뉴미디어 아트를 활용한 웨딩 공간의 플라워 디자인 연출에 대한 연구 : 인터랙티브 표현요소를 중심으로

김민경 건국대학교 예술디자인대학원 2024 국내석사

최근 소비문화의 고급화와 감성화로 사람들의 라이프스타일과 트렌드가 다양해지고 있는 흐름 속에서 웨딩 공간을 이용하는 이용객들 또한 이에 걸 맞은 개성과 차이점을 요구하고 있다. 이에 따라 웨딩 공간의 플라워 디자 인 연출의 흐름 또한 과거의 획일화된 플라워 장식만이 아닌 미래지향적인 웨딩 공간 연출로서 개개인의 요구와 감성에 맞추어 디자인하는 것이 최근 의 경향이다. 그 중 기술 발전과 함께 문화·예술적 차원에서 지향되는 예 술로서 뉴미디어 아트가 대두되어지고 있다. 뉴미디어 아트는 기술의 발전과 예술의 창의성을 결합하여 현대 예술을 혁신하고 확장시키는 역할을 하고 있다. 이는 예술의 경계를 넘어 관객과 예술가 및 기술과 사회 간의 연결을 강화하며, 예술의 본래의 목적을 새롭 게 정립하고 있는 것이다. 이처럼 뉴미디어 아트는 현대 예술의 새로운 시 대에 발맞춰 예술의 방향성을 제시하고 있으며, 예술의 미래를 열어가고 있 는 혁명적인 예술 형태로 떠오르고 있다. 뉴미디어는 최근 멀티미디어와 같은 새로운 형태의 미디어로서 과거의 매 스 미디어와 영화 등에 의해 주도되던 일방적인 커뮤니케이션 환경에서 쌍 방향적인 상호작용적 커뮤니케이션이 가능할 수 있게 하는 환경을 제공해 주고 있다. 이러한 뉴미디어를 예술적 표현을 위한 기술적 도구로서 활용하 는 뉴미디어 아트는 역동적인 예술의 분야로 끊임없이 발전하고 있다. 그 중 뉴미디어 아트를 대중들에게 깊게 각인되며 관심을 끌 수 있게 하는 가 장 대표적인 특성이 상호작용이다. 뉴미디어 아트의 상호작용은 그 하위 분야 중 하나인 인터랙티브 아트와 많은 유사관계를 가지고 있다. 이들은 기술과 예술의 융합, 관객과의 상호작 용과 참여, 현실과 가상을 넘나드는 새로운 예술 경험을 제공한다는 것에 있어서 서로 밀접한 관계를 가지며 현대 예술의 다양성과 창의성을 표현하 는 중요한 분야로서 대두되고 있다. 웨딩 공간 연출에 있어서도 이에 따라 젊은 소비자들의 요구를 반영하기 위하여 새로운 웨딩의 유형을 만들어 내고, 웨딩 공간에 다양한 기술적 연 출 요소를 도입하며 웨딩의 유행 또한 변화하는 과정에 있다. 즉, 현대의 웨 딩 플라워 디자인 연출은 공간 장식으로서 자연의 식물만을 주체로 사용하 는 것을 넘어, 다양한 소재 사용의 시도와 기술과의 융합으로 더욱 조형적 이고 디자인적인 표현의 확대로 연출의 범위가 확대되고 있다. 소비자들에게 있어 인생의 중요한 순간 중 하나인 ‘결혼’이 이루어지는 웨딩 공간은 상업 공간의 일시성적 성격을 가짐에도 불구하고 화훼 연출의 공간이 더욱 인상 깊고 차별화된 기억의 장소로서 남기를 원한다. 이에 따라 웨딩 공간을 상업적이고 일시성적 성격의 공간이 아닌 트렌드 변화와 흐 름에 맞는 뉴미디어 아트를 활용한 플라워 디자인 연출의 공간으로써 공간 과 상호소통을 한다면, 기존과는 다른 차별성을 가지며 진정한 웨딩의 의미 와 소비자들의 취향에 맞춤화된 새로운 연출로서 발전할 수 있다. In the recent trend of diversifying people's lifestyles and trends due to the high-end and sensitivity of consumption culture, users who use wedding spaces are also demanding individuality and differences. Accordingly, the flow of flower design direction in wedding spaces is also a recent trend to design according to individual needs and emotions as a future-oriented wedding space direction rather than a uniform flower decoration of the past. Among them, new media art is emerging as an art aimed at the cultural and artistic level with the development of technology. New media art plays a role in innovating and expanding contemporary art by combining technological advances and art creativity. This reinforces the connection between the audience, artists, technology, and society beyond the boundaries of art, and re-established the original purpose of art. In this way, new media art presents the direction of art in line with the new era of modern art, and is emerging as a revolutionary art form that is opening the future of art. Recently, as a new type of media such as multimedia, new media provides an environment that enables interactive interactive communication in a one-sided communication environment led by the mass media and movies in the past. New media art using such new media as a technical tool for artistic expression is constantly developing into a dynamic field of art. Among them, interaction is the most representative characteristic that makes new media art deeply imprinted and interested in the public. The interaction of new media art has many similar relationships with interactive art, one of its sub-fields. They have close relationships with each other in the convergence of technology and art, interaction and participation with audiences, and provide new art experiences that cross between reality and virtual, and are emerging as an important field for expressing the diversity and creativity of modern art. In the direction of wedding space, in order to reflect the needs of young consumers, a new type of wedding is created, various technical directing elements are introduced into the wedding space, and the trend of wedding is also changing. In other words, modern wedding flower design direction is expanding the scope of production by expanding more formative and design expressions through attempts to use various materials and convergence with technology, beyond using only natural plants as the subject of spatial decoration. The wedding space, where "marriage," one of the important moments in life for consumers, takes place, wants the space for flower production to remain a more impressive and differentiated place of memory, despite having a temporary nature of a commercial space. Accordingly, if the wedding space is communicated with the space as a space for flower design production using new media art that fits trends and trends rather than a commercial and temporary space, it can be developed as a new production tailored to the meaning of true wedding and consumers' tastes.

루쉰의 신흥 목판화운동에 나타난 디자인관에 관한 연구

유이소 건국대학교 예술디자인대학원 2023 국내박사

Lu Xun (1881-1936) was a well-known writer, thinker, and educator during China's enlightenment and development period. Moreover, Lu Xun is not only made achievements in the field of literature but also left a distinctive footprint in the field of design, which significantly impacted the history of Chinese art. When Lu Xun was studying in Japan, he realized that the problem of Chinese people was not physical fitness but the lack of independent personality. Therefore, he started his literary enlightenment after returning to China. After experiencing the Revolution of 1911, the New Culture Movement, and the May 4th Movement, which were revolutionary events in the old and new cultures alternated sharply, Lu Xun gradually found his ideological values. These thoughts and values formed the future enlightenment thought, the thought of equality, the thought of individual self-reliance, and the thought of integrating Eastern and Western cultures. He tried to help the Chinese people to build themselves and establish correct values. While absorbing advanced Western ideas, Lu Xun also noticed the critical revolutionary consciousness of enlightenment and resistance brought by the creation of prints in the West. Thus, he introduced western prints into China and launched a modern woodcut movement. He founded China's first woodcut workshop in Shanghai in 1931, a symbolic starting point for China's modern woodcut movement. Through the continuation of traditional Chinese woodcut and the absorption of the advantages of Western woodcut, He formed a modern woodcut movement with Chinese characteristics. Under the promotion of Lu Xun, the emerging woodcut quickly formed an artistic revolutionary front in China. In developing the modern woodcut movement, Lu Xun used his ideas and ideas to beautify the aesthetic characteristics. He differentiated the modern woodcut from traditional Chinese woodcut and Western-created woodcut. Emphasizing the reality and integrity of woodcut leads to an art form that serves the public as its core group. As China's education was hindered by war and social factors, the number of illiterates in China increased sharply, and the enlightenment of literature was no longer the only way for China's reform. Coupled with the influence of Cai Yuanpei's aesthetic education thought, Lu Xun began to find the answer to China's development in art. Later, when he came into contact with Kaysik Lewitz and Soviet prints, Lu Xun discovered that new woodblock prints could shoulder the task of enlightening the Chinese public on a large scale, thereby promoting the democratization of art. Moreover, his modeling concept advocates the sublimation of personality through art, enlightening the public to establish correct values. Modern woodcut, as the new media needed by China, also confirmed Lu Xun's design concept of emphasizing the utilitarian nature of art. In the process of globalization, Chinese design had fallen behind. In the development of modern China, the modern woodcut movement led by Lu Xun successfully integrated Eastern and Western art to form an inherent Chinese art medium. Therefore, his design concept in the modern woodcut movement has a high research value. Today, the study of Lu Xun's literary field is still very active. However, the exploration of his design concept has yet to receive a due evaluation. This research evaluates the modern woodcut through the background of Lu Xun's growth, the ideological changes brought about by the eastern and western social environments during his activities, and his communication with modern woodcut artists in the modern woodcut movement. In addition, based on Lu Xun's artistic evaluation and related references to Kathe Kollwitz and Soviet prints, combined with Lu Xun's thoughts and the characteristics of modern woodcut as a new mass media, this research summarizes two inherent design concepts. One is the popularization of art, and the other is the essence of Chinese design. Popularization of art includes art enlightenment, art democratization, and the common interests of art. The essence of Chinese design involves establishing Chinese identity, modernizing traditional Chinese elements, and improving the irrationality of social structures. As an important symbol of Chinese society in the process of China's modernization, Lu Xun devoted his whole life to advancing Chinese public thought. The modern woodcut movement also reflects that he was a figure who emphasized the integration of Eastern and Western art and culture and led the diversification of literature and art. Although China's modern design lagged in internationalization, modernization vitalized the world's modern design concepts. Lu Xun's design concept is the thought that leads the world trend. Therefore, through the multi-faceted analysis of his design concept, we can understand the spiritual origin of the modern Chinese design concept. 루쉰(1881-1936)은 중국의 계몽 발전 시기의 저명한 문학가, 사상가, 교육자이다. 루쉰은 문학 영역에서 성과를 거두었을 뿐 아니라 디자인 분야에서도 뚜렷한 발자취를 남기어 중국 예술사에 커다란 영향을 주었다. 루쉰은 일본 유학시절 중국인들의 문제가 결코 신체적인 부분에 있는 것이 아니라 독립적 인격 결여에 있다는 것을 깨닫고 귀국 후 문학 계몽의 길에 올랐다. 신해혁명, 신문화 운동, 5·4운동과 같이 신구(新舊) 문화가 급격히 교체되는 혁명을 거친 후 루쉰은 자신의 사상과 가치관을 찾아가며 계몽사상, 평등사상, 개인의 자립 사상, 동서양 문화 융합사상을 형성해 중국 국민들이 자아를 찾고 건전한 가치관을 확립하는데 큰 도움이 됐다.  루쉰은 서양의 선진 사상을 흡수하는 동시에 서양 창작 판화의 계몽적, 반항적인 혁명정신에 주목했다. 그리하여 서양의 창작 판화를 중국으로 도입 시켜 신흥 목판화운동을 이끌었다. 1931년 중국 상해에서 중국의 첫 번째 목각 강습회(木刻講習會)를 열었는데 이는 중국 신흥 목판화운동의 상징적인 출발점이었다. 루쉰은 중국의 전통 판화를 계승하고 서양 판화의 장점을 흡수하며 중국 특색의 신흥 목판화운동을 형성했다. 신흥 목판화는 루쉰의 지도 아래 순식간에 중국 국내의 예술 혁명을 일으켰다. 신흥 목판화운동의 전개 과정에서 루쉰은 자신의 “만물” “자기인식(思理)” “미화” 미학적 특성을 이용하며 신흥 목판화와 중국의 전통 판화, 서양 창작 판화를 구분했고 목판화의 사실성과 총체성을 중시하며 대중 중심의 예술 형식을 이끌었다. 중국 교육이 전쟁과 사회적 문제의 영향을 받아 중국 내 문맹의 수가 급증했기에 문학 계몽은 중국 개혁의 유일한 방법이 되지 못했다. 게다가 채원배(蔡元培)의 미육사상(美育思想)의 영향으로 루쉰은 예술 영역에서 중국 발전의 해답을 찾기 시작했다. 그 뒤로 케테 콜비츠(Kathe Kollwitz)와 소련 판화를 접하며 루쉰은 신흥 목판화가 중국 국민의 대규모 계몽을 실현시킬 수 있다는 것을 깨달았고 예술의 민주화를 추진하기 시작했다. 루쉰의 조형관은 마침 예술로 인격을 승화시켜 대중들의 건전한 가치관을 형성하자는 주의였다. 신흥 목판화는 중국에 필요한 신매체로서 루쉰이 강조한 예술의 공리적 디자인관을 증명했다.  중국 디자인은 세계화 과정에서 다소 뒤처진 모습을 보였다. 그러나 근대 중국의 발전 과정 속에서 루쉰이 이끌었던 신흥 목판화운동은 동서양 문화를 융합하여 중국 고유의 예술 매체를 탄생시키는데 성공했다. 그렇기 때문에 신흥 목판화운동 과정에서의 루쉰의 디자인관은 연구 가치가 매우 높다. 지금까지도 루쉰의 문학 영역에 관한 연구가 활발하게 진행 중이다. 그러나 루쉰의 디자인관 탐구는 제대로 된 평가를 받지 못했다.  본문에서는 루쉰의 성장 배경을 살펴보며 그가 활동했던 시기의 동서양 사회환경이 어떤 사상적 변화를 가져왔는지, 루쉰이 신흥 목판화운동에서 목각가들과 어떤 교류가 있었는지를 통해 신흥 목판화 작품을 평가한다. 또한 케테 콜비츠와 소련 판화에 대한 루쉰의 예술적 평가와 관련 참고 문헌을 기초로 루쉰의 사상과 대중 매체로서의 신흥 목판화의 특성을 결합하여 두 가지 고유의 디자인관으로 종합했다. 첫 번째는 예술의 대중화 사상이고 두 번째는 중국 디자인의 정체성이다. 첫 번째 예술의 대중화는 예술을 통한 민중 계몽, 예술의 민주화, 예술의 공리성을 포함한다. 두 번째 중국 디자인의 정체성은 중국적 아이덴티티(identity) 확립, 중국 전통 요소의 현대화, 사회구조의 불합리성 개선이 포함돼 있다. 루쉰은 중국 근대화 과정 속 중국 사회의 중요한 상징적 인물로, 그는 한 평생 중국 국민들의 사상을 발전시키는데 힘써왔다. 신흥 목판화운동은 루쉰이 동서양 문화의 융합을 중시하고 문학과 예술의 다원화를 이끈 인물이라는 것을 보여준다. 현대 중국 디자인은 국제화 과정에서 낙후성을 보이고 있지만 근대화 시기에는 세계 현대적 개념의 디자인이 활성화시켰고 루쉰의 디자인관이 바로 세계적인 흐름을 선도하는 사상이다. 따라서 루쉰의 디자인관을 다방면으로 분석하여 현대적 개념의 중국 디자인의 정신적 뿌리를 이해와 의의를 발견하였다.

대학가 노후주택을 활용한 코하우징 디자인에 관한 연구 : 건국대학교 주변을 중심으로

김효진 건국대학교 예술디자인대학원 2024 국내석사

대학가 노후주택을 활용한 코하우징 디자인에 관한 연구 건국대학교 주변을 중심으로 한국의 경제 성장과 더불어 저출산, 인구 고령화, 비혼 등의 영향으로 오 늘날의 1인 가구는 가장 상승률이 높은 인구 유형으로 자리 잡았지만 최근 집값 인상 가속화로 1인 가구들에게 주거에 대한 고민은 늘어갔다. 정부는 이러한 인구 변화에 대응하기 위해 주거비 부담은 줄여주되 안정적인 주거 환경을 제공할 수 있는 주택 정책들을 발표하고 있지만, 현실적으로 반영된 대안이 부족한 실정이다. 최근 동향을 살펴보면 1인 가구는 학교 또는 직장 때문에 자연스럽게 살아가게 되는 이유도 있지만, 혼자만의 라이프 스타일 을 추구하며 개인적인 프라이버시를 보호받기 위해서 자발적으로 선택한 경 우도 늘어가고 있다. 사회적으로 청년층에 해당하는 1인 가구들은 현대 주 거 트렌드가 반영된 신축 건물의 라이프 스타일을 추구하지만 부담스러운 주거 비용을 감당하기 어렵다. 증가하는 1인 가구들에게 현실적인 경제 상 황을 고려한 다양한 주거 환경을 제안하여 그들의 주거의 삶의 질을 높일 수 있는 주거 대안이 필요하다. 이 논문의 범위는 1인 가구들이 가장 많이 거주하는 주거지역인 대학가 주변을 중심으로 분포되어 있는 노후주택을 활용하여 그들을 주거 문제의 대안을 제시한다. 대학가 주변에 방치되어 있는 노후주택을 활용함으로써 1 인 가구의 주거만족도를 높이고 주변 거리 환경을 개선시키고자 한다. 또한 1인 가구의 특성을 고려하여 개인적인 프라이버시를 지키되 사회적 인격체 로 살아가기 위한 외로움을 해소할 수 있도록 공유공간의 유형인 코하우징 특성을 도입하여 노후 주택에 적용한 디자인을 제시한다. 이 연구는 대학가 주변을 중심으로 노후주택의 구조적 특징을 조사하고 코하우징에서 도출된 특성을 결합하여 노후주택에 적용할 코하우징 디자인 을 적용시켜 1인 가구를 위한 주거 디자인을 제시한다. 제시한 디자인은 1 인 가구에게 환경적·사회적으로 영향을 주도록 목표한다. 환경적으로 개선 된 개인의 주거 공간은 1인 가구의 주거만족도를 상승하게 하고, 사회적으 로는 고립되지 않도록 공동체 생활을 통한 심리적 문제를 해결하게 한다. 이 연구는 대학가 주변에 방치되고 있는 노후주택을 활용하여 1인 가구들 을 위한 코하우징 디자인을 제안하였다. 코하우징 특성이 반영된 공간 활성 화를 통해 1인 가구들의 주거 환경 개선과 활발한 커뮤니티 활동을 도모하 는 디자인을 제안함으로써 대학가 노후주택의 활용 가능성을 보여준다. 주제어 : 노후주택, 공유공간, 코하우징, 1인가구, 주거공간 Along with Korea's economic growth, single-person households have become one of the fastest growing demographic groups due to low birth rates, aging population, and singlehood. However, the rapid increase in housing prices in recent years has caused many single-person households to worry about housing. In response to this demographic trend, the government has announced housing policies to ease the burden of housing costs and provide a stable living environment. However, there is a lack of realistic alternatives. Recent trends show that while single-person households are a natural consequence of education or work, a growing number of people voluntarily choose to live alone to pursue their own lifestyles and protect their personal privacy. The younger generation of single-person households seek the lifestyle of new construction, which reflects modern housing trends, but cannot afford the high cost of housing. There is a need for housing alternatives that can improve the quality of life of the increasing number of single-person households by proposing different living environments according to their realistic economic situation.The scope of this study is to propose an alternative to the housing problem by utilizing old houses around university districts, which are the most popular residential areas for single-person households. By utilizing the neglected old houses around the university area, this research aims to increase the housing satisfaction of single-person households and improve the surrounding street environment. In addition, given the characteristics of single-person households, the researcher proposes a design applied to old houses by adopting the characteristics of cohousing, a shared house, to alleviate the loneliness of living as a social person while protecting personal privacy.This study examines the structural characteristics of old houses, focusing on the university area. It presents a housing design for single-person households by combining the features derived from cohousing and applying a cohousing design to old houses.The proposed design aims to have an environmental and social impact on single-person households. Environmentally, the improved personal living space will increase the housing satisfaction of single-person households, and socially, it will solve psychological problems through community living to avoid isolation. This study proposes a cohousing design for single-person households using abandoned old houses around a university town. By proposing a design that improves the living environment of single-person households and promotes active community activities through space revitalization that applies the characteristics of cohousing, this study shows the potential of using old houses in university areas. Keywords: Old house, Shared house, Cohousing, Single household, Living space

액티브 시니어를 위한 농촌체류형 쉼터 디자인에 관한 연구

고광희 건국대학교 예술디자인대학원 2025 국내석사

초고령 사회로 빠르게 진입하는 한국에서는 기존의 노인 세대와 달리 경제적 여유와 활동성을 갖춘 새로운 노년층, 이른바 ‘액티브 시니어’가 증가하고 있다. 이들은 건강 관리, 문화적 욕구, 사회적 활동에 대한 높은 관심을 보이며, 도시 생활에서 벗어나 자연 속에서 여유와 활력을 찾고자 하는 수요가 증대되고 있다. 이러한 변화 속에서 농촌은 도시 생활에서의 피로를 해소하고, 자연과 교류하며, 활동적이고 풍요로운 노후를 보내기 위한 새로운 대안으로 주목받고 있다. 따라서 본 연구는 이러한 요구를 반영하여 액티브 시니어의 특성을 고려한 농촌 체류형 쉼터의 공간 구성과 디자인 방향을 구체화하고자 한다. 연구의 방법론으로는 첫째, 이론적 고찰을 통해 초고령화 사회에서 나타나는 고령층의 변화와 액티브 시니어의 특성을 심층적으로 분석하고, 둘째, 국내외 농촌 주거 공간의 사례를 조사하여 그 특성을 도출하는 과정을 거쳤다. 이를 통해 농촌 체류형 쉼터 디자인의 핵심 요소로서 개방성, 자연 친화성, 다용도성, 편의성, 가변성, 사회교류 성을 도출하였다. 이러한 요소들은 액티브 시니어의 요구를 충족시킬 수 있는 공간 구성의 중요한 기준이 되며, 특히 쉼터의 공간은 독립적이면서도 유기적으로 연결되어 사용자에게 자유롭고 편안한 환경을 제공할 수 있도록 계획되었다. 이를 바탕으로 본 연구는 쉼터의 디자인 컨셉을 ‘모자이크’로 설정하였다. 모자이크는 다양한 색상과 형태의 타일들이 조화를 이루어 하나의 전체 이미지를 형성하는 구조를 가리키며, 이는 각 공간이 독립적이면서도 전체적으로 어우러지는 쉼터 디자인의 지향점을 상징한다. 액티브 시니어가 개별 활동을 즐기면서도 자연스럽게 타인과 교류할 수 있는 공간 구성을 통해 쉼터는 더욱 입체적인 경험을 제공할 수 있다. 연구 결과, 액티브 시니어를 위한 농촌 체류형 쉼터는 단순한 숙박 기능을 넘어선 새로운 생활 공간으로서, 여가와 사회적 교류를 통한 삶의 질 향상에 기여할 수 있는 가능성을 가진다는 결론을 얻었다. 개방성의 요소는 넓은 창과 개방형 구조를 통해 자연 경관을 실내로 끌어들이고, 시각적 개방감을 극대화하여 사용자에게 쾌적한 환경을 제공한다. 자연 친화성은 실내외가 자연스럽게 연결될 수 있는 구조를 통해 자연과 조화된 생활을 지향하며, 다용도성은 제한된 공간에서도 다양한 용도로 활용할 수 있는 유연한 구성으로 계획되었다. 이러한 요소들은 주거의 편의성을 고려한 기능적 배치와 함께 액티브 시니어가 필요로 하는 실용적이고 기능적인 디자인을 제공한다. 가변성은 사용자 필요에 의해 공간을 재구성하고 조립식 가구 또는 모듈형 디자인을 통해 나타나며, 사회 교류 성은 가족, 지인들과의 교류를 가능하게 하는 커뮤니티 공간의 역할을 한다. 본 연구는 액티브 시니어를 위한 농촌 체류형 쉼터 디자인을 제안함으로써, 초고령 사회에서 삶의 질을 높이고자 하는 시니어층의 특성을 반영한 디자인 접근의 가능성을 제시한다. 또한, 이와 같은 쉼터가 농촌 지역의 활성화와 경제적 기여에도 긍정적인 영향을 미칠 수 있음을 강조한다. 궁극적으로 본 연구는 농촌 체류형 쉼터가 초고령화 사회의 새로운 주거 및 여가 공간으로 자리매김하여 농촌의 가치를 재조명하고, 액티브 시니어의 삶의 질 향상에 실질적으로 기여할 수 있음을 보여준다. South Korea, rapidly entering a super-aged society, is witnessing a rise in a new elderly demographic distinct from the traditional senior population. These individuals, known as “active seniors,” possess financial stability and lead dynamic lifestyles. With a keen interest in health management, cultural pursuits, and social activities, they increasingly seek to escape urban life and find relaxation and vitality in nature. In this context, rural areas are emerging as a promising alternative for alleviating urban fatigue, engaging with nature, and enjoying an active and fulfilling retirement. Consequently, this study aims to materialize the spatial composition and design direction of rural stay-type shelters tailored to the characteristics of active seniors. The methodology of this research is twofold. First, it conducts a theoretical examination to analyze the evolving elderly demographic in a super-aged society and the unique traits of active seniors. Second, it investigates domestic and international case studies of rural residential spaces to derive their key characteristics. This process identified openness, nature-friendliness, versatility, convenience, adaptability, and social interaction as the core elements of rural stay-type shelter design. These elements serve as vital criteria for creating spaces that meet the needs of active seniors, ensuring that the shelter's spaces are designed to provide an environment that is both independent and organically connected, fostering a sense of freedom and comfort for users. Based on this, the design concept for the shelter was established as “Mosaic.” Mosaic symbolizes a structure where diverse tiles of varying colors and shapes come together in harmony to create a unified whole, representing the aim of shelter design where each space is independent yet seamlessly integrated. By enabling active seniors to enjoy individual activities while naturally interacting with others, the shelter provides a multidimensional experience. The findings of this study conclude that rural stay-type shelters for active seniors have the potential to transcend simple accommodation functions and serve as innovative living spaces that enhance the quality of life through leisure and social interaction. The element of openness is achieved by incorporating large windows and open structures that draw natural scenery indoors, maximizing visual openness and providing a pleasant environment. Nature-friendliness is reflected in the seamless integration of indoor and outdoor spaces, promoting a lifestyle in harmony with nature. Versatility is realized through flexible configurations that enable multifunctional use even in limited spaces. These features are complemented by functional layouts that prioritize residential convenience, offering practical and effective designs tailored to the needs of active seniors. Adaptability is facilitated through modular furniture and designs that allow spatial reconfiguration to meet user needs, while social interaction is supported by community spaces that encourage engagement with family and acquaintances. This study proposes a design for rural stay-type shelters that supports the leisure and social activities of active seniors, addressing their new demands in a super-aged society and presenting the potential for innovative design approaches. Furthermore, such shelters are highlighted as having a positive impact on the revitalization of rural areas and their economic contribution. Ultimately, this study demonstrates that rural stay-type shelters can establish themselves as new residential and leisure spaces in a super-aged society, rediscovering the value of rural areas and contributing to the improvement of the quality of life for active seniors.

현대 패션 컬렉션에 나타난 모피 디자인 : 2020년〜2025년을 중심으로

정재연 건국대학교 예술디자인대학원 2026 국내석사

The purpose of this study is to empirically analyze the formative characteristics of contemporary fur design, based on 263 fur fashion design items featured in Vogue US from the 2020 S/S season to the 2025 F/W season. Previous research on fur design focused on qualitative analysis of aesthetic image, style type, and trends. Quantitative studies on comparative analysis of design application between full fur and partial fur—the relationships among silhouette, color, and material, and design features by items category—are limited. To address this gap, this study first explores the definition, texture, and formative characteristics in fur production, and then conducts an empirical analysis of selected Vogue US collection items from 2020 to 2025. The 263 design items in this study were categorized into full fur design and partial fur design based on the proportion of fur usage, and then further classified into item types, including coats, tunic tops, vests, dresses, two-piece ensembles, skirts, and accessories. The criteria for analysis were form (silhouette and detail), color- 153 (hue, tone, and color combinations), and material (fur type, texture techniques, prints, and combinations with heterogeneous materials). The analysis showed that full fur design accounted for most items with 161 counts (61%), showing a predominance of H-line silhouettes, natural colors in the YR and Y ranges, achromatic colors around the Bk range, and material compositions predominantly featuring mink and fox fur. This indicates that the primary formative strategy of emphasizing volume, thermal functionality, and a sense of luxury inherent in fur continues to be sustained in contemporary collections. In contrast, partial fur design accounted for 102 items (39%), and compared to full fur items, in partial fur design, X-line silhouettes, and lighter tones such as pl and sf, and color combinations such as tone-on-tone and camaieu color combinations, were more actively used. This indicates that fur is not the main material of such apparel, but rather a supplemental formal element that contributes to silhouette modulation and harmony with visual accents. Material analysis revealed that for partial fur, 98 items showed combinations with heterogeneous materials, including synthetic fibers (41.84%), followed by leather (23.47%), natural fibers (20.41%), and knit materials (8.16%). Such combinations with other materials suggest that fur design is used beyond decorative purposes as a formal element to perform functional roles such as weight reduction, improved wearability, structural enhancement, and textural contrast. Furthermore, in terms of fur patterning techniques, in full fur designs, patchwork, horizontal, chevron, vertical, and intarsia techniques were used, whereas in partial fur design, grooving, horizontal, chevron, and laya techniques tended to be used for visual emphasis. In both full and partial fur designs, animal-pattern prints evoking the image of natural fur were prevalent, often executed using silk-screen printing techniques, thereby emphasizing animalistic qualities, a sense of wildness, and visual impact. Next, the fur items were compared and analyzed by item type for their form, color, and material traits. For coats, H-line silhouettes, long length, tailored collar, set-in sleeves, and inseam pockets were predominant. Jackets commonly exhibited waist-length H-line silhouettes with refined color contrasts based on camaieu schemes and combination of fox and mink, showing contemporary texture. Jumpers were mainly characterized by functional H-line silhouettes and hip-covering lengths, and distinctive hood-fur integration structures. This confirms that fur design is being reinterpreted as a new formal design language through simplification, restraint in color usage, and expansion of material mixing. Overall, in contemporary fur design, the formal strategies for full fur and partial fur shows distinctive traits across silhouette, color, material, and technique, reflecting designing adaptation to the functional and diverse demands of the contemporary fashion environment. This study aspires to contribute to academia by quantitatively exploring the formal characteristics of contemporary fur design based on five years of Vogue US collections, and hopefully serves as a key material for future studies and product planning for fur fashion design. 본 연구는 2020년 S/S부터 2025년 F/W까지 5년간 Vogue US 컬렉션에 게재된 총 263점의 모피 패션 디자인 사례를 대상으로, 현대 모피 디자인의조형적 특성을 실증적으로 분석하는 데 목적이 있다. 모피 디자인에 관한 기존 선행연구는 주로 미적 이미지, 스타일 유형, 트렌드 중심의 질적 분석에 국한되어 왔으며, 전체 모피와 부분 모피의 디자인 적용의 차이 실루엣·색채·재질 요소의 상호 관계, 아이템별 디자인의 특성을 정량적으로 비교·분석한 연구는 제한적인 실정이다. 이를 위해 본 연구는 문헌 연구를 통해 모피의 정의와 재질, 제작 기법 조형적 특성의 분석 기준을 고찰한 후, Vogue US에 수록된 2020∼2025년 컬렉션 사례를 중심으로 실증 분석을 수행하였다. 수집된 263점의 사례는 모피 사용 비율에 따라 전체 모피 디자인과 부분 모피 디자인으로 분류한 뒤, 다시 코트, 재킷, 점퍼, 가디건, 튜닉탑, 베스트, 원피스, 투피스, 스커트, 액세서리 아이템별로 구분하였다. 분석 기준은 형(실루엣 및 디테일), 색(색상·색조·배색), 재질(모피 종류, 텍스처 기법, 프린트, 이질적 타 소재 혼합)으로 설정하였다. 분석 결과, 전체 모피 디자인은 전체 사례 중 161점(61%)으로 높은 비중을 차지하였으며, H형 실루엣, YR·Y 계열의 천연색 및 Bk 중심의 무채색사용, 밍크와 폭스를 중심으로 한 재질 구성이 두드러졌다. 이는 모피 고유의 볼륨감, 보온성, 고급성을 강조하는 기본 조형 전략이 현대 컬렉션에서도 지속되고 있음을 보여준다. 반면 부분 모피 디자인은 102점(39%)으로 나타났으며, 전체 모피 디자인 대비 상대적으로 X형 실루엣의 비중 증가, pl·sf등 가벼운 색조, 톤온톤 및 카마이유 배색의 적극적 활용이 확인되었다. 이는 모피가 의복 전체를 구성하는 주재료가 아닌, 실루엣 조절과 시각적 포인트와 조화를 형성하는 조형적 보조 요소로 기능하고 있음을 의미한다. 재질 분석 결과, 부분 모피 디자인에서 이질적 타 소재와의 혼합은 총 98점으로 나타났으며, 합성섬유(41.84%), 가죽(23.47%), 천연섬유(20.41%), 니트(8.16%) 순으로 높은 활용 비중을 보였다. 이러한 타 소재와의 혼합 양상은 모피 디자인에 있어 장식적 요소에 국한되지 않고, 경량화, 착용감 개선, 구조 보강, 질감 대비 형성 등 기능적 목적을 동시에 수행하는 핵심 조형요소로 활용되고 있음을 시사한다. 또한 모피 무늬 가공 기법에 있어서는 전체 모피 디자인에서는 패치워크와 호리젠탈, 셰브론, 버티컬, 인타르시아기법이 나타났고, 부분 모피 디자인에서는 그루빙과 호리젠탈, 셰브론, 라야기법이 포인트 요소로 활용되는 경향이 나타났다. 전체 모피, 부분 모피 모두 천연 모피 느낌의 동물 문양의 프린트가 많이 보였으며, 이는 실크 스크린 기법으로 사용되었고, 동물성, 야성미, 시각적 임팩트를 강조하는 경향을 보였다. 다음으로 모피 아이템의 형태, 색채, 재질 특성을 아이템 유형별로 비교·분석하였다. 코트에서는 H형 실루엣에 롱코트와 테일러드 칼라, 셋인슬리브와 인심 포켓이 주로 나타났으며, 재킷은 웨이스트 길이의 H형 실루엣을 중심으로, 카마이유 기반의 섬세한 색채 대비와 폭스·밍크의 조합을 통해 현대적 질감 표현이 나타났다. 점퍼는 기능성을 고려한 H형 실루엣과 힙 커버길이가 주로 관찰되었고, 후드 칼라와 모피 결합 구조가 특징적이었다. 모피의 단순화·색채 절제·소재 믹스의 확장을 통해 새로운 조형 언어로 재해석되고 있음을 확인하였다. 종합적으로 현대 모피 디자인에 있어 전체 모피와 부분 모피의 조형 전략은 실루엣, 색채, 재질, 기법 전반에서 차별성을 보이며, 이는 현대 패션 환경에서 요구되는 기능성, 다양성에 대응하는 디자인변화로 해석될 수 있다. 본 연구는 최신 5년간의 Vogue US 컬렉션을 기반으로 현대 모피 디자인의 조형적 특성을 정량적으로 체계화하였다는 점에서 학술적 의의를 가지며, 향후 모피 패션 디자인 연구 및 상품기획을 위한 기초 자료로 활용될 수 있기를 기대한다.

버내큘러 디자인을 적용한 패션 브랜드 팝업스토어 공간디자인에 관한 연구 : 브랜드 슈프림을 중심으로

정지윤 건국대학교 예술디자인대학원 2023 국내석사

COVID-19 바이러스에 의한 마스크 의무 착용 해제, 위기경보 수준 하향 등 대부분의 방역 규제가 풀리면서 팬데믹 시대가 마무리되고 앤데믹 시대가 전 세계적으로 도래하고 있다. 팬데믹 시대에 온라인 활동을 선호하였던 소비자들은 앤데믹 상황을 맞이하여 기존에 경험하기 어려웠던 외부 활동을 통해 공간을 체험하고자 한다. 이에 따라 소비자들의 오프라인 매장 방문이 급격히 증가하고 있으며 그 중 무형의 이미지를 강조하는 패션 산업의 브랜드들은 소비자들의 니즈를 파악하여 오프라인 공간 경험을 통해 브랜드의 정체성을 표현하며 소비자들과 직접적인 소통을 하고자 한다. 하지만 패션 브랜드들은 판매 중심으로 만들어진 고정적 형태의 기존 리테일 스토어에서 다양한 공간 경험을 소비자들에게 전달하기에 한계를 느꼈고 이를 해소하고자 일시적으로 운영하는 팝업스토어를 진행하여 다양한 컨셉과 컨셉에 따라 변화하는 브랜드 이미지를 극대화하여 전달하고 있다. 전 세계에 브랜드를 전개하며 각국의 소비자들에게 상품을 판매하는 글로벌 브랜드는 아이덴티티를 일관성 있게 전달하여 브랜드에 대한 인식을 지속적으로 소비자에게 전달하는 동시에 개성적인 특징을 갖고 있는 각 나라의 소비자들과 연결성을 만들어 브랜드에 대한 특별한 감정을 전달해야 한다. 이러한 상황을 타개하고자 나타난 방법이 브랜드에 대한 친밀감을 주며 소비자들과의 긴밀한 연결고리를 형성하는 글로컬라이제이션 전략의 현지화이지만 글로벌 패션 브랜드들은 현지화 방법을 마케팅 전략에서 한정적으로 사용하였다. 따라서 본 연구에서는 글로벌 패션 브랜드들이 현지화 전략을 공간에서 표현하는 방안에 대해 연구하고자 하였으며 버내큘러 디자인을 적용한 팝업스토어 공간디자인 제안을 목적으로 한다. 브랜드들은 사업 규모가 커져감에 따라 각국에 진출하여 판매 활동을 전개하고 있으며 다국적의 소비자들과의 접점이 커지고 있다. 이러한 상황에서 지역의 특성을 활용하는 버내큘러 디자인을 공간에 적용한다면 글로벌 패션 브랜드들은 현지화 전략을 공간에서도 표현 가능할 것이며 팝업스토어 수가 기하급수적으로 증가하는 상황에서 기성 팝업스토어의 천편일률적인 디자인에서 벗어나 심미성과 차별성을 더 할 수 있을 것이다. The pandemic era is ending and the endemic era is coming around the world as most quarantine regulations are lifted, including the lifting of mandatory wearing of masks due to the COVID-19 virus and lowering the level of crisis warnings. Consumers who preferred online activities in the pandemic era want to experience space through external activities that were previously difficult to experience in the face of the endemic. As a result, offline store visits by consumers are rapidly increasing, and brands in the fashion industry that emphasize intangible images want to identify consumers' needs, express their brand identity through offline space experiences, and communicate directly with consumers. However, fashion brands felt limited in delivering various spatial experiences to consumers in fixed-type retail stores created around sales, and to solve this, they are conducting temporary pop-up stores to maximize and deliver brand images that change according to various concepts and concepts. Global brands that develop brands around the world and sell products to consumers in each country should consistently convey their identity to consumers, continue to convey brand awareness, while creating connectivity with consumers in each country with unique characteristics. The method that emerged to overcome this situation is the localization of a globalization strategy that gives intimacy to the brand and forms a close connection with consumers, but global fashion brands used the localization method limitedly in marketing strategies. Therefore, in this study, we wanted to study how global fashion brands express their localization strategies in space, and the purpose of this study is to propose pop-up store space design using vernacular design. Existing local brands are entering each country and conducting sales activities as the size of their business grows, and contact with multinational consumers is growing. In this situation, global fashion brands will be able to express their localization strategies in space and will be able to break away from the uniform design of established pop-up stores in a situation where the number of pop-up stores is increasing exponentially.

메타버스를 활용한 아이돌 무대의상 디자인 개발 : 신한복을 중심으로

이희영 건국대학교 예술디자인대학원 2023 국내석사

The Metaverse, which has grown rapidly amid the COVID-19 outbreak, is considered a promising new technology even after the declaration of endemic. As the generation Z is accustomed to handling digital devices, they become influential in the expanded digital environment, and different cultures and trends around them are quickly transmitted through SNS. In this circumstance, Korean culture, also called ‘K-Culture’ gained popularity around the world. In particular, K-pop (Korean popular music), which recently focused on idol groups, gained a lot of attention, and the their ‘Shinhanbok’ style stage costumes are also in the limelight. Reimagined young and trendy Hanbok not only increased Korean cultural pride but also opened up the possibility of development of Korean traditional clothing. At this point, it is urgently required to develop the Shinhanbok design and related contents that are suitable for the present age through in-depth research on Shinhanbok. Therefore, the purpose of this study is to develop idol stage costume design using the metaverse. To this end, the concept of the metaverse and the status of the metaverse fashion market are reviewed first, and the concept and characteristics of ZEPETO to be used as a development platform are examined in detail. The development of Shinhanbok as a stage costume are analyzed and examined through the changing process of Hanbok. From the analysis and examination, it is found that the influences of the generation MZ (Millennials and Gen Z) and the 'K-POP’ idols played a key role in huge popularity of the Shinhanbok today. The two main routes considered as the elements of play culture with Shinhanbok that enjoyed by the generation MZ through SNS activities are ‘Shinhanbok brand clothes’, which are available online marketplaces, and the 'Hanbok Costumes experience’ as part of Korean traditional palace outing program. And analysis of formative characteristics of the Shinhanbok designs is conducted in detail by shape, color, material, and pattern. In addition, the characteristics of K-POP idol girl groups and their stage costumes are examined. And the analysis is conducted on the formative characteristics of the stage costumes of 5 selected girl groups performing in the Shinhanbok and this collective analysis is reflected in the subsequent design development. In the design development, the girl group BLACKPINK is selected because they have been performing in the Shinhanbok around the world. As for the song for the stage costumes, the song <DDU-DU DDU-DU> is selected because its oriental percussion rhythm and the splendid monochromatic stage background of the rafters that appeared in the second half of the music video is suitable for expressing the stage costumes. As a result of comprehensive examination of the lyrics of the song and the overall image in the music video, the derived characteristics are images of 'freedom’, ‘challenge’, ‘confidence’, ‘sexy’, and ‘new'. And the elements of ‘Jeogori(top part of the Hanbok)’, the silhouette of Cheollik, and the shape of the ‘Daeran Chima(one of the skirts of the Hanbok)’, which are the formative elements of Hanbok analyzed in the Chapter 2, are used as major design motives to design Blackpink's stage costumes. In addition, 'sexy' and 'hip-hop' styles that are derived from the analysis of the frequency of girl group stage costumes are considered to express effectively the concept of the song, thus they are reflected in the design envelopment stage. A total of 4 stage costumes developed as ZEPETO Avatar costumes represent the formative elements of traditional Hanbok in a modern and trendy style, forming a unified stage costume collection to clearly reveal the unique color of PLACKPINK with the images of proactive and confident modern women. This study shows the possibility and necessity of using new fashion media by developing idol stage costumes as avatar costumes using traditional Korean clothes, Hanbok, in the metaverse that is attracting attention as the future world. Through this study, it is expected that the various Shinhanbok designs using the metaverse are developed and supplementary contents using them are actively created to contribute to the development of cultural sustainability. 코로나19 팬데믹으로 인해 비약적인 성장을 이룬 메타버스는 엔데믹이 선언된 이후에도 미래의 유망기술로 여겨지고 있다. 디지털 기기를 다루는데 능숙한 Z세대들은 확대된 디지털 환경 속에서 영향력을 발휘하게 되었고, 이들을 중심으로 여러 문화와 유행이 SNS를 통해 빠르게 전달되면서, 최근 한국의 문화는‘K-컬쳐’라는 이름하에 글로벌한 인기를 얻게 되었다. 특히 아이돌 그룹을 중심으로 K-POP이 뜨거운 관심을 받으며, 이들이 무대의상으로 착용한 ‘신(新)한복’역시 큰 주목을 받았다. 젊고 트렌디한 감성으로 새롭게 태어난 한복의 모습은 전통의복의 새로운 발전 가능성을 보여주었고, 우리 문화에 대한 자긍심을 높여 주었다. 이러한 시점에 신한복에 대한 깊이 있는 연구를 통해 현 시대에 맞는 디자인의 개발과 이에 대한 콘텐츠 개발이 절실히 요구된다. 따라서 본 연구는 메타버스를 활용한 아이돌 무대의상 디자인을 개발하는 것을 연구목적으로 하였다. 이를 위해 먼저 메타버스의 개념과 메타버스 패션시장 현황을 고찰하고, 개발 플랫폼으로 사용할 제페토에 대한 개념과 특징을 구체적으로 살펴보았다. 이어 무대의상으로 개발할 신한복에 대해 한복의 변천과정을 통해 분석 및 고찰한 결과 신한복이 이전과 달리 크게 유행 할 수 있었던 이유로 ‘MZ'세대와 ‘K-POP 아이돌’의 영향력이 그 배경으로 작용했음을 도출해 낼 수 있었다. MZ세대들이 SNS활동을 통해 즐기는 놀이문화의 한 요소로 이용하는 신한복의 주요경로를 온라인으로 판매되는 ‘신한복 브랜드 의상’과 ‘궁 나들이 체험의상’으로 판단하고 이들의 디자인을 형태, 색, 재질, 문양으로 구체적으로 나누어 조형적 특징을 분석하였다. 또한 K-POP 걸 그룹과 걸 그룹 무대의상의 특징을 고찰하고, 신한복을 입고 공연한 걸 그룹 5팀의 무대의상의 조형적 특징을 함께 분석해 이후 디자인 개발에 반영하였다. 디자인 개발에 있어 신한복을 입고 세계적인 공연을 해 온 걸 그룹 블랙핑크를 대상으로 하였고, 공연 의상을 위한 곡으로는 동양적인 퍼커션 리듬과 뮤직비디오 후반부에 나타난 서까래의 화려한 단청 무대배경이 신한복으로 무대의상을 표현하는데 적합하다고 판단하여 곡 <뚜두뚜두>를 선정하였다. 곡의 가사 내용과 뮤직비디오에서 느껴지는 이미지를 종합적으로 살펴본 결과 ‘자유, 도전, 당당함, 섹시, 새로운’이라는 이미지적 특징을 도출하였으며, 이와 함께 2장에서 분석한 한복의 특징적인 조형 요소 중 ‘저고리의 요소, 철릭의 실루엣, 대란치마의 형태’를 주요 디자인 모티브로 활용하여 블랙핑크의 무대의상 디자인을 진행하였다. 또한 걸 그룹 무대의상 스타일 빈도 분석 결과 도출된 ‘섹시’와 ‘힙합’을 이 곡의 컨셉을 잘 나타낼 수 있는 스타일로 판단하여 이를 반영해 디자인 개발을 진행 하였다. 제페토 아바타 의상으로 개발한 총 4벌의 의상은 전통한복의 조형적 요소들을 현대적으로 트렌디하게 잘 녹여내어 진취적이고 당당한 현대여성의 이미지를 블랙핑크만의 그룹의 색이 잘 드러날 수 있도록 하면서 무대의상으로 통일성 있는 컬렉션을 이루었다. 본 연구 결과 미래세상으로 주목받고 있는 메타버스에 한국의 전통 복식인 한복을 이용하여 아이돌의 무대의상을 아바타 의상으로 개발함으로써 새로운 패션 미디어의 활용가능성과 필요성에 대해 알 수 있었다. 본 연구를 통해 앞으로 메타버스를 활용한 다양한 신한복 디자인이 개발되고 이를 활용한 부가 콘텐츠들이 활발하게 생산되어 문화적 지속가능성의 발전에 기여하고자 한다.

라이프스타일에 따른 디자인 호텔 로비 디자인의 연상 기제에 관한 연구

윤현주 건국대학교 예술디자인대학원 2017 국내석사

Today, modern society is moving from quantity-seeking society to value-pursuing one. With the progress of deindustrialization and informatization, pluralistic phenomenon is appearing in which values and modes of life are becoming more complex and diverse even in the same society. In this environment, one of the changes worthy of attention is the change in consciousness of consumers who place importance on intangible values and experiences and actively exhibit their existence, intentions and opinions. This change in consciousness has given rise to a new consumer class with new life styles which escape from uniformity and fixed nature, placing high value on, and actively investing in, what fits to their tastes. The emergence of a new class not only has great effect on consumer consciousness and consumption patterns but also works as an important factor in the choice of hotels. Recently, the fact that design hotels, which provide unique experiences with differentiated and sensitive designs beyond daily routines by reflecting customer needs and various changing lifestyles, attract attention can be understood in the same context. As a matter of fact, design hotels recently serve as destinations as they become cultural and artistic icons which reflect customer lifestyles. Especially, the designs of lobby spaces in hotels play a deciding role in customers’ choices while representing the nature of hotels, and what space designs remind the customers of plays a vital role in the consumers with specific lifestyles. Thus, exploration on life styles to investigate consumer needs and preferences and the utilization of association mechanism as a psychological approach to reach their positive image are convincing ways to understand consumers. Therefore, the purpose of this study was to analyze lobby spaces of design hotels which focus on specific lifestyles from the perspective of association mechanism based on experiences under the premise that the kinds of accumulated experiences are different depending on lifestyles and that preferences for specific interior spaces are influenced by association mechanism formed by experiences. For this purpose, this study classified the types of life styles and association mechanisms and conducted case analysis to find out what association mechanisms are used to enhance preferences for design hotels of each type. Before case analysis, study classified types of life styles into 4 types, which are experiential activity type, social meeting type, fashion-pursuing type and hideout-preferring type, and classified association mechanisms into 5 types, which are similarity association in the nature of visual form, contrast association, approach association of visuospatial nature, assumption association and memory association. As the result of study, first, experiential activity type preferred spaces which enable them to enjoy direct experiential activities and mainly utilized similarity association and approach association through senses. Social meeting type preferred spaces which vitalize meetings and communications with people and utilized similarity association and memory association through senses and images. Fashion-pursuing type preferred spaces and brands which take the lead in new fashions and utilized similarity association and assumption association through forms, senses and images. Hideout-preferring type preferred individual spaces in which they can concentrate on their inside and mainly utilized similarity association and approach association through senses and images. Second, in utilizing association mechanism, similarity association was highly used as the role of starting point of association through space and most cases were characterized by making compound use of association mechanisms of visual and formative nature and association mechanisms of visuospatial nature, which created stories for the spaces through expansion process of association. Stories of spaces created this way became unique identities of the design hotels that provided new experiences for customers. As modern society changes into value-pursuing one, world-famous companies are seeking ways to communicate with customers with (various) lifestyles to create new market before they produce new products. In line with this change, design hotels should become places where they can form bond of sympathy with common values and experiences by providing consumers with creative story spaces which can stimulate customer needs, not simply spaces with differentiated designs alone any more. In this respect, the results of this study based on association mechanisms are expected to work as a basic material to develop lobby designs of the design hotels optimized for various life styles. 현대사회는 양적 추구 사회에서 가치 추구 사회로 이동하고 있다. 탈산업화와 정보화로 한 사회 안에서도 가치관과 생활양식이 점차 복잡, 다양해지는 다원화 현상이 나타나고 있다. 이러한 상황 속에서 주목해야 할 변화 중의 하나는 무형의 가치와 경험을 중시하며, 자신의 존재나 의사를 적극적으로 드러내는 소비자의 의식 변화이다. 이로써 획일성과 고정성에서 탈피하여 자신의 취향에 맞는 것에는 높은 가치를 부여하고 적극적으로 투자하는 새로운 라이프스타일의 소비계층이 등장하게 되었다. 새로운 계층의 등장은 소비 의식을 비롯해 소비 행태에 큰 영향을 끼치고, 호텔 선택에서도 중요한 요인으로 작용하고 있다. 최근 다양한 라이프스타일을 반영하여 차별화된 감각적인 디자인으로 일상을 뛰어넘는 독특한 경험을 제공하는 디자인 호텔이 주목받는 것도 같은 맥락으로 이해된다. 실제로 최근 디자인 호텔은 소비자의 라이프스타일을 반영하는 문화적, 예술적 아이콘이 되면서 그 자체로 목적지가 되고 있다. 특히 로비는 호텔의 성격을 대변하면서 소비자들의 선택에 결정적인 역할을 하는데, 공간디자인이 무엇을 연상시키느냐에 따라 특정 라이프스타일의 소비자들의 선호도에 큰 영향을 미치게 된다. 그러므로 소비자의 욕구와 선호도를 파악하기 위한 라이프스타일에 관한 연구와 그들의 긍정적인 심상에 도달하기 위한 심리적 접근 방법인 연상 기제의 활용은 소비자를 보다 깊게 이해할 수 있는 설득력 있는 방법이 된다. 따라서 본 연구의 목적은 라이프스타일에 따라 축적된 경험의 종류가 상이하고, 특정 실내 공간에 대한 선호도는 경험에 의한 연상 기제에 영향을 받게 된다는 전제 아래 특정 라이프스타일에 초점을 맞춘 디자인 호텔의 로비 디자인을 경험에 따른 연상 기제의 관점에서 분석하는 것이다. 연구의 방법으로는, 라이프스타일의 유형과 연상 기제를 분류한 후 각 유형에 따른 디자인 호텔의 선호도를 높이기 위해 어떤 연상 기제가 활용되는지 알아보고자 사례분석을 병행하였다. 사례분석에 앞서, 라이프스타일에 따른 유형은 체험활동형, 사교모임형, 유행추구형, 아지트선호형을 포함하여 4가지로 분류하였다. 그리고 연상 기제의 구분은 시각·형태적 성격으로는 유사 연상, 대비 연상, 시·공간적 성격으로는 접근 연상, 추측 연상, 추억 연상을 포함하여 5가지로 분류하였다. 연구의 결과는, 첫째, 체험활동형은 직접적인 체험활동이 가능한 공간을 선호하고, 형태, 감각을 통한 유사 연상과 접근 연상을 주로 활용하였다. 사교모임형은 사람들과의 만남과 커뮤니케이션을 활성화시켜 주는 공간을 선호하며, 감각, 이미지를 통한 유사 연상, 추억 연상을 주로 활용하였다. 유행추구형은 새로운 유행을 선도하는 공간, 브랜드와 콜라보레이션한 공간을 선호하고, 형태, 감각, 이미지를 통한 유사 연상과 추측 연상을 주로 활용하였다. 아지트선호형은 내면에 집중할 수 있는 개인적인 공간을 선호하며, 감각과 이미지를 통한 유사 연상과 접근 연상을 주로 활용하였다. 둘째, 연상 기제의 활용에 있어 대부분의 사례에서 공간을 통해 연상을 이어가도록 단서로써의 역할을 하는 유사 연상의 활용도가 높게 나타났으며, 시각·형태적 성격의 연상 기제와 시·공간적 성격의 연상 기제를 복합적으로 활용하는 특징을 보이고, 이러한 특징은 연상의 확장 과정을 통해 공간의 스토리를 만들어 주고 있음을 알 수 있다. 이렇게 형성된 공간의 스토리는 디자인 호텔만의 독자적인 아이덴티티가 되고 고객에게 새로운 경험을 제공하였다. 현대사회가 가치 추구 사회로 변화함에 따라 세계적으로 유명한 기업들은 새로운 시장 창출을 위한 신제품 생산에 앞서, 라이프스타일로 고객과 소통하는 방법을 찾고 있는 상황이다. 이러한 변화에 맞춰 앞으로의 디자인 호텔은 더 이상 디자인만으로 차별화된 공간이 아닌, 고객의 니즈에 자극할 수 있는 독창적이고 고유한 스토리가 담긴 공간을 제공함으로써 새로운 경험이 축적되어 그들과 가치로 공감대가 형성되는 장소가 되어야 한다. 그런 관점에서 연상 기제를 바탕으로 한 본 연구의 결과가 다양한 라이프스타일에 최적화된 디자인 호텔의 로비 디자인을 전개하기 위한 기초적 연구로 도움이 되기를 기대한다.

생성형 AI와 3D툴을 활용한 모토크로스 의류 디자인 개발 및 비주얼 프레젠테이션

노수현 건국대학교 예술디자인대학원 2025 국내석사

The rapid development and popularization of artificial intelligence (AI) are driving transformative changes across various industries. Generative AI technology is being adopted in diverse fields based on its convenience and efficiency, expanding its applications to creative domains such as design and content creation. Companies are integrating generative AI into their workflows to enhance productivity, but concerns about potential job reductions in certain industries have also been raised. In this changing landscape, the ability to effectively utilize generative AI has emerged as a key determinant of future competitiveness, and there is a growing emphasis on research to creatively integrate it into design processes, including in the fashion industry. This study focuses on these changes by selecting motocross apparel as the design development target and exploring ways to enhance productivity and reduce time and costs through the integration of generative AI and 3D tools. To achieve this, the study examined the development process of AI, analyzed generative AI tools by type, and selected appropriate tools for each design stage. Furthermore, it analyzed the features of motocross apparel, including silhouettes, materials, colors, graphics, and details specific to different brands, to establish a foundation for design development. The design development process was based on the FEA(Functional, Effective, Aesthetic) model. First, after analyzing the requirements for motocross apparel, three concepts combining streetwear and motocross apparel were derived and visualized using ChatGPT and Midjourney. Subsequently, a survey was conducted with 84 domestic motocross riders to finalize three designs. The selected designs were materialized using Clo3D, with initial designs refined by applying graphics generated with Midjourney. Finally, images created with Clo3D and Cinema4D were further enhanced for realism using Krea AI, and a dynamic presentation was completed by visualizing them through Gen-3. The study aimed to develop generative AI as a creative tool that can be controlled according to user intent. The findings reveal that generative AI significantly enhances productivity by enabling the rapid generation and visualization of design ideas. However, achieving desired outputs necessitates the careful tuning of prompts and parameters. Additionally, the combination of generative AI and 3D tools produced remarkable synergy, allowing for the completion of intricate details and streamlining traditionally time-intensive tasks such as video production. Realistic images generated by generative AI were effectively utilized for consumer preference surveys, enabling a rapid understanding of consumer needs and the quick identification of market-aligned designs. As generative AI tools continue to evolve, designers are expected to develop new skills to effectively harness their potential. These include prompt engineering, directing, and creatively analyzing and applying the latest trends in generative AI. This study proposed a method to integrate generative AI and 3D tools into the design process, using motocross apparel design development as a case study. While generative AI is still in its early stages and faces several limitations, this research serves as a foundational exploration of its potential and applicability. Future studies are expected to further enhance design productivity and establish generative AI as a creative and innovative tool through improved tools and new approaches. 인공지능(AI)의 급속한 발전과 대중화는 산업 전반에 걸쳐 혁신적인 변화 를 이끌고 있다. 생성형 AI 기술은 편의성과 효율성을 바탕으로 다양한 분 야에 도입되고 있으며, 디자인과 콘텐츠 생성 등 창의적인 영역으로 활용범 위를 넓혀가고 있다. 기업들은 생성형 AI를 업무 프로세스에 통합해 생산성 을 향상시키고 있으며, 이에 따라 일부 산업에서는 일자리 감소와 같은 우 려도 제기되고 있다. 이러한 변화 속에서 생성형 AI를 효과적으로 활용하는 역량은 향후 경쟁력을 결정짓는 핵심 요소로 자리 잡고 있으며, 패션 분야 에서도 이를 디자인 프로세스에 창의적으로 접목하는 연구의 필요성이 점차 강조되고 있다. 본 연구는 이러한 변화에 주목하여 모토크로스 의류를 디자인 개발 대상 으로 선정하고, 생성형 AI와 3D툴을 융합하여 생산성을 향상시키고, 시간과 비용을 절감할 수 있는 방안을 모색하였다. 이를 위해 인공지능의 발전 과 정을 고찰하고 생성형 AI 툴을 유형별로 분석하여 각 디자인 단계에 적합한 도구를 선별하였다. 또한, 모토크로스 의류 특징과 브랜드별 실루엣, 소재, 색상, 그래픽, 디테일을 분석하여 디자인 개발의 기초 자료로 활용하였다. 디자인 개발은 FEA 모델을 기반으로 진행되었다. 먼저, 모토크로스 의류 의 요구사항을 분석 후, 챗GPT(ChatGPT)와 미드저니(Midjourney)를 활용해 스트리트웨어와 모토크로스 의류를 결합한 3가지 컨셉을 도출하고 시각화하 였다. 이후, 국내 모토크로스 라이더 84명을 대상으로 설문조사를 실시하여 최종적으로 3개의 디자인을 선정하였다. 선정된 디자인은 Clo3D를 활용하여 구체화하였으며, 미드저니로 생성한 그래픽을 적용해 초기 디자인을 발전시 켰다. 마지막으로 Clo3D와 Cinema4D로 제작한 이미지를 크레아 AI(Krea AI) 를 통해 사실적으로 개선하고, 젠-3(Gen-3)를 활용해 영상화함으로써 창의적 이고 생동감 있는 프레젠테이션을 완성하였다. 생성형 AI를 창작 도구로 활 용하며, 사용자가 의도에 맞게 제어할 수 있는 도구로 발전시키는 것을 목 표로 두고 연구하였으며, 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 생성형 AI는 디자인 아이디어를 신속하게 도출하고 시각화함으로써 생산성을 크게 향상시켰다. 그러나 원하는 이미지를 얻기 위해서는 프롬프 트를 정교하게 수정하고 파라미터를 세심하게 조정하는 과정이 필요하다. 둘째, 생성형 AI와 3D툴의 결합은 뛰어난 시너지를 발휘했다. 3D로 구현 하기 어려운 디테일을 생성형 AI를 통해 보완할 수 있었으며, 시간 소모가 큰 영상 제작도 단일 이미지를 활용하여 효율적으로 진행할 수 있었다. 셋째, 생성형 AI로 제작된 사실적인 이미지는 소비자 선호도 조사를 진행 하는 데 유용하게 활용되었다. 이를 통해 소비자 니즈를 빠르게 이해할 수 있었으며, 시장의 요구에 부합하는 디자인을 신속히 파악할 수 있었다. 마지막으로, 생성형 AI는 지속적인 업데이트와 함께 성능이 세분화되고 있 어, 이를 효과적으로 활용하기 위한 디자이너의 역량이 점차 확대될 것으로 보인다. 프롬프트 설계와 이미지 디렉팅 능력은 물론, 생성형 AI의 최신 트 렌드를 분석하고 이를 창의적으로 활용하는 능력 또한 앞으로 중요한 역량 으로 자리 잡을 것이다. 본 연구는 모토크로스 의류 디자인 개발을 사례로, 디자인 프로세스에서 생성형 AI와 3D툴을 융합한 활용 방안을 제시하였다. 현재 생성형 AI는 초 기 단계로 여러 한계를 지니고 있으나, 본 연구는 그 가능성과 활용성을 탐 구한 기초 자료로서 의미를 가진다. 향후 연구에서는 개선된 툴과 새로운 접근법을 통해 생성형 AI가 디자인 생산성을 더욱 향상시키고, 창의적이며 혁신적인 도구로 자리 잡을 수 있기를 기대한다.

식물을 모티브로 활용한 페이퍼 아트워크 윈도우 디스플레이 연출에 관한 연구 : 딥디크를 중심으로

양소원 건국대학교 예술디자인대학원 2022 국내석사

환경적 이유로 인하여 실내에 머무는 시간이 늘어나면서 식물을 이용해 쾌적한 실내 환경을 조성하는 것에 대한 관심도가 높아지고, 자연히 공간에 식물의 필요성이 증가하였다. 전에는 식물 요소를 공간에 직접 사용하여 연출하는 방식이 주를 이루었지만, 현재에는 식물을 표현할 방법들이 다양하게 발전하고 있다. 이에 대한 다양한 분야의 표현 방식으로 실내 정원, 벽면 연출, 조명. 주얼리, 소품, 페인팅 등으로 식물을 활용하여 다양한 디자인을 선보이고 있다. 식물로만 한정적으로 사용되는 것이 아닌 다양한 방법으로 많은 디자인 분야에 응용을 할 수 있다는 가능성이 보인다. 이에 본 연구의 목적은 식물을 활용한 독창적이고 예술적인 페이퍼 아트 표현 기법을 적용해 식물의 표현 한계점을 보완하고 활용 기능의 폭을 넓혀주고자 한다. 페이퍼 아트워크는 공예 재료 중에서 사용이 쉽고, 쉽게 구할 수 있으며, 단순한 제작 과정으로 이용이 가능하다. 이렇듯 표현의 폭이 넓어지고 다양한 기법 적용이 가능해짐에 따라 오늘날 페이퍼 아트는 무대 디자인, 실내 공간연출, VMD, 북아트 등 다양한 분야에서 활용 가능성이 넓어지고 있다. 페이퍼 아트도 표현 기법에 따라 접기, 자르기, 말기, 조각, 겹치기, 엮기 등 다양한 분야에서도 표현이 가능하다는 것을 알 수 있다. 위와 같은 선행 사례 분석을 통하여 식물을 활용한 페이퍼 아트워크 연출 연구를 진행하게 되었고, 식물을 모티브로 페이퍼 아트워크에 적용하여 윈도우 디스플레이에 적용하여 디자인하였다. 딥디크 브랜드를 중심으로 페이퍼 아트워크 기법 중 자르기와 겹치기를 사용하여 작품을 제작하였다. 페이퍼 아트워크를 활용한 표현방식의 특징을 다음과 같이 정리하였다. 첫째, 표현하고자 하는 방식에 따라 평면적, 입체적 표현이 가능하며 페이퍼가 줄 수 있는 아름다움을 표현할 수 있다. 둘째, 페이퍼를 활용한 디자인은 시각적 효과가 뛰어나며 다른 오브제와도 조화롭게 사용이 가능하다. 셋째, 표현하고자 하는 이미지를 확실하게 표현할 수 있고, 디자인 의도와 다양한 컬러 사용과 두께를 조절할 수 있다. 본 연구는 이러한 과정을 결과로 식물을 모티브로 활용한 페이퍼 아트워크 쇼 윈도우 디스플레이 연출에 관한 연구를 진행하였고, 식물이 공간에 한정되지 않고, 독창성을 보여줄 수 있는 페이퍼 아트워크와 같은 표현 기법과 매치하여 다른 분야에서도 식물을 활용한 디자인이 다양하게 활용하여 연출되기를 바란다. The increased hours of staying indoor due to environmental reason have brought the increased interest in creating the pleasant indoor environment using plants, and the increased need of plants in the space naturally. In the past, the type of directing that directly uses the plants in the space used to be mainstream, but the diverse methods that express plants are being developed currently. For the diverse expressions, various designs are displayed using plants with indoor garden, wall display, lighting, jewelry, props and painting. The functional features that can be applied in many design fields variously not using plants only stands out. Accordingly, the purpose of this study is to supplement the limit of plant expression and to broaden the range of utilization by applying the artistic paper art expression method. The materials of paper art work are easy to use, find and available with simple manufacturing process. Likewise, as the width of expression gets broader and the various techniques can be applied, the paper art these days is broadening the use possibility in various fields such as stage design, indoor space directing, VMD and book art. It can be seen that paper art can also be expressed in various fields such as folding, cutting, rolling, sculpting, overlapping, and weaving depending on the expression technique. Through the analysis of the preceding cases as above, a study on directing paper artwork using plants was conducted, and the plant as motif was applied to the paper artwork and applied to the window display to design. Focusing on Diptyque brand, cutting and overlapping among paper art work techniques are used to product the works. The features of expressions using paper art work can be classified as follows. First, a flat or three-dimensional way expression is available depending on the desired way, and the beauty that paper can give can be expressed. Second, the design using paper has the excellent visual effects and can be harminzed with other objects. Third, the image that you want to express can be clearly expressed, and the design intention, various colors use and thickness can be adjusted. This study conducted the study on paper artwork show window display directing that uses the plants as motive based on this result, and I hope the design utilizing plants can be utilized and directed in other fields by matching the expression technique such as paper artwork which can show the creativity.