슈베르트 「Mass in G Major」의 분석·연구

장연정 단국대학교 2015 국내석사

슈베르트(Franz Peter Schubert, 1797-1828)는 낭만주의 시대의 대표적 작곡가 중 한 사람으로 특히 예술 가곡과 합창 음악 등의 성악 작품을 많이 남겼다. 슈베르트의 「Mass in G Major」는 Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus, Agnus Dei 의 6곡으로 구성되어 있다. Kyrie는 가사의 내용과 음악적인 특징에 따라 A-B-A'-Coda로 구성되며 호모포닉한 합창과 소프라노 독창이 애절한 선율로 가사를 표현한다. Gloria는 A-B-A'의 세 부분으로 구성되며 호모포닉한 합창과 소프라노와 베이스독창이 서로 대화하는 형태로 주고받는 이중창으로 이루어져 있다. Credo는 악상의 변화에 의해 A-B-C-A'로 구분되는데 A부분은 pp로, B부분은 p로, C부분은 f와 ff로 점차 음량이 증대된 후 A'에서 pp로 조용히 마무리 된다. 이 곡은 전례문에 들어 있는 'Et in unam sanctam catholicam et apostolicam ecclesiam(하나뿐인 교회와 거룩한 공회의 사도로부터 내려온 교회를 믿습니다)'라는 가사가 생략되었다. Sanctus는 A-B의 두 부분으로 구성되는데 이는 가사와 합창부분의 음악적 특징에 따라 구분한 것으로 A부분에서는 호모포닉한 합창이, B부분에서는 폴리포닉한 합창이 나타나는 특징을 보인다. Benedictus는 가사의 내용에 따라 A-B의 두 부분으로 구분된다. A부분은 소프라노 독창, 소프라노와 테너의 이중창, 그리고 소프라노, 테너, 베이스의 삼중창으로 이루어지고 B부분은 폴리포닉한 합창으로 Sanctus의 ‘Osanna in excelsis’부분이 그대로 반복된다. Agnus Dei는 가사의 반복과 조성의 변화에 따라 A-A'-A''의 세 부분으로 구분 되는데, 조성은 e minor - D Major - b minor - A Major - a minor - G Major로 단조와 장조를 교대로 전조하는 방법을 보이고 있다. 연구자는 슈베르트의 「Mass in G Major」의 분석·연구를 통하여 이 곡이초기 낭만주의 시기의 합창 음악 특징과 함께 슈베르트 특유의 선율과 화성, 전조, 악상의 대비 등을 잘 나타내는 작품이라는 것을 알게 되었다. 이 연구를 통하여 연주자들에게 올바른 연주 기법과 음악적 지식을 제시하여 보다 나은 연주를 하는데 도움이 되기를 기대한다.

Gabriel Fauré와 Maurice Duruflé의 《Requiem》 비교 연구

왕거 단국대학교 대학원 2025 국내박사

레퀴엠(Requiem)은 가톨릭교회 전례음악의 하나이다. 처음에는 그래고리안 챈트로 불렸으나 르네상스 이후 현대에 이르기까지 많은 작곡가들이 다양한 음악적 요소를 사용하여 레퀴엠을 작곡해 왔다. 합창음악으로서 레퀴엠은 낭만시대에 이르러 그 절정에 이르렀는데 그 중에서도 포레(Gabriel Fauré)와 뒤르플레(Maurice Duruflé)의 ⟪레퀴엠⟫ 은 독특한 스타일과 작곡 기법으로 20세기 레퀴엠에 새로운 방향을 제시하였다. 두 작곡가의 ⟪레퀴엠⟫은 작곡 직후 프랑스 뿐 아니라 유럽 여러 나라와 미국에서 연주되었으며, 오늘날에도 전 세계에서 활발하게 연주되고 있다. 작곡배경과 음악적인 의도에서 두 작품은 상당히 유사하면서도 서로 다른 점이 있다. 본 논문에서는 두 작품을 심층적으로 비교, 연구함으로써 두 작품에 대한 이해도를 높이며 보다 효율있는 연주의 토대를 제시하고자 한다. 두 작곡가의 ⟪레퀴엠⟫ 비교연구를 위한 방법으로 첫째, 레퀴엠 형식의 발전 및 프랑스의 사회적 배경, 종교 운동, 작곡가의 생애 및, 음악적 특성에 대해 알아본다. 둘째, 두 ⟪레퀴엠⟫의 창작배경과 각 악장에 따른 가사 번역, 작품분석, 화성 특징 등을 살펴본다. 셋째, 각 악장에 따른 두 레퀴엠의 박자, 템포, 조성, 악상, 악기 편성 등을 비교해 본다. 연구결과 전체 악장을 통해 두 작곡가 모두 ⟪레퀴엠⟫의 주요 악장인 <Dies irae>를 빼고 <Libera me>와 <In paradisum>을 추가했다. 또한 소프라노 독창과 바리톤 독창을 공통적으로 사용했다. 하지만 구체적인 작곡 기법에서는 뚜렷한 차이점이 있다. 포레의 작품은 장·단조, 실내악 수준의 악기편성, 색채적인 화성, 아치형 멜로디 라인을 통해 죽음을 평온한 분위기로 표현하여 ‘죽음의 자장가’라고 평가를 받아왔다. 이에 반해, 뒤르플레의 작품은 교회 선법을 바탕으로 그레고리안 성가를 주선율로 사용하면서 포레보다 훨씬 다양한 악기편성을 보여주며 악상변화도 휠씬 다양해서 포레의 ⟪레퀴엠⟫과는 다른 면을 보여준다.

합창지휘자를 위한 지도방안 연구

김인영 국제신학대학원대학교 2011 국내석사

합창은 다수의 사람들이 함께하는 협동 행위에 의해 이루어지는 것이다. 또한 정서적으로 좋은 영향을 주고, 함께 연주하는 과정에서 인격적이고 상호적인 관계가 형성되는 좋은 활동이다. 이러한 합창활동을 위해 올바른 이해를 가지고 효율적인 클리닉을 자유자재로 구사할 수 있는 훌륭한 지휘자가 되기 위해서는 부단한 노력이 필요하다. 본 논문에서는 합창음악의 개념과 시대별 합창음악의 흐름을 살펴보았으며 합창지도를 위하여 실질적인 연습방법을 제시하였다. 또한 합창지휘를 위하여 효과적인 지휘법과 지휘자가 갖추어야 할 조건을 다루어 합창활동에 도움이 되고자 하였다. 올바른 발성법과 그에 따른 실제연습에 대하여 언급하였고, 올바른 공명법을 통하여 아름다운 소리를 만들기 위한 실제 연습방법을 제시하였다. 그리고 올바른 발음을 통하여 통일된 모음과 각 모음에 어울리는 입모양과 맞는 자음의 발음으로 곡의 극적인 상황을 이끌어 낼 수 있게 하였고, 호흡의 중요성과 종류를 알아보고 올바른 호흡의 요령법을 제시하였다. 합창지휘자는 단순히 속도와 박자젓기의 수준에서 뛰어넘어 정교한 표현과 철학적 해석능력이 요구된다. 따라서 지휘자는 자신만의 음악의 상을 마련하고 훌륭한 교육자로서의 자질을 갖추며 창조적이고 기획적인 마인드를 갖추어야 하며, 바른 자세와 지휘법을 끊임없이 연구해야 한다. 사람들에게 기쁨과 감동을 준다는 의미에서 합창은 그만큼 중요한 일이 아닐 수 없다. 그러기 위해서는 음악적인 능력 및 지도력과 인격적인 면을 갖춘 존경받는 지휘자가 되기 위하여 부단한 노력을 하여야 하겠다. Chorus is made by many people's teamwork. It has good influence on people's emotions. It's a good activity through which personal and interactive relationship is formed in the process of performing together. It takes continuous efforts to be a good conductor who could freely perform the effective clinic with the right understanding for this choral activity. In this paper, the concept and trends of chorus music by the ages were examined. The practical methods of exercises for choral instruction were indicated in it. It was tried to provide helps to the choral activities by dealing with effective conducting methods for choral conducting and qualification for a conductor. And how to make correct vocalization and the subsequent exercises were mentioned, and how to make beautiful sounds through right resonance and its practical exercises were introduced therein. And it was mentioned how to express dramatic situations from the songs by unified vowels and correspondent pronouncing of consonants to each vowel through right pronunciation. It was also shown in this paper how to breathe right after examining the importance and kinds of breathing. It is required from the choral conductor that he or she expresses himself/ herself sophisticatedly and interprets songs philosophically just beyond simply setting the tempo and beat. So, the choral conductor should make his or her own image of music and be qualified as a good educator with creative and planning mind, studying right postures and conducting methods ceaselessly. Chorus is just as important in the sense that it presents people with joy and touches their hearts. It is thought that he or she should make continuous efforts in order to become a musically-capable, respectful conductor with leadership and character.

지휘의 타법 조사연구

서북진 단국대학교 대학원 1993 국내석사

지휘의 역사는 metric한 고전파 이전의 작품에서는 곡의 시작과 끝같은 곳에서 관행적인 지시를 하는데서 시작되었으나 시대의 변화에 따라 악곡의 스코어(score)가 점점 복잡해지고, 방송과 녹음 기술의 발달로 인하여 지난날보다 더욱 원숙한 지휘 기술이 필요하게 되었다. 그동안 지휘에 관한 많은 책들이 출판되었지만 지휘라는 것이 수학적인 수치나 몇 개의 간단한 도식같은 것으로 나타낼 수 있는 것이 아니고 추상적이기 때문에, 어법의 표현이 모두 통일되어 있지 않으며 타법에 있어서도 용어와 용법이 서로 달라 이해 하기가 어려운 실정에 처해있는 것이 사실이다. 논자(論者)는 지휘법 내용중의 타법 이론을 정리해 보고자 국내에 소개된 여러 번역서 중에서 내용이 비교적 풍부하고 타법의 도형과 용법이 많이 기술된 이기홍 번역의 맥스 루돌프(Rudolf, Max)가 지은 "지휘법(The Grammar of Conducting)" 과 우종억 번역의 사이토 히데오(齋藤秀雄)가 지은 "지휘법(指揮法敎程)" 및 정재동 번역의 에밀 칸(Kahn, Emil)이 지은 "지휘법 개설(Conducting)" 등 세권의 저서를 선정하여 타법에서의 점(beating point)의 형성, 속도(tempo) 그리고 리듬(rhythm)을 조사 분석하여 타법이 생성된 이론을 배경으로 타법의 용어, 도형 및 용법등을 분류하여 그 예제를 들어 타법의 실제를 비교 분석하는 방법으로 조사 연구하여 다음과 같은 결론을 얻었다. 첫째, 타법 용어의 우리말 표기와 원어의 내용이 각각 다르게 표현되어 있었고 둘째, 저서에 따라 취급된 내용이 서로 달라서 비교 하기가 어려웠으며 셋째, 용법에 있어서 실습하기에 충분하고 잘 설명된 예제 악보의 부족으로 타법을 이해하며 습득 하기에 어려움이 많다는 것을 깨달았다. 논자(論者)는 타법에 대한 완벽한 이해와 독자적인 기술 습득을 위해 올바르게 해석되어 통일된 타법 용어와 배우기 쉽게 설명된 도형과 용법, 그리고 실제 연주에서 활용될 수 있는 악보의 예를 풍부히 갖춘 "지휘법" 의 연구와 저서의 출판이 시급하다는 것을 제언하였다. The history of conducting started from pointing the start and the end of music prior to classical music. But as time has passed by there has been for a need perfect conducting technology due to the complexity of the score of musical composition and the progress of broadcasting & sound recording technology. For the past years, many works concerned about conducting were published. But because conducting is not expressible by numerical value or simple diagram but abstract, the expression of conducting is not united and terminology and usage are different one another it’s not easy to understand conducting. So, the present writer selected three books, Rudolf Max's "The Grammar of Conducting" translated by Lee Ki Hong, Saito Hideo's "The Correction of Conducting" translated by U Jong Uk and Emil Kahn's "Conducting" translated by Chung Jae Dong which describe conducting on detail and contain the diagram of beating to arrange beating theory. After researching the above three books classified beating terminology, diagram and usage in the background of the theory which describes the occurrence of beating and found out following facts; 1. A diferrence between Korea expression of beating terminology and the contents of original of it. 2. Difficulty in comparing because the contents of the selected books were different one another. 3. Lacking in usage which is enough to practice and scores which explains well. Because of the above three reasons it's not easy to master beating. So the present writer suggested that it is most badly needed to publish those books which contain "the unity of beating terminology", "suitable diagram and usage" and "enough scores" which can be performed and realistic to understand and master beating technique.

드보르작 세레나데 No.1 in E Major Op. 22의 분석 : 텍스쳐별 지휘법 중심으로

최세훈 중앙대학교 예술대학원 2013 국내석사

본 논문에서는 드보르작 현악 세레나데를 악기연주를 위한 텍스쳐로 제시하고 그에 따른 지휘법을 연구 하였다. 다섯 개의 악장에서 도입부의 스코어가 선택되었고, 다양한 지휘의 요소가 있는 부분의 악보도 함께 제시하였다. 다섯 개의 악장은 모두가 뚜렷한 개성이 있는 악장으로 각 악장별로 제시된 지휘법은 다음과 같다. 제1악장에서는 레가토의 지휘, 선입법에 의한 지휘, 방의 이론을 통한 지휘의 위치, 싱커페이션의 지휘, 4/4박자의 도형, 악센트의 사용과 지휘의 위치, 예비박의 지휘, 페르마타에 관한 지휘와 도형, 분할된 8박의 지휘와 종지에 대하여 기술하였다. 제2악장은 세 박의 왈츠를 한 박으로 지휘하는 방법과 도형이 제시 되었고 헤미올라 리듬과 루바토의 지휘에 대해 기술 하였다. 제3악장은 2박자의 지휘와 페르마타의 다양한 지휘에 대하여 기술 하였다. 제4악장은 두 박자의 느린 네 박의 분할 지휘, 수비토 피아노의 지휘, 셈여림에 관한 표와 도형 및 악기 군별 지휘에 대하여 기술 하였다. 제5악장은 빠른 템포의 두 박자 지휘와 종지에 대한 지휘, 현악기의 중음에 관한 지휘에 대하여 기술하였다. 본 논문은 다섯 개의 악장별 지휘법을 통하여 다양한 지휘 방법을 제시하기 위해 연구 하였고 악곡에 나타난 지휘 방법을 객관성을 가지고 기술하려고 노력하였다. 본 논문에 제시된 지휘법은 감동을 주는 음악을 만드는 작은 밑거름이 될 것이다. This study presented Dvorak’s string music serenade as a texture for instrumental performance and then examined its conducting techniques. In five movements, intro’s scores were selected and musical scores which had a variety of conducting elements were presented as well. All the five movements had distinctive characteristics and their conducting techniques by movements are as follows: In the first movement, the investigator examined legato conducting, prior entry technique-oriented conducting, bang theory-oriented position of conducting, syncopation conducting, four-four time diagram, accent use and conducting position, preparatory beating conducting, fermata conducting and its diagram, and the conducting of divided eight-time and cadence. In the second movement, a conducting technique for three-time waltz as one-time was presented, together with its diagram, and hemiola rhythm and rubato conducting were described. In the third movement, the conducting of two beats and a variety of conducting techniques of fermata were examined. In the fourth movement, described were the divided conducting of four-time of two beats, the conducting of subito piano, the mark and diagram of dynamic and the conducting of instrumental groups. In the fifth movement, the investigator examined the conducting of quick tempo two beats, the conducting of cadence and the conducting of double stop. In this study, the investigator examined a variety of conducting techniques via five movement-oriented conducting techniques and tried to describe the conducting techniques presented in the music objectively. Conducting techniques examined in this study could become a small foundation for making touching music.

우쿨렐레 앙상블 지휘에 관한 분석연구 : 하와이 민속음악을 중심으로

오경호 국제신학대학원대학교 2015 국내석사

우쿨렐레는 하와이 민속악기로 크기가 작아 휴대성이 우수한 장점이 있고 누구나 쉽게 배울 수 있는 친근한 악기이다. 기타에 비해 크기가 작고 음역대가 좁지만 앙상블을 이루어 연주한다면 리듬, 멜로디, 화음을 표현하는 데는 전혀 부족함이 없는 장점을 가지고 있다. 특히 우쿨렐레 앙상블의 연주형태는 지휘자의 역할이 중요한 영향을 미친다. 본 연구는 하와이 민속음악을 중심으로 우쿨렐레 앙상블의 연주에 관한 효과적인 지휘법을 다루고 있다. 연구 대상이 되는 작품 중 지휘의 중요한 요소가 될 수 있는 하와이곡 5곡을 선정하여 악곡 분석과 그에 대한 지휘법을 기술하였다. 첫 번째 곡 하와이 알로하(Hawaii Aloha)는 느린 곡으로, 전주 (Introduction)의 멜로디는 트레몰로(Tremolo)로 시작하며 리듬은 셔플(Shuffle) 주법으로 연주한다. 종지에 리타르단도(Ritardando)가 있고 스트러밍(Strumming)을 트레몰로(Tremolo) 주법으로 연주하는 곡이다. 지휘 부분에서는 시작과 끝의 지휘도형을 효과적으로 표현하는 방법을 제시하였다. 두 번째 곡 드롭 베이비 드롭(Drop Baby Drop)은 빠른 곡으로 둘째 박과 넷째 박의 시작 박에 컷팅(Cutting) 주법이 있으며 종지는 스타카토(Staccato)로 끝난다. 지휘는 컷팅 주법과 스타카토로 끝나는 지휘법을 제시하였다. 세 번째 곡 코케에(Koke'e)는 전주(Introduction) 4마디를 뮤트 (Mute) 주법으로 시작하며 4번째 마디 2박자 시작에서 멜로디가 연주된다. 노래는 싱커페이션(Syncopation)의 특징이 있고 리듬은 칼립소(Calypso) 주법이다. 지휘는 싱커페이션의 특징을 효과적으로 지휘하는 도형을 제시하였고 종지는 리타르단도(Ritardando) 후 아르페지오(Arpeggio)로 끝나는 지휘법을 제시하였다. 네 번째 곡 쿠우호메(Ku'u Home)는 하모닉스(Harmonics) 주법으로 시작하고 리듬은 싱커페이션(Syncopation) 주법이다. 22마디부터 69마디까지 7번째와 8번째 마디마다 멜로디를 연주하는 특징이 있다. 지휘는 싱커페이션의 도형을 제시하였고 종지는 리타르단도(Ritardando)로 끝나는 지휘법을 제시하였다. 다섯 번째 곡 오버 더 레인보우 & 왓 어 원더풀 월드(Over the Rainbow & What a Wonderful World)는 우쿨렐레 연주로 유명한 곡이다. 전주(Introduction) 5마디는 우쿨렐레 솔로 연주이며 코드(Chord)로 스트러밍(Strumming)하는 부분이다. 16비트 연주곡이지만 빠르지않게 연주하며 강세를 분명하게 해준다. 6마디부터 노래가 시작된다. 지휘는 5마디 넷째 박에서 노래시작 예비 박을 주고, 종지는 리타르단도(Ritardando)를 반영한 스트러밍을 트레몰로(Tremolo) 주법으로 지휘하는 방법을 제시하였다. 이처럼 우쿨렐레 앙상블이 연주할 때 곡마다 진행이 다르고 종지의 처리 등 지휘법이 다양하기 때문에 악곡에 대한 분석과 지휘법을 함께 연구하였다.

국악관현악단의 발생과 지휘

윤성은 국제신학대학원대학교 2019 국내석사

한국의 전통음악 중에서 기악을 담당하는 악기는 현악기인 가야금을 비롯하여 가야금, 해금 등의 악기와 관악기 및 타악기가 합주하여 이루어 져왔다. 주로 궁중음악과 제례음악에서 연주되었으며 일반 백성들 사이에서는 타악을 위주로 하는 농악 들이 있었다. 그 음악들을 지휘하는 역할로 집박이나 장구가 시작과 마무리 신호를 주는 기본적인 지휘를 하여왔다. 그러던 중 서양음악이 들어오게 되면서 서양식 지휘가 도입되게 되었다.악기가 아닌 한 사람을 기준으로 같은 속도 및 박을 가지고 음악을 표현하게 되며, 대중 앞으로 나와서 지휘를 하는 것이 일반적인 것으로 받아들여졌다. 그 서양식지휘법을 한국 전통악기 연주에도 도입하면서 국악관현악단의 지휘가 시작된 것으로 보인다. 이왕직아악부에서부터 서양식지휘가 나타난 것으로 알고 있지만 현대적인 국악관현악단의 발생은 국악예술고등학교에서 부터의 시작이라 볼 수 있다. 그 후 여러 가지 사정으로 인하여 서울특별시 산하단체로 편입되어 서울시 국립국악관현악단이 탄생하게 된다. 그 이후 각 시도에서는 국악관현악단들이 만들어졌으나 국악지휘를 하는 것이 쉽지 않았다. 서양식지휘는 한국음악을 지휘하기에 적합하지 않고 표현하기도 쉽지않다. 한국음악만의 특색을 잘 이해하고 한국국악기의 특성을 알고 있어야 음악을 지휘하고 표현하는데 용이하다. 현재는 일부 학교에서 전문적으로 국악지휘를 가르치고 전문가들을 배출하고 있다.국악관현악단에는 국악기의 한계를 명확히 알고 연주 장소에서 적절하게 음악을 표현할 수 있는 능력을 가진 지휘자가 필요하다. 연주 장소에 따라 국악기의 소리 전달도 달라지기 때문에 편성 또한 달라져야 하는 어려움이 있다. 개인적으로 국악관현악단을 지휘하기 위해서는 예술 전반에서 있어서 작·편곡 및 연주, 무대총괄까지 다방면으로 알고 있어야 하지 않나 라는 생각을 한다.

장애인오케스트라의 지휘자 리더십에 관한 고찰

정은숙 국제신학대학원대학교 2019 국내석사

본 논문의 목적은 장애인오케스트라의 지휘자 리더십에 관하여 고찰이며 이를 위해 우선, 장애인의 정의, 장애인과 음악, 오케스트라의 어원 및 악기편성, 장애인 오케스트라현황과 연주활동, 음악의 효과, 리더십의 정의 및 이론, 지휘의 개념, 지휘자의 역할, 지휘자의 리더십에 관해 살펴보았다. 본 연구의 결과를 정리하면 다음과 같다. 첫째, 장애인과 음악은 신체적·정신적 장애로 오랫동안 일상생활이나 사회생활에서 상당한 제약을 받는 자를 장애인이라고 정의되어 있다. 음악 활동 중의 즉흥적, 지시적 악기연주, 움직임 등의 활동을 통해 지적 장애아동의 반항, 공격, 과잉행동, 위축 등의 부적응적 행동을 감소시키고자 하였고 그 결과 장애아동의 부적응 행동이 감소하였다. 둘째, 국내의 장애인 오케스트라는 발달, 지적, 자폐, 시각장애 등의 학생들로 이루어진 오케스트라가 많으며 그 중에서도 가장 많은 비중을 차지하고 있는 장애는 발달장애이다. 장애인 오케스트라의 교육 목적은 사회성을 기르는 것을 기본 바탕으로 하여 음악적 기량을 향상시키고, 학생의 잠재력 향상과 음악적 재활 치료를 목적으로 한다. 나아가 가족기능의 회복과 주위 환경의 장애인에 대한 인식 개선을 목적으로 하고 문화 복지의 새로운 모델을 제시하고자 한다. 하트하트오케스트라, Hello! SEM 오케스트라, 온누리 사랑챔버, 밀알첼로앙상블, 김포 드림마루 오케스트라 등이 있다. 셋째, 음악은 인간의 정서 함양에 긍정적인 영향을 미친다. 오케스트라 연주를 통해 자기의 감정적인 상태와 느낌을 악기로 표현하기 때문에 창의적으로 연주할 수 있다. 단순히 악기의 연주 기술을 배우는 것이 아니라 악기를 보고, 소리를 들으며 연주 그 이상의 다양한 경험을 제공한다. 사회적 측면에서 살펴보면 오케스트라 교육은 개개인의 소리를 하나로 모아 전체의 화음을 내게 되는데, 개인의 실력뿐만 아니라 단원간의 믿음이 바탕이 되어야 한다. 넷째, 리더는 구성원에 대한 봉사, 배려, 희생을 통해 구성원의 목표 지향적 행위를 유도하고, 구성원으로부터 믿음을 얻어야 한다. 따라서 서번트 리더십에서 최우선적 가치는 신뢰이다. 리더십에서 말하는 신뢰란 ‘리더의 행동을 믿고 따르고자 하는 구성원의 의지’로서 구성원은 자신의 이해와 권리가 리더에 의해서 악용되지 않을 것이라 확신할 때 리더의 영 향력을 인정하고 수용한다. 다섯째, 지휘는 여러 사람을 이끄는 것에 중점을 둔 행위이다. 몸동작을 통해 다수의 행동을 하나로 통합, 정리하여 정확하게 작품이 가지고 있는 가치를 재평가하고 재창조하는 작업이라고 할 수 있다. 여섯째, 지휘자의 리더는 음악적 자질뿐만 아니라 마에스트로의 리더십을 가지고 있어야 하는데 오케스트라는 다른 일반조직과는 여러 면에서 다른 특수성을 갖기 때문에 지휘자는 자신감과 카리스마가 있어야 하고 긍정적인 마인드, 소통과 배려의 미덕, 철학적 마인드 등의 자질을 형성하고 반면, 자신감 없는 표정, 불안감, 조바심, 당황스런 행동을 보여서는 안 된다고 한다. 결론적으로 지휘자의 리더십이 장애인오케스트라 인성에 긍정적인 영향을 끼치고 있음을 보여준다. 장애인오케스트라를 활동하면서 단원들의 자기발전, 사회적, 태도가 긍정적으로 변화하는 것을 보며 장애인오케스트라의 지도자 의견을 고려하여 향후 장애인오케스트라 사업의 개선과 활성화가 이루어지데 큰 계기가 될 것이라 생각된다.

하이든의 오라토리오 "천지창조" 지휘법 : Einleitung, recitativ(In vollem glanze steiget jetzt), chor mit terzett(Die himmel erzählen die ehre gottes)를 중심으로

박찬여 국제신학대학원대학교 2018 국내석사

본 논문에서는 하이든의 오라토리오 ‘천지창조’를 지휘 분석의 악곡으 로 선정하였다. 서곡과 이어지는 레치타티브(Recitativ)와 12번 레치타 티브, 13번 합창과 솔로(Solo)부분의 곡을 중심으로 지휘법에 대해 연 구하였다. 도입부는 라르고(Largo)의 템포로 진행된 곡으로 느린 분할 2박의 지휘가 필요한 곳이다. 페르마타(Fermata)에 이은 데크레센도 (Decrescendo)의 지휘법, 악기군별 지휘법, 강약의 대비에 의한 지휘법, 크레센도(Crescendo)의 지휘법, 마디의 마지막 박에 짧게 위치한 16분 음표의 지휘법, 맥박의 비팅(Beating)인 일정한 리듬위에 진행되는 악 기의 지휘법 등이 기술되었다. 솔로와 함께하는 레치타티보와 합창의 지휘법에서는 소토보체(Sotto voce)로 노래하는 합창부분의 지휘법과 솔리스트의 노래와 교감하는 악기군의 지휘법이 연구되었다. 피치카토 (Pizzicao, pizz)와 중음의 지휘법에 대해서도 기술하였다. 12번 레치타티보는 안단테(Andante)의 템포로 연주되는 곡으로 느린 4박으로 지휘한다. 12번 레치타티보는 태양의 떠오름을 기악이 표현하는 곳으로 순차적인 악기 첨가의 지휘법을 기술하였다. 긴 마디 (9마 디)를 크레센도하는 지휘법과 상승시켜 ff(Fortissimo)를 표현하는 지휘 법이 필요한 곳이다. 레가토로 지휘되는 달밤의 고요함을 표현하는 지 휘법과 빠른 템포로 진행되는 부분의 트레몰로 지휘법, 스타카토 (Staccato)된 중음의 종지 지휘법을 기술하였다. 13번 합창과 솔로부분은 2/2박자를 2비트로 지휘하는 곳으로 4분음표 의 못갖춘마디로 시작되는 곡이다. 못갖춘마디의 지휘법과 합창과 기 악의 교차지휘법, 칸타빌레로 진행되는 오케스트라의 연주와 3명의 솔 리스트와 교감하며 진행시키는 지휘법, 짧게 종지되어 멈춘 후 페르마 타 되는 지휘법, 성부별로 지시하는 지휘법, 중음의 종지 지휘법을 기 술하였다. 본 논문에 제시된 악곡의 지휘법을 통하여 다양한 지휘법을 제시하기 위해 연구 하였고 다양한 지휘법을 객관성을 가지고 기술하려고 노력 하였다. 본 논문에 제시된 지휘법이 악곡을 완성하고 표현하는 데 좋은 아이디어가 될 것으로 확신한다.

연주 지휘법에 관한 연구 : G. F. Ha@ndel의 「Messiah」를 중심으로

최정식 중앙대학교 예술대학원 2008 국내석사

In Hebrew, 『Messiah』 means “the anointed one” or “Savior.” This music consists of 53 pieces in total three parts, dealing with such episodes as Birth of Christ, his message for God’s eternal salvation, and Crucifixion, together with the prophecy about Christ’s coming. The theme was quoted mainly from the Old Testament rather than the New Testament. The Part One: “Prophecy and Birth” is performed under a bright and peaceful ambience, and the text of Isaiah, Haggai, Malachi, the Gospel according to St. Matthew, the Gospel according to St. Luke, and Zechariah were quoted as lyrics. As a whole, the contents of the pieces are bright and genial, and the whole part was segmented into 10 different scenes. The Part Two: “Passion and Atonement” uses many choral music heightening dramatic feeling of tension, and the texts of the Gospel according to John, Isaiah, Psalms, Jeremiah, Lamentations, Hebrews, Romans, and the Revelation were quoted as lyrics. In contrast to the Part One, its contents feature dramatic feeling of tension being divided into the two parts; suffering and atonement. The Part Two was segmented into 13 different scenes. The Part Three: “Resurrection of the Body and Life Everlasting” is depicted as in a quiet, slow, and solemn manner. And the texts of Job, Corinthians, Romans, and the Revelation were quoted as lyrics. The contents portrait Resurrection and Life Everlasting in a grave and quiet ambience. It can be said that this part is a compact form of the whole 『Messiah』. The Part Three was segmented into six different scenes. 『Messiah』 is indeed a great religious oratorio that put general concepts relative to oratorio, including beautiful recitative, overture song, grand chorus, far-reaching aria, and so forth, to a theory. Handel had completed a unique musical work in 『Messiah』 having well integrated and fused the traditional opera of Italy, the anthem of England, and the Passion of Germany as well. In this paper, researcher has investigated Baroque Period and its Music, Life of Handel and his works, the constitution and distinctive features of oratorio with a focus on 『Messiah』 which is a great oratorio, written by Georg Friedrich Handel (1685~1759). Also the constitution of total five choral music: Number 4, 7, 12, 17 and 21 among the pieces of oratorio, 『Messiah』 and conducting technique were investigated. When conducting the No.4 Chorus, in the first place, it is impor tant for conductor to have singers practiced in somuch as to make the distinctive features of four themes animate. As for playing tech niques and articulations, Theme One is supposed to be expressed i n terms of Marcato by indicating the preparatory beats that connec ted to the first beat accurately. When performing Theme Four that symbolizes ‘God’s Grandeur,’ the conductor needs to make sure in order that the intervalsshoul d be steady, not become shaky, when the replicate, which is repe a ted continuously, approaches closer to the ending part. Many people tend to think that this music is easy to conduct,but, this is the repertoire for which the conductor practices most frequ ently and hardly. It is dance music derived from the Baroque danc e music in line of three beat, and is normally led by three beats, however, after getting used to the music, sometimes, it isconducted by one single beat with a feeling of playing by three beats. When conducting the No.7 Chorus, the conductor required to mak e the characteristics of Motive 1, 2, and 3, which are three kinds of factors included in Fuga’s theme, well alive in connection with his or her playing techniques and articulations. In the part where Melisma appears so frequently, it is required to practice hard in order that the length and beat of a sixteenth note is well harmonized. The conductor needs to know about the sequence of singing-starting time by each part first, and then should give a look to each part beforehand so much as to start voicing with correct time and pitch. When conducting the No.12 Chorus, in order to play the three themes so as to make the characteristics thereof well alive attending to the playing techniques and articulations, it is required to give an accent lightly to the first syllable of the Theme One among them, and four identical sounds appeared from the fourth syllable have to be expressed by staccato. The last two sounds need to be connected by legato, and the first syllable then has to be conducted as if the note is being held or sustained by means of tenuto, and the following syllable should be conducted with a feeling of hefting it slightly. As to the playing techniques and articulations relative to the No. 17 Chorus, when conducting the chorus based on the Motive 1 in the Theme One, which is a part hymned by angels, it is necessary to direct this part as with a light and refreshing feeling using Mezzo Staccato, and the notes in the third syllable are supposed to be played by means of Crescendo, gradually getting louder. Specifically, Motive 1 appears three times throughout the entire music, however, its dynamic expressions differ at every appearance, so that it is required to make different conducting motions at each different occurrence, i.e. at the first appearance, the motive should be led by mp, and the second, by f, then the third, by ff. For expression of music contained in the No.21 Chorus, the first syllable of Motive 1 should to be expressed by means of Staccato, and the ensuing dotted note is supposed to be played as if double dotted note by using more dramatic expression method than indicated value, and it is also needed to treat Melisma more lightly and gently, for it shall be a method to express the characteristics of the theme in a more dramatic form. And, in expressing Motive 2, it starts after posing with the eight rest, and this eight rest is easily found at every interval in between, so then in leading this part, it is necessary to provide singers with preparatory beat in a flexible manner to enable them to breathe shortly. As revealed in the aforementioned music pieces, it is very important to distinguish the central theme melody that appeared in each musical work from other factors, for this music was composed only by using several theme melodies, which are based on more pure and genuine motive. In actual practice, at first, if the singers exercise only the theme melody in unison, it will bring about time-saving effects, for the chorus understands the flow in musical composition quickly. For dynamic expression, Handel intended to have his four-part music play as with f, and also, when one or two parts are performed independently, he intended it to be played as by p, for this reason, therefore, it shall be more desirable to stress such dynamic expression when the chorus is singing all together, rather than the time for practice according to each part. In addition, the playing techniques through the albums of the three conductors: Colin Davis (1927~ ), John Eliot Gardiner(1943~ ), and Karl Richter (1926~1981). Davis’ performance expresses the beauty of temperance in the large, and Gardiner’s play is led by medium tempo, hence, among three conductors, he showed an objective interpretation of tempo. Richter used grander and more magnificent sounds than other two conductors, and he expressed music with distinctive stress, rather than controlled sounds. Up to now, researcher has studied musical works with a focus on 『Messiah』 that is receiving much attention and being loved endlessly by music lovers, and arranged research results therefrom. 『Messiah』는 히브리어로 ‘기름 부어진 자’, ‘구세주’를 뜻한다. 이 곡은 그리스도의 탄생, 그의 구속의 메시지, 십자가에 달림과 함께 그의 오심에 대한 예언들을 다룬 것으로 전3부의 53곡으로 이루어지며 신약보다는 구약에서 많이 사용하였다. 제1부 “예언과 탄생”은 밝고 평온한 분위기로 이사야서, 학개서, 말라기, 마태복음, 누가복음, 스가랴의 본문을 가사로 인용하였다. 내용은 전체적으로 밝고 온화한 분위기이며 10개의 장면으로 세분화하였다. 제2부“수난과 속죄”는 합창을 많이 사용하고 극적긴장감을 더욱 고조시키고 요한복음, 이사야, 시편, 예례미야, 예레미아에가, 히브리서, 로마서, 요한계시록의 본문을 가사로 인용하였다. 내용은 제 1부와 대조적으로 수난과 속죄의 부분으로 극적인 긴장감을 갖고 있다. 종교적으로도 감동적인 부분이며 합창이 가장 많은 부분이다. 제 2부는 13개의 장면으로 세분화하였다. 제3부 “부활의 영생”으로 장중하고 조용한 분위기를 그려내고 있으며 욥기, 고린도전서, 로마서, 요한계시록의 본문을 가사로 인용하였다. 내용은 장중하고 조용한 분위기로 부활과 영생을 묘사하고 있으며 전체 『Messiah』의 집약형이라 할수 있다. 제 3부는 6개의 장면으로 세분화 하였다. 『Messiah』는 아름다운 서창, 웅장한 합창과 폭넓은 아리아 등 오라토리오에 대한 일반적인 개념들을 정립하여 주는 위대한 종교적인 오라토이오이다. Handel은 『Messiah』에서 이태리의 전통적인 오페라요 영국의 성가(Anthem), 독일의 수난곡을 잘 융합하여 독특한 작품을 완성 시켰다. 본 논문에서는 Georg Friedrich Handel(1685~1759) 의 오라토리오 작품 『Messiah』를 중심으로 연구하기 위해 바로크 시대와 음악, Handel생애와 작품, 오라토리오의 구성과 특징, 작품들에 대해 고찰하였다. 그리고 오라토리오 『Messiah』의 4곡, 7곡, 12곡, 17곡, 21곡 총 5개의 합창음악의 구성과 연주지휘법을 연구하였다. 합창 4곡에서 지휘자는 4개의 주제의 특징을 살려 먼저 연습시키는 것이 중요하다. 연주방법 및 곡상 표현에 있어서 주제 1은 정확한 첫박의 예비박을 주어서 Marcato로 표현되어야한다. ‘신의 위엄’을 상징하고 있는 주제 4를 연주할 때 지휘자는 지속되는 반복음이 후반부로 갈수록 음정의 흔들림이 없도록 연주되어야 한다. 이 곡은 많은 사람들이 쉽게 생각하기 경우가 많지만 연주자들이 가장 많은 연습을 하는곡이다. 3박자 계열의 바로크 댄스(Baroque Dance) 음악에서 유래한 춤곡으로 3박으로 지휘하는 것이 보통의 예이지만, 익숙해 진후에는 3박의 느낌으로 1박으로 지휘하기도 한다. 합창 7곡에서 지휘자의 연주방법 및 곡상 표현에 있어서는 Fuga의 주제가 포함하는 3가지 요인인 Motive 1, 2, 3의 특징을 잘 살려야 한다. Melisma가 많이 나오는 부분에서는 16분음표의 길이와 박자가 잘 맞을수 있도록 많은 연습이 필요한 부분이다. 각 파트가 시작하는 것을 지휘자가 먼저 파악하여서 미리 시선을 주고 정확하게 나올수 있도록 지휘해야한다. 합창 12곡에 연주방법 및 곡상 표현에 있어서의 3개의 주제의 특징을 잘 살려서 연주하면 그 중 주제 l의 첫 음절에는 가볍게 액센트를 주고 4 번째 음절부터 나타나는 4개의 동일음은 스타카토로 표현하며 마지 막 두음은 이음줄로 이어서 앞 음절은 테뉴토로 지긋이 누르듯이, 뒤 음절은 살짝들어 올리는 듯한 느낌으로 지휘한다. 합창 17곡에 연주방법 및 곡상 표현에 있어서 제1주제 중 Motive l이 나타나는 합창은 천사가 노래하는 부분으로 지휘할 때는 가볍고 산뜻하게 Mezzo stacato의 느낌으로 표현하며 셋째 마디의 음은 크레센도로 점점 세게 연주한다. 이 Motive l은 곡전체에서 3번 나타나는데 나타날 때 마다의 Dynamic 표현을 달리 한다. 첫 번째는 mp로 두 번째로 f 세 번째는 ff 로 지휘 동작을 다르게한다. 합창 21곡에 악곡의 표현에 있어서 동기 1의 첫 음절은 스타카토로 표현하며 이어 나오는 점음표는 표기된 것보다 좀 더 극적인 표현 방법을 사용하여 겹점음표로, 멜리즈마는 더욱 가볍게 처리하는 것이 주제의 특징을 보다 극대화시켜 나타낼 수 있는 방법이다. 또한, 동기2를 표현함에 있어서는 8분쉼표 후에 시작하며 사이사이에 8분 쉼표가 있는 것을 볼 수 있는데 이 부분에서 노래하는 사람들이 짧게 숨을 쉴 수 있도록 지휘는 탄력있는 비트로 예비박을 주어야 한다. 위에 곡들에 나타나는 바와같이 더욱이 순수한 몇 개의 주제 멜로디만으로도 작품을 만들었기 때문에, 각 곡에 나타난 중심 주제 멜로디의 부각이 매우 중요하다. 실제적인 연습에 있어서 주제 멜로디만을 유니즌으로 먼저 연습한다면 합창단이 곡의 흐름을 빨리 이해하여 시간절약의 효과를 가져오게 된다. 다이나믹 표현에 있어서 Handel은 4파트가 나올때는 f로 그리고 한, 두 파트가 독립적으로 나올때는 p로 연주되도록 의도했기 때문에, 파트 연습 때의 표현보다는 합창단이 함께 부를때 다이나믹의 표현을 강조해주는 것이 바람직하다. 또한 Colin Davis (1927~ ), John Eliot Gardiner(1943~ ), Karl Richter (1926~1981) 3명의 지휘자의 음반에 의한 연주기법을 연구하였다. Davis의 연주는 전체적으로 절제의 아름다움을 표현하였고 Gardiner의 연주는 3명의 지휘자중에 중간 템포로 연주되어 객관적인 템포해석을 보였다. Richter는 다른 2명의 지휘자의 비해 웅장한 소리가 많았고 절제된 소리보다는 확실한 강약의 표현을 하였다. 지금까지 끝없는 사랑과 관심을 받고 있는 『Messiah』를 중심으로 작품을 연구하고 정리하였다.