼 미술관에 대한 관심이 사회적 거리두기가 전면 해제됨에 따라 다시 오프라인 전시로 이동하며 그 공급과 수요가 다시 팬데믹 이전으로 점차 돌아가고 있다. 이러한 상황 속에서 버추얼 미술관의 중요성을 다시 한번 상기시킨 것에 그 시사점이 있다. 본 연구는 다양한 이론적 고찰과 사례 분석 및 실증 분석을 통해 버추얼 미술관 디지털 브랜드 경험의 가이드라인을 제안하고자 노력하였다. 본 연구의 연구 결과가 추후 버추얼 미술관 디지털 브랜드 경험 개발의 기초 자료로써 활용되길 바라며, 미술관의 역할 증대와 매체의 다양화에 따라 다양한 디지털 브랜드 경험을 제공하는 버추얼 미술관의 성행을 기대한다. In this thesis started from the recognition that effective brand communication through strengthening the digital brand experience of virtual museums in the expanding media environment and the online paradigm of museums will have a significant impact on the survival of museums. The business form of art museum, which has expanded its business with a physical base in the local community, has been communicating with visitors with a focus on offline so far. However, in the digital age, digital media such as virtual museums are changing into the first window for visitors to meet brands. Museum identity (MI) is likely to be the first visual object to be exposed to visitors when they come into an art museum. The virtual MI will replace the face of the museum, such as the front view of the museum, application system, and exhibition display, that visitors face when viewing actual offline exhibitions. In accordance with these changes, the digital brand experience forms the overall brand impression in the online space and functions as a key element that influences the brand communication with visitors. Noting the importance above, this study selected the Savina Museum of Art as a research subject, which developed a VR exhibition program for the first time as a domestic art museum and has built about 40 virtual exhibitions from 2012 to the present. There was a room for an improvement on the problem of a significant lack of digital brand experience within the virtual museum and the lack of efficiency in appreciating works because the identity of the existing Savina Museum of Art was not fully utilized. Due to the needs as above, the study was conducted as follows. Theoretical considerations on the digital brand experience and brand communication of the virtual art museum were conducted, and digital brand experience evaluation indexes were derived after defining the digital brand experience and brand communication through consideration of preceding studies. Also, both domestic and international digital brand experience cases of virtual museums were investigated, problems in terms of design and exhibition appreciation efficiency were investigated and analyzed, and in-depth interviews with experts were conducted to extract keywords and visual case elements of virtual museums' digital brand experience. Based on this, how to strengthen the digital brand experience and suggested an improved digital brand experience was explained. In this study, a questionnaire was selected based on the design improvement plan, and an empirical study was conducted on the degree of improvement in brand communication of the identity before and after the digital brand experience enhancement of the virtual museum. Based on the 'Quality of People's Life 2022' announced by the Statistics Korea, the research subjects were selected mainly for adults under the age of 39 (20s and 30s) with the highest number of cultural art visits and the highest rate of cultural leisure expenditures, and whether or not they had experience using virtual art museums. Purpose of this questionnaire is to measure the difference in response by dividing it into a digital native group and a digital immigrant group. It was conducted for 3 days from April 28, 2023 to April 30, 2023, total of 206 people, using mobile and online survey methods through Google forms. SPSS 26.0 was used as a program for empirical analysis, and frequency analysis, factor analysis through Varimax rotation method, reliability analysis using Cronbach's α coefficient, descriptive statistical analysis, independent sample t-test, and analysis of variance (two-way- ANOVA) was performed. The summary of the analysis results is as follows. At first, after the digital brand experience reinforcement, the evaluation of brand communication (cognitive response, emotional response, and willingness to act) was all higher than the identity before the reinforcement, so all hypotheses in Research Question 1 were accepted. This proves that the design improvement method discussed in this study and its application were effective. Secondly, when the digital brand experience was reinforced, the difference in brand communication according to the presence or absence of use experience showed a higher average value of 'NO' than 'YES', but it was found to be statistically insignificant, so all hypotheses in Research Question 2 were rejected. This means that the difference in the boundary between the digital native group and the digital immigrant group was small in the moderating variable, which means that the experimental stimuli in this study were made to be easily interactive regardless of the experience of using the existing virtual art museum. The suggestions derived from the research results analyzed above are as follows. First, the digital brand experience evaluation indexes (readability, interactivity, narrativity, aesthetics, consistency, convenience) derived through the analysis of previous studies proved to be sufficient evaluation indexes to evaluate the digital brand experience of virtual art museums as a result of FGI implementation. Secondly, according to the comprehensive analysis, as a result of improving the digital brand experience and design for the virtual museum of the Savina Museum of Art, the identity after the digital brand experience was strengthened compared to the identity before the strengthening.) proved to be improved. Especially, it is of academic value that it can be used as a related basic data for the ongoing online of exhibitions and events, as it simultaneously improved the virtual art museum appreciation journey to enhance the efficiency of art appreciation as well as strengthen the digital brand experience. Thirdly, through empirical research, more than half of the visitors believe that the virtual museum exhibition experience will be significantly different from offline exhibitions. It was confirmed that the audience had a positive perception that the virtual art museum would be able to resolve the difficulties of viewing the exhibition. In fact, virtual art museums also have the advantage of relatively easy configuration of audio commentary and video. For the fourth, the results of this study classified consumer types according to whether or not they had experience using virtual art galleries, and verified how digital brand experiences affect brand communication improvement. In contrast to expectations, there was no significant difference between the digital native group and the digital immigrant group. However, since this study focused on the age group between the 20s and 30s, which is the mainstay of virtual art museum visitors, it can be supplemented with related follow-up research since different results may be obtained for all ages or for a specific age group. It is judged necessary and suggests that all age groups should be properly considered. For the last, interest in virtual art museums, which upturned due to the pandemic, is moving back to offline exhibitions as social distancing is completely lifted, and supply and demand are gradually returning to pre-pandemic levels. There is an implication in reminding once again of the importance of such a virtual art museum. This study tried to propose guidelines for the digital brand experience of a virtual museum through various theoretical considerations, case analysis, and empirical analysis. It is hoped that the research results of this study will be used as basic data for the development of digital brand experiences in virtual museums in the future, and virtual museums that provide various digital brand experiences are expected to become popular as the role of museums increases and media diversification.

예술상에 대한 문화사회학적 연구 : 영국 테이트 미술관의 터너상을 중심으로

황현정 홍익대학교 미술대학원 2014 국내석사

This is a cultural and sociological study of the Turner Prize of England’s Tate Gallery, which has grown in international prestige through its contribution in establishing a new school of artists referred to as young British artists (yBa). The Turner Prize popularized modern art through strategic use of the media and corporate sponsorship, for which it is evaluated as having played a major role in raising London and England’s stature in the world’s art industry. Such developments, however, were not the result of efforts made solely by the Tate gallery, but rather the result of complex participation by each and every player involved - both in- and outside the art industry - brought on by the structural transformation of the 1990s English society. Therefore, this dissertation aims to determine the political and economic situations in England that influenced the Turner Prize through empirical study, and to contemplate on the impact and meaning a single art award can have on the art industry through culture-sociological analysis of the Turner Prize. In this regard, the study analyzes the role of art prizes within the art field by applying concepts introduced by Pierre Bourdieu. The purpose of art prizes and other art systems are to support the art field by producing and consolidating convictions within the field, the identity of which were defined in late 19th century as the art field gained independence as a self-regulating world. Art prizes are symbol of accreditation from those with the authority to judge the value of artistic productions with the function of ‘institutionalized cultural capital.’ The number and variety of Art prizes have been drastically increasing throughout the world since the late 20th century. This phenomena is the result of art prizes being abused by a corporate community thirsting for symbolic capital in order to fulfill their need for a more positive image in the world of post industrialization. Art prizes are a cultural tool suited to the exchange and integration between different types of capital, and as such are used by corporations in transforming their economic capital into cultural capital. As corporations emerge as powerful agents in the art field, the art field has been placed in a situation where its autonomy is being infringed by the market. The Turner Prize began amid the art industry’s structural transformation. The Turner prize later gained popularity after forming sponsorship with Channel 4 in 1991. Since then, the Turner Prize award ceremonies were held publicly and broadcasted on TV providing an opportunity for popularizing modern art. The Turner Prize during the period of Channel 4 sponsorship had grown up as the most influential event in British art, while channel 4 earned its brand identity as the young and innovative art channel. The artists that were short listed for the Turner in the 1990s were mostly unknown artists named the ‘yBa.’ These artists who bore what the Thatcher administration emphasized as ‘entrepreneurial spirit’, presented a proactive attitude of actively exhibiting and interacting with the public rather than merely waiting to be approved by the existing institution. The Turner Prize nominated a mass of yBas, playing a large role in mainstreaming the yBa through the authority of the TATE. Most of yBa’s art pieces were motivated by shocking and raunchy subjects affected by pop culture. However, if anything, this particular part had stimulated the public curiosity which led to a commercial success of the Turner Prize exhibition while yBa developed as renowned artists. The success of the Turner Prize led to propel the establishment of Tate Modern. Tate Modern did not only revive the economy in the lags of southeastern region of London but also raised London’s status in the world art industry. Thereupon realizing the economic potential of culture, the British government started to actively support overseas exhibition of yBa pieces and pushed ahead the cultural industrialization. Nevertheless, within the series of procedures, added values of culture-politic and economic values accounted larger proportion than the art itself thus concerns should be raised upon the possibility of the threat of autonomy of art in the end. 본 논문은 영국청년작가들(young British artists; yBa)이라는 현대미술의 새로운 조류를 제도화하는 데 일조함으로써 국제적인 예술상으로 부상한 영국 테이트 미술관(Tate Gallery)의 터너상(Turner Prize)에 대한 문화사회학적 연구이다. 터너상은 기업의 후원과 미디어의 전략적인 활용을 통해 현대미술의 대중화를 이끌어 내었고 세계 미술계에서 런던과 영국의 위상을 높이는 데 커다란 역할을 한 것으로 평가받는다. 그런데 이와 같은 결과는 테이트 미술관이 단독으로 만들어 낸 것이 아니라 1990년대 영국 사회의 구조적 변화에 따른 미술계 안팎의 공모에 의해 복합적으로 도출된 것이었다. 따라서 본 논문은 터너상과 상호 영향을 준 영국의 정치, 경제적 상황을 실증적인 연구를 통해 밝히고 터너상을 문화사회학적으로 분석하여 하나의 예술상이 예술계에 불러올 수 있는 영향력과 그 의미를 고찰하고자 한다. 이러한 취지에서 본 논문은 피에르 부르디외(Pierre Bourdieu)의 개념들을 사용하여 예술장(art field) 안에서의 예술상의 역할을 설명하고 현대 예술장에 침투한 상업논리를 비판한다. 그에 따르면, 예술상을 비롯한 예술 제도들은 예술장에 대한 신념을 생산하고 공고하게 만들어 예술장을 지탱하는 역할을 하는 것으로 19세기 말 예술장이 자율적인 장으로 독립하는 과정에서 확립되었다. 예술상은 예술적 생산물의 가치를 판단하는 권위를 가진 주체가 인증의 의미로 수여하는 표지로서 일종의 ‘제도화된 문화자본(cultural capital)’으로 기능한다. 예술상은 20세기 말부터 전 세계적으로 급격하게 늘어나고 있다. 이는 탈산업사회에서 긍정적인 기업 이미지라는 상징자본(symbolic capital)이 절실한 기업들이 예술장으로 진입해 예술상 제도를 남용하기 때문이다. 예술상은 자본간 교환과 통합에 적합한 문화적 도구로 기업은 자신들의 경제자본을 문화자본으로 바꾸기 위해 예술상을 이용한다. 기업이 예술장 내 강력한 행위자로 부상하면서 현대 예술장은 시장으로부터의 자율성 침해를 우려하는 상황에 처하게 되었다. 터너상은 이같은 미술계의 구조적 변화 속에서 시작되었다. 터너상은 1991년 채널 4와 스폰서십을 맺으면서 대중적으로 이름을 알리기 시작했는데, 이 때부터 터너상은 TV를 통한 공개 시상식을 개최했고 이는 현대미술에 대한 대중의 뜨거운 관심을 불러일으키는 계기가 되었다. 채널 4의 스폰서십 기간 동안 터너상은 영국 미술계에서 가장 영향력 있는 대형 이벤트로 성장했으며, 채널 4는 젊고 혁신적인 예술 채널이라는 브랜드 정체성을 얻었다. 1990년대 터너상의 후보 명단에 오른 예술가들은 yBa로 불리는 무명 작가들이었다. 대처 정부가 강조한 ‘기업가 정신’을 지닌 이들은 제도권에서 인정받기를 기다리기보다 직접 전시를 기획해 대중에게 스스로를 알리는 새로운 태도를 보여주었다. 터너상은 테이트의 권위를 통해 yBa를 주류 미술계에 편입시키는 데 큰 역할을 했다. yBa의 작품은 대체로 대중문화의 영향을 받은 선정적이고 충격적인 것들이었는데 이러한 부분이 대중의 호기심을 자극해 터너상 전시는 상업적인 성공을 이어 나갔으며 yBa는 유명 작가들로 성장하게 되었다. 터너상의 성공은 테이트 모던(Tate Modern)의 건립으로 이어졌다. 테이트 모던은 낙후된 런던 남동 지역의 경제를 살렸을 뿐만 아니라 세계 미술계에서 런던의 위상을 드높이는 결과를 가져왔다. 이에 문화의 경제적인 잠재력을 깨달은 영국 정부는 적극적으로 yBa의 해외 전시를 지원했으며 문화의 산업화를 추진해 나갔다. 그러나 일련의 과정에서 예술 그 자체보다 예술의 경제적 부가가치가 더 큰 비중을 차지하게 되었으며 이는 결국 예술의 자율성을 위협할 수 있다는 점은 우려해야 할 것이다.