반복행위를 통한 도자 조형 표현 연구 : 본인 작품을 중심으로

심혜리 서울여자대학교 일반대학원 2020 국내석사

The humanity has pursued the art of forms throughout its history from the past to the present, leading to creation of various cultures and civilizations in the lives of human beings. It can be found that the form has served as a basis for the underlying principles of various three-dimensional formative artistic features since the emergence of art in the prehistoric times. In addition, the formative artistic expression, which originated from the relationship between human beings and the nature, has been developed into a means for revealing the human intention to make expression. Such formative artistic expression can be considered to represent the most universal behavior of human to convey their thoughts and ideas. In the ancient times, the formative art principles, centered around the repetition, were often incorporated into architecture, fine art, and particularly, crafts. Those principles of formative art include the repetition, balance, contrast, proportion, uniformity and variation, among which the repetition is divided into the repetitions, such as the repetition of same expression, repetition as repetitive behavior, and repetition copying the originals. This researcher conducted a study on ceramic formative artistic expression rendered through repetitive actions which reflected the principle of repetitive formative art, and through that, intended to create various ceramic formative arts. Moreover, this study was intended to broaden the scope of ceramic formative artistic expression by conducting various researches based on repetitive actions, while allowing more flexible forms to be created, compared to existing modes of formative art, by using the physical properties of soil for ceramic formative artistic expression. In this study, firstly, theoretical aspects of the relationship between formative art actions of human and repetition was examined based on understanding of formative art, and the characteristics of the formative art principle, revealed in arts as found in multiple literatures, were summarized. Second, the concept and characteristics of repetition were classified in this study, and various techniques and formative artistic features were investigated. Furthermore, formative artistic expression, rendered through repetitive actions, were specified and described. Third, the process of art creation based on artists' repetitive actions, along with expressive techniques, were described in the case study on related art works. Through that, it was found that the repetitive actions had important meaning in the formative artistic expressions. The ceramic formative arts, expanded through formative artistic expression of 'piling, twisting, tearing, and rolling', defined by this researcher, were investigated. Fourth, the repetitive actions of this researcher were classified into 4 formative artistic expressions, i.e., piling, twisting, tearing, and rolling, which were applied to the art creation process. Thus, the ceramic formative art works were created based on repetitive actions. Such formative artistic expression made this study differentiated from other studies on ceramic formative art as the focus was placed on the behavioral elements of this researcher. Fifth, based on production and analyses of the works investigated in this study, it was found that the formative artistic expression was used as the themes in the studies on various formative arts rendered through repetitive actions. In this study, the repetitive actions were classified into 4 formative artistic expression, i.e., piling, twisting, tearing, and rolling. This study, which investigated the ceramic formative art rendered through those repetitive actions, reexamined the possibility that the physical properties could be expressed in various ways and created an opportunity for expanding into creative formative artistic expression. This researcher hopes that the results of this study would provide useful basis for the succeeding studies of which results can be applied to creative formative artistic expression in the field of studies on various formative arts. 인류가 형(形)을 추구한 역사는 과거에서부터 현재까지 긴 시간에 거쳐 인간의 삶에서 다양한 문화와 문명을 이룩해왔으며, 선사시대의 원시미술에서부터 다양한 조형 원리를 나타내는 지표가 되고 있음을 확인할 수 있다. 또한, 조형 표현은 인간과 자연의 관계에서부터 시작되어 인간의 표현 의지를 나타내는 수단으로 발전하였으며, 이러한 조형 표현은 인간의 가장 보편적인 의사전달 행위라고 설명 할 수 있다. 고대에는 건축이나 미술, 특히 공예 분야에 반복의 조형 원리가 즐겨 사용되어졌다. 이러한 조형 원리에는 반복, 균형, 대비, 비례, 통일, 변화가 있으며, 그 중 반복은 같은 표현을 되풀이하는 동어 반복, 행위로서의 반복, 다른 이의 원작을 복제하여 반복하는 것 등이 있다. 본 연구자는 이러한 반복의 조형 원리를 바탕으로 반복행위를 통한 도자 조형 표현을 연구하였으며, 이를 통해 다양한 도자 조형 작품을 제작하고자 하였다. 또한, 본 연구는 도자 조형 표현에 있어서 흙의 물성을 이용하여 기존의 조형 방식에서 보다 유연한 형태 제작을 가능하게 하였고, 반복행위를 통한 다양한 연구를 진행하여 도자 조형 표현의 범위를 확장하고자 하였다. 본 연구에서는 첫째, 조형의 이해를 바탕으로 인간의 조형 행위와 반복의 관계에 대해 이론적으로 고찰하고, 다수의 문헌을 근거로 예술에서 나타난 조형 원리의 특징에 대해 정리하였다. 둘째, 본 연구에서 반복의 개념과 특징을 분류하고 반복행위를 통한 다양한 기법과 조형미에 대해 연구하고, 반복행위를 통한 조형 표현을 구체화하여 서술하였다. 셋째, 작품 사례 연구에는 작가의 반복행위를 통해 제작된 작품의 제작과정과 표현기법을 서술하였다. 이를 통해 조형 표현에서 반복행위가 중요한 의미가 있다는 것을 확인하고, 본 연구자의 ‘쌓기, 꼬기, 찢기, 말기’의 조형 표현을 통해 확장된 도자 조형 연구를 진행하였다. 넷째, 본 연구자의 반복행위를 ‘쌓기, 꼬기, 찢기, 말기’의 4가지 조형 표현으로 분류하고, 이를 작품 제작과정에 적용하여 반복행위를 통한 도자 조형 작품을 제작하였다. 이러한 조형 표현은 본 연구자의 행위적 요소를 중심으로 타 도자 조형 연구와 차별화를 시도하였다. 다섯째, 본 연구의 작품 제작 및 해석을 통해 반복행위를 통한 조형표현이 다양한 조형 연구 분야에서 주제가 되어왔음을 확인하고, 본 연구자의 작품에 표현한 반복행위를 중심으로 도자 조형 연구를 확장하고자 하였다. 본 연구에서는 반복행위를 ‘쌓기, 꼬기, 찢기, 말기’의 4가지 조형 표현으로 분류하였다. 본 연구자에게 이러한 반복행위를 통한 도자 조형 연구는 물성의 다양한 표현 가능성을 재조명하고 창의적인 조형 표현으로 확장할 수 있는 계기가 되었다. 본 연구를 바탕으로 향후 연구의 결과물들이 다양한 조형 연구 분야에서 창조적 조형 표현으로 활용되어지기를 바란다.

스트릿 댄스의 움직임을 형상화한 도자 조형 연구 : 선형 입체 표현을 중심으로

김진희 서울여자대학교 일반대학원예체능계열 2025 국내석사

본 연구는 자율성과 즉흥성을 바탕으로 한 스트릿 댄스(Street Dance)의 움직임, 그중에서도 유기적이고 선형적인 흐름을 지닌 움직임을 도자 조형 언어로 형상화하는 가능성을 탐색하는 데 목적이 있다. 춤은 찰나의 순간에 이루어지는 행위 예술로, 움직임 그 자체가 핵심 표현 수단이지만 물리적으로는 사라지는 속성을 지닌다. 반면, 도자는 소성과정을 거친 고정된 물질로서 지속성과 정적 특성이 강조되는 매체이다. 이에 본 연구에 서는 스트릿 댄스의 움직임을 도자 조형으로 시각화함으로써 서로 다른 두 장르 간 융합의 조형적 가능성을 모색하고자 한다. 연구는 춤의 움직임과 선의 조형적 관계, 도자 재료의 확장 가능성에 대 한 고찰, 작품 제작 및 설명으로 구성하였다. 먼저 스트릿 댄스의 개념과 특징을 파악하고, 춤의 움직임에 대한 이론적 고찰을 통해 춤과 선의 연관성에 대해 주목하였다. 이어서 선의 개념 및 조형적 특성, 그리고 선형 입체 표현을 중심으로 작업한 현대 작가들의 사례를 분석함으로써 선이 갖는 조형 언어로서의 확장 가능성을 살펴보았다. 다음으로 연구자는 움직임의 선형 흐름을 시각화하기 위해 선형 구조를 구현할 수 있는 재료를 탐구하였다. 이에 따라 독특한 물성을 지닌 이집션 페이스트라는 재료에 대한 연구를 진행하였으며 이집션 페이스트를 활 용한 작가들의 사례를 통해 타 재료와의 융합 가능성을 모색하였다. 이집션 페이스트에 대한 고찰을 통해 해당 재료의 특징인 단벌소성, 자화 (self-glazing)되는 성질, 타 재료와의 융합 가능성을 바탕으로 작품 제작을 진행하였다. 작품 제작에는 고온 소성에 용이한 니크롬선을 선택하였으며 이를 뼈대로 삼아 도자 조형으로 구현하고자 하였다. 연구자는 니크롬선 위에 이집션 페이스트를 도포하는 다양한 실험을 수행하였으며 반복되는 탈락과 균열 문제를 해결하기 위해 중간층 재료를 활용하는 방식으로 조형적 안정성을 확보하고자 하였다. 이러한 실험적 과정은 평면 드로잉을 기반으로 한 선의 기록에서부터, 입체화된 조형 표현으로 나아가는 흐름 속에서 전개되었으며 결과적으로 움직임의 흔적이 도자 재료를 통해 조형 언어로 형상화될 수 있음을 확인하였다. 연구 작품은 입체 조형 작품들을 중심으로 찰나의 움직임을 공간 속에 표현한 첫 작품 시리즈 < Traces of Flow >, 스트릿 댄스인 락킹을 기반으 로 표현한 시리즈< Unlock the Flow >, 연구자가 간접적으로 경험했던 춤을 표현한< Buck > 그리고 서로 다른 두 장르의 융합을 표현한< Duet >으로 구성하였다. 본 연구는 비물질적인 개념인 춤의 움직임을 시각 예술로 전환하는 데 있어 도자 재료와 타 장르 간 융합이 가지는 조형적 가능성과 잠재성을 실증적으로 제시한다. 나아가 이집션 페이스트와 니크롬선 같은 재료의 실험을 통해 도자 표현의 물성적 한계를 넘어서는 새로운 조형 방식의 가능성을 열어보았으며 이는 향후 도자 영역에서의 재료 확장 및 융합적 조형 언어 연구의 기반이 될 수 있을 것이다. 주요어: 스트릿 댄스, 춤, 움직임, 선, 이집션 페이스트, 도자 조형

폴드 건축과 종이조형의 특성을 활용한 도자 조형 연구

남아영 서울여자대학교 일반대학원예체능계열 2025 국내석사

폴드 건축(Fold Architecture)은 표면의 접힘과 연속성을 통해 정적인 형 태와 분리된 공간이라는 과거 건축의 한계를 넘어, 유기적이고 역동적인 공간과 구조를 창출하는 것을 목적으로 한다. 이 개념은 건축적 요소들을 단순히 물리적으로 연결하는 데 그치지 않고, 공간과 건물 자체를 유기적인 하나의 흐름으로 바라보는 새로운 관점을 제시한다. 본 연구는 이러한 폴드 건축의 개념과 형태를 도자 조형에 접목해 도자 예술에서 형태와 공간의 표현 가능성을 심화하고자 했다. 특히, 종이를 매개로 한 조형 실험 을 통해 접힘, 분할, 재조합이라는 과정을 도자 작업으로 확장함으로써 실험적 접근을 시도했다. 이러한 시도는 도자와 타 매체 간의 연계 가능 성을 탐구하는데 중요한 기반이 되었다. 본 연구는 이론적 고찰, 사례연구, 그리고 작품 제작 순으로 진행했다. 이론적 고찰에서는 폴드 건축의 유기적 특성과 비분해적 구조에 주목하며, 조형적 적용 가능성을 탐색했다. 사례연구에서는 종이를 활용한 조형 실험과 건축적 모티프를 활용한 작가들의 작업을 비교 분석하며 건축적 관점에서 도자 조형의 새로운 가능성을 모색했다. 작품 제작 과정에서는 종이의 직관적이고 유연한 조작 방식을 점토 판 성형에 접목하며 점토의 물리적 한계를 넘어서는 형태와 구조를 표현하고자 했다. 대표 작품인 <삼각 연속체>는 삼각형이라는 기하학적 단위를 기반으로 점토의 분할과 결합을 통해 역동적이고 유기적인 구조를 창출했다. 이 과 정에서 종이조형의 조형적 아이디어는 연구자에게 창의적 실험의 기초가 되었다. 따라서 본 연구는 폴드 건축의 특성과 종이조형을 조형 요소로 활용해 도자 조형과 타 매체를 연계하는 새로운 방식의 가능성을 제안하는 데 의의를 두고 있다.

도자 재료의 다층적 표현 연구 : 무채색의 상징성을 중심으로

주세은 서울여자대학교 일반대학원예체능계열 2025 국내석사

본 연구는 도자 재료 간의 적층 표현과 무채색의 상징성을 통해 불안과 허무와 같은 감정의 층위를 도자 조형으로 표현하는 데 목적이 있다. 현대 사회에서 불안과 허무는 개인의 내면을 구성하는 주요 감정으로 작용 하고 있다. 따라서 감정의 복합성을 도자 조형에 반영하기 위해 도자 재료를 다층적으로 활용한 실험을 하였다. 연구자는 불안과 허무와 같은 감 정 표현에 그치지 않고 극복, 전환을 이끌어 내는 역할을 도자 조형을 통해 구현하고자 하였다. 이에 따라 무채색이 지닌 상징적 의미와 도자 재료의 물리적 특성에 주목하여, 감정의 다층적 구조를 시각적으로 표현할 수 있는 조형 방법을 탐구하고자 하였다. 연구는 무채색과 도자 적층 기법에 대한 고찰, 작품 제작 및 설명으로 구성된다. 무채색 부분에서는 무채색의 정의와 상징성에 대해 조사하였다. 이를 통해 무채색은 단순히 색채가 부재한 상태를 의미하는 것이 아니라, 고요함과 절제, 동시에 허무와 공허함 등 이중적인 감정을 내포하고 있다는 사실을 알 수 있었다. 또한 무채색이 미학적 관점에서 활용된 사례 연구를 통해, 무채색만으로도 감정의 복합성과 철학적 사유를 표현 할 수 있다는 것을 확인하였다. 도자 적층 기법 부분에서는 화장토와 유약을 활용하여 적층 구조를 표현 한 다양한 사례를 조사하였다. 각 재료와 도구에 따라 다양한 층위 표현이 가능하다는 점을 알게 되었고, 특히 더욱 실험적인 방식으로 소성 이후에 예측하기 어려운 결과물을 살펴보며 소성 과정까지 표현 방식의 일 부로 기능할 수 있다는 점을 알 수 있었다. 작품 제작 방식은 형식 구성, 재료 및 기법, 색채 구성으로 나눠 진행하였다. 형태 구성에서 형태는 복잡한 장식을 배제한 단순한 기하학적 구조를 활용해 감정을 담아내는 프레임의 기능을 부여했다. 재료 및 기법에서는 재료 간의 층위를 효과적으로 표현하기 위해 타 재료를 활용하였다. 또한 색채 구성으로는 무채색의 명도를 구분하기 위해 직접 안료를 첨가 하여 제조하였다. 작품은 구성에 따라 <드러나다>, < Manifest >, <무문(無文)>으로 구성하였다. 이는 평면 도판에서 도자 재료를 이용해 태토를 드러내어 감정을 표현하는 <드러나다> 시리즈와 여러 감정을 동시에 드러내면서 내재된 감정 의 발현을 표현한 < Manifest > 시리즈, 묘비를 형상화하여 삶의 가치를 되돌아보게 유도한 <무문> 시리즈로 구분한다. 연구자는 본 연구를 통해 무채색이 감정의 섬세한 변화를 절제된 방식으 로 전달하고, 복합적인 감정을 도자 조형 언어로 표현할 수 있는 가능성 을 확인하였다. 또한 적층 구조는 감정이 단일하고 고정된 상태가 아니라, 유기적이고 복합적인 층위로 구성되어 있음을 시각적으로 드러낼 수 있는 효과적인 조형 수단임을 확인하였다. 특히 소성 과정이 감정 표현의 변화를 유도하는 중요한 단계로 기능함을 알 수 있었다. 이처럼 무채색과 도자 재료의 적층 표현은 인간 내면의 복합적인 감정을 시각화하는 새로운 관점을 제시하고자 하고, 본 연구가 도자 재료의 물성 탐구와 소성 방식의 실험을 통해 감정을 표현하는 새로운 조형 방식 확장에 기여할 수 있기를 바란다. 주요어: 무채색, 적층 표현, 도자 재료, 불안, 허무

파동의 성질을 형상화한 도자 조형 연구 : 코일링 기법을 중심으로

최아인 서울여자대학교 일반대학원예체능계열 2024 국내석사

본 논문은 파동에서 도출되는 파상선을 도자 조형으로 표현하는 것에 목적을 둔 연구이다. 빛과 소리뿐만 아니라 입자까지 아우르는 물리적 개념인 파동은 수식과 좌표를 통해 다양한 곡선의 집합체인 파상선으로 가시화된다. 연구자는 파동의 주요한 성질인 리듬과 반복이 점토의 가소성을 통해 표현하기에 적합하다고 판단하였으며, 이를 직관적으로 표현하기 위하여 수학과 예술의 융합을 고려하였다. 본 연구에서는 점토의 내·외부 구조에 수식과 그래프로 도출한 파상선을 도입하여 파동의 형상을 조형화하고자 했다. 연구는 이론적 고찰, 사례연구, 작품연구로 구성하였다. 이론적 고찰에서는 물리적 성질인 파동의 개념과, 수리적 관점에서의 고찰을 통해 두 개념의 밀접한 관계를 살펴보았다. 이어서 예술에서 파동의 성질을 활용한 선례를 살펴보기 위해 고미술, 현대미술, 도자, 미디어아트, 음악에서 파동을 개념적, 시각적 요소로 작품에 활용한 사례를 조사하였다. 다음으로 다양한 곡률을 접목한 파동의 형상을 도자 조형으로 구현하는 데에 있어, 자유로운 도자 성형 기법인 코일링 성형 기법으로 제작하는 것이 적합하다고 판단하였다. 이에 따라 코일링 성형 기법의 발단과, 작품 사례를 중심으로 고찰하였다. 다음으로 사례연구에서는 수리적 개념의 시각화를 시도한 조각가 찰스 오웬 페리, 기물의 내·외부를 표현의 수단으로 하여 다층 구조를 제작한 윌리엄 데일리, 그리고 자연과 수학의 원리를 도자 조형으로 표현한 메레테 라스무센을 조사하였다. 연구자는 선적 요소인 파상선을 입체화하기 위해 다양한 곡률의 도출이 가능한 순수 기하 도형 중 원기둥을 단위 형태로 하여 구조를 생성하였다. 형식은 형태 생성 방식에 따라 분류되는데 수평 방향으로 확장한 <!-- Not Allowed Tag Filtered --><Fluidic Sculpture>, 유동적 확장과 삭제를 적용한 <!-- Not Allowed Tag Filtered --><Fluidity Form>, 수직 방향으로 확장한 <!-- Not Allowed Tag Filtered --><Resonate>의 세가지 형식으로 나눠진다. 또한, 다양한 구조와 중력을 거스르는 형태를 제작하는 것에 있어 건조 수축과 번조 과정에서 나타나는 요인들을 고찰하여 기술적 완성도를 이끌어내고자 하였다. 이어서 선의 반복 주기와 리듬감이 가지는 심상과 색채를 살펴보고, 이를 작품에 적용하여 조형적 미감을 극대화하였다. 결론적으로 본 연구는 파동이라는 물리적 개념을 도자 조형을 통해 표현 하고자 했다. 연구자는 수학과 미술에서 파동의 고찰을 통해, 두 영역 모두 파동을 선적 요소로 시각화하였다는 유사점을 확인하였다. 또한, 점토의 가소성을 이용한 코일링 성형 기법을 통하여 파동의 성질을 도자 조형으로 표현하기에 적절하다는 근거를 확인하였다. 이와 같은 연구를 토대로 개념과 형태의 확장성을 불러일으키는 결과물을 제작하고자 했으며, 장르 융합의 시도를 통해 새로운 표현 방식을 제시하고자 하였다. 더 나아가 이러한 시도가 도자 예술 창작의 범주를 확장하고, 새로운 의미 창출에 기여할 수 있기를 바란다. The paper aims to express waving lines as formative ceramics. Waves are a physical concept covering light, sound, and particles, visualized as a collection of diverse curves called “waving lines” through formulas and coordinates. The researcher found that rhythm and repetition, the main properties of waves, are adequate for visualizing waving lines through the plasticity of clay. Hence, the researcher deliberated on combining mathematics and arts for intuitive visualization. The research introduced waving lines calculated by formulas and graphs to the internal and external structure of clay to shape the figure of waves. The study consists of theoretical contemplation, case study, and research of work. The section on theoretical contemplation describes the concept of waves as physical properties and the close relationship between the two concepts by contemplating from a mathematical perspective. The researcher also studied precedents that used waves as conceptual and visual elements in ancient arts, modern arts, ceramics, media arts, and music. To visualize the shape of waves that integrate diverse curves as formative ceramics, the researcher determined that the use of the chilling technique, a free formative ceramics technique, is sufficient. As such, the researcher studied the origin of the chilling technique and the relevant cases. The case study delved into Charles Owen Perry, an American sculptor who visualized mathematical concepts; William Patrick Daley, an American ceramist who visualized a multilayered structure using the internal and external structures of an object; and Merete Rasmussen, a Danish artist who visualized the principles of nature and mathematics as formative ceramics. The next part describes the researcher’s work created based on the aforementioned case studies. The researcher chose a cylinder, one of the pure geometric shapes that express diverse curvatures as a unit form, to create a structure to visualize linear elements: waving lines. The research is classified into the following shape-forming methods: 1. “fluidic sculpture,” which expands horizontally; 2. “fluidity form,” which applies fluid expansion and subtraction; and 3. “resonate,” which expands vertically. Based on these methods, the researcher visualized cyclical repetition, regular rhythm, and order, which are the critical properties of waves. In addition, the researcher contemplated the factors that appear in drying shrinkage and plastic processing to create a polymorphic structure defying gravity with the chilling technique, attempting to enhance the technical completeness. Then, the researcher reviewed the aesthetic image and color of the repetitive cycle and rhythm of lines, maximizing the work’s formative aesthetics. The research aims to materialize waves, a physical concept, as formative ceramics. Furthermore, the researcher contemplated waves in terms of mathematics and arts and found that both areas visualize waves as linear elements. The researcher also observed that the chilling technique using the plasticity of clay is adequate for visualizing the properties of waves as formative ceramics. Based on such studies, the researcher attempted to create a structure that brings up the expandability of concept and shape, proposing a new way of expression by converging different genres. Through this attempt, the researcher hopes to expand the category of formative ceramics and contribute to developing new values in this field.

바다 이미지를 모티브로 한 도자 조형 연구 : 선의 표현을 중심으로

안서희 서울여자대학교 일반대학원 2020 국내석사

The nature has served as the foundation of life for the humanity since the advent of human beings on this planet, and the energy of the nature has infused human beings with motivation for life. In the great nature, the humanity has created countless forms of history and culture over a long period of time, and has made ceaseless trials and challenges to improve their living conditions. That has brought materialistic prosperity to the humanity. However, human beings have become mentally exhausted in the face of rapidly unfolding reality. Confronted with such phenomenon, human beings have set a goal to heal themselves mentally through relaxation in the natural space. That may be simply driven by the desire for convenience and freedom in the nature that makes human beings feel as if there were at home. However, it reflects not only the fact the human beings originated from the nature itself but also the longing for the nature as the home that they want to return. In that way, the nature has the value in that the existence of the nature itself allows the human beings to lead their lives mentally, regardless of the benefits from the nature, and embraces the human beings so as to provide stability to their mind. The sea, the motif of this study, has served as a space to this researcher for private thinking Since a long time ago, the sea has been an ideal space for this researcher and a positive existence that has provided psychological peace and stability, In this study, the image of the sea, a specific tangible object, was represented as a plane, while the intangible image of the sea, such as memory and ideal, was represented as a three-dimensional image using the lines that could be perceived from the sea. In that way, the expanded expressions were attempted based on investigation of various morphological features and formed into shapes. The horizon, encountered for the first time in the seascape, led this researcher to form a perspective towards the sea based on the linear elements which have been used subsequently as an element of formative artistic expression. Before proceeding with creation of art work, this researcher examined the formative artistic features of the sea and the lines based on theoretical consideration. Through analysis of the preceding art works inspired by the sea and the lines, the correlation with this study was explored and used as a reference in the creation of art works. In the process of art work creation, the photos that could show the ideal image of the sea were observed. The linear elements and colors, characteristic of the selected images, were identified, reconstructed and molded into the forms from the perspective of this researcher. From the formative artistic image of the sea, the reproduction of the organic shapes and colors were considered. Those elements were applied to the expression of two-dimensional forms and three-dimensional expressions, thereby creating various forms of the sea viewed from new perspective. In addition, the methods used in the installation fine art, utilizing other materials, were adopted to expand the visual expression. Hopefully, the results of this study would provide useful basis, as a preceding study, for applying the ceramic formative art-related studies, inspired by the sea, to various fields. This researcher also hopes that the sea would take root as an existence that provides peace and psychological comfort to the art appreciators in everyday life by incorporating the visual ambience of the sea into the formative artistic features. This researcher presented a total of 12 art works under the theme 'SEA SHAPES' based on this study in the Master's Degree Exhibition at the Barom Gallery of the Seoul Women's University from October 07 to 13, 2019, which are also included in this paper. 자연은 인류가 시작되면서부터 삶의 모태였으며, 자연의 에너지는 인간에게 있어 삶의 근원적인 모티브를 제공해주었다. 이러한 자연 속에서 인간은 오랜 시간 수많은 역사와 문화를 이루어 왔으며, 보다 나은 생활을 영위하기 위하여 끊임없는 시도와 도전을 하며 살아왔다. 이에 인간은 물질적인 풍요를 이루었지만, 바쁘게 흘러가는 현실 속에서 정신은 나날이 지쳐갔으며, 이러한 현상 속에서 인간은 자연공간에서의 휴식을 통해 정신적 치유를 받고자 하는 목적이 생기고 있다. 이는 단순히 자연이 가지는 집과 같은 편안함과 여유로움 때문 일수도 있지만, 근본적으로는 인간 자체의 시작이 바로 자연이고, 그로부터 비롯된 자연으로 돌아가고 싶은 마음의 이끌림이라고도 할 수 있을 것이다. 이렇듯 오늘날 자연의 가치는 자연이 주는 혜택과 상관없이 그 자체만으로도 인간들에게 정신적인 삶을 영위해나갈 수 있도록 하며, 다시금 자연 안으로 끌어들여 마음의 안정을 제공해주는 역할을 한다. 본 연구의 모티브인 바다는 연구자에게 그 존재만으로도 위로가 되었던 개인적 사유의 공간이다. 오래전부터 바다는 본 연구자에게 이상화된 공간이었으며, 심적인 평화와 안정을 찾게 해주는 긍정적인 존재라고 할 수 있다. 본 연구는 바다라는 구체적인 대상의 이미지를 평면으로 표현하고, 기억 혹은 이상과 같은 보이지 않는 이미지는 바다에서 지각할 수 있는 선(線)을 활용한 입체로 표현하였다. 이렇듯 다양한 형태적 연구를 통해 확장된 표현을 시도하고, 이를 형상화하였다. 바다풍경에서 처음 마주한 수평선은 연구자에게 바다를 선(線)적 요소로 바라보게 하는 계기를 마련해주었고, 이에 하나의 조형표현요소로서 활용하게 되었다. 제작에 앞서 이론적 고찰을 바탕으로 바다와 선(線)이 가지는 조형적 특징을 알아보았으며, 바다와 선을 소재로 한 선행 작품들을 분석하여 본 연구 작업과의 연관성을 찾고, 이를 작품 제작하는데 참고하였다. 제작과정에서는 먼저, 바다의 이상적 이미지를 보여줄 수 있는 사진들을 관찰하였으며, 그 중 채택한 이미지에서 특징적으로 나타나는 선적 요소와 색채를 발견하고 연구자의 시각으로 재구성하여 조형화하였다. 바다의 조형적 이미지화에서는 조형요소로서의 선, 유기적인 형태, 색의 재현을 고찰하고, 이를 2차원 평면조형과 3차원 입체표현에 적용하여 새로운 시각으로 바라본 바다의 다양한 형태를 제작하였다. 또한, 타 재료를 활용한 설치 미술의 방법을 채택하여, 시각적 표현의 확장을 시도하였다. 본 연구를 통해 바다를 모티브로 한 도자조형연구가 선행연구의 사례로 다양한 분야에서 활용되어지길 바라며, 바다가 주는 시각적 분위기를 조형적으로 전달함에 있어 감상자로 하여금 일상의 평화와 정신적 위안을 가져다주는 대상으로 자리매김 할 수 있는 계기가 되길 바란다. 본 연구자는 본 연구를 바탕으로 'SEA SHAPES'라는 주제로 2019년 10월 7일부터 2019년 10월 13일까지 서울여자대학교 바롬 갤러리에서 총12점의 작품으로 석사학위 청구전시를 한 바 있으며, 본 논문에 수록하였다.

원초성을 기반으로 한 도자 조형 연구 : 점토의 물질성을 중심으로

함이영 서울여자대학교 일반대학원 2023 국내석사

본 연구는 원초적 표현을 기반으로 점토를 다양하게 활용하여 표현한 도자 조형에 관한 것으로 전통적인 도예에서 추구하는 기술적인 완벽성에서 벗어나, 원초적인 표현을 이용해 제작과정을 새롭게 보는 것으로부터 시작되었다. 원초성은 존재의 근원으로 향하는 성질이며 본능을 추구하고 제작에서 자유로운 형식을 이끌어낸다. 연구자는 도예에서 원초적 표현을 표현방식으로 연결하여, 도자 조형 작품 제작과정에서 새로운 가능성을 도출하고자 한다. 연구는 원초성과 물질성에 관한 고찰, 선행 작가 분석, 실험 및 제작과정, 연구작품 분석으로 구성하였다. 원초성에 관한 고찰에서는 원초성의 개념을 고찰하고, 아르테 포베라 미술에서 원초적 표현을 사용한 사례들을 통해 원초적 표현은 물질성을 통해 나타나는 것을 확인하였다. 이에 물질성이 가지는 의미에 대해 알아보기 위해 가스통 바슐라르의 물질적 상상력 이론을 살펴보고, 앵포르멜 미술을 통해 물질의 다양한 표현 가능성을 고찰하였다. 또한, 선행 작가 분석을 바탕으로 현대 도예에서 제작에 원초적 표현과 의미에 대해 알아보았다. 작가들은 제작과정에서 숙련된 기술을 떠나 무경험의 상태로 돌아가 원초성에 기반을 둔 제작의 근원을 표현하고 있음을 알게 되었다. 이를 토대로 제작과정에서 생기는 고정된 관념에서 벗어나 일상의 물질을 이용한 실험에서 새로운 표현방식을 도출하고자 하였고, 이 과정에서 연구자의 내적 필연성에 따라 만들어지는 다양한 도자 조형을 통해 원초적 표현 방법의 확장 가능성을 볼 수 있었다. 본 연구에서의 원초성은 표현의 수단으로 물질을 이용했을 때 나타나는 요소이며, 연구 중 도자조형의 주매체로 사용되는 점토의 물질성을 활용하여 다양한 표현 방법을 시도해 보았다. 점토를 여러 방식으로 활용한 제작과정은 기존의 전통적인 방식에서 벗어날 수 있다. 연구자는 도자 조형 작업에서 사용한 실험적인 연구를 통해 다채로운 표현의 가능성을 확인할 수 있었다. 본 연구는 형식에서 벗어난 자유로운 작품이 앞으로 도자를 연구하는 사람들에게 하나의 가치로서 제시될 수 있기를 바란다. This paper focuses on the ceramic sculptures that are utilized and expressed variously based on primitiveness. The study began with a new view on the production process by becoming free from the technical perfection of traditional ceramics and realizing one’s limits of perspective. Primitiveness indicates a nature that traces back to the source of existence, pursues instinct and draws free form. The researcher intends to derive new possibilities from the production process of ceramic sculptures by connecting the concept of primitive expressions in ceramics with modes of expression. The study is consisted of Theoretical Inquiry into the Primitiveness and Materiality; Analysis of Leading Artists; Experiment and Production Process; and Analysis of the Research Work. The Theoretical Inquiry explores the concept of primitiveness and analyzes how primitive expression emerges from materiality with the examples of the Arte Povera artworks. Looking into the concept of materiality, the study examines Gaston Bachelard’s ‘material imagination’ and the notion emphasized in Art Informel. The Analysis of Leading Artists discusses the primitive expression and its definition with the case study of the leading artists who adopted the idea in modern ceramics. Away from skilled techniques, the artists expressed the state of non-experienced in the production process and the source of production on the basis of primitiveness. This study was thus executed during the production process to overcome stereotypes and to draw new modes of expression from the experiments on diverse materials irrelevant to ceramics. Through this process, the extensibility of methods of primitive expression was detected with various ceramic sculptures made from the researcher’s inner necessity. In this paper, primitiveness represents an element as means of expression emerged when using materials. During the study, the researcher pursues various methods of expression, utilizing the materiality of clay. The production process becomes free from existing arrangement by applying clay in various methods. The researcher discovers the potential of varied expression through the experimental study conducted during the ceramic processing. The study wishes that artworks unconstrained from formalities would be an asset to those who study ceramics.

서울의 도시풍경 이미지를 활용한 도자 표현 연구 : 회화적 표현 기법을 중심으로

김수아 서울여자대학교 일반대학원예체능계열 2025 국내석사

This study focuses on the changing urban landscape of Seoul's old city center, aiming to permanently document it through the ceramic medium while exploring new potentials for artistic expression. The researcher’s interest in the transformation and disappearance of cityscapes stems from personal experiences with redevelopment, which led this study to focus on Jongno and Euljiro, areas where distinct layers of change are visible. For this research, the historical transitions of Seoul and the evolution of its urban planning were examined. In particular, the study analyzed the enduring impact of the Colonial-era Urban Redevelopment Projects and post-1960s urban development on - 87 Seoul’s current structure. The researcher then heavily reflected these analytical findings in the resulting artworks. The case studies analyzed artworks by artists who offer significant insights into expressing urban landscapes through diverse media. These include Jung Jae-ho, who meticulously depicts marginalized old buildings with realistic detail; Alessio Trerotoli, who captures the city's temporal flow and abstract beauty through multiple-exposure photography; and Ko Myung-geun, who reconstructs architectural images by uniquely combining photography and sculpture. Through this analysis, the researcher explored the expressive possibilities of various media and established a clear direction for their own creative work. This study explores the techniques of ceramic painting on clay slabs, chosen to concentrate on pictorial expression over three-dimensional form. The artworks utilize the permanence of ceramics to represent Seoul's changing landscapes on flat slabs. In addition to conventional painting methods, the work applies principles from traditional Buncheong techniques, specifically johwa (carved decoration) and bakji (sgraffito). The sgraffito technique, in particular, not only creates linear expressions but also reveals sculptural textures through the act of carving. This process was made possible by using paper clay, a mixture of porcelain clay and paper pulp. Paper clay is crucial as it prevents warping and cracking while yielding a body of high porosity after the initial bisque firing. This porous quality makes the slab soft enough to be carved and shaped with precision. The permanence of ceramics is uniquely suited for archiving memories that fade over time. An image drawn on clay becomes an indelible entity through high-temperature firing (1250℃). This study, therefore, focuses on the inherent materiality of the - 88 ceramic medium—the permanence and unique qualities that clay acquires through firing. This characteristic, which preserves an image permanently under the glaze, is ideal for the artistic sublimation of disappearing cityscapes. By applying planar, pictorial representation, this study moves beyond the traditional, sculpture-oriented formal language of ceramics to explore the medium's potential for genre expansion and painterly expression. In doing so, this research seeks to establish its artistic significance by presenting a new perspective that captures the temporality and memory of a changing city through the ceramic medium. Keywords: Seoul, Urban Landscape, Change, Building, Ceramic Painting 본 연구는 서울 구도심의 도시풍경 변화에 주목하여 이를 도자 매체를 통해 영속적으로 기록하고자 하며, 그 과정에서 도자 예술의 표현기법을 탐구하는 것이다. 연구자는 재개발 경험을 통해 도시풍경의 변화와 소멸에 대한 관심을 갖게 되었으며, 이에 변화의 층위가 뚜렷한 서울 구도심의 종로와 을지로 일대를 중심으로 본 연구를 진행하였다. 본 연구를 위해 서울의 역사적 변천과 도시 계획의 흐름을 살펴보았다. 특히 일제강점기 시구 개정 사업과 1960년대 이후 본격적인 도시 개발이 현재 서울 도시 구조에 미친 영향을 분석하였으며, 분석된 내용은 연구 작품에 중점적으로 반영되었다. 사례연구에서는 도시풍경을 바라보고 표현하는 방식에 있어서 다양한 매체를 사용하여 본 연구에 시사점을 제공하는 작가들의 작품을 분석하였 다. 서울 구도심의 낡은 건축물을 사실적인 묘사를 통해 세밀하게 그려 도시 변화 속에서 소외되는 풍경에 주목하는 정재호, 다중 노출 사진 중첩 기법으로 시간의 흐름과 도시의 추상적인 아름다움을 포착하는 알레시오 트레로톨리(Alessio trerotoli), 사진과 조각을 결합한 독창적인 방식으로 도시 건축물의 이미지를 재구성하는 고명근의 작품을 살펴보았다. 이들의 사례연구를 통해 연구자는 도시풍경을 표현하는 다양한 매체의 가능성과 표현 방식을 탐색하고, 작품 제작의 방향성을 설정하였다. 본 연구는 흙 도판 위에 그림을 그리는 도자 회화의 특성과 기법을 탐구 한다. 형(形)보다 그림에 집중하기 위해 도판 작업을 택하였다. 본 연구의 작품은 영속성을 지닌 도자 매체를 사용하여 서울 구도심의 변화하는 풍경을 평면 도판 위에 그림으로 표현한다. 기존 회화의 채색 방식과 더불어 도자 예술의 전통적인 표현기법인 분청(粉裝)의 조화(彫花), 박지(剝地) 기법의 원리를 응용하였다. 박지 기법은 선적인 표현뿐만 아니라 흙을 깎아내는 행위를 통해 조각적인 질감을 드러낸다. 연구자는 이미지 표현에 대한 탐구를 시작하며, 회화에서 보편적으로 활용되는 사각형 형태의 캔버스와 종이처럼 사각 형태의 도판 위에 그림을 그린다. 이를 토대로 판의 외곽을 건물의 윤곽처럼 다듬어 표현하는 방식으로 작업을 확장하였다. 마치 종이를 오리듯이 외곽선을 변형시켜 사각형 프레임에서 벗어나 건물 형태를 표현하였다. 이는 흙판을 초벌 번조한 후 조각하듯 성형하는 과정을 통해 구현된다. 일반 도판은 초벌 번조 후 경도가 높아 다듬기 어렵지만, 본 연구는 백자 흙에 종이 펄프를 섞은 페이퍼 클레이를 사용함 으로써 이를 가능하게 했다. 페이퍼 클레이는 도판의 휨과 갈라짐을 예방 하는 동시에, 기공이 있는 연질의 흙판이 되어 강도가 약하므로 형태를 쉽게 깎아 성형할 수 있기 때문이다. 도자기의 영속성은 시간이 흐르며 모호해지고 퇴색되는 기억을 담아내기에 적합했다. 흙 위에 그려진 이미지는 1250℃의 고온에서 구워져 사라지지 않는 존재가 된다. 본 연구는 이러한 도자 매체의 본질적 특성, 즉 흙 이 번조를 통해 얻게 되는 영속성과 고유한 물성에 주목하였다. 이는 사라져가는 도시의 풍경과 기억을 예술적으로 승화시키는 과정에서 유약 아래의 그림이 영구히 보관되는 특성 때문이라고 할 수 있다. 특히 본 연구에서 핵심적으로 활용하는 도자 회화 기법들은 표면의 질감, 색감 표현, 형태 구축에 있어 도자 제작 과정의 고유한 표현 방식을 보여주었다. 이러한 작업 방식은 도자 예술의 물성적 특성에서 비롯된다. 따라서 본 연구는 기존 입체 위주의 도자 조형 언어에서 벗어나 평면 회화적 표현을 적용함으로써 도자 예술의 장르 확장성과 회화적 역량의 잠재력을 탐색하였으며, 변화하는 도시의 시간성과 기억을 도자 매체로 포착하는 새로운 시각을 제시하여 그 예술적 의의를 확립할 수 있기를 기대한다. 주요어: 서울, 도시풍경, 변화, 건물, 도자 회화

기능적 사물 형태의 은유적 재해석을 통한 도자 조형 연구

이윤선 서울여자대학교 일반대학원 2017 국내석사

국문 초록 모국어(母國語)와 외국어(外國語)를 인지할 때 상대적으로 의미전달이 약한 외국어의 경우 말의 소리와 글의 형상이 강화되어 전달된다. 이 현상과 유사하게 사물의 형태를 인지하는 과정에서도 익숙한 물건의 기능을 배제한다고 가정하였을 때 그 물건이 가진 본연의 모양과 구조를 관찰 할 수 있다고 판단되었다. 이는 사물의 형태적 특성에 초점을 맞추어 드로잉 했던 개인적 경험으로부터 시작되었는데 이러한 사물 인지 과정을 사르트르의 도구의 특성과 사물의 특성으로 설명 하였고 사물 외형의 과장, 단순화, 선영(hatching), 대비를 이용한 은유적 재해석 방법을 통해 도자 조형작품을 제작하고자 하였다. 연구 방법으로는 연구 수행에 적용할 개념을 구체화하기 위해 기능적 사물을 정의 하고 연구 범위를 규정하여 대상을 선정 하였다. 또 작품 제작과 은유적 재해석 방법에 도움을 얻고자 재해석을 주제로 한 작가를 선정하고 연구하였다. 문헌 연구를 바탕으로 이 연구의 키워드 및 작업 개념을 도출 한 후 관찰된 사물을 2D드로잉으로 재해석 하고 다시 입체 형태로 재구성하여 도자 작품을 제작하였다. 마지막으로 조형 성과와 추후 진행할 연구 방향에 대해 분석하였다. 이 연구를 통해 일상적 사물로부터 조형성을 상상하게 한다는 점에서 작품을 통해 다양한 관점에 대한 가능성을 제시하였고 작품이 작가와 관람자 사이에서 조형 행위를 공유하도록 하는 매개 역할의 가능성을 보였다. 또한 시각적 측면에 중점을 두고 사물의 새로운 면면을 인지 할 수 있었고 조형언어를 도출하여 도작 작품에 적용 하였다고 생각한다. 주제어 : 기능적 사물, 은유적, 재해석

가야토기를 변용한 도자 조형 연구 : 여신 상징을 중심으로

진윤희 서울여자대학교 일반대학원예체능계열 2025 국내석사

본 연구는 한국 여신 문화의 흔적을 가야토기에서 발견하고 이를 현대 도자 조형으로 표현하는 것에 목적을 둔다. 현대 사회까지 이어지는 가부장제의 부상과 함께 여신은 본래의 권위와 능력을 잃었고, 여신의 신성함을 담았던 여성의 몸 역시 대상화되어 억압의 기준으로 사용된다. 따라서 연구자는 고대의 풍부했던 여신 문화에 주목하여 이를 되살릴 필요성을 느끼고, 한국 여신 문화의 흔적을 가야토기와 연결지어 찾고자 했다. 이론적 고찰에서는 다면적인 여신의 능력을 창세신, 지모신, 산신의 성격을 통해 분석했다. 또한, 여신 문화에서 여성의 몸이 가지는 상징성을 살펴보고, 가부장제의 대두로 여신 문화가 약화된 과정을 확인했다. 연구자는 여신 문화와 가야토기의 연관성을 찾고자 했는데, 이를 위해 가야토기의 변천과 특징에 대해 고찰했다. 가야토기는 여신에게 제사를 지냈던 삼국시대의 제기이며 투창, 굽다리 그릇, 그릇받침에서 여신 상징이 확인된다. 따라서 연구자는 여성의 신체를 중심으로 가야토기의 형태를 변형하고자 했다. 이를 위해 여성의 신체를 도자로 표현한 작가의 사례연구를 진행했다. 전통 토기를 여성의 신체로 재해석한 막달레나 오둔도, 지모신에서 출발하여 여성의 몸을 조형한 한애규, 그리스 신화에서 영향을 받아 기와 신체를 결합한 클레멘타인 키스로치의 작품을 살펴보았다. 본 연구의 작품은 가야토기의 기종 중 유공소호를 변형한 <원>, 굽다리 토기를 변형한 <첨瞻>, 그릇받침을 변형한 <바티다> 시리즈로 구분된다. 작품 제작에서는 고대 여신상을 도형으로 단순화하여 형태 변형의 기준으로 삼아 가야토기의 원 기종을 변형했다. 또한, 여신 문화와 가야토기의 정체성을 담으면서도 현대적으로 재해석하기 위한 재료 및 기법을 작품에 적용했다. 본 연구에서는 삼국시대 이후 단절된 여신 문화와 가야토기의 연관성에 주목한다. 여신 문화와 가야토기의 재발견은 현대를 살아가는 여성 도예가로서 연구자의 정체성 확립에 중요한 역할을 한다. 연구자는 여신 문화의 중요한 원천이었던 여성의 몸을 중심으로 가야토기를 재해석해, 여성 신체의 창조력과 생명력을 보여주고자 했다. 또한 여신 문화와 가야토기를 연결함으로써 한국 여신 신앙에 대한 새로운 관점을 제시하고자 했으며, 본 연구가 전통 유물을 재해석하는 방식에서 하나의 제안으로 받아들여지기를 바란다.