기업의 문화예술 분야 파트너십 유형에 관한 연구

이지훈 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2016 국내석사

The contemporary society has a change of industrial structure and labor structure which increased leisure time of individual and brought economic growth. Thanks to physical fertility by economic growth, the level of living increased and people had desire on the quality of life besides basic life of cloth, meal and house. To achieve better quality of life, the interest in culture and art increased. As creativity is weighed high on the economic growth, the recognition of culture and art became more significant. In line with social trend focusing on culture and art, culture and art are widely used in the marketing of the corporation such as experience marketing that combines products with culture and art, culture marketing that creates customers through communication of various cultural contents like music, art and movie with consumers and artmarketing that adds art to products through collaboration with artists. Management paradigm of the corporation consider sustainable management, creation of shared value and innovation management together with non-financial performance such as ethics, environment and social issues in order to have differentiation with other companies seeking corporate value. While companies use culture and art as a strategy for such change, due to the specialty of culture and art, it is not easy to secure culture and art resources. As an alternative, partnership relation with NGO, art organization and local government is made to share complementary key capacity for effective culture and art activity. This study examined the case of partnership of culture and art activity of the corporation by types and compared and analyzed characteristics of partnership. Based on the characteristics of partnership by type, the study proposed preparation to form positive partnership with culture and art group and various partners. For this purpose, theories on general partnership were examined and case study was made in the category of alliance, collaboration, governance and public project type culture and art cooperation and sponsor which are widely used in culture and art area. As for the case of alliance such as Gmarket, NEFS and YG Entertainment, mediating groups played an important role in alliance between the company and culture and art, which provided an opportunity to exercise capacity of the company. While there are cases of business plan to specific beneficiary, But the scope of benefit is wide to provide participants of a specific project. But, there was no sustainable of the project and most projects were one-time project. Collaboration of Hyundai Motor Company, Samsonite and Samsung Electronics have executed capacity of production and partner tomaximize synergy. Most companies had direct effect of sales increase. Also, there was an opportunity to introduce existing customers of partner through collaboration and the corporate brand image was increased by giving a new image to the existing image. Governance of Lotte Duty Free Shop and GS Caltex with local government has a large size in finance over other partnership, and it had great effect in job creation and cultural art infrastructure. The role of each subject in the partnership was clearly allocated. While companies were mainly responsible for finance, local governments were for administrative part in the project and ARCON and NGOs planned specific items on the project. Public project type culture and art cooperation by Seoul Mecenat, Artswork and C-Festival promoted by the mediating organization is performed by the participation of companies having common objective and the role and function of mediating organization was more significant than any other types. In this case, companies does not seek mutual profit nor share capacity, but formed network in one project to specify business area and to expand its size. While sponsoring on culture and art area has strong character of 'support', when the cases of GS Caltex, Seoul National University Hospital, Hanwha Group and Amore Pacific were examined, many companies sponsored the business of mediating organization or supported artistic groups or artists that were matched with mediating organization. And, they could progressed the business more effectively through professional organizations and partnership relation. Companies did not seek financial profit from sponsor, but sought positive corporate image and effective work performance by the satisfaction of employees on the companies. Companies could get effects from partnership such as expansion ofactivity size and scope, efficient link of resources, professionality of program, sustainable of business, creation of positive corporate image and securing new customers. Except for collaboration having numerical result as product sold-out, there was no data on accurate effect of collaboration. thus, no minute analysis was performed. The study was significant as it analyzed corporate culture and artistic activities by types in order to examine features and development plan. And, it is hoped that this study would contribute to further studies on culture and art development plan and partnership. 현대사회는 산업구조와 노동구조의 변화로 개인의 여가시간이 늘어나고, 경제성장이 가져온 물질적 풍요로 인해 생활수준이 향상됨에 따라 의·식·주 의 기본적인 생활 외에 삶의 질에 대한 욕구가 생기게 되었다. 더 나은 삶 을 위한 삶의 질 문제로 인해 문화예술에 대한 관심이 높아졌고, 경제발전 의 원동력으로 창의성을 중요시하면서 문화예술에 대한 인식도 중요해져가 고 있다. 이러한 문화예술을 중요시하는 사회적인 흐름 속에 기업의 마케팅 패러다 임도 제품과 문화예술을 접목해 제품을 인지시키는 체험 마케팅, 음악, 미 술, 영화 등의 다양한 문화 콘텐츠를 소비자와의 커뮤니케이션을 통해 고 객을 창출하는 문화 마케팅, 예술적 작가와의 협업을 통해 제품에 예술을 덧입히는 아트 마케팅 등 기업의 마케팅 전반에 문화예술을 활용하는 방향으로 변화해 가고 있다. 기업의 경영 패러다임도 지속가능경영, 공유가치 창출, 혁신경영 등 재정 적 이익 외에 윤리, 환경, 사회문제 등 비재무성과에 대해서도 함께 고려하 여 다른 기업과의 차별화를 갖고, 기업 가치를 추구하는 방향으로 바뀌어 가고 있다. 기업은 이러한 변화를 위한 하나의 전략으로 문화예술을 활용하고 있지 만, 문화예술이 갖고 있는 전문성으로 인해 기업 내에서 문화예술 관련 자 원을 확보하기가 쉽지 않아, 이에 대한 대안으로 비영리기관, 예술단체, 지 자체 등과 같은 외부기관과 파트너 관계를 맺고, 상호 보완적인 핵심역량 을 공유함으로 보다 효과적으로 문화예술 활동을 하고 있다. 본 연구는 기업의 문화예술 활동을 파트너십 유형별로 나누어 사례를 조 사하여, 각 유형별 파트너십의 특징을 비교 분석하고, 그 분석을 토대로 문 화예술단체 및 다양한 파트너들이 기업과 긍정적인 파트너 관계 형성을 위 해 준비해야 할 것은 무엇인지 제안하는데 그 목적이 있다. 이를 위해 먼저 일반적인 파트너십에 대한 이론들을 조사하였고, 문화예 술 분야에서 많이 사용되어 지고 있는 제휴, 콜라보레이션, 거버넌스, 공공 프로젝트 형 문화예술 협력, 후원으로 유형을 나누어 사례 조사를 하였다. G마켓, 넵스, YG엔터테인먼트의 사례를 살펴보면 기업과 문화예술과의 제휴에는 매개단체의 역할이 컸으며, 기업의 역량을 충분히 발휘할 수 있 는 기회가 많았다. 사업 목적을 정하고 그 사업에 참여하는 사람들에게 수 혜가 갈 수 있도록 그 수혜대상의 범위가 넓었으나, 사업의 지속성이 있지 는 않았으며, 일회성으로 끝나는 사업이 대부분이었다. 현대자동차, 쌤소나이트, 삼성전자의 콜라보레이션은 기업이 갖고 있는 제 품 제작 등의 역량과 파트너의 역량이 가장 잘 발휘되어 시너지 효과가 극 대화되었고, 대부분의 기업은 매출 상승이라는 직접적인 효과를 보았다. 또한 파트너가 갖고 있는 기존 고객을 새롭게 유입할 수 있는 계기를 마 련하였고, 다른 기업들과 차별화된 제품을 통하여 기업의 기존 이미지에 새로운 이미지를 주어 기업 브랜드 가치를 상승시켰다. 롯데면세점, GS칼텍스가 지자체와의 협력으로 이루어진 거버넌스는 다른파트너십 유형 보다 가장 재정적인 규모가 컸으며, 지역의 일자리 창출, 문 화예술 인프라 조성 등에서 큰 효과가 있었다. 파트너십에 있어 각각의 주 체의 역할은 정확히 분담이 되어, 기업은 주로 재정을 담당하고, 지자체는 행정 관련 부분을, ARCON과 시민단체는 사업에 대한 구체적인 아이템 등 을 기획하였다. 서울메세나 아츠워크와 C-페스티벌의 공공 프로젝트 형 문화예술 협력은 매개단체가 추진하는 하나의 공통된 목적에 뜻이 맞는 기업들이 참여하여 파트너를 이루는 구조로, 어떤 파트너십 유형보다 매개단체의 기능과 역할 이 가장 컸다. 이 경우 기업들은 서로 간의 이익을 바라거나 서로의 역량 을 공유하지는 않았고, 하나의 프로젝트에 네트워크를 형성하여 사업의 분 야를 세분화하고, 규모를 확장시키는 형태로만 협력을 하였다. 문화예술 분야의 후원은 일반적으로 ‘지원’의 의미가 강하나, GS칼텍스, 서울대학교병원, 한화그룹, 아모레퍼시픽의 사례들을 분석한 결과 기업들은 예술가들에게 단순히 재정적 지원을 하는 것에서 벗어나, 다양한 파트너와 협력하여 다른 수혜대상에게 후원을 하는 구조로서 활동을 하였다. 매개단체를 통하여 매칭 된 예술단체나 예술가들과 파트너십을 갖고 후원 하는 경우가 많았고, 활동의 특성에 따라 전문기관과 파트너 관계를 통해 보다 효과적인 사업을 진행하였다. 기업은 후원을 통해 재정적인 이익을 바라지 않았으며, 기업에 대한 긍정적 이미지, 임직원들의 기업에 대한 만 족으로 인한 효과적인 업무 성과 창출 등 물질 이상의 가치를 추구하였다. 기업은 다양한 파트너십을 통해 활동 규모와 범위의 확장, 자원의 효율적 연계, 프로그램의 전문성, 사업의 지속성, 기업의 긍정적 이미지 창출, 새 로운 고객 확보라는 효과를 얻을 수 있었으나, 제품의 완판이라는 수치적 결과가 나타난 콜라보레이션을 제외하고는 파트너십에 대한 정확한 효과에 대한 세부 자료가 없어 세밀한 분석이 이

민간 창작공간의 입지요인 및 만족도에 관한 연구 : 대전 예술가 작업실을 중심으로

조용훈 추계예술대학교 문화경영예술대학원 2016 국내석사

현대사회의 예술가들은 자신만의 독창적인 컨텐츠를 끊임없이 생산해 내고 있고, 다양한 형태로 계승, 발전시키고 있다. 예술가들은 자신의 창작활동 외에도 교류를 통한 협업, 타 분야의 예술가, 예비예술가, 일 반시민과의 네트워크 형성, 다원화를 통한 새로운 예술분야 개척, 그리 고 수익 창출을 목적으로 다방면의 예술분야, 혹은 비예술 분야에 대한 활동을 적극적으로 펼침과 더불어 이를 위한 공간의 출현 또한 활발히 이루어지고 있다. 창조환경은 소프트웨어 및 하드웨어 인프라의 조성을 통해 선순환, 즉 창작 – 매개 – 소비의 과정을 거친다. 이러한 과정속에서 보여지는 창 작공간의 역할은 예술가의 활동영역에 따라 여러 기능을 담당하는 복합 공간의 면모를 지닌다. 자신의 독창적 영역을 연구하고 제작하는 창작공간 본연의 창작기능 과 더불어 타 예술가들과의 교류, 협동, 창작물 발표를 위한 네트워크 기능, 인재양성과 더불어 지역 사회발전의 일환으로 생겨나는 일반시민 문화예술 교육 프로그램을 통해 일반시민들의 문화향수를 충족시키는 교육기능, 예술품의 판매, 공연시연, 공간 임대, 타 분야 업무 등의 수익 창출 생활유지 혹은 공간유지를 위한 수익기능 등 단순한 창작기능의 역할에서 벗어나 예술가들의 다양한 욕구에 따른 다양한 기능을 수행할 수 있는 다양한 형태의 공간으로 끊임없이 복합화 되어지고 있다. 이러한 창작공간 기능의 효과적인 구현을 위해서 공간이 위치하고 있 는 지역의 입지적 요인에 대한 중요성이 부각된다. 이러한 입지요인의 충족에 따른 예술가의 만족도는 지역의 창작공간 연구와 더불어 문화예 술을 연구하는데 큰 시사점을 줄 것으로 판단된다. 이 연구는 현재 활발히 진행되고 있는 창작공간의 연구 중 민간 창작 공간의 입지요인과 만족도에 관한 연구이다. 공간의 입지요인과 만족도 의 요소는 창조환경이 구성되는 다섯가지 요인(독창적 영역, 시장기능, 문화환경, 네트워크, 관용)1)에서 기인한다고 보고, 이를 토대로 요소별 설문을 작성하여 결과를 도출하고, 분석을 통해 창작공간을 운영하고 있 는 지역의 예술가들의 인식과 더불어 입지요인에 대한 실질적인 현황을 파악하고, 그에 따른 만족도에 대한 분석을 실시할 계획이다. 연구 해당 지역은 원도심활성화사업, 창작지원사업을 통해, 과거 ‘문 화예술의 불모지’라는 오명을 벗고 새로운 문화예술도시로 발전하기 위 해 예술가와 공공기관이 함께 노력하고 있는 대전광역시를 지역으로 선 정하였다. 현재 운영되고 있는 대전광역시의 공공창작공간은 ‘테미예술창작센터’ 한 곳이며, 2016년 ‘레지던시 지원사업’을 통해 3개의 단체가 지원사업 을 통해 레지던시 프로그램을 운영할 계획이다. 이러한 공공기관의 노력 에도 불구하고, 실질적으로 창작 공간의 수가 부족한 것이 사실이며, 창 작공간 프로그램 역시 전시예술의 특정 부분에만 국한된 것이 사실이다. 또한 매개적 기능의 대안으로써, 공연 및 전시에 대한 보조금 지원을 통 해 공공공간을 사용한 야외공연이 활발히 진행되고 있으나, 상설공간에 서 진행되는 공연 프로그램의 특성상 당장의 공공적 성과와 시민들의 문화향수에는 도움이 될 수 있으나, 예술가의 자생력에 관한 장기적인 측면으로 볼 때는 효과적인 대안이 되기 어렵다. 이러한 문제점에 대한 대안으로 대전광역시 곳곳에 자생적으로 위치하는 예술가의 소규모 민 간 창작공간에 관심을 두고, 현재 활발히 진행되고 있는 예술분야를 위 한 지원사업의 다양화 등을 통한 문화예술 융성의 효율적인 대안으로써 자리잡기를 기대해 본다.

해외선교에서의 문화예술 활용사례 연구

강은주 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2020 국내석사

21세는 문화예술이 주도하는 시대이며 문화예술은 우리 사회에서 핵심적 국가 경쟁요소이자 지속적으로 발전시켜 나가야 할 정책 중 하나이다. 이러한 현상은 기독교 활동에도 영향력을 미치고 있으며, 현재 기독교는 세계적으로 변화의 전 환점을 맞아, 내적 및 외적으로 많은 개혁이 일어나고 있다. 이는 곧 현 시대에 서 문화예술을 수용하고 문화예술을 통해 교회의 소통과 사회 속에서의 역할, 선 교전략 등 문화예술을 매개체로 하여 문화예술선교 활동이 활발히 이루어지고 있기 때문이다. 본 연구는 해외선교영역에서 문화예술을 적용한 문화예술 전문인선교사와 문 화예술선교단체의 현황조사 및 사례들을 비교 분석하여 문화예술을 통한 해외선 교가 어떻게 이루어지고 있는지 현재를 진단하며 선교에 있어서 문화예술의 활 용을 모색하는 것에 주안점을 두었다. 또한 다음세대 선교에 있어 문화예술 활성 화의 대안 및 제안을 이끌어 내는데 목적을 두었다. 조사결과 문화예술을 통한 선교는 일방적인 선교로 이루어지는 것이 아니라 연대차원의 선교 즉 쌍방향으로서 상대방의 문화에 대해 인정하는 운명공동체적 연대가 필요한 것으로 나타났으며, 선교지 와의 소통, 선교지의 사회와 연계 점 을 가지기 위해서는 현지와의 연합과 협력체계가 필요한 것으로 나타났다. 또한 해외선교에 있어서 문화예술을 통해 선교전략으로 대두되고 있는 전문인선교사 와 청소년 및 젊은 세대들의 선교 적 문화예술 활동으로 인하여 기존의 선교전 략보다 우리의 컨텐츠를 보급하고 해당국에 우리의 문화예술을 가르치며 전파하 는 것으로 나타났다. 이러한 조사 분석으로 나타난 문화예술전문인선교사와 문화 예술선교단체의 활성화에 대한 대안 및 제안은 다음과 같이 도출하였다. 첫째, 문화예술을 통한 해외선교는 곧 협력체계를 가진 하나의 도구로서 현지 와 협력하는 정책이 필요하다. 둘째, 선교지, 문화예술전문인선교사, 문화예술선교단체 등 정보교류와 네트워 크 형성을 통해 정보교류 협력 체제시스템을 구축하여 협력하고 공유할 수 있는 체계가 되어야 한다. 셋째, 해외선교에서의 문화예술 활동에 대한 분석결과 음악에서 그 활동비중이 큰 것으로 나타났으며 문화예술선교가 더욱 다양한 분야에서 활동할 수 있도록 문화예술선교와 관련된 문화예술전문인양성을 위한 학교, 기관이 만들어져야 함 을 제시 하였다. 이러한 연구 분석에 따라 해외선교에서의 문화예술 활용 현황과 사례들을 비 교 분석하여 앞으로 한국교회의 세계선교에 있어서 새로운 대안과 전략적인 선 교환경을 만들며 다음세대를 위한 문화예술선교의 발판을 마련하고자 한다. Culture and art take a leading role in 21st century, they are core competency in our society, and one of the fields that require a policy for continuous development. Christian activities are under this influence as well and are facing many reforms in and out. This is because churches are embracing culture and art and using them as a mechanism through which they actively go out for mission finding their role as a church in a society and building strategies for mission. This research examines the present of overseas mission activities using culture and art by comparing current states and cases, focuses on application of culture and art on mission, and has its purpose on drawing suggestions to invigorate culture and art for the mission of the next generation. This research found that mission requires mutual consent requiring a connection as a unit with common destiny with acknowledgement on each other’s culture, and it also needs collaboration and connection with locals to have links to societies and to communicate in mission field. In addition, professional missionaries, who are rising as a strategy for overseas mission, and culture and art mission activities of young adults are supplying our contents and teaching and spreading our culture and art more than existing mission strategies. This analysis found the following methods and suggestions to activate culture and art professional missionaries and organizations. First, overseas mission using culture and art as a tool for collaboration requires a policy to have connection with locals. Second, mission field, culture and art professional missionaries and organizations need network to exchange information and to build a system to share and cooperate. Third, it turns out that music takes the biggest portion of culture and art activities in overseas mission. It suggests that, to diversify the fields of culture and art mission, school and organizations are needed to cultivate professionals for various culture and art mission. Based on the analysis, this study examines the current state and cases in using culture and art in overseas mission and aims to provide a new method and strategic mission environment to Korean churches and to prepare a stepping stone of culture and art mission for the next generation.

문화예술기관의 ESG경영 활성화를 위한 경영평가지표 분석

이혜린 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2023 국내석사

Undergoing catastrophes caused by climate change and supply chain crises due to wars, ESG became no longer an option but a necessity, significantly influencing not only corporations but also governments and public and private organizations. This study considered how to introduce and activate ESG for sustainable culture and arts in the context of survival. It especially categorized public culture and arts institutions into executive agencies, other public institutions, regional local government-funded institutions, and basic local government-funded institutions based on their executive departments and applicable Acts, and quantified the proportion of ESG in the current management evaluation into a score through analyzing the evaluated items of the management evaluation handbooks. It also suggests the direction to improve management evaluation in relation to ESG activation by consulting the field experts in culture and arts institutions through FGI. First, major concepts related to ESG are examined as the theoretical background of the study, and various examples of the current trend are introduced. Second, through the aforementioned theoretical background and current trend, the necessity to introduce ESG to culture and arts is suggested as well as the importance of evaluation and measurement for the activation of ESG. Third, the status quo of the management evaluation handbooks published by culture and arts institutions is examined, and ESG classification indices are suggested based on precedent research that presented ESG evaluation indices of public institutions and culture and arts institutions in order to select the indices in the existing management evaluation that belong to ESG. Fourth, through FGI, an interview was conducted on the topic of ESG management, ESG evaluation process, and the ideal proportion of ESG in management evaluation in culture and arts institutions. Fifth, the scores of the ESG proportion are calculated for two different years of management evaluation handbooks by four different types of culture and arts institutions. Then the items were classified according to the ESG classification indices suggested earlier, and the scores of the corresponding indices were examined. Through the analysis, a suggestion is made that the activation of ESG management in culture and arts institutions can be achieved through the improvement and revision of the evaluated items in the existing management evaluations. For the sustainable development of the culture and arts, this thesis suggests that the evaluation indices should be revised based on the values and characteristics of the culture and arts institutions rather than conducting a separate ESG evaluation. Furthermore, the management evaluation items and the method of evaluation can be continuously analyzed and discussed through future research based on the measurement indices suggested here, resulting in the activation of ESG and potentially expanding this trend to individual artists and private art organizations. 전 세계가 기후변화에 따른 재난, 전쟁으로 인한 공급망 위기 등을 겪으며 ESG는 선택이 아닌 필수사항이 되었고 기업을 넘어 각국의 정부, 공공 및 민간단체까지 큰 영향력을 미치고 있다. 본 연구는 생존이라는 맥락에서 지속가능한 문화예술을 위해 ESG를 어떻게 도입하고 활성화 시킬 것인지에 대하여 고찰하였다. 특히 공공문화예술기관을 관리부처와 근거법률 등을 바탕으로 책임운영기관, 기타공공기관, 광역자치단체 출연기관, 기조자치단체 출연기관으로 나누었고 경영평가편람 평가항목 분석을 통해 현재 경영평가 내 ESG가 차지하고 있는 비중을 점수로 계량화시켰다. 또한 FGI를 통해 공공문화예술기관 현장 전문가의 의견을 수렴하여 ESG활성화와 관련한 경영평가의 개선방향에 대하여 제언하였다. 첫째, 연구의 이론적 배경으로 ESG 관련 주요개념의 발달을 살펴보고 현재 동향에 대한 다양한 사례들을 조사하였다. 둘째, 앞서 연구한 이론적 배경과 최근 동향을 통해 문화예술의 ESG도입의 필요성을 제기하고 또한 ESG활성화를 위해 평가와 측정의 중요성을 조사하였다. 셋째, 기존에 이뤄지는 공공문화예술기관의 경영평가편람 현황을 살펴보고 공공기관과 문화예술기관의 ESG평가지표를 제시한 선행연구들을 토대로 기존 경영평가 내 ESG에 해당되는 지표들을 선별하고자 ESG분류지표를 제시하였다. 넷째, FGI를 진행하여 문화예술기관의 ESG경영, ESG평가 진행방식, 경영평가 내 ESG의 이상적 비율 등의 내용 등에 대하여 인터뷰하였다. 다섯째, 각기 다른 유형의 네 곳의 문화예술기관의 각각 두 개의 다른 연도의 경영평가편람에서 ESG비중을 점수로 도출하였다. 이에 앞서 제시한 ESG분류지표에 따라 항목을 분류하고 해당 지표의 배점을 확인하였다. 분석결과를 통해 기존 경영평가에서 이뤄지는 평가항목의 개선과 보완을 통한 문화예술기관의 ESG경영 활성화에 대해 제언하였다. 본 논문은 지속가능한 문화예술의 발전을 위해 별도의 ESG평가의 진행보다 기존 경영평가 평가항목을 문화예술단체가 가지고 있는 가치와 특성에 따라 평가지표의 개선을 이뤄가는 것을 제언하였다. 또한 향후 연구에서 제시한 측정지표를 통해 경영평가 평가항목들에 대해 지속적으로 분석과 그 방법에 대한 논의가 지속적으로 이루어져 공공문화예술기관의 ESG활성화가 이루어져 이런 추세가 민간예술인과 민간예술단체들로 확대 될 수 있을 것이다.

지역문화예술 역량강화를 위한 공연예술사업 성과분석 연구 : 지식네트워크 운영을 중심으로

김영훈 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2016 국내박사

The purpose of this paper is to analyze the effect of Seoul performing arts network on organizational capabilities of autonomous cultural art center in the context of knowledge network. Sejong Center has been building the collaboration system in performing arts between the Center and other cultural art centers under the umbrella of the Seoul autonomous districts. This system aims to build the network of performing arts and to improve performances and cultural competences of local cultural art centers. The level of performance consists of two factors: performing arts resource factor and knowledge network factor. Performing arts resource factor includes organizational capability and customer satisfaction. Knowledge network factor is composed of structure factor, interaction factor, and functional factor. The study conducts case study and implements hypothesis testing. To test the model, this paper evaluates performance appraisal of each cultural art center for the period from 2012 to 2014, drawing upon the survey on employees of 17 cultural art centers and in-depth interviews with 3 employees. There are five main findings of this study. First, an organizational capability has an impact on the performance of organizations. Also knowledge network leads to increases in their levels of organizational capabilities. Second, the customer satisfaction survey reveals that the quality of performance is highly evaluated. Third, the number of performances increases the network centrality of cultural art centers, which leads to a higher level of performance. Fourth, the level of sharing and reciprocity affects the level of performances. Fifth, there is no significant relation between the functional factor and the level of performance. However, external factors increase the level of performance by making up for the weakness of internal factors. This study suggests that activating knowledge network is essential to increase the level of performance and cultural competences of autonomous cultural art centers. First, it is required to manage local resources efficiently and access to external resources using knowledge network. Second, each cultural art center needs to measure its competence and to develop a network so that it can secure perceived scarce resources. Third, it is necessary to build a community-based leading organizations other than Sejong Center to activate local knowledge networks in the longterm. Fourth, it is indispensable to strengthen linkages in order to encourage resource sharing. The implication of this study is as follows. First, a knowledge network operation is needed to strengthen the cultural competence of autonomous cultural art centers. Second, the importance of management is particularly present in terms of structure factor as well as sharing resources and reciprocity in terms of interaction factor. Third, the fact that external factors play certain roles has a lot of implications on the role of public arts center and the direction of culture and art policies. 본 연구는 서울지역 공연예술 네트워크 사업을 대상으로 참여 자치구들의 사업성과를 분석하고, 지식네트워크 운영을 중심으로 지역문화예술 역량강화 방안을 찾는 데 목적이 있다. 연구대상은 세종문화회관 연계공연으로, 이 공연은 서울지역 문화예술 네트워크 구축 및 공연예술사업 유통을 통해 지역문화 예술의 활성화를 목적으로 하는 사업이다. 지식네트워크 운영을 중심으로 한 연구대상 사업의 성과분석은 공연예술에 필요한 지식자원에 대해 이해하고, 지식네트워크 운영을 통해 지역의 지식자원을 효율적으로 관리하고 운영하여, 지역문화예술 조직역량을 강화하는 데 큰 의미가 있다. 따라서 대상사업의 지역성과를 파악하기 위해서는 자치구별 사업성과에 대한 평가가 우선시되며, 평가된 사업성과는 공연예술자원 차원과 지식네트워크 차원에서 분석하였다. 공연예술사업 성과분석에 사용된 분석기준은 공연예술 자원요소와 지식네트워크 특성요소이다. 공연예술 자원요소는 조직역량과 관객만족으로 구분하였고, 지식네트워크 특성요소는 구조적 요소, 상호작용적 요소, 기능적 요소로 구분하였다. 분석은 사례분석과 가설검정의 두 가지 방법을 병행 진행하였으며, 사례분석에 의한 정성적 연구가 중심이 되고, 가설검정으로 확인하는 구조로 다음과 같이 진행하였다. 사업성과 분석을 위해 대상사업의 안정적 운영 시기인 2012년부터 2014년까지의 3년 실적을 중심으로 자치구별 사업성과를 평가하고, 평가된 자치구별 사업성과를 집단화하여 분석대상으로 제시하였다. 분석은 17개구 참여 자치구 담당자 17인을 대상으로 한 질문지법과 3인의 심층 인터뷰 내용을 토대로 진행되었으며, 분석결과는 다음과 같다. 첫째, 조직역량 분석결과 조직역량은 사업성과에 영향을 미치고 있었다. 또한 조직역량과 사례사업 성과의 관계에 있어 지식네트워크를 통해 역량이 보완되고 있음을 확인하였다. 둘째, 관객만족 분석결과 공연 상품수준이 높게 평가되어 공연예술 자원요소 중 작품의 중요성을 확인하였다. 그러나 관객 의사결정과 공연장 편의성의 사례사업 성과와의 영향관계는 증명하지 못했다. 편의성은 사례사업 성과보다 조직역량과 관계가 있었다. 셋째, 구조적 요소 분석결과 사례사업 활동이 많을수록 지식네트워크 내 중심성이 강했고, 중심성이 강할수록 사업성과가 높았다. 그리고 지식네트워크 구조에서 관리성은 사례사업 성과에 영향을 미치고 있었다. 또한 조직역량과 사업성과의 영향관계에 지식네트워크 관리성이 영향을 줄 수 있다는 것을 t-검정을 통해 확인하였다. 넷째, 상호작용적 요소 분석결과 공유성과 호혜성은 사례사업 성과에 영향을 미치고 있었다. 공유자원 중요도는 작품, 홍보, 무대기술, 기획, 고객관리의 순서였다. 그리고 네트워크 상호작용 프로세스 이론과 지식네트워크 성장단계 이론 중 성숙기 특징이 사례사업에서 나타나고 있음을 확인하였다. 다섯째, 기능적 요소 분석결과 기능적 요소는 사례사업 성과에 직접 영향을 미치지는 않았으나, 부족한 내부 기능적 요소를 외부 기능적 요소가 보완하면 사업성과가 향상될 수 있다는 지식네트워크 보완 작용을 입증하였다. 분석결과에 의한 연구의 결론은 다음과 같다. 첫째, 지식네트워크 운영을 통해 지역의 자원을 효율적으로 관리하고, 부족한 자원을 지역 간 상호 보완하여 지역문화예술 역량을 강화해야 한다. 둘째, 지식네트워크의 효율적인 운영을 위하여 지역별 역량요소를 정확히 파악하고 개발하여, 지역 간에 필요한 자원의 연결을 시도해야 한다. 셋째, 지식네트워크의 장기적 성장 관점에서 세종문화회관 외에 네트워크를 주도할 수 있는 권역별 거점지역을 개발해야 한다. 넷째, 네트워크 상호작용 프로세스 이론에 따라 문화예술 자원공유가 더욱 활발하게 이루어지도록 지역 간 연결을 활성화시켜야 한다. 본 연구에서 시사하는 가치와 의의는 다음과 같다. 첫째, 지역문화예술 역량강화를 위해 지식네트워크 운영의 필요성을 입증하였다는 데 가치가 있다. 둘째, 지식네트워크의 효율적 운영을 위해 구조적 관점에서 관리의 중요성, 상호작용적 관점에서 자원의 공유와 호혜 관계의 중요성을 확인하였다. 이는 향후 공연예술사업의 지식네트워크 운영 및 활성화에 가치가 있다. 셋째, 지식네트워크 외부 기능적요소의 역할 확인을 통해 문화예술 공공기관의 역할과 문화예술 정책 방향성을 제시하였다는 데 의의가 있다. 본 연구는 지역문화예술 역량강화와 지식네트워크 운영에 대한 가치를 입증하였다. 따라서 향후 공연예술사업의 지식네트워크 운영 활성화와 지역문화예술 역량강화에 의미 있는 후속 연구를 기대해 본다.

서울 강남구 가구별 특성과 문화재단 프로그램 연계에 관한 연구

성여운 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2018 국내석사

2018년 현재 너무나도 많은, 다양한 기관에서 다양한 문화예술 프로그램을 기획, 운영하고 있으며, 우리는 어렵지 않게 그 문화예술 프로그램을 관람하거나 체험할 수 있다. 문화예술 프로그램에 참여하거나 관람해야겠다는 마음가짐만으로도 쉽사리 동참해 지역 주민들과 함께 문화예술을 즐길 수 있게 되어있다. 또한 나날이 발전하는 사회 속에서 문화예술 또한 나날이 발전을 거듭하여 이제는 문화예술을 단지 관람하거나 체험하는 것에 멈추지 않고 새로운 문화예술을 만드는 예술가의 역할까지 하는 등의 문화예술 프로그램으로 발전하게 되었다. 예술가들만의 영역이었던 생산자 역할을 지역 주민들도 생산자 역할을 수행함으로 새로운 문화예술 프로그램이 활발해지는 이 시기에 관람자의 역할조차 하지 못하는 계층이 발생하게 되고 이를 해결하고자 많은 고민과 노력, 다양한 시도를 여러 기관에서 진행하고 있다. 유아에서부터 노년에 이르기까지 너무나도 다양한 성격과 성향을 가진 지역 주민들이며, 다양한 특성을 지닌 계층의 지역 주민들이기에 이들의 문화적 욕구를 모두 충족시켜 주어야 하며, 문화예술이 지역 주민의 계층과 연령에 있어 차별적으로 다가가지 않아야 함을 우리는 기억해야 하지만 아직도 무의식적으로 문화예술 프로그램에 대한 차별적 제공을 하고 있는 실정이다. 이러한 무의식적인 차별에 대한 문제점을 인식하고 개선해나가야 할 필요성을 깨달아야 하며, 깨닫는 것으로만 끝나는 것이 아니라 실질적으로 바꾸고자 노력하고, 이를 실천해서 문화예술에 대해서만큼은 차별 없이 어느 누구나가 즐기며, 체험하고, 문화예술을 통해서 삶의 만족도가 상승될 수 있도록 해야 할 의무가 있다. 일부 문화예술 프로그램의 참여도는 상승되지만 보편적인 문화예술 프로그램에 참여하는 지역주민이 나날이 감소하는 상황에 기존 프로그램에 대한 참여도 상승 방안을 모색하고 마련하여 참여 인원의 상승을 유도 하는 것도 중요하지만 기존에 참여하지 못하는 지역 주민을 문화예술 프로그램에 참여할 수 있도록 하는 방안에 대해 모색하고 이 방안을 실제 추진하여 지역주민 모두가 문화예술을 향유할 수 있도록 하는 것이 매우 중요한 사항임을 꼭 기억해야 할 것이다. As of 2018, there are so many diverse institutions that plan and operate diverse cultural and arts programs, and we can experience and experience the cultural and arts programs without difficulty. It is easy to participate with the attitude of participating in or viewing the cultural arts program and enjoying the culture and arts together with local residents. In addition, culture and arts have been developed day by day in the developing society, and now they have developed into culture and arts programs such as playing the role of an artist who does not stop just watching or experiencing culture and arts and creating new culture and arts. Since local residents also play a role of producers who were the realm of artists only, there are those who can not even play the role of spectators in this period when new culture and art programs become active. To solve these problems, many troubles, efforts, . It is a local residents with various characteristics and tendencies ranging from infants to old age. It is a local residents with various characteristics. It is necessary to satisfy all the cultural needs of them, and the culture and arts should be differentiated in the class and age of local residents. We have to remember that we should not approach it, but we are still making a discriminatory offer to cultural arts programs unconsciously. We need to realize the need to recognize and improve the problem of this unconscious discrimination, and not to end it with realization, but to try to change it practically and to practice it, There is an obligation to make life satisfaction through art. Participation in the arts and culture program is elevated, but it is also important for the local residents participating in the universal arts and culture program to decrease their participation in the existing programs, It is important to remember that it is very important to find ways to enable local residents who can not participate in cultural arts programs and to promote these measures so that local residents can enjoy cultural arts

문화예술단체 경영상의 전략적인 포인트 추출에 관한 연구 : 전문예술법인·단체 경영 우수사례를 중심으로

민현 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2016 국내석사

국립국악원 브랜드공연의 형성과정 연구 : 궁중연례악<왕조의 꿈, 태평서곡>을 중심으로

허민희 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2020 국내석사

This study will be focused on the growing need to build a brand in the performing arts industry as the brand strategy has become more important in recent years. Therefore, it aims to contribute to its performance art strategy by analyzing the case of building a brand as a model for building legendary brands for general products. The development of technology in modern society has caused changes in consumer behavior, which increased the importance of brand value. In addition to the ability to distinguish products from one another, today’s brand has become an important factor that easily conveys the characteristics of products, and forming reliability on the quality, which leads to determining the sales of goods. Furthermore, it is not a mere tool or means of management to generate profits, but also a symbolic system of social and cultural importance in itself. Artistic inspiration is motivated by a confluence of internal and external forces – preferences and constraints. (T. Cowen, 1998) In this era, an artist’s wealth and economic stability become apparent through rich artistic growth and innovation. Philip Kotler (2009) divided the product acceptance process into five phases: awareness, attention, evaluation, trial, and acceptance. However, unlike the nature of ordinary products, the acceptance of performing arts products, which is the fruit of creative efforts, varies from audience to audience and undergoes delicate and complex psychological interactions, and thus requires a different approach. As a result, this paper has developed on the basis that although not popular, the performance artworks of the National Gugak Center, which is considered the essence of royal art, need to build a brand as a product that is distributed and consumed in the market. Royal Court Banquet Music & Dance <Music of Peace, Dream of the Dynasty> is a reenacted performance of Bongsudang J inchan, which is a royal court banquet hosted by King J eongjo at Bongsudang in Hwaseong, Suwon, in 1795 to celebrate his mother’s 60th birthday. It tells the tragic family history of King J eongjo and his mother Hyegyeonggung Hong, as well as the story of that transcended grief into love. Since it’s debut as the commemorative performance for the 50th anniversary of the National Gugak Center in 2001, it has been invited to perform at the 2002 Korea-Japan World Cup Cultural Festival, 2005 at the International Book Fair in Frankfurt, Germany, and led to the Sejong Theater of the Sejong Center in 2008. Later in 2010, it was performed at the Paris Il de France Festival as an invited performance and was recognized for its artistic values. In particular, the 2015 performance at the Myeongjeongjeon of Changgyeong Palace has a significance as it was held at Gyeongchunjeon, where King J eongjo was born and Hyegyeonggung Hong passed away. Also, over the past decade, it has received favorable reviews at home and abroad as a representative brand performance and displayed the tone and emotion of court art during the Joseon Dynasty through the solemn music and splendid dance of the National Gugak Center. In particular, the concert was designed to share one’s affection with their families and to show the cultural pride of King J eongjo, who wanted to embody the spirit of Ye-ak. As such, performance artworks that seek artistic value are also products that are distributed and consumed in the market, and brand building is necessary. The modern performing arts industry needs to compete with pop art as countless works are produced and consumed, and new marketing approaches are required in line with the rapidly changing environment. This is related to every process of developing the characteristics of a performance piece so that it can survive the competition. A brand in the field of performing arts is a work and an image representing the performance group, which can be linked to the credibility and affinity of the audience. The construction model for branding, which also applies to everyday culture, is also applicable to performing arts, which means that the logic of commercialization can be applied to the distribution process of performing arts. It should also be recognized that the distribution of performing arts can be changed around the public and should follow the logic of the market. Fortunately, there have been many cases of brand-building at the distribution/marketing stage rather than the work itself, and marketing techniques that deviate from the reliance of existing networks are making so-called hit products through active grafting. Thus, if branding can be applied to generic performance products, it can be widely used to establish strategies for the distribution of art in consideration of the characteristics of performing arts products. In short, this paper has a significance in the process of establishing strategies of distribution for performing arts, as well as building a foundation as the most practical preparation and goal for developing audiences. 본 연구는 브랜드 전략이 중요해지는 시대적 흐름에 따라 공연예술 산 업에서도 브랜드 구축의 필요성이 커지고 있음에 주목한다. 이에 공연예 술의 브랜드 구축 사례를 일반 상품의 브랜드 신화 구축모델로 분석함으 로써 공연예술의 전략 수립에 기여하고자 한다. 현대사회의 기술발전은 소비 행태의 변화를 초래하며 브랜드 가치의 중 요성을 고조시켰다. 이에 오늘날 브랜드는 상품 간의 구별을 위한 기능 외에도 제품의 특징과 성격을 쉽게 전달하고 품질에 대한 신뢰감 형성에 영향을 미치며 상품 판매를 결정하는 중요한 요소로 자리 잡게 되었다. 더 나아가 단순한 이익의 창출을 위한 경영의 도구나 수단이 아닌 상품의 이미지를 형성하는 도구라는 점에서 그 자체만으로 사회·문화적인 중요성 이 있는 상징적인 체계라고도 할 수 있다(정경일, 2008)1). 예술가의 작품 창조는 외·내적인 힘의 상호작용을 통해 이루어진다. 예 술의 소재와 수단, 판매망, 후원 등 외적인 힘은 기회이면서 제약을 나타 내고, 내적인 힘은 창조에 대한 갈망, 명성과 돈에 대한 욕구들로써 이는 기호와 관련되는 것이다(T. Cowen, 1998). 현시대에서 예술가의 부와 경제적인 안정은 예술적으로 풍성해지며 혁 신이 되는 현상으로 나타나게 된다. 필립 코틀러(2009)는 상품 수용과정을 다섯 단계인 인지, 관심, 평가, 시 도, 수용으로 구분하였다.2) 그러나 일반 상품의 속성과는 달리 창의적인 노력의 결실인 공연예술상품의 수용은 관객마다 다르고, 세밀하고 복잡한 심리작용을 거치므로 또 다른 접근의 노력이 필요하다. 이에 본 논문은 대중성을 겸비하지는 못했으나, 궁중 예술의 정수라고 볼 수 있는 국립국악원의 공연예술작품도 시장에서 유통 및 소비되는 상 품으로서 브랜드 구축이 필요하다는 생각에서 발전했다. 특히 ‘왕조의 꿈, 태평서곡’은 국립국악원의 대표브랜드 공연으로 한국 정신문화의 정수를 보이는 작품으로써, 예(禮)와 효(孝)의 정신을 담은 장중한 음악과 화려한 춤이 어우러진 조선 시대 궁중 예술의 격조와 감동이 220여 년의 시공을 넘어 나타나는 대표브랜드 공연물로 볼 수 있다. 궁중 연례악 <왕조의 꿈, 태평서곡>은 1795년 정조대왕이 어머니인 혜 경궁 홍씨의 회갑을 맞이하여 수원 화성 봉수당에서 진연한 회례연 중 봉 수당진찬(奉壽堂進饌)을 재현한 궁중연회 작품이며 정조와 혜경궁 홍씨의 비극적인 가족사, 그리고 슬픔을 사랑으로 승화시킨 한 가족의 이야기를 담은 궁중 예술이다. 이 작품은 2001년 국립국악원 개원 50주년 기념공연으로 선보인 이후, 2002년 한일 월드컵 문화축전의 공연, 2005년에는 ‘독일 프랑크푸르트의 국제도서전’으로 초청공연 되었으며, 2008년 세종문화회관의 세종 대극장 으로 이어졌다. 이후 2010년에는 ‘파리 일 드 프랑스 페스티벌’에 초청되 면서 작품성을 인정받았으며, 특히 2015년 창경궁 명정전에서 펼쳐진 공 연은 정조 대왕이 태어나고 혜경궁 홍씨가 승하한 경춘전(景春殿)에서 진 행되었다는 점에서 유의미했다. 또한, 지난 10년이 넘는 시간 동안 대표브랜드 공연으로써 국내외 굵직 한 무대에서 호평을 받으며, 국립국악원의 장중한 음악과 화려한 춤을 통 해 조선 시대 궁중 예술의 격조와 감동을 고스란히 나타냈다. 특히 궁중 연례악으로서 웅장하고 화려한 위풍이 넘치며 예악 정신을 구현하고자 하 였던 정조대왕의 문화적인 자긍심을 드러내고자 했으며 가족 간의 정을 나누는 시간을 갖기를 바라는 마음 또한 담긴 공연으로 볼 수 있다. 이처럼 예술성을 추구하는 공연예술 작품도 시장에서 유통되고 소비되 는 상품으로써 브랜드 구축이 필요하다. 현대 공연예술계에는 수없이 많 은 작품이 제작되고 소비됨에 따라 대중예술과 자원의 경쟁을 펼쳐야 하 며, 급변하는 환경에 맞춰 새로운 마케팅의 접근이 요구된다. 이는 공연의 브랜드화에 있어 경쟁 구도의 관계에서 살아남을 수 있도록 공연의 개성 을 개발하는 모든 과정과 연관이 있으며 공연예술 분야에서 브랜드는 하 나의 작품이자 하나의 공연단체를 대표하는 이미지로써 관객들의 신뢰도· 호감도와 연결된다. 일상적인 문화에도 적용되는 브랜드화에 대한 구축모델은 공연예술에도 적용 가능하며 이는 공연예술의 유통과정에도 상품화의 논리를 적용할 수 있음을 의미한다. 또한, 공연예술의 유통은 대중이 중심으로 변화해야 가 능하며 시장의 논리를 따라야 한다는 점도 인지하여야 한다. 다행히 최근에는 작품 자체보다 유통과 마케팅의 단계에서 브랜드를 구 축하는 사례들이 많이 등장하고 있으며, 기존 네트워크의 의존에서 벗어 난 마케팅 기법은 적극적인 접목을 통해 소위 히트 상품들을 만들고 있 다. 따라서 일반적인 공연 상품을 브랜드화에 대입할 수 있다면, 공연예술 상품의 특수성을 고려하여 예술의 유통에 대한 전략을 수립하는데 폭넓게 활용할 수 있을 것이다. 요컨대 이 글은 공연예술의 유통 전략을 수립하 는 과정에서 관객을 개발하는 가장 실질적인 준비와 목표로써 기반을 다 지는 작업의 의미가 있다.

국내 예술경영 분야의 '학문'과 '현장 노하우' 간 상호관계 정립에 관한 연구

안성배 추계예술대학교 예술경영 대학원 2002 국내석사

우리나라에 예술경영이 도입된 지 20년 가까운 시간이 지났지만, 아직까지 체계적인 학문적 영역이 구축돼 있지 못한 상황이고, 예술경영 현장에서도 문화예술에 적합한 경영 마인드와 체계적인 경영 시스템을 구축하지는 못한 실정이다. 이는 현장에서 축적된 노하우가 이론적 성과로 귀결되지 못하고, 이론적 성과가 현장에 제대로 적용되지 못하는 구조적 문제에 가장 큰 원인이 있다고 할 수 있다. 본 연구는 이 같은 문제의식을 바탕으로 예술경영을 '학문으로서의 예술경영'과 '현장 노하우로서의 예술경영'으로 각각 구분하고, 양자가 맺고 있는 상호관계를 규명함으로써 바람직한 상호관계 성립을 모색하고자 하였다. 본 연구는 이 같은 목적을 이론적 성과로 구체화하기 위해 다음과 같은 방법론을 활용하였다. 우선 기존 문헌 및 연구성과로부터 양자(兩者)의 개념을 추출해 조작적으로 정의하고, 이를 바탕으로 예술경영 대학원 재학생 및 교·강사진, 현장 예술경영인 등을 대상으로 하는 설문조사 및 인터뷰조사와 함께 대형 국공립 공연장 예술경영 인력의 예술경영 관련 전공 비율 조사를 실시하였다. 또한, '주요 국공립 공연장이나 공공문화시설을 대상으로 한 연구'의 현장적용 과정과 현황을 짧게 고찰하였다. 본 연구는 "'예술을 생산하여 무대에 올리는 행위(기획, 프로그래밍)', '관객들로 하여금 효과적으로 이를 향유하고, 그럼으로써 그들의 삶의 질적 제고에 이바지하는 행위(마케팅, 관객개발)', '예술(적 행위)의 생존을 위해 자원을 효율적으로 관리·운영하는 제반 행위(조직관리, 인사관리, 재원조성)'와 이를 둘러싼 제반 환경(교육, 법제도, 정책)을 탐구하고 규명하는 이론체계로써, 그 대상(예술)의 특수성에 의해 독자적 방법론을 규정받는 경영학의 한 지류(支流)학문"을 '학문으로서의 예술경영'으로, "예술 경영학의 학문적 탐구 대상들(기획, 프로그래밍, 마케팅, 관객개발, 조직 ·인사 관리, 재무관리, 재원조성, 기타 법제도 및 정책, 교육 등)과 직간접적으로 관련된 제반 기술적·방법적 지식 및 예술경영 현장 자체와 현장의 특성"을 '현장 노하우로서의 예술경영'으로 각각 정의하고 이를 바탕으로 연구에 임하였다. 이러한 개념을 바탕으로 '학문으로서의 예술경영'의 국내 현황 및 특성을 다음 여섯 가지로 정리하였다. 첫째, 학문으로서의 예술경영은 서구의 절반에 미치지 못할 정도로 그 역사가 매우 짧다. 둘째, 다른 분야에 비해 학문적 성과가 비교적 적다. 셋째, 예술경영학에 대한 교육적 수요가 폭증하고, 괄목할만한 학문적 성과를 이루어 낸 기간은 고작 최근의 3년 정도에 불과하다. 넷째, 이론에 대한 현장의 거부감을 털어 내지 못하고, 예술경영에 대한 왜곡된 인식마저 형성됨에 따라 예술경영학은 현장과 밀접한 관계를 유지하지 못하고 있다. 다섯째, 이론의 산실인 교육현장이 부실하다. 여섯째 한국 예술경영학은 최근의 성장세를 바탕으로 학회를 창립하는 등 독립적 학문분야로서 발진할 수 있는 잠재력을 지니고 있다. 다음으로 현장과 이론이 만나는 매체(media)적 구실을 하는 예술경영 관련 정규 교육기관 및 교육제도의 현황을 고찰하였다. 이 고찰을 통해 예술경영 교육이 현장과의 괴리, 안정적이고 일관된 커리큘럼의 부재, 교·강사진의 부족 등의 문제점을 지니고 있는 것으로 파악되었으며, 그 원인으로 왜곡과 오인(誤認)에 따른 예술경영 교육 붐의 조성과 교육정책의 부실함 등이 지목됐다. 또한, '현장 노하우로서의 예술경영이 국내 현황을 고찰하면서 '학문으로서의 예술경영'과 달리 '현장 노하우로서의 예술경영'이 예술의 태동과 함께 시작됐음을 확인하고, 우리나라에서 예술경영의 역사가 어떻게 전개돼 왔는지를 간략히 고찰하였다. 이러한 고찰 속에서 '현장 노하우로서의 예술경영'의 국내 현황을 살폈으며, 그 특징으로 첫째, 예술경영에 대한 왜곡된 인식 둘째, 이론적 성과 및 예술경영 전문 인력을 능동적으로 흡수할 수 없는 정책적 환경과 영세한 구조, 낮은 가동률과 기획 공연률, 명확한 설립취지 및 미션의 부재, 비체계적 마케팅과 후진적인 관객개발 등을 제시하였다. 본 연구는 양자(兩者)의 개념, 현황 및 특징, 양자의 접점인 교육현장의 현황과 특징 등을 규명하고, 전술(前述)한 설문조사, 현장조사 등의 분석적 고찰을 통해 아래와 같이 양자의 관계를 파악하였다. 우선 시기적 구분에 따른 역사적 고찰 속에서 양자간의 관계를 파악하려 시도하였다. 다음으로 설문조사, 현장조사, 사례조사 등을 통해 ▲양자간 괴리의 심각함 ▲양자의 상호 괴리를 극복할 시스템의 미비로 인한 교육 부실의 악순환 ▲예술경영에 대한 왜곡된 인식에 따른 마케팅에 대한 지나친 강조 ▲학부-대학원 간 연계 시스템 미비 ▲학생들의 교육적 욕구 및 현장과 동떨어진 교과과정 ▲현장에 대한 학술적 규명작업 미흡 ▲이론적 성과를 수용하기 힘든 현장의 구조적 문제점 등을 실증하였다. 또한 중앙집권적 문화행정의 대안으로서 예술경영이 등장하였다는 점과 ▲현장-이론 간 소통 시스템(학회, 학술지, 공론의 장) 및 지식 네트워크 형성 ▲학제간 연구를 통한 독자적 방법론 및 학문체계 구축 ▲이론에 대한 현장의 인식변화 유도 등이 필요함을 입증하였다. 이에 따라 양자간의 바람직한 관계정립을 위해서는 ①예술경영에 대한 왜곡된 인식 개선 ②학문적 방법론 정립 및 독자적 학문체계 구축 ③활발한 학회활동을 통한 상호 소통 시스템 구축 및 지식 네트워크 형성 ④부실한 교육여건 및 교육제도 개선 ⑤인턴쉽 등 산·학(현장-이론) 연결 시스템 구축 ⑥예술경영전문진 제도 도입 등이 반드시 필요하다고 제안하였다. It has been almost 20 years since arts management was introduced in Korea. But a systematic field of studies regarding this area has not been established yet. And even in arts management fields we have yet to see appropriate managing minds and well-organized management systems. The accumulated know-how of the field not being applying to theoretical results, and vice versa, is the biggest reason for these circumstances. With the awareness of the current state as its backbone, this thesis wishes to-a Classify arts management into 'the arts managements as theory' and 'the arts management as know-how(of the field)' b. Examine the interrelationship maintained between the two types of art management, and therefore seek for ways to set up a desirable interrelationship between the two. To specify the aforementioned purposes theoretically, this research utilized the following methodologies. First from existing documents and research results this thesis extracted the two concepts of art management and systematically defined them Having the two definitions as a background a questionnaire survey of arts management graduate school students and professors, field arts managers, off was conducted. Also 'arts management related research on major national/public concert areas or public cultural facilities' and how it is being applied to the field is discussed briefly. This research defines 'the arts management as theory' as " A theoretical system that researches and defines 'the act of producing and staging art(planning, programming)','the act of devising more efficient methods for the audience to enjoy arts and therefore increase the quality of their lives(marketing, audience development)','the act of efficiently managing and utilizing resource for the survival of arts(group management, personnel management, resource promotion)'and the circumstances(education, system of law, policies) surrounding them And also as a field of management studies that require independent methodologies due to the distinctiveness of its subject (arts)." And this research defines' the arts management as know-how (of the field)'as "Technical/methodological knowledge and the nature of the arts management field itself that are directly or indirectly related to the scholastic study subjects(planning, programming, marketing, audience development, group/personnel management, financial management, resource promotion, related systems of law/policies and education, etc) of arts management studies." These two definitions form the background of this research. The current state and specific traits concerning 'the arts management as theory' in Korea is summarized in the following six statements. One, the history of In 'the arts management as theory' in Korea is very short. And compared to western countries, their history, regarding this subject is more than twice as long. Two, Scholastic achievements of this field is comparatively small compared toother areas. Three, the massive rise of educational interest in the studies of arts management, and scholastic achievements worthy of notice have all only started to happen over the last three years. Four, the field has been unable to shake off its sense of disapproval towards theories and this has even resulted in distorted perceptions abut arts management. Therefore, the study of arts management is unable to form a close relationship with the field. Five, there is a lack of educational fields that are vital forming grounds of theory. Six, the study of arts management is growing rapidly, and we see a number of research societies being established. The study of arts management has the potential to develop into an independent field of study in Korea Next, this research examined the present state of arts management related official education departments and policies that act as mediums where field and theory meet. Through this examination the gap between arts management education and the field, the absence of a stable and coherent curriculum, and a shortage of educators were revealed the problems surrounding this issue. A misled promotion of the arts management education boom and insufficient education policies, etc was pointed as reasons. The research also examined the current state of 'the arts management as know-how (of the field)' in Korea. While doing so, it was noted that compared to 'the arts management as theory, 'the arts management as know-how(of the field)' started with the birth of arts. So therefore, a brief examination of the history of arts management Korea was made. Through this examination, some of the specifically Korean situations involving 'the arts management as know-how (of the field)' were discussed. And they are as follows. First, a distorted perception: a fantasy abut 'financial independence level' of arts that s t e d from the misunderstanding and ignorance of arts management. Two, policies and petty structure that are unable to actively soak up theoretical achievements and arts management professionals and a weak foundation led by major concert halls, an absence of clear purpose for foundation and mission, a rule of thumb method of marketing, a backward audience development, etc. This research examined the two concepts of arts management, their current state and characteristics, looked into the field of education, which is the meeting ground of the two. And through theoretical examinations such as the aforementioned questionnaire survey, field examination etc, it looked into the interrelationship between them. To do so, first a historical examination through periodical distinctions were attempted. Next through questionnaire survey, field examination, case examination ▲the seriousness of the gap between the two ▲a Vicious cycle of a deficient education due to a lack of system that can overcome the gap ▲an overemphasis on marketing caused by a distorted perception of arts management ▲a lack of connecting system between undergraduate courses and graduate courses ▲a curriculum detached from the. educational desires of students and the field A scholastically define the field ▲the field, which has a hard time applying theoretical results due to its problematic structure etc were verified. Also noted was the fact that arts management appeared as an alternative to centralized cultural administration and the need for a▲a communication system(research societies, scientific journals, a gathering for public opinion) between the field and theories, and a formation of a knowledge network ▲an establishment of individual methodologies and scholastic systems through researches made in educational systems ▲inducing the field to change its perception of theories, etc were proven. And in order to establish a desirable interrelationship between the two ①improving the distorted perception of arts management ②establishing a scholastic methodology and individual scholastic system ③establishing a intercommunicating system through active research society activities and the formation of a knowledge network ④Improving the deficient educational circumstances and education system ⑤establishing an industrial-educational (field-theory) connection through internship, etc ⑥inducting a policy of certificate of qualifications for arts management specialists, etc were proposed.

예술지원 매칭펀드 현황 및 개선방안 : 한국메세나협회 사업을 중심으로

배소윤 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2017 국내석사

최근 기업에서는 문화예술을 직원의 창조적 능력 향상 및 수입 창출의 방안으로 주목하고 있다. 이러한 흐름에 따라 정부에서는 각종 제도 도입을 통해 기업의 문화예술지원을 뒷받침하고 있으며 기업과 예술이 만나는 접점에 ‘메세나(Mecenat)’가 있다. 우리나라에서는 '한국메세나협회'에서 메세나 활동을 주도하고 있으며, 정부에서도 ‘예술지원 매칭펀드’ 사업을 통해 기업의 참여를 유도하고 있다. 본 연구는 한국메세나협회의 예술지원 매칭펀드 사업에 대한 개선방안을 제시하는데 목적이 있으며, 2007년부터 2016년까지 사업에 참여한 예술단체 및 기업을 대상으로 한다. 연구를 위한 기본 자료는 문화예술 분야 지원정책 관련 연구자료, 관련 법률, 단행본, 온라인상의 검색 등을 통해 수집할 것이며, 사업과 관련하여 2007년부터 2016년까지의 예술지원 매칭펀드 사업 신청서, 심사 결과 자료, 교부 자료, 사업 결과 보고서, 문화체육관광부 성과보고서 등 관련 자료를 모두 취합하여 정리하고 분석할 것이다. 1994년에 설립된 한국메세나협회는 기업 결연 및 국가기금 사업과 대기업의 문화사회공헌 사업을 진행하고 있다. 국가기금으로 운영되는 예술지원 매칭펀드 사업은 2007년에 도입됐으며, 예술단체에 중소·중견기업이 지원하는 금액에 비례해 국고를 추가로 지원한다. 총예산은 사업 도입 당시 10억 원에서 증감을 반복하다가 2016년에 20억 원이 되었으며 이 중 15%는 사업 운영비로 쓰인다. 이러한 흐름에 따라 결연 기업과 예술단체의 수는 2007년에 27개에서 2016년에 124개가 되었다. 최근 5년 간 예술지원 매칭펀드 사업에 참여했던 예술단체를 장르별로 분석해보면 음악과 연극 장르의 비율이 가장 높았다. 2014년 이후 점차 하락하고 있으나 2016년까지 전체 장르에서 60% 이상의 비율을 유지했다. 공연과 비공연으로 나누면 2016년에는 공연이 83.71%, 비공연이 16.29%로 매년 80% 수준을 유지했다. 지역별로는 2016년에 서울의 예술단체 비율이 66.7%였으며, 기업은 48.8%였다. 또한, 예술단체의 수도권(서울, 경기, 인천) 비율은 83.54%였으며 시 단위는 85.48%였다. 기업의 경우 수도권이 74.4%, 시 단위가 64.5%인 것으로 나타났다. 최근 5년 동안 사업에 참여한 기업은 총 288곳으로 1회 참여한 기업이 177곳이며 60% 수준의 비율이었다. 한편, 현재 사업 참여 기업의 분류 기준은 업종이 47가지나 됨에 따라 분석하기 어려운 구조였다. 예술지원 매칭펀드 사업은 교류협력 프로그램이 수반되는데 2016년에는 ‘임직원/가족 공연 초청’이 가장 높은 것으로 나타났다. 그러나 한국메세나협회에서는 이를 4가지 유형으로 분류하고 있어 다양한 기업의 욕구를 분석하는데 한계가 있었다. 이러한 분석을 바탕으로 본 논문에서 제시한 개선방안은 다음과 같다. 첫째, 예술지원 매칭펀드 사업비 중 한국메세나협회의 운영비 기준을 마련해야 한다. 한국메세나협회는 운영비를 효율적으로 사용한 덕분에 더 많은 예술단체를 지원할 수 있었다. 하지만 운영비를 계속 감소시키는 것은 사업 운영에 부실을 초래할 수 있어 운영비에 대한 적정 기준이 필요하다. 둘째, 예술단체 심사 시 중점적으로 추진할 장르를 선정해야 한다. 장르 편중 현상을 완화하기 위해서 매해 예술단체 선정 시 적정 비율을 목표로 한 후 예산 배분을 유도할 필요가 있다. 사회적 이슈(예를 들어 다문화, 학교폭력, 새터민 등)나 융·복합, 예술교육 등의 키워드를 제시하여 이에 부합하는 사업에 대해서는 일정 퍼센트를 할당하는 것도 좋은 방법이 될 것이다. 셋째, 선정 기업과 예술단체의 지역 편중 현상을 개선해야 한다. 각 지역을 관할하는 메세나협회가 생기는 것이 가장 이상적인 방법이나 정책적으로 설립을 유도하는 것은 어려우므로, 지역과 연계한 홍보사업을 통해 기업 및 예술단체의 참여를 유도할 필요가 있다. 또한, 신청 단체에 대한 심의를 진행할 때 비수도권 등에 할당제를 적용하는 것이 적절할 것으로 보인다. 넷째, 사업 참여 기업의 업종 분류 체계를 재정립해야 한다. 예술지원 매칭펀드 사업에 참여하는 기업의 적절한 업종 분류 기준이 없어 통계청의 ‘한국표준산업분류’ 중에서 대분류를 기준으로 분류하는 것을 제안한다. 이러한 체계를 도입하면 분류 기준이 명확해지고 타 통계 자료와 예술지원 매칭펀드 참여 기업을 연계하여 분석하는 것이 가능해진다. 다섯째, 교류협력 프로그램의 분류 체계를 개선해야 한다. 현재의 4가지 분류 기준은 현실적으로 진행되고 있는 교류협력 프로그램들을 분류하기 어렵다. 분석한 자료를 토대로 재구성하면 다음 <표 1>과 같이 10가지로 분류 체계를 구성할 수 있다. 이렇게 분류한 체계를 기업의 사업 신청서 및 담당자가 관리하는 자료에 동일하게 적용하면 보다 정확한 통계 자료를 얻을 수 있을 것이다. 여섯째, 장기참여 기업에 대한 우대 방안을 마련해야 한다. 최근 5년 간 기업의 1회 참여 비율이 높다는 것은 신규 유입이 증가한 것도 있지만 장기결연의 부제로 이어질 수 있는 위험이 있다. 정책적으로 우대 방안 마련을 통해 기업들의 장기적인 참여를 유도할 필요가 있다. 이 외에도 본 논문은 해당연도 별로 단절되어 있던 예술지원 매칭펀드 자료를 장르별·지역별·참여횟수·교류협력 프로그램 등으로 분류하여 정리하였다는데 의의가 있다. 그렇지만 사업초창기 일부 자료에 일관된 체계가 없어 10년 동안의 트렌드를 분석하기에는 한계가 있었다. 따라서 본 논문에서는 2012년부터 2016년까지의 자료를 중심으로 분석하였으며, 2007년부터 10년 동안의 전체 자료를 살펴보지 못한 것은 다소 아쉬운 점이다. 또한, 기업과 예술단체의 신청대비 탈락 비율, 참여 기업의 업종 분석 등도 살펴보고 싶었던 부분이나 현 자료 상태로는 통계를 낼 수 없어 후속 연구로 미룬다. 한국메세나협회는 지난 10년 간 예술지원 매칭펀드 사업을 운영하며 사업비의 변화로 어려움을 겪기도 하였으나 비교적 안정적으로 사업을 이끌어 왔다. 예술지원 매칭펀드 사업은 우리나라 경제의 중요한 축인 중소·중견기업의 문화예술 지원을 이끌어낸다는 정책적 의미를 담고 있어 향후 그 중요성은 더욱 증가할 것으로 보인다. 이후 개별 지역에도 운영 주체가 생겨 사업이 확산되어야 하며 한국메세나협회의 예술지원 매칭펀드 사업을 벤치마킹하게 될 것이다. 이러한 연구를 토대로 예술지원 매칭펀드 사업이 더욱 체계적이고 활발히 운영되어 우리나라 문화예술 진흥에 밑거름이 되기를 바라는 바이다. Recently, companies are focusing on culture and art as the means of improvement in employees’ creative ability and income generation. In accordance with such trend, the government is supporting companies’ support for cultural and art through the introduction of various systems, and at the point where companies meet art, there is ‘Mecenat’. In Korea, mecenat activities are led by ‘Korea Mecenat Association’, and the government is leading companies’ participation through the ‘matching fund for art’ business. This study aims to suggest improvement plans for Korea Mecenat Association’s matching fund program for art, and focuses on arts organizations and companies that participated in the program from 2007 to 2016. Basic data for the study will be gathered through research material related to culture and art support policies, relevant laws, publications, and online searches, and relevant data from 2007 to 2016 relevant to the business such as matching fund business applications, evaluation result data, issued reference business report and Ministry of Culture, Sports and Tourism’s performance report will be gathered and analyzed. Korea Mecenat Association was established in 1994 and works on company alliance, national fund business and corporations’ cultural and social contribution businesses. Matching fund business for art, operated by the national fund, was first implemented in 2007, and provides additional national fund to art organizations in proportion to the amount supported by small and mid-sized businesses. From the initial budget of 1 billion won in 2007, the total budget increased to 2 billion in 2016 after repeated fluctuation, which 15% of it is used as an operation expense. With such development, the number of partnered companies and arts organizations increased from 27 in 2007 to 124 in 2016. In terms of the genre of arts organizations that participated in the matching fund business for the last 5 years, music and theater accounted for the highest proportion, and although on a decreasing trend since 2014, they maintain over 60% of the entire genre until 2016. In terms of performance, performance accounted for 83.71% and non-performance accounted for16.29% in 2016, accounting for around 80% each year. In terms of region, organizations in Seoul accounted for 66.7% in 2016, and companies in Seoul accounted for 48.8%. Organizations in the metropolitan area (Seoul, Gyeonggi, Incheon) were 83.54%, and 85.48% in cities. In case of companies, 74.4% were in the metropolitan area, and 64.5% were in cities. Total number of companies that participated in the business in the last 5 years was 288, which 177 of them participated once, accounting for approximately 60%. Meanwhile, classification of participating companies is rather complicated, as the type of business reach 47 kinds. Matching fund support business for art is accompanied by exchange program, in which ‘employee/family invitation to performance’ accounted for the highest in 2016, but Korea Mecenat Association classifies them into 4 types that there are limits in analyzing companies’ various desires.Improvements suggested in this study, based on such analysis, are as follows. First, operation criteria for Korea Mecenat Association, which operates the matching fund, should be established. Korea Mecenat Association was able to support more arts organizations due to efficient use of operation expense, but continued reduction of operation expense may result in poor business operation, so an appropriate criteria in operation expense are required. Second, a genre to put emphasis on during arts organization screening should be selected. In order to alleviate genre bias, appropriate proportion of genres should be assigned and budget should be allocated when selecting arts organizations, and suggesting social issues (such as multicultural, school violence, North Korean defectors, etc.) or keyword such as convergence or arts education and allocating a certain percentage towards business that suits this may be a good way. Third, the regional bias of selected companies and arts organizations should be improved. The most ideal way is to have regional mecenat associations, but it is politically difficult to induce establishment, so participations of companies and arts organization as a promotional business in relation to the region should be induced. In addition, when deliberating about the applicant organization, applying a quota system on non-metropolitan region may be appropriate. Fourth, the business classification system of participating companies should be reestablished. In stead of the current system that has no proper classification system for companies participating in matching fund business for art, this study suggests using the category in Korean Standard Industrial Classification by National Statistical Office. Introducing such classification system not only clarifies the criteria, but also enables the analysis of other statistical data in relation to matching fund participant companies. Fifth, classification system of exchange programs should be improved. The current 4 classification criteria make it difficult to categorize the exchange programs that are currently being implemented. The classification system can be reconstructed into the following 10 categories based on analyzed data; Exposing company name, Marketing use, Providing invitation, Social contribution, Workshop cooperation, Company welfare, Providing promotional space, Employee preference, Cooperating to company events, Others. Applying such classification system to the business application and data managed by staff will result in more accurate statistical data. Sixth, preferential plans for long-term participant companies should be established. High proportion of 1 participation by companies within the last 5 years not just implies an increase in new companies, but also may imply a risk in absence of long-term alliance. Long-term participations of companies need to be induced by establishing preferential plans. In addition, this study is significant in categorizing and organizing the matching fund data in art, which was disconnected by year, by genre, region, participation count, exchange programs, etc. However, due to the absence of coherent system in some data from the beginning of business, there were limits in analyzing the trend of 10 years. Therefore, this study focused on data from 2012 to 2016, and could not review the entire data for the past 10 years from 2007. In addition, the elimination ratio of companies and organizations and business type analysis of participant companies could not be compiled for statistics with the current data status, and will be hold off to the follow-up study. Korea Mecenat Association has faced difficulties during the last 10 years while operating matching fund business for art due to changes in operation expense, but has led the business relatively steadily. Matching fund business for art embraces the political significance of drawing support in culture and art from small and mid-sized companies, which are an important axis in Korean economy, and therefore, its significance is expected to increase furthermore. In the future, regional operating subjects should be established to expand the business, which will benchmark Korea Mecenat Association’s matching fund business for art. This study hopes that the based on this study, art matching fund business will be operated more systematically and actively to become the foundation in the promotion of Korea’s arts and culture.