피아노 연주 자세와 통증에 대한 연구

우수한 중앙대학교 대학원 2018 국내석사

피아노 연주는 신체의 움직임을 수반하여 수행되는 예술적 행위이며 잘못된 연주 자세는 피아노 연주자 또는 피아노를 배우는 학생들에게 신체적 통증을 유발할 수 있다. 이러한 문제점을 생각하여 본 논문은 피아노 연습 또는 연주 시 신체 사용의 문제점 및 통증 원인을 조사하고 피아노 연주자 또는 학습자에게 올바른 자세 교육에 대한 필요성을 제시하는데 목적이 있다. 본 논문의 연구는 선행 연구들의 설문문항을 토대로 제작하여 설문 조사를 실시하였으며, 그에 따른 빈도분석 자료를 바탕으로 결과 값 분석을 진행하였다. 또한 연구 대상자는 경기도 소재의 C대학교 학부생 및 대학원생 110명으로 선정하였다. 본 논문의 설문지는 총 4가지의 항목으로 1. 연습과 연주 관련 통증, 2. 경부장애지수 평가항목, 3. 연습과 연주 관련 자세와 운동, 4. 개인 기초 조사의 내용을 포함하고 있다. 본 연구의 결과는 다음과 같이 나타났다. 첫째, 피아노를 연주하면서 발생되는 통증은 주로 어깨(27.3%)와 목(18.0%)에 많이 나타났으며 그 다음으로 손목(15.7%), 팔(14.6%), 허리(13.5%), 손가락(8.2%) 순으로 나타났다. 둘째, 연습 또는 연주 시 통증 원인은 잘못된 자세(39.5%)가 가장 높게 나타났으며 다음으로 해당부위의 잘못 사용(26.0%), 해당부위의 과 사용(25.0%), 신체적 스트레스(6.0%), 기타(4.0%) 순으로 나타났다. 셋째, 설문 대상자 중 스트레칭을 실시하는 대상자는 31.8%로 나타났으며 스트레칭 효과에 대해 좋음(48.6%), 아주 좋음(17.0%)으로 긍정적인 답변이 다소 높게 나타났다. 또한 자세교육의 필요성에 대해 매우 그렇다(53.6%), 그렇다(39.1%), 보통(4.5%), 잘 모르겠다(2.7%) 순으로 다수의 대상자가 자세교육의 필요성을 자각하고 있었다. 결론적으로 피아노 연습 또는 연주 시 올바르지 못한 자세는 통증 발생의 원인이 된다는 것을 확인 할 수 있었다. 즉, 피아노 연습 또는 연주 시 올바른 자세에 대한 교육이 매우 중요하며 향후 피아노 교육 과정 중 자세에 대한 교육을 추가해야 할 필요성이 있다고 판단된다. The purpose of this thesis is to examine the causes of pain in playing the piano, and to suggest the need for learning about proper posture in piano study. To address the goal, a survey was conducted. The questionnaire was made based on the questionnaire items of the previous research. The resultant values were analyzed based on frequency analysis data. The subjects selected for this study were 110 undergraduates and graduate students attending C University located in Gyeonggi-do. The questionnaire used in this study consists of four categories: 1. pain caused by practice and playing the piano, 2. evaluation on neck disability indexes, 3. postures related in piano playing, and 4. contents of personal basic data. The conclusion of this study is as follows: First, pains caused by playing the piano is mostly in shoulders (27.3%) and the neck (18.0%), followed by the wrist (15.7%), the arms (14.6%), the waist (13.5%), and the fingers (8.2%) in the order. Second, pains caused by practice or playing the piano is mostly from bad postures (39.5%). The next biggest causes are wrong use of the particular part of body (26.0%), excessive use of the particular part of body (25.0%), physical stress (6.0%), and others (4.0%) in the order. Third, 31.8% of the respondents were shown to perform stretching and with regard to the effects of stretching, positive responses were shown to be somewhat more frequent such as ‘good’ (48.6%), and ‘very good’ (17.0%). In addition, the great majority of the respondents were aware of the need for learning about posture. The 53.6% of respondents chose ‘absolutely necessary’, 39.1% ‘necessary’, 4.5% ‘medium’, and 2.7% responded to ‘not sure’. In conclusion, the fact that the improper postures during practice or playing the piano cause pain could be identified. Therefore, learning on proper postures during practice and playing the piano is very important and it is considered necessary to add learning of posture to the piano curriculum hereafter.

Franz Liszt의 피아노 작품에 나타난 Transcription과 Paraphrase기법에 관한 연구 : F. Schubert - F. Liszt의 <Der Erlkönig S.558>와 G. Verdi - F. Liszt의 <Rigoletto Paraphrase S.434>을 중심으로

최민아 중앙대학교 대학원 2016 국내석사

편곡(Arrangement)은 14세기부터 중요한 작곡기법으로 자리 잡으면서 르네상스, 바로크, 고전, 낭만시대에 걸쳐 다양한 편곡 작품들이 탄생하였다. 그 중 낭만시대를 대표하는 작곡가 리스트(Franz Liszt, 1811-1886)는 원곡의 형식과 구조를 그대로 옮기는 기법인 트랜스크립션(Transcription)과 기존의 작품에서 선율을 가져와 작곡가의 새로운 기교를 더하여 자유롭게 변형시키는 패러프레이즈(Paraphrase) 기법을 사용하여 여러 작곡가들의 오페라, 예술가곡, 기악곡 등 다양한 작품들을 피아노곡으로 편곡하여 수많은 피아노 편곡 작품들을 남겼다. 그는 자신이 편곡한 작품들을 연주함으로써 경제적인 부담으로 음악을 접할 수 없었던 시민들에게 보다 쉽게 음악을 접할 수 있도록 기회를 제공하였고, 여러 작곡가들의 작품을 알리는 데에도 크게 공헌하였다. 본 논문의 목적은 리스트가 원곡을 바탕으로 두 가지 편곡 기법을 사용하여 편곡한 작품들을 분석함으로써, 그의 음악적 아이디어와 특징들을 살펴보고 두 가지 편곡 기법의 차이점을 이해하며 연주할 수 있도록 연주자들에게 도움을 주는 것이다. 대표적으로 리스트의 피아노 트랜스크립션 작품 <마왕(Der Erlkönig S.558)>은 슈베르트 예술가곡 <마왕(Der Erlkönig Op.1)>의 형식과 구조를 그대로 옮기며 원곡의 분위기를 충실하게 재현하였다. 그는 선율과 반주형태, 화음의 진행을 원곡과 똑같이 유지하는 동시에 구체적인 지시어, 악상, 스타카토, 아르페지오 꾸밈음과 음역대의 변화를 통해 원곡에 새로운 해석을 가미하였다. 그의 대표적 피아노 패러프레이즈 작품 <리골레토 패러프레이즈(Rigoletto Paraphrase S.434)>는 원곡의 선율을 기초로 하고 있으나 선율의 확대와 축소, 리듬 변형, 그리고 화려한 카덴자를 첨가하여 비르투오소적인 면모를 중시하는 그만의 독창적인 피아노 작품으로 재구성하였다. 이를 통해 리스트의 트랜스크립션과 패러프레이즈 기법을 사용하여 편곡된 피아노 작품들은 19세기 피아노 음악을 더욱 풍성하게 하였고, 그는 원곡을 충실히 재현하는 것에서 나아가 편곡 작품들을 통해 창조적인 음악의 장을 마련하는 등 서양 음악사에 중요한 역할을 하였다는 것을 알 수 있었다. 본 연구자는 이러한 연구 결과를 통해 연주가들이 리스트의 편곡 기법에 따른 작곡 방식을 이해하고 편곡 작품을 연주할 때 도움이 되기를 기대한다. Various arrangements came into the world over the Renaissance, Baroque, Classical and Romantic periods as arrangement was settled as an important compositional technique since the 14th century. Franz Liszt (1811-1886), one of the representative composers of the Romantic period, left produced numerous piano arrangements from operas, lieder, and instrumental works, using the transcription technique, which takes the form and structure of the original works and the paraphrase technique, which brings the melodies of the existing works and transforms them freely by adding a new technique of the composer. He provided an opportunity to experience music more easily for citizens who could not enjoy music because of an economic burden and made a great contribution to making various composers’ works known, by playing the works he arranged. This study aimed to investigate his musical ideas and characteristics and help pianists to understand the differences between the two arranging techniques, by analyzing the works Liszt arranged based on the original work. Der Erlkönig S.558, Liszt’s representative work of piano transcription, fully reproduced the mood of the original work, taking the form and structure of Schubert’s lied, Der Erlkönig Op.1. He maintained the melodies, the form of accompaniment and the progress of chords of the original work and added new interpretations to the original work through detailed directions, dynamics, staccato and arpeggio ornaments and changes of register. Rigoletto Paraphrase S.434, his representative work of piano paraphrase, is based on the melodies of the original work, but reconstructed that as his own creative piano work by adding augmentation and diminution of melodies, rhythmic transformation and brilliant cadenzas. Through this study, I found that Liszt’s piano works, arranged through the techniques of transcription and paraphrase, further enriched piano music of the 19th century, and he played an important role in the history of Western music, by fully reproducing the original works and further providing a new chapter of creative music through his piano arrangement works. Hopefully, I expect that this study can help pianists play Liszt's piano arrangement works understanding his arrangement techniques.

알베르토 히나스테라의 피아노 소나타 제 1번 Op. 22에 관한 연구 : 분석과 연주법을 중심으로

이다영 가천대학교 ← 경원대학교 (X) 2018 국내석사

알베르토 히나스테라 피아노 소나타 제 1번에 관한 연구 히나스테라(A. Ginastera, 1916-1983)는 20세기를 대표하는 아르헨티나의 작곡가이다. 국민주의 작곡가였던 히나스테라의 작품에서는 아르헨티나의 민속 음악적 특징과 현대 음악적 특징이 드러난다. <피아노 소나타 제 1번 Op. 22>는 히나스테라의 세 가지 음악 시기 중 두 번째 시기에 속하는 주관적 국민주의 말기 작품으로 첫 번째 시기인 객관적 국민주의에서 발전된 자신의 음악적 개성과 20세기의 음악적 요소를 접목시켜 작품에 표현하였다. 아르헨티나 민속 음악은 다양한 문화의 영향을 받아 형성되었는데 대표적으로는 고대 잉카 문명의 인디오 음악, 스페인 음악, 흑인 노예 음악의 영향을 받았다. 이러한 영향을 받은 히나스테라는 아르헨티나 민속 음악의 요소인 5음 음계, 개방현의 기타 코드, 타악기적 요소, 마람보(Malambo) 리듬, 헤미올라(hemiola) 리듬과 같은 음악적 요소를 사용하여 국민주의 음악을 작곡하였다. 히나스테라가 활동했던 20세기 초에는 세계 제 1차 대전, 2차 대전의 영향을 받은 예술가들이 작품을 통해 현실에 대한 비판과 인간의 강렬하고 폭력적인 내면의 깊은 감정을 작품으로 표현해냈다. 이러한 분위기에 영향을 받은 작곡가들이 표현주의, 사실주의, 국민주의와 같은 다양한 음악적 사조를 통해 내면의 감정을 승화시키고 시대적 상황을 표현해냈다. 히나스테라는 복조성, 12음계 기법, 음렬주의, 군집 화음(Cluster Chord), 무조성, 잦은 변박 등과 같은 요소를 접목시켜 자신의 음악 작품에 적용하였다. 히나스테라는 이러한 현대 음악적 요소와 아르헨티나의 민속 음악적 요소를 자신의 양식으로 소화시켜 작품에 적용하였다. 본 논문에서는 히나스테라 <피아노 소나타 제 1번>을 통해 국민주의와 20세기 현대 음악의 특징에 대해 살펴보고 히나스테라의 음악적 특징을 그의 활동 시기별로 나누어 연구하였다. 또한 <피아노 소나타 제 1번>을 악장별로 분석하여 연주를 하는데 있어서 보다 효과적인 연주 방법에 대해서 연구를 하였다.

P. Hindemith의 <Piano Sonata No.3>에 관한 연구

홍지선 단국대학교 대학원 2011 국내석사

The characteristic of 20th century music is diversity. Diverse styles and forms emerged in every genre. The composers of 20th century tried to replace the tradition with a new system that they made. Also, they tried to find a new expression, absorbing traditional elements, which was called neo-classicism. Neo-classicism was well expressed in German composer, Paul Hindemith's 3Piano Sonatas. These sonatas have elements of classicism in structure and form, but melodic patterns, rhythm, and style of movements are close to Baroque style. Hindemith's Piano Sonata No.3 was large-scaled music and counterpoint was uniquely used. This thesis tries to study Hindemith's Piano Sonata No.3. This Piano Sonata No.3 does not embrace traditional elements simply, but changes them individually, which changes the tradition in a modernized way. In particular, by using brief melody, clear chords, and counterpoint, Hindemith emphasized the necessity of tonality. In addition, 20th century composers made attempts to get diverse quality of a tone by using harmonic discord and percussion-performing method. Hindemith's Piano Sonata No. 3 has the good characteristics attempted in 20th century. Also, it is the work which shows new potentiality of piano sounds. This study will try to present the possibility of modern music related to tradition that Hindemith' works show in the 20th century piano music. 20세기 음악의 특징은 다양성이다. 다양한 양식과 형식들이 모든 장르에서 나타나고 있다. 20세기 작곡가들은 새로운 체계를 만들어내 전통을 대체하려 했다. 또한 전통적인 요소들을 흡수하면서 새로운 표현을 찾으려 하였는데 이것을 신고전주의라고 한다. 신고전주의는 독일의 작곡가인 힌데미트 3개의 피아노 소나타에 잘 나타나 있다. 이 피아노 소나타는 구조나 형식면에서 고전주의적 요소를 담고 있지만 주제의 음형, 리듬, 악장의 성격은 바로크 양식에 더 가깝다. 힌데미트 피아노 소나타 3번은 4악장의 대규모 곡으로 대위법이 특징적으로 쓰였다. 본 논문은 힌데미트 피아노 소나타 3번을 연구하고자 한다. 이 소나타 3번은 전통적인 요소를 단순히 수용하지 않고 개성 있게 변화시킴으로써 전통을 현대적으로 변화시키고 있는 모습을 보여주었다. 특히, 간결한 선율과 명확한 화성, 대위법 등을 사용하여 현대음악에서도 조성의 필요성을 강조했다. 더불어 20세기 작곡가들은 화성적인 불협화음과 타악기적인 주법을 사용하여 피아노의 다양한 음색을 얻으려고 시도하였다. 힌데미트의 피아노 소나타 3번은 20세기에 시도했던 특징들이 잘 나타나 있다. 그리고 피아노 음향의 새로운 가능성을 보여준 작품이라 할 수 있다. 이 연구를 통하여 20세기 피아노 음악에서 힌데미트 작품이 보여주고 있는 전통과 연관되어 나타나는 현대음악의 가능성을 제시해 보도록 하겠다.

모차르트 피아노 협주곡 제27번의 이해

강율리 단국대학교 대학원 2015 국내석사

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) composed a total of 31 works for piano and orchestra, which includes 27 concerti and a Rondo for Piano and Orchestra. Piano Concerto No. 27 in B-flat major, K. 595 is his last piano concerto composed in 1791. This concerto is scored for a smaller number of orchestral instruments than his previous ones, thus bearing almost chamber-like character. Although the configuration of instrumentation is relatively thin, Mozart was nevertheless able to achieve a musical balance between the piano and the orchestra by successfully avoiding the music to be heavily carried by either the solo or the orchestral part. As a way to establish a relationship between the piano and the orchestra, a single melody is expressed between the solo instrument and the orchestra alternatively, while the two parts respond to each other in relatively shorter phrases. Mozart was also able to achieve the grandeur in the quality of timbre and resonance by maximizing the effectiveness of rich harmonies provided by the orchestra and the virtuosity displayed by scales and arpeggios in the piano part. Moreover, the woodwinds play a more prominent role by intimately collaborating with the piano part in this work. There is also an evidence of Mozart’s effort to stay away from the monotony by incorporating various forms of articulations. This endeavor of articulations is present throughout the entire work. The most representative of these attempts are a staccato placed on the second note of a two-note slur and slurs starting from a weak beat. This study examines on the relationship between the piano and the orchestra, and the use of articulation employed by Mozart, in hope to provide a deeper understanding of Piano Concerto No. 27 in B-flat major, K. 595. Keywords: Mozart, Piano Concerto, the relationship between piano and orchestra, articulation 볼프강 아마데우스 모차르트(Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)는 27개의 피아노 협주곡(Piano Concerto)과 피아노와 오케스트라를 위한 론도(Rondo for Piano and Orchestra) 등을 포함해 총 31곡의 피아노와 오케스트라를 위한 곡을 작곡하였다. <피아노 협주곡 제27번>은 1791년에 작곡된 그의 마지막 피아노 협주곡이다. 이 곡은 그의 다른 피아노 협주곡보다 작은 오케스트라로 구성되어 있어 실내악적 성격을 가진 협주곡이라고도 할 수 있다. 악기의 구성은 비교적 작지만 모차르트는 이 곡에서 피아노와 오케스트라가 어느 한 쪽으로 음악적 비중이 치우치는 것을 피하고 대등한 위치에서 서로 조화를 이루도록 하였다. 먼저 피아노와 오케스트라의 관계를 설정하기 위한 방법으로, 하나의 선율을 피아노와 오케스트라가 나눠서 표현하도록 하였으며 짧은 구간에서 피아노와 오케스트라가 응답하며 나타나게 하였다. 그리고 스케일(scale)과 아르페지오(arpeggio)의 화려함을 잘 표현할 수 있는 피아노와, 여러 악기를 동시에 울려 화음을 풍부하게 만들 수 있는 오케스트라의 장점을 부각시켜 서로 어우러지게 함으로써 풍성한 음향 효과를 나타내었다. 또한 목관악기와 피아노가 서로 응답하는 부분을 나타나게 함으로써 서로 긴밀하게 호흡하도록 하며 목관악기의 비중이 커지게 하였다. 또한 그의 작품 전체에서 볼 수 있는 아티큘레이션(articulation)의 표현이 잘 나타난다. 두음간의 슬러와 슬러 끝에 위치시킨 스타카토, 약박에서 시작하는 슬러 등이 대표적이다. 이렇듯 그는 다양한 아티큘레이션을 사용함으로써 단순함에서 벗어나게 하였다. <피아노 협주곡 제27번>에서 나타난 그의 음악적 어법 중 피아노와 오케스트라의 관계와 아티큘레이션을 연구함으로써 이 곡의 이해를 도울 수 있다. 주제어 : 모차르트, 피아노 협주곡, 피아노와 오케스트라의 관계, 아티큘레이션

모차르트 <피아노 소나타, K.333>에 관한 이해

박소연 단국대학교 대학원 2016 국내석사

모차르트는 고전시대를 대표하는 작곡가로 연주 여행을 다니며 접한 다양한 음악 양식과 스타일을 자신만의 음악으로 훌륭하게 표현해냈다. 18세기 후반에 발명된 피아노는 이전의 건반악기 보다 더욱 풍부한 감정 표현이 가능해졌고 모차르트는 피아노를 위한 19개의 피아노 소나타를 작곡하였다. 모차르트 <피아노 소나타 K.333>은 그의 중기 피아노 소나타 중 마지막 곡으로 그가 린츠에 잠시 머물던 1783년에 작곡되었다. 1악장은 Bb Major 소나타 형식, 2악장은 Eb Major 소나타 형식, 3악장은 Bb Major 론도 소나타 형식으로 되어있다. 곡의 길이가 길어졌으며 주제의 처리가 확실하게 나타나고 단순한 반주형태인 알베르티 베이스와 동형진행과 반음계가 사용되었다. 모든 악장의 주제 선율이 하행 진행하는 것이 특징적이며 J. C. Bach, C. P. E. Bach의 영향을 받았다. 1악장은 전타음과 당김음이 빈번하게 사용되었고 2악장에는 Pedal tone이 등장한다. 발전부에서 잦은 전조와 불협화음의 등장으로 곡에 긴장감이 느껴지며 재현부에서 제시부의 선율이 화려하고 풍부하게 장식되어 나타난다. 3악장은 오케스트라의 튜티와 솔로가 서로 주고 받는 모습이 나타나며 곡의 마지막 부분에는 카덴차가 등장한다. 본 연구를 통해 모차르트 <피아노 소나타 K.333>은 초기 소나타에 비해 규모가 크고 구성이 확실한 소나타 형식이 사용되었으며 모차르트가 여러 나라를 돌아다니며 접한 음악 양식이 다양하게 나타난 곡임을 알 수 있다.

하이든 <피아노 소나타, Hob. XVI:52>에 관한 이해

구자단 단국대학교 대학원 2015 국내석사

Franz Joseph Haydn(1732-1809) was a prominent composer from the Classical Period. For forty years, ranging from the early 1750’s through 1795, Haydn composed several notable piano sonatas, eventually perfecting the sonata form. Haydn’s piano sonatas produced during late period are widely regarded as his finest. Especially of note is Piano Sonata, Hob. XVI:52, which Haydn composed on an English action forte piano during his stay in England. Compared to its Viennese counterpart, the English action forte piano had heavier key touch, with a deeper keyboard. In addition, the English action piano had an extended key range, allowing for greater resonance in sound and the ability to create more colorful tones. Haydn utilized these features to his full advantage in Piano Sonata, Hob. XVI:52. The first movement is characterized by its rich and assertive sound, complemented by dotted rhythms on the forte notes, and its fast scale passages and wide range contribute to the movement’s sense of grandeur. The second movement is distinguished by Haydn’s use of rapid modulation and the contrasting dynamics, which gives way to the movement’s extreme and free expressions. In the third movement, Haydn employed tension through the use of sforzando on weak beats. Impressive in its technique, Haydn’s third movement also contained several sixteenth notes covering a wide range of the keyboard. Haydn is recognized for introducing a more mature sound to the piano sonata and elevating its status against other musical genres. Haydn’s piano sonatas remain leading examples of the Classical style and served as inspiration to generations of future composers. 하이든(Franz Joseph Haydn, 1732-1809)은 고전시대를 대표하는 작곡가이다. 그는 1750년대 초 부터 1795년까지 약 40년 동안 피아노 소나타를 작곡 하였다. 그의 피아노 소나타는 초기, 중기, 후기를 거치며 고전주의 피아노 소나타 형식의 틀을 완성시켜 나갔다. 그의 초기 피아노 소나타는 디베르티멘토 형식과 유사하다. 단순한 패턴이 반주에서 자주 사용 되었으며 알베르티 베이스를 사용함으로써 가벼운 갤런트적인 성격이 두드러진다. 중기 피아노 소나타는 초기 소나타 보다 규모가 커지고 제시부, 발전부, 재현부 간의 길이가 조화로워 졌다. 또한 주제와 변주를 사용하고 다수의 단조 소나타를 작곡하여 실험적 작품들을 작곡하였다. 후기 소나타는 그의 건반악기 스타일의 정점을 이룬 것으로 평가된다. 그 중 <피아노 소나타 Hob. XVI:52>는 그가 영국 런던에 체류하며 작곡한 것으로 영국식 액션의 포르테피아노로 작곡되었다. 영국식 액션의 피아노는 비엔나 액션의 포르테피아노 보다 건반의 폭이 깊고 터치가 무거웠다. 또한 건반의 음역이 확장되었으며 소리의 울림이 풍부하였다. 이로써 다양한 음색표현이 가능해졌다. 이러한 영향은 <피아노 소나타 Hob. XVI:52>에 고스란히 드러난다. 또한 위의 작품은 조성관계에서 특별하다. 1악장과 3악장은 E♭장조이나 2악장은 E장조로 되어있다. 피아노 소나타의 악장 별 조성관계는 주로 가까운 조로 진행되는 것에 반해 E장조는 E♭장조와 관계조가 아닌 아주 먼 조로의 진행이다. E장조는 1악장의 제 2주제에 사용 되었으며 이것은 2악장의 E장조를 예비한 것으로 볼 수 있다. 제 1악장은 포르테와 함께 등장하는 부점 리듬에서 당당함과 함께 풍요로운 소리를 이루어 낸다. 빠른 스케일의 패시지는 넓은 음역대의 사용으로 화려함을 더한다. 제 2악장은 급격한 전조와 대조적인 다이내믹의 사용으로 극단적이며 자유로운 감정표현을 요구한다. 제 3악장은 약박에 놓인 sfz 의 사용으로 긴박감을 느낄 수 있다. 상성부와 하성부를 교차하며 나타나는 16분음표는 넓은 음역대에서 사용되었으며 이는 매우 화려하고 기교적이다. 하이든은 피아노 소나타를 다른 장르들과 필적할만한 수준으로 이끌어 올렸으며 그의 피아노 소나타는 후세의 많은 작곡가들에게 고전주의 소나타로서 본보기가 되었다.

카발레프스키 피아노 소나타 제3번에 관한 이해 : 제 1 악장을 중심으로

조혜림 단국대학교 대학원 2013 국내석사

독창적인 작곡가였을 뿐 아니라 비평가이자 음악학자, 교육자였던 드미트리 카발레프스키(Dmitry Kabalevsky, 1904-1987)는 새로운 고전주의의 양식에 바탕을 두고 그 안에 자신만의 독특한 음악세계를 추구한 20세기 러시아를 대표하는 작곡가 중의 한 사람이다. 그는 평생을 러시아에서 살면서 정부 음악 정책에 순응하는 작품 활동을 하였고, 그 결과 그의 음악은 당시의 사회상을 반영하면서도 한편으로는 독창적이고 예술적인 특징을 보여준다. 이 논문은 카발레프스키의 피아노 소나타 3번(Piano Sonata No. 3, Op. 46)의 1악장에 대해 작품의 구조와 형식을 분석하고 이해하는데 주력하였다. 이 작품은 세 개의 악장으로 구성된 그의 대표적인 피아노 작품으로 카발레프스키의 특징들을 집약적으로 나타내었고, 그가 작곡한 피아노 소나타 곡으로는 마지막 작품으로 1946년에 작곡되었다. 멜로디가 쉽고 아름다워서 연주자나 청중이 모두가 공감할 수 있는 곡으로 작품 자체가 짜임새 있고, 깔끔한 매력을 지녀 오늘날에도 널리 사랑받고 연주되는 작품이다. 피아노 소나타 3번의 세 개의 악장에서 특히 1악장은 카발레프스키의 음악적 특징을 잘 나타내주고 있는 악장이다. 1악장의 익살스런 Allegro con moto는 선명하고 선율적인 소나타-알레그로형식으로 제시부 - 발전부 - 재현부 - Coda의 형식으로 이루어져 있으며, F Major의 조성을 갖는다. 제시부에서의 가장 큰 특징으로 잦은 박자의 변화를 볼 수 있는데, 이는 명랑하면서도 긴장감을 유발하는 효과를 준다. 또한 F Major가 C Major로 전조되어 제시되며, 반음계적 진행을 강조한다. 발전부에서는 제시부의 제2주제와 종결주제를 자유롭게 변형하고 발전시키는데, 양손의 불협화음으로 인해 조성이 모호하다. 이는 20세기음악의 특징으로 새로운 색채감을 부여한다. 재현부는 제시부와 같은 F Major로 등장하지만 곧이어 단3도 위의 A♭Major로 진행되며, 불규칙한 악센트와 반음계진행으로 인해 격렬한 분위기를 연출하며 Coda에서 조용하게 사라지는 느낌으로 곡이 마무리된다. The socialist realism which occurred as Stalin's regime began after the Russian Bolshevik Revolution in 1917 imposed strict restriction on the artistic works of music composers. Due to this, many composers chose asylum to the West, where as the other composers left in their homeland diverted their direction into the work appropriate for socialist realism. Dmitry Kabalevsky(1904 - 1987)is a Russian representative composer and educator, pianist and music critic in 20C. He adjusted himself to the communist government system, and created music for the people. Piano Sonata No. 3, Op. 46, composed in 1946, was the last piano sonata that he composed. It is a piece with a beautiful melody that the pianist and audience can both easily feel sympathy. The form of the first movement is made up of the exposition, the development and the recapitulation, and in the coda appears in the end. The first subject and the second subject of the exposition are in F Major and C Major, which are in dominant relation. At the end of the first subject, an unusual development occurs - the melody does not return to the original key but modulates to another key. The nonharmonic chords are frequently accurate, and the tonality of the chords attached to the melody appears obscurely, which are the distinctive features. In the recapitulation, A♭Major is newly exposed, showing a different feature from the classical sonata, which uses the tonality of the first subject group of the exposition in the recapitulation. As opposed to the exposition where each section shows only one change, at the beginning of the development, both a change in tempo and change in melody occur synchronously. It is analogically inferred that the reason why the exposition and development is clearly by change in the tempo and melody in this manner is because it is the beginning of not a division of the attached section within the exposition but development, a large new section.

Sergei Prokofiev 『Piano Sonata No. 7 in B-flat Major, Op. 83』에 대한 연구

리밍 단국대학교 대학원 2022 국내박사

본 논문은 박사과정 이수를 위해 작곡가 세르게이 프로코피에프『피아노 소나타 7번』에 관한 연구이다. 19세기 말에서 20세기 중기에 이르기까지 인류세계는 끊임없는 전쟁과 정치적 변동으로 지금까지 인류가 체험한 것에 비해서 비교할 수 없을 정도로 혼란에 직면하게 되었고 그 영향은 러시아 음악영역에도 미치게 되었다. 20세기 러시아혁명으로 인해 러시아음악은 여러 가지 타격을 입었지만 전체적으로 봤을땐 러시아음악은 발전을 하면서 긍정적인 부분도 많다. 러시아 음악가, 작곡가들은 국내 또는 유럽지역에서 꾸준히 현대적인 요소와 형식을 탐구하고 연구하면서 다양한 음악적 언어를 창작하였다. 작곡가들은 음악적 언어의 다양화를 추구하고 음악정신을 고조시켰으며 세상을 관찰하고 연구하는 깊이와 넓이는 수많은 음악작품 세계에서 볼 수 있으며 이로 인해 러시아 음악도 발전 되었다. 프로코피에프는 130 편 정도 되는 다량의 음악작품을 창작하였고 20세기에 가장 많은 작품을 만든 작곡가 중 한 사람이기도 하다. 그는 피아노라는 악기에 그만의 철학적인 사상과 독특한 작곡기법들을 더하면서 피아노음악의 새로운 장을 열었고 그 당시 20세기 국제형세와 러시아의 사회적으로 불안정한 상황을 음악작품 속에 담아내어 자신의 내면세계를 표현하고자 했다. 프로코피에프가 1939년에 시작하여 1942년에 완성한『피아노 소나타 7번』은 그 당시 제2차 세계대전의 치열하고 처참한 상황을 표현하고 음악의 서정성을 잘 조화시켜 그의 수많은 피아노 작품 중 최고 중의 하나로 볼 수 있다. 이 작품에선 프로코피에프가 타악기적인 음향효과를 가미한 대담하고 도전적인 의지를 보여주고 사상적 내용에서도 철학적이며, 그 당시 세계대전에 대한 그만의 깊은 고민들을 작품에 표현해냈다. 프로코피에프의『피아노 소나타 7번』은 20세기 명작으로 말할 수 있는 작품이다. Hart, Gregory. Prokofiev his life and music. 임선근 번역. 『프로코피에프, 그 삶과 음악』. 서울: 포노, 2014. 1941년 프로코피에프 자서전에서 그는 자기 작품들의 경향과 특징들에 대해서 기술했었다. 비록 그의 초기작품을 대상으로 서술한 다섯 가지의 경향이지만 이러한 다섯 가지 경향과 특징들은 그의 중기 또는 후기작품에서도 충분히 잘 나타났다. 이러한 경향과 특징들은 서로 겹치고 영향을 주기도 하면서 서로 연결되고 떨어지지 않았다. 다섯 가지 경향들은: 고전적(Classical), 현대적(Modern), 토카타적(Toccata), 서정적(Lyrical), 괴기적(Grotesque)이고 프로코피에프의『피아노 소나타 7번』에서 다섯 가지 경향들이 잘 표현된 것을 찾아 볼 수 있다. 우새록.《프로코피에프의 피아노 소나타 제6번에 나타난 다섯 가지 작곡어법에 관한 연구》,단국대학교 대학원, 2014. 국내에서 프로코피에프 음악의 선행된 연구로는 많은 자료들이 있는데, 프로코피에프 자신이 자서전에서 밝힌 다섯 가지 음악적 특성인 고전적, 혁신적, 토카타적,서정적, 괴기적 요소로 분석한 경우가 거의 대부분이다. 프로코피에프의《Prokofiev Piano Sonata No. 7 in B-flat Major, Op. 83》은 3개 악장으로 구성되어있다. 1악장은 고전소나타 형식으로 설정하였고 B♭음 중심으로 된 제1주제와 E♭음 중심으로 된 제2주제를 서로 대비되는 조합으로 설정하였다. 2악장은‘Andante caloroso’이며 주요 조성은 E장조이다. 2악장은 A-B-A 3부분으로 구성되었고 이는 가요형식(Song form)을 취했다. 2악장은 풍부한 화성과 다양한 변조를 통해 정열적인 색채가 더욱 진하게 표현된다. 또한 타악기적인 종소리 음향효과를 표현한 부분들이 인상적이며 오스티나토 오스티나토(ostinato)-어떤 일정한 음형을 악곡전체에 걸쳐 같은 성부에서 같은 음고로 끊임없이 되풀이하는 것을 말한다. 부분도 한층 더해 2악장의 서정적이고 정열적인 느낌을 살린다. 3악장은 ‘Precipitato’리듬이며 주요조성은 B♭장조이다. 3악장은 A-B-C-B'-A' 다섯 부분으로 구성되었다. 3악장은 급격하게 명시되어 있는 만큼 아주 격렬하고 율동적이고 풍부한 화성과 다양한 변조를 통해 리드미컬한 색채가 더욱 진하게 표현된다. 그리고 3악장은 가장 타악기적인 경향이 잘 나타난 악장이다. 본 논문에서는 프로코피에프의 『피아노 소나타 7번』작품을 더욱 잘 이해하기 위해 먼저 역사적 배경으로 20세기 국제환경과 러시아의 시대적 상황 그리고 프로코피에프의 생애 등에 대해서 역사적인 배경들을 순차적으로 알아본다. 그다음 프로코피에프 작품의 주요 다섯 가지 경향들을 『피아노 소나타 7번』작품에서 찾아내고 연구한 뒤 전 악장을 세부적으로 음악적 연구를 하고 그의 음악적 특징과 음악세계를 연결시킨다. 이러한 연구를 통해 그의 『피아노 소나타 7번』작품 이해의 넓이와 깊이를 더욱 승화시키고 훌륭한 연주를 위한 이론적 지식 연구 목적으로 한다. 주제어: 20세기음악, 고전적, 현대적, 토카타적, 서정적, 괴기적, 타악기적

J. S. Bach Partita no.1 in B-flat major, BWV 825에 나타난 이탈리아 양식과 효과적인 연주법 연구

임하영 중앙대학교 대학원 2020 국내석사

The purpose of this study is to review the Italian modes shown in J. S. Bach’s suite <Partita No.1 in B-flat Major, BWV 825> and its effective contemporary performances being conscious of the Baroque age music. For this purpose, this study reviews how the instrumental music and suite had developed in the Baroque age, and thereupon, examines how effectively the suite would be performed, being conscious of J. S. Bach’s keyboard performance technique. During the Baroque age, the instrumental music developed remarkably, while the music works were fundamentally based on the religious music. This study examines the major keyboard instruments for the instrumental music, focused on J. S. Bach’s representative instruments organ, cembalo and clavichord. The suite during the Baroque period was established by Johann Jakob Froberger in the mid-17th century when chamber music and orchestra boomed, allowing for the free style suites. The Italian mode effects shown in J. S. Bach’s <Partita No.1 in B-flat Major, BWV 825> are as follows. First, the name ‘Corrente’ implies that the suite was an Italian style. Secondly, although J. S. Bach did not much used it, the 8-line octave overlap used much by the Italian virtuosos was shown. Thirdly, in all the movements except for Praeludium and Gigue, the main melody is positioned, which shows the traces of the Italian music form. In order to perform the suite effectively, it is necessary to keep the unity, focused on B♭Major and F Major, while repeating the scale sequence and keeping the pedal point of B♭. Furthermore, it is also necessary to perform the suite with the clear tone at large, while following the different articulations and expressing the dynamics according to the upward and downward progression of the notes. The ornaments needs to be performed within the musical chart left by J. S. Bach for them, but depending on performers’ ability, an impromptu ornament may well be applied to enhance the effects of the performance. Lastly, it is hoped that this study would be helpful to the piano performers who would add their own performance styles and interpretations being conscious of the characteristics of the Baroque music and its forms. 본 논문은 J. S. Bach의 모음곡 <J. S. Bach Partita No.1 in B-flat Major, BWV 825>에 나타난 이탈리아 양식과 바로크시대에 따른 현대의 연주법에는 어떠한 방법이 효과적인지 연구하였다. 이를 위해 바로크시대의 기악음악과 모음곡이 어떻게 발전하였는지 알아보았고, J. S. Bach의 건반악기 연주방법에 따라 어떠한 방법으로 하면 연주자들이 효과적인 연주법으로 연주할 수 있을지 살펴보았다. 바로크시대는 기악음악이 크게 발전하였으며 음악은 근본적으로 종교음악에 바탕을 두었는데, 기악음악의 큰 부분인 건반악기를 J. S. Bach의 대표적 악기인 오르간과 쳄발로, 클라비코드에 대해 살펴보았다. 바로크시대 모음곡은 17세기 중반 프로베르거에 의하여 확립되었으며, 이 시대에는 실내악과 관현악으로 이루어져 자유로운 성격을 하고 있는 모음곡이 만들어졌다. <J. S. Bach Partita No.1 in B-flat Major, BWV 825>에 나타난 이탈리아 양식의 영향으로는 첫째, ‘코렌테(Corrente)’라는 명칭이 이탈리아 스타일의 작품인 것을 알 수 있었다. 둘째, 프렐루디움(Praeludium)에 J. S. Bach가 거의 사용하지 않았지만, 이탈리아 거장들이 많이 쓴 기법인 8도 베이스 중복이 나타났다. 셋째, 프렐루디움(Praeludium)과 지그(Gigue)를 제외한 나머지 악장의 상성부에 주된 선율을 위치하여 이탈리아적인 음악 양식의 영향이 나타났다. 효과적인 연주법을 연구하기 위해 작품을 살펴보았을 때, B♭Major와 딸림조인 F Major를 중심으로 통일성을 나타내고 주제 선율과 동형 진행의 반복, B♭음의 페달 포인트가 공통적으로 나타나며 작품 간의 연관성을 보여주고 있다. 이 작품을 연주할 때에 전체적으로 맑은 음색으로 또렷하게 연주하며, 각기 다른 아티큘레이션에 따라 연주하고 음의 상, 하행에 따라 다이내믹을 표현해야 할 것이다. 꾸밈음(장식음)은 J. S. Bach가 남겨놓은 꾸밈음 도표 안에서 연주하되 연주자의 능력에 따라 즉흥적으로 장식하여 연주하면 연주의 효과를 증대시킬 수 있다. 따라서 연주자들이 바로크시대 음악의 특징과 그에 따른 양식, 효과적인 해석을 함으로서 시대에 따른 연주법과 연주자 자신의 해석을 더해 연주하는 데 참고가 되어 좋은 연주가 될 수 있을 것이다.