신호진 작품전

신호진 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2018 국내석사

영화음악 기법을 통한 대화형 게임음악 작법 연구 : 영화 <다크 나이트>와 게임 <배트맨: 아캄 나이트>를 중심으로

홍성규 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2017 국내석사

Contemporary game music is placed depending on stories, characters, situations and behaviors and performs an important role to boost immersion in games. This corresponds to the functions of film music. But there are big differences in music composition method, since contents and outcomes of games depend on behaviors of users, while causes and results of films are intended by directors. Therefore, for games, a interactive music system needs to be used to play proper music in a game engine depending on behaviors of users and game music composers have to create music fit for this purpose. Game and film are dynamic multimedia systems to provide users with visual and auditory information of causes and results according to the stream of time. Here, game music and film music play an important role as auditory information to arouse immersion of users. Film music first emerged in the late 1800s and has highly evolved along with the film history. Thus far, there have been numerous studies on film music techniques. In this respect, researching a variety of music techniques used in film music and applying them to two-way game music composition methods would bring positive effect. This study aims to research and analyze film music and to present diversity of interactive game music composition methods focusing on common ground between game and film. For this study, music techniques used in expressing the situational and emotional changes in the film, <The Dark Knight)> were analyzed and based on the analysis findings, music techniques applicable to the audio middleware, Wwise’s interactive music system were classified. Then the changes in music techniques depending on the development in the action adventure game, <Batman: Arkham Knight> were analyzed to look into the situation of interactive music system application. Lastly, an effective composition method for a interactive music system of game music was presented by comparing the music techniques analyzed.the music techniques analyzed. 현대의 게임음악은 스토리, 인물, 상황, 행동 등에 맞게 배치되어 게임의 몰입도를 끌어올리는 중요한 역할을 하고 있다. 이는 영화음악의 기능과 일맥상통하지만 연출자가 의도한대로 원인과 결과가 진행되는 영화와는 달리 게임은 사용자의 행동과 선택에 따라 내용과 결과가 달라지기 때문에 음악 제작 방식에 있어서 큰 차이가 나타난다. 따라서 게임에서는 사용자의 행동에 따라 음악이 재생되는 대화형 음악 시스템을사용하며 게임음악 작곡가들은 그에 적용할 수 있는 음악을 작곡한다. 게임과 영화는 원인과 결과를 시간의 흐름에 따라 시각적, 청각적 정보를 이용자에게 제공하는 동적 멀티미디어 매체이다. 여기에 게임음악과 영화음악은 이용자들의 몰입을 이끄는 청각적 정보로서의 중요한 역할을 한다. 영화음악은 1800년대 말 최초로 등장해 영화역사와 함께하며 많은 발전을 거듭해 왔고 지금까지도 영화음악 기법에 대한 많은 연구들이 진행되고 있다. 이와 관련하여 영화음악에서 사용되고 있는 다양한 음악 기법들을 분석하여 대화형 게임음악 작곡법에 적용한다면 마찬가지의 긍정적인 효과를 기대할 수 있다고 본다. 본 논문은 게임과 영화의 공통점에 초점을 맞춰 영화음악을 연구․분석하여 대화형 게임음악 작곡법의 다양성을 제시하는 데 그 목적이 있다. 연구방법은 영화 <다크 나이트(The Dark Knight)>의 상황과할을 한다. 영화음악은 1800년대 말 최초로 등장해 영화역사와 함께하며 많은 발전을 거듭해 왔고 지금까지도 영화음악 기법에 대한 많은 연구들이 진행되고 있다. 이와 관련하여 영화음악에서 사용되고 있는 다양한 음악 기법들을 분석하여 대화형 게임음악 작곡법에 적용한다면 마찬가지의 긍정적인 효과를 기대할 수 있다고 본다. 본 논문은 게임과 영화의 공통점에 초점을 맞춰 영화음악을 연구․분석하여 대화형 게임음악 작곡법의 다양성을 제시하는 데 그 목적이 있다. 연구방법은 영화 <다크 나이트(The Dark Knight)>의 상황과감정선 변화에 따라 쓰인 음악기법을 분석하여 그 중 오디오 미들웨어 와이즈(Wwise)의 대화형 음악 시스템에 적용 가능한 음악기법을 분류한다. 그리고 액션 어드벤처 게임 <배트맨: 아캄 나이트(Batman: Arkham Knight)>의 게임 진행상황에 따른 음악기법의 변화를 분석하여 대화형 음악 시스템에 적용 결과를 도출한다. 이와 같이 게임음악과 영화음악에서 도출된 음악적 기법들을 서로 비교․분석하여 얻어진 긍정적인 결과를 게임음악 의 대화형 음악 시스템에 적용함으로서 보다 극적인 감정의 몰입을 이끌어내기에 적절한 작곡기법을 제시한다.

각 음악장르의 악기구성 중 KICK Drum이 차지하는 주파수영역의 분석과 음악내의 Level 분석 연구

임형준 추계예술대학교 2017 국내석사

시간의 흐름과 더불어 음악은 진보하고 그와 함께 더 나은 음악을 만들기 위한 제작과정의 레코딩, 믹싱 테크닉들이 함께 발전하며 사운드 메이킹을 위한 다양한 녹음 기법과 시도들이 이루어져 왔다. 즉, 아티스트가 만들어내는 자신만의 사운드와 장르를 표현하는 과정들은 실제로는 아티스트가 창조한 원석의 사운드에 사운드엔지니어의 수많은 프로세스들이 거쳐 함께 발전시킴으로 대부분 만들어지며, 이는 마치 예술과 기술의 공동 작업으로 최고의 완성품의 탄생을 만들어가는 과정으로 볼 수 있다. 한 예로 현존하는 최고의 엔지니어 중 한사람인 토니 마세라티(Tony Maserati)가 만들어낸 사운드는 뉴욕 힙합 및 R&B의 사운드를 규정하기도 했다. 이렇게 예술과 기술이 빚어낸 사운드 속에 그 음악의 성격을 특정 짓는 요소들을 찾아보자면 음악의 ‘리듬’ 이라는 부분은 가장 중요한 요소로 될 수 있으며, 그 리듬을 담당하는 악기들의 ‘사운드’와 ‘연주’를 통해 그 음악의 특징을 표현하는 악곡의 구성과 완성을 하게 된다. 그 리듬에서 바로 ‘킥드럼의 사운드‘는 음악을 구성하기 위해 여러 가지 악기들이 탑을 쌓아 올라가는데 가장 첫 번째의 디딤돌의 역할을 하며, 이것의 밸런스와 주파수 위에 베이스, 기타, 건반, 그리고 보컬이 쌓여가며 결국은 악기 배치의 중심에서 음악을 완성하는 토대로 존재하는 것이다. 이 토대가 이미 점유하고 있는 위치를 바탕으로 후작업으로 하나하나 쌓이는 악기들은 먼저 킥드럼이 차지한 주파수대역과 레벨을 지키거나 상호 절충해 나가며 그것을 최대한 보존을 하면서 점층적으로 쌓인다. 그렇기 때문에 킥드럼의 사운드는 처음의 레벨과 톤메이킹을 한 이후 다른 악기들과 주파수 및 밸런스절충으로 조금씩 변화가 있긴 하지만 작업과정에서 처음 세팅 후 큰 사운드적인 변화를 만들지 않는, 전체 곡의 가장 중심을 잡고 가는 중요한 악기이다. 그와 더불어 각각의 음악장르를 대표하고 규정하는 등 장르별 특징적인 킥드럼의 사운드차이도 존재한다. 본 논문에서 분석하고자 하는 것은 이 킥드럼이 가지고 있는 각각 다른 장르별 주파수와 음악내의 레벨을 분석하고, 그 내용들이 2000년부터 2015년까지 발전하며 어떠한 변화들이 있는지에 목적을 두었다. 그러기위해서 그 당시 기술적인 면을 포함한 선출을 하는 그래미 어워드에서 각 장르별로 그 해의 곡들로 뽑힌 수상 곡들을 모아 킥의 주파수분석, 곡에서의 차지하는 주파수 영역 대와 에너지, 레벨과 그 변화를 도표로 정리하고 설명하여 2000년대의 마스터링을 거치며 나타난 레벨부터 2010년 전후의 라우드니스 워를 통한 극단적인 레벨의 크기까지를 측정하였고, 각 장르별로나타난 킥드럼의 특징들을 구술하여 Dance 음악과 Rap 음악의 동질성과 특이점, R&B와 Dance 음악의 주파수 배치상의 유사점들을 언급하였다. The advancement of music is ongoing as time passes. People have tried and are still trying to create “better music.” By developing recording and mixing techniques gradually, many engineers tried to record music and do mixing in many different ways. All the process of making music can be seen as collaborative work of musicians and engineers, which can also be referred to as collaboration of art and technique. When the artists produce/give sources to engineers, the engineers basically “make music” through very complicated and delicate processes. For example, Tony Maserati, one of the best engineers in the world, actively worked in this field to prosper the hip-hop sound in the center of New York. Although there are many different kinds of factors that can help us to classify the genre of music, rhythm is the most important one. The sound and performance of instruments that are in charge of rhythmic part of music express distinctive music/melody and composition of specific music genre. In rhythm, the sound of kick drum functions as a steppingstone. Mixing engineer piles up bass, guitar, keyboard, vocal and all other instruments one by one based on kick drum’s balance and frequency. After all kick drum plays a very important role and exists in the center of all the other instruments to complete the process of producing music. After the engineers balance out the sound of kick drum, they balance out the other instruments as well. The frequency interference between each instrument is inevitable because many instruments share the same frequency range. However, the engineers try not to change the tone and level of the kick drumtoo much from the sound they made in the beginning by maintaining the kick drum’s level and frequency as much as they could. Also many typical genres of music can be classified by kick drum because each genre has very different and distinctive kick drum sound. The purpose of this thesis paper is to analyze frequency and level in the music of kick drum in each genre and to find out the differences of the kick drum sound as it develops from 2000 to 2015. In order to do so, I had to gather and examine the Grammy award-winning artists’ songs in every genre. Kick drum’s occupied frequency range, energy, and level were analyzed for each song. Changes and differences in each song were organized and explained in charts. I also measured the changes in level from mastering in 2000 and “loudness war” affected level differences in early 2010. I talked about Kick drum’s different characteristics in each genre, the similarities and the peculiarities of dance music and rap music, and the frequency placement similarities of R&B and dance music. By researching and analyzing characteristics of different genre of music, we eventually will use this knowledge to develop and express music the way we want to especially when we have to work on genres that we are not familiar with. For the future sound-engineers, students, and free-lance composers, I hope this thesis paper could be a useful guideline to understand the sound better.

콘셉트 앨범과 영화음악의 내러티브 기능 분석 연구 : 핑크 플로이드(Pink Floyd)의 [The Wall] 사례연구 중심으로

하재용 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2019 국내석사

음악과 영화는 두 매체를 통해 내러티브를 완성하는 시간 예술로서의 더없이 훌륭한 상호 보완의 역할을 수행한다. 지금까지 영화음악을 영화를 보다 효과적으로 부연 혹은 부각시켜주는 보조적, 종속적 지위로서 이해한 배경으로 영화학 내 영화음악에 관한 구체적이고 다양한 역할에 대한 선행 연구가 많지 않았다. 그러다 1980년대 이후 들어 음악이 가지는 영화 내 독보적인 내러티브의 역할 및 기능에 관한 관심과 연구들이 늘어나고 음악이 독자적으로 만들어내는 내러티브의 깊이, 혹은 또 다른 해석으로 이끄는 다양한 길의 안내자 역할에 대한 관심이 늘어나고 있는 추세를 보이고 있다. 본 논문에서는 영화 분석 내에서의 사운드의 위치를 보다 독자적이고, 영화의 영상을 선두하는 위치에 두고, 다양한 상징적 기호를 담은 음악적 연출 방식 및 장치들을 통해 유발되어지는 내러티브의 기능과 전달, 그리고 그것이 영상 장치들을 통해 연출되어지는 내러티브의 영상적 표현 기법, 영화 서사구조에 미치는 영향 등 음악과 영상의 각 매체의 내러티브 기능 및 두 매체 간의 내러티브 상호 작용 관계 분석에 초점을 두고 있다. 이러한 연구를 위해 하나의 거대한 주제를 중심으로 앨범 전체를 유기적으로 소통하는 음악적 장치들로 내러티브를 도출 해내는 락 오페라 장르로도 불리는 콘셉트 앨범 형식으로 제작되어 영화화된, 핑크 플로이드(Pink Floyd)의 [The Wall]은 사운드만이 가지고 있는 내러티브의 기능 도출 및 전달, 그리고 그것이 영상과 어떻게 연결되어 영화적 효과를 만들어내는지에 대한 실질적인 분석을 가능케 하는 작품으로 본 고의 연구 목적에 부합하는 연구적 가치와 의미를 갖는다. [The Wall]의 사례 연구라는 질적 연구방법을 채택하며, 종적 횡적 연구 방향의 층위를 설정하여 음악적 혹은 영상적 장치로 만들어 낸 은유와 상징의 기호 등에 해석학적인 접근을 통한 내러티브 기능 및 상호 소통 관계 분석을 통해 두 매체 간의 내러티브적 연결고리 및 상호 작용 관계 등에 대해 연구한다. [The Wall]에서 사용되고 있는 복합적이며 층위적인 음악적 상징들로 도출되는 콘셉트 앨범의 거대한 서사구조는 다양하고 복합적인 음악적 요소들이 불러일으키는 심상(心象)들을 만들어 내며, 다양한 영상학적 기호 등으로 풀어낸 영상화 과정을 통해 두 매체 간의 상호 관계 및 유기적 작용 등에 의해 음악적으로 도출된 내러티브적 효과와 시각적 이미지들이 영화음악으로 사용되어 내러티브의 영상적 연출에 영향을 주고, 서사의 방향 제시 등의 주요 기능 및 역할 수행의 지표들을 확인한다. 두 매체에 공유되어 관통하고 있는 내러티브를 위해 음악과 영상은 상호 의존적이며 친화적인 의미 체계의 상호보완적으로 기능하여 내러티브의 명확성과 구체성 도출, 내러티브의 확장성과 상징의 구체적 명징성을 더욱 부가시키는 등 두 매체의 각기 다른 연출 방식 및 기능적 역할을 통해 다양한 내러티브를 드러내는 상징적 기호들을 소통 관계 속에서 상호교차하며 보완하고 있음을 확인한다. 본 논문의 연구 분석을 통해 얻어지는 결과는 본 논문의 연구 배경이자 목적인 영화 음악학에 있어 영상에 종속된 위치로 다뤄지던 음악에 대한 독보적이고 주도적인 위치 확보의 가능성 제시 검토의 시사되어지며, 본 연구가 영화학에서의 영화음악을 보다 독자적으로 극대화하여 분석 연구할 수 있는 보다 실질적인 분석 방법의 기틀 마련이 될 것으로 기대하며 영화학에서의 영화 음악에 대한 새로운 시각의 제시와 가능성을 제시하고자 한다. While since 1980s plenty of film-music studies have explored the interactions and the relations between film and music in narrative context, still film music has been recognised as the sub-material roles, which encourage the narrative with helping the pictures would like to deliver to their audiences. Indeed, only a few studies give interesting windows on the way dealing with music and image joint processing, the intersection of the two and the effect of one on the other. Despite this under-researched phenomenon, scholars of both fields, who are expected to conduct audiovisual cognition studies and researches, rarely address and deal with the two media as they act on each other. For this reason, film scores analysis that have focused primarily on music’s impact on visual perception in narrative context is rare. This thesis investigates the impact that a musical score can have on the visual component as well as the final product of a film, thus, it presents a comprehensive discussion on audiovisual relations and inter-connection of both two media’s meaningful functions in narrative context. As a study case, this thesis has examined the concept album and film of Pink Floyd's [The Wall], which is regarded as one of greatest concept albums examples of excellence. By using various analytical techniques and through the use of a systematic analytical approach, which covers the most important aspects of the musical and visual elements within [The Wall], this thesis demonstrates how music functions at the global and local levels and reveals the connotations and narrative implications of audiovisual stimuli within the narrative context where consequently compose the narrative experiences and have a complex relationship with film settings. The outcomes of the analysis of [The Wall] are achieved by selecting specific and significant scenes that contain critical visual and musical elements which are vital to the narrative context. The results of the analysis demonstrate how the narrative is presented via two different multimedia in order to identify their scores to project significant narrative information and to ultimately change the way their films are perceived by audiences. Following this result, conclusions are drawn regarding the complex and communicative relationship between what we hear and see when experiencing an audio-visual narrative, which developing the mood of critical interactions, and combining visual and auditory stimuli that composes and create the narrative experience, which poses music’s profound influence on the visual aspects of the film as well as its role in the ultimate narrative success of both album and film [The Wall].

현 음반 산업 불황시점에서의 음원제작 발표 및 유통과정 연구 : 여운규 "눈물 지우지 못해"를 중심으로

여운규 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2016 국내석사

Nowadays, we are in the dull season of record industry. It seems that there are two reasons. First, korean record industry has reorganized completely from offline record market to online music market since 2003. Second, the price of the song is declining since the music streaming service has been major consuming goods. Home recording has been generalized in the music making system, because of the change of the storage media. It may create a niche market of music market for not idol dance music but any other music genre, so there is a need for song writing of various artists actively. It may solve the standarization in Korean pop music scene. For now, offline record market is so reduced that there's no meaning of calculating a thing on the market. Digital music market has hold real power, and this is a tendency all over the world. Korean music production has been enlarged in the quality and quantity by K-pop and Korean Wave, and played an important roll that introduce Korean cultures to the whole world. But it also made standarization in the Korean pop music scene. Large entertainment productions are only targeting the teens, who consume the Korean pop music mainly, as a result, they don't invest the other music genres. But coexistence of various genre can nourish Korean Wave. The point of Producing music personally is the level of completion. It's quality should be same as large entertainment productions', and would diversify the Korean pop music scene. If Individual musician publish songs of good quality, Korean music market will be develope and well-balanced. This study has researched mixing and mastering process that are performed before publish the music. Also, the level of completions of music video, as the public relation, was taken time off in this study for the fruit of continuing value. Finally, in this study, a whole process of producing, publishing & distributing is dealt with, as a guidance to musicians who make songs personally. 현 음반 산업은 장기적인 불황이 지속 되고 있다. 그 이유는 국내 음반시장이 2003년도를 기점으로 오프라인 음반시장에서 온라인 음원시장으로 완전히 개편되었고 스트리밍 서비스 가 대세 음악 소비행태가 되면서 음악의 값어치가 점점 하락하고 있기 때문이라 사료된다. 저장매체의 변화로 음원의 제작방식 또한 홈 스튜디오 레코딩 방식이일반화 되어가고 있는 지금 국내 대중음악의 획일화 현상을 조금이나마 해소하기위해 아이돌음악이 아닌 다양한 장르의 대중음악도 분명 틈새시장은 존재하고 여러 장르 아티스트들의 활발한 창작활동이 요구된다. 이제 오프라인 음반시장의 매출액을 산정하는 건 별의미가 없어질 정도로 축소되었고 디지털음원시장이 국내 음악산업을 장악하였다. 이는 세계적인 추세이다. 국내 음악산업은 K-POP 을 필두로 한류와 더불어 놀라운 산업적 성과와 양적 팽창을 하였고 한국문화를 세계에 알리는 큰 역할을 했으나 국내 대중음악장르 획일화 현상의 주범이 되었다는 오명을 쓰고 있다. 우리나라는 음원의 주 소비자가 10대인만큼 대형기획사는 주소비층을 겨냥한 음악을 만들 수밖에 없고 그 결과 새로운 장르의음악에는 투자를 하지 못하고 있는 실정이다. 국내대중음악 시장에 다양한 장르의 음악씬이 공존해야만 한류의 세계화에 자양분이 될 것이라 사료된다. 개인음원제작에 있어서 중점을 둬야 할 부분은 음원의 완성도이다. 대형기획사의 음원과 같은 퀄리티로 음원이 발표 되어야만 대중음악의 다양화가 이뤄질 것 이고 본 논문은 음원발표 전에 진행되는 믹싱과 마스터링 작업에 많은 시간을 가지고 연구 하였다. 그리고 개인제작 음원의 홍보수단인 뮤직비디오의 완성도에도 많은 시간을 할애 하였으며 일회성 영상물이 아닌 지속성이 강한 영상결과물을 얻기 위해 노력 하였다. 개인뮤지션들의 지속적인 양질의 음원발표가 계속된다면 국내 음악시장도 고른 발전이 이뤄질 수 있다고사료된다. 본 논문은 개인음악가의 음원발표에 있어서 올바른 방향 제시를 위해 고군분투 하였고 음원 및 뮤직비디오의 전반적인 제작과정과 유통과정을 연구하여 개인음악가에게 길라잡이가 될 수 있도록 노력하였다.

음악의 부재가 영화에 미치는 영향에 관한 연구

정서린 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2017 국내석사

This study researches on how the absence of music has influence on the narrative in movies. Before the researching, it studies the functions of the film score and analyzes following movies <Pearl Harbor>, <Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2>, <4th Place>, and <No Country for Old Men> for those functions. In this way, it made researches on how the absence of music was used, the functions it has, and how it has influence on the narrative in the movies. The result shows that musical functions of the absence of music can be put into 3 categories : physical, psychological, and technical. These are same with 3 musical functions of film score. Therefore, the absence of music is an musical element in the whole flow of the film score, and it should be used with considering the narrative of the movie. In the movie, the absence of music is not just absence, but an essential element that delivers the narrative, brings out of the other cinematic elements, and organizes the movie with those elements. It is just like John Cage said “a perfect silence doesn't exist and everyday noise is also music”, and Robert Rauschenberg said “perfect naught doesn't exist and a dust and a shadow can be a picture”. There are many existing studies about analyzing film score itself, but they are insufficient for the influence of the absence of music in movies. Therefore, this study will be a help to composer attending to the field of film score, and be a boon to development of film score. 본 논문은 음악의 부재가 영화의 내러티브에 어떠한 영향을 미치는지에 관한 연구이다. 연구에 앞서 영화음악의 기능을 살펴보고, 영화 <진주만>, <해리포터와 죽음의 성물 2부>, <4등>, <노인을 위한 나라는 없다>를 영화음악의 기능을 기반에 두어 분석한 후, 이를 통해 음악의부재가 영화에서 어떠한 방법으로 사용되었는지, 어떠한 기능을 하는지, 음악의 부재가 영화의 내러티브에 어떠한 영향을 미치는지에 대해 연구하였다. 연구 결과, 음악의 부재는 영화음악의 세 가지 기능인 물리적 기능, 심리적 기능, 기술적 기능으로 나눌 수 있었다. 따라서 음악의 부재도 전체 영화음악의 흐름 중 하나의 요소이며 영화의 내러티브를 염두에 두고 사용해야 한다. 완전한 묵음은 없으며 일상적인 소음도 음악이라는 존 케이지의 주장과 완전한 무의 상태는 없으며 먼지와 그림자도 그림으로 본 로버트 라우센버그의 주장처럼, 영화에서 음악의 부재는 단순히 음악이 없는 부분이 아닌 영화의 내러티브를 전달해주는 영화적 요소들을 부각하고 함께 영화를 만들어가는 하나의 필수 요소로 보아야 한다. 기존의 발표된 논문 중 영화음악을 분석하는 논문들은 많았으나 음악의 부재가 영화에 미치는 영향에 관한 연구는 충분히 이루어지지 않은 것이 사실이다. 이에 본 논문이 영화음악 분야에 종사하고 있는 음악인들에게 도움이 되기를 바라며 영화음악의 발전에 보탬이 되기를 기대한다.

엠비언트(Ambient ) , 칠 아웃(Chillout)음악의 특정을 분석, 적용한 음악의 제작연구 : 자작곡 ‘Image Nation,을 중심으로

정수현 추계예술대학교 문화예술대학원 2017 국내석사

일렉트로닉 음악(Eelectronic Music°) 은 1940년대 구체음악( Muisiq ue Concrete ) 을 시작으로 현재 EDM 및 대중음악까지 다양한 음악적 특정 들과 그에 따른 많은 하위 장르들을 파생시키며 지금까지 발전해 왔다. 본 논문은 현재 다양한 일렉트로닉 음악 장르 가운데 엠비언트 뮤직 ( Ambient Music ) 과 칠 아웃 뮤직(Chillout Music )을 선택, 장르적 특징을 이해하고 창작곡 ‘Image Nation ’에 적용하여 본다. 이 들 장르의 음악적 특정을 이해하기 위해 이 장르에서 현재 활발히 활동 중인 뮤지션 (Musician ) 인 Tom Day와 K eith Kenniff 를 선정, 그들의 대표독들을 선 행 연구곡으로 정한 뒤 편곡적으로 분석한다. 이렇게 분석한 내용들을 바탕으로 이해한 엠비언트, 칠 아웃 뮤직의 장르적 특성을 본인의 자작 곡 ‘Image Nation ’에 적용 하여 제작, 분석 해 보았다. 이 연구를 통해 엠비언트, 칠 아웃 뮤직은 청자의 편안함을 목적으로 하는 음악으로서 반복적인 멜로디와 화성, 다운템포의 비트, 신비로운 패드사운드가 특정임을 확인 할 수 있었다. 그러나 이러한 특정 때문에 자칫 지루해 질 수 있다는 점에 착안하여 자작곡 ‘Image Na t ion에서는 하나의 독 안에서 크게 두 파트 ( A, B)로 나누어 편콕, 새로운 음악적 방향성을 제시한다. 본 논문을 토대로 하여 현재 연구가 미비한 엠비언트, 칠 아웃 장르의 연구와 동향에 대한 논의가 활발히 이루어지기를 바라는 바이다. Electronic music has evolved from the musique concrete in the 1940s to the present, with the current EDM and pop music that have various musical f eatures and deriving many sub-genres. In this paper, ambient music and chillout music are selected among various electronic music genres to understand their genre characteris tics and apply it to the original song ‘Image Nation'. To understand the musical characteristics of these genres, Tom Day and Keith Ken niff who are musicians currently and actively involved in the genre, were selected. By choosing their representative songs as advance st udy songs, they are analyzed in an organized way. Based on the ana lyzed details, the genre characteristics of ambient music and chillout music are applied to my original song ‘Image Nation' and produced a nd analyzed. Through this study, I was able to confirm that ambient music and chillout music are music that target listeners' comfort, and is charac terized by repetitive melody and harmony, down -tempo beat and my stical pad sound. However, focusing on the point that these features might make it sound boring, the original song ‘Image Nation' was arr anged largely in two diff erent parts, suggesting a new musical direct ion. Based on this paper, I hope active discussions will be conducted on the research and trend of ambient and chillout genres, which current ly have insufficient studies.

일렉트로닉 뮤직 페스티벌의 발전과 지역경제 활성화를 위한 연계방안 연구

권희원 추계예술대학교 대학원 2015 국내석사

문화생활의 종류 중 ‘축제’는 오늘날 곳곳에서 쉽게 찾아볼 수 있을 정도 로 우리 삶에서 더 이상 어색하지 않다. 우리나라의 축제는 지방자치제 실 시 이후 급속히 수가 증가하였으며, 지역을 기반으로 하는 경우가 대다수 이다. 그 중 뮤직 페스티벌의 경우 대략 10년 전부터 소규모 클럽 위주로 시작 되다가 최근에 들어서는 지역을 기반으로 하는 자라섬 국제 재즈페스티벌,인천 펜타포트 록 페스티벌, 안산 M 밸리 록 페스티벌이 개최되고 있으나 이 외의 많은 뮤직 페스티벌들은 대체적으로 활성화되지 못하고 있다는 평 가이다. 반면 벨기에의 투모로우랜드 페스티벌은 붐(Boom in Belgium)도시 의 De Schorre 지역과 유럽 전역을 연계하는 관광 프로그램을 통하여 해 마다 더욱 발전하고 있으며 지역 발전 및 경제활동에 크게 이바지하는 것 으로 나타나고 있다. 이에 본 연구는 우리나라의 여러 일렉트로닉 뮤직 페스티벌 중‘도시 이 미지 마케팅’의 목적으로 지역과 연계하여 개최되고 있는 월드 디제이 페 스티벌(World DJ Festival, 이하 월디페)을 선정하였으며 월디페에 참여한 실 관객들에게 설문조사를 실시하여 본 페스티벌의 개선 방향 모색, 현황 및 문제점을 파악하고 개최지역과 연계하여 지역 경제를 활성 시키며 문화 콘텐츠로 발전시켜 아시아 최고의 뮤직 페스티벌로 성장할 수 있도록 객관 적인 평가와 발전방안을 제시하고자 하였다. 본 논문에서 제안하는 일렉트로닉 뮤직 페스티벌의 발전과 지역 경제 활성화 방안은 다음과 같다. 첫 째, 일렉트로닉 뮤직을 접할 수 있는 기회를 많이 만들어 주어야 한 다는 것이다. 둘 째, 월드 디제이 페스티벌 홍보방안을 변경할 필요가 있겠다. 셋 째, 행사 기획 및 원활한 진행을 위한 방안 마련이 필요하다. 넷 째, 개최지역과의 연계성 강화가 필요하다.

브래드 멜다우가 리메이크 연주한 블랙 버드의 즉흥 연주 분석

안혜원 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2016 국내석사

재즈 즉흥 연주는 연주자만의 재창조의 과정으로 재즈의 대표적인 핵심 요소라 할 수 있으며 재즈 음악의 위상을 예술적 가치로 격상 시키는 데에 주요한 역할을 하였다. 따라서 재즈에서 즉흥 연주에 대한 이해와 분석은 중요한 부분이라고 할 수 있다. 본 논문은 브래드 멜다우의 블랙 버드의 즉흥 연주를 바탕으로 그가 자신만의 특징을 어떠한 기법을 통해 형성하는지 분석하여 실질적인 연주에서의 응용과 후속 즉흥 연주 연구에 활용되는 것을 목적으로 하는 연구이다. 브래드 멜다우는 다양한 동시대 음악의 현대적 감각을 선택적으로 적용하여 재즈를 발전적으로 계승함으로써 다른 아티스트들과 구별되는 독창적인 스타일을 가진 피아니스트로 평가 받고 있다. 구체적으로 멜다우가 사용한 연주 기법들이 주는 음악적 효과와 그가 이 기법들을 어떻게 활용하였는지 다음과 같이 요약할 수 있다. 첫째, 전체적인 솔로 프레이즈를 타깃 어프로치 기법으로 프레이즈의 타깃을 리듬과 음정을 변화시킨 모티브로 해결하면서 솔로 전체의 통일감을 부여하였다. 둘째, 모달 인터체인지 및 업퍼 스트럭쳐로 사용하여 프레이즈를 입체적으로 형성하는데 활용하였다. 셋째, 오스티나토와 폴리리듬으로 프레이즈에 역동성을 주고 솔로의 절정을 표현하는 효과적인 방법으로 적용하였다. 넷째, 콜 앤드 리스폰스를 적용하면서 왼손과 오른손의 유기적인 관계를 연결하고, 왼손이 보편적인 연주 방법에서 벗어남으로써 그 한계를 두지 않았다. 본 논문의 사례에서 살펴볼 수 있는 바와 같이 구조적 관점에서의 다양한 기법들을 적절히 이해하고 활용한다면 보다 구성미 있고 완성도 높은 즉흥 연주를 구사할 수 있을 것이다. Improvisation is a process of recreation by a performer representing the art of Jazz and one of the most important elements leading Jazz to reach a certain level among variety of genres of music. Therefore it is crucial and beneficial to analyze and have deeper understanding of improvisation in Jazz music. This paper introduces an analysis of multiple methods to improvise which were performed by one of the recognized pianists among various Jazz artists, Mr. Mehldau, whose reputation has uniqueness and distinguished style with a certain level, while he recorded the tune entitled ‘Black bird’ in purpose of nourishing the beauty of actual improvisation which would be taken place by ones who reads this paper. Mr. Mehldau adopts modern characteristics of the other genres of contemporary music and inheritance of Jazz carefully and selectively, which results in having an exclusive reputation. In detail, following methods are being analyzed and presented in this paper; First, Mr. Mehldau applied target approach to overall solo phrases, resolving the target of the phrase with modified rhythm and intervals, conforming coherency to his solo performance. Second, modal interchange and upper structure was utilized to give afflueny to the phrase. Third, with ostinato and poly rhythm, he enriched vibrancy of the phrase and reached the zenith of his solo. And the last, it went through beyond limits of trivial improvisation with linking the relation between left and right hand in playing by applying call-and-response method and utilizing a use of left hand sufficiently. As introduced in this study, various advanced methods as Mr. Meldau presented, will construct more structural view over one’s performance and help perfection of improvisation when they are acquired by a performer.

왈츠로 만들어진 영화음악 테마 분석 : 영화「올드보이」「장화홍련」「이끼」를 중심으로

최유진 추계예술대학교 2018 국내석사

현대사회에서 활발하게 진행하고 있는 영상산업의 발달에 따라 그에 따른 필수적인 요소로 영상음악도 함께 발전하고 있다. 영화가 만들어진 이래 중요한 표현 방법으로 자리매김 한 영화음악은 영화 자체보다 큰 비중으로 대두되기도 한다. 영화음악은 영화의 주제나 등장인물을 더 각인시켜주며 영화와 상호작용해 전달하고자 하는 내용을 효율적으로 전달하고자 한다. 이를 바탕으로 영화음악 작곡가는 영화의 연출 의도에 대한 이해를 중심으로 음악적 표현을 통해 완성도를 높이는데 기여하고 있다. 그 중 국내 영화음악 내 왈츠로 만들어진 테마음악의 선호도가 높음을 이용해 왈츠음악이 영화 내에서 작용하는 내러티브적 기능에 맞춰 음악과 장면을 분석 하였다. 음악이 영상의 내러티브를 돕는 기능을 중심으로 라이트모티브의 사용과 배경음악적 기능으로 멜로디나 화성의 변화, 악기 구성의 다채로운 변화가 영화의 분위기를 형성함을 볼 수 있었다. 본 논문은 <올드보이>, <장화홍련>, <이끼>에서 사용된 왈츠음악을 분석의 대상으로 삼았다. 왈츠라는 장르가 가지고 있는 모순성을 바탕으로 익숙한 삼박자의 리듬과 선율이 국내 영화 제작 시스템에서 활용되는 모습을 살펴보았다. 분석 결과 한 테마음악이 영화 내에서 다양한 곡과 변주되어 연주되기도 하고 악기군의 변화와 다이내믹 표현을 통해 영상의 전개를 돕는 방법으로 다채롭게 사용되고 있었다. 이 연구를 통해 왈츠를 이용한 테마음악이 영화 내에서 다양한 기법으로 발전되어 무한한 가능성에 목적을 둔다. Nowadays, Media music has developed as development of media industry in modern society. Since film has come out, sometimes film scoring is considered more important than film itself. Film scoring emphasizes the subject of film and characters, and delivers the contents effectively by interacting with film. Based on this, film composers contribute to perfection of film by musical expressions with understanding intention of directing. Among the film music, this study chose theme music made with waltz that is preferred by Korean film, and analyzed watlz music acting with narratives for relevance between music and scenes. Focused on music helping the narrative of film, variations of melodies and harmonies that make Leitmotiv and underscoring create a atmosphere of film. This study chosed waltz music used in <Old Boy>, <A Tale Of Two Sisters>, <Moss>. Based on contradiction that waltz has, this study studied familiar 3/4 meter and melody that used Korean film production. As a result, a theme music varied and played with various music, and helped development of screen by changing instruments and expressing dynamics. Through this study, theme music made with waltz in films could develop its potential and many techniques.